El alfabeto progresivo de ADRIÁN ZÁRATE

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En esta ocasión me toca hablar de ADRIÁN ZÁRATE, quien es uno de los más destacados jóvenes talentos musicales que han surgido en la vanguardia mexicana durante esta última década: su instrumento más habitual es la batería, pero también es un teclista bastante solvente, es más, también gusta de desarrollar su talento musical en composiciones de material para bandas sonoras de documentales, música incidental para piezas de danza contemporánea y eventos artísticos varios, etc. Dentro del mundillo progresivo de su país, ya elaboró maravillas desde su rol de baterista en el grupo SAENA (liderado por el maestro JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ LEDESMA y gestor de un excelente disco debut que fue uno de los mejores ítems del progresivo mundial hace un par de años). Como solista, a fines del año pasado, ADRIÁN ZÁRATE nos ha brindado “De La A A La Z” a través del sello Luna Negra: se trata de una obra ecléctica donde el gran peso que tienen alternadamente el jazz-rock “progresivizado” y el RIO los convierten en los dos centros estilísticos de la misma.

El primer tema, ‘...Y Tres Hacen Todas Las Cosas’, nos muestra a ZÁRATE desdoblándose en batería, teclados y percusión: es una ejecución exclusivamente solista, no por un trío, y ello repercute en ampliar tremendamente los méritos del mismo ZÁRATE, pues se trata de un ítem alucinadamente complejo, lleno de disonancias y quiebres en fiel seguimiento de las pautas RIO enarboladas por el HENRY COW del “Western Culture”. Esta introducción es un prodigio de cómo se puede acomodar ideas musicales chocantes dentro de un esquema refinado y delicado, pero no es un indicio de una línea de trabajo unívoca, pues lo que sigue inmediatamente después es una serie de temas más concienzudamente enfocados en el factor jazzero: ‘Dónde Es’ ofrece climas introspectivos e intimistas, ‘Coincidencias’ sube la dosis de extroversión sobre una cadencia funky emparentada con la fusión de los 70s (MAHAVISHNU, RETURN TO FOREVER) y ‘Heavy Mental’ se concentra en la polenta propia del jazz-rock de tendencias contemporáneas. Como antesala a esta última pieza que mencionamos, la breve pieza homónima elabora un ejercicio de chamber-rock bastante pulcro. La ideología de la continua novedad se proyecta con el arribo de ‘Banda De Rock’, un rock’n’roll burlón que satiriza directamente la lógica del mercado rockero: una composición como ésta no hubiera desentonado en un disco de FRANK ZAPPA de los últimos 70s (p.e., “Zoot Allures”). La breve aventura dadaísta ‘Avándaro’ (notas sueltas de piano y un raro monólogo) sirve de puente entre ‘Banda De Rock’ y ‘Dunkellicht’, hermosa pieza de corte RIO cuyo suntuoso esquema académico le permite proveernos de un momento de lirismo en medio de su explícitamente bizarra naturaleza.

‘Luz Vestal’ es una pieza académica para violines, viola y contrabajo (se usa una violectra para reemplazar materialmente a la viola) que toma el lirismo de la pieza precedente y lo lleva hacia una dimensión poética. ZÁRATE no toca nada en esta pieza, pues deja que su colega de SAENA Alejandro Sánchez se haga cargo de casi toda la instrumentación, pero ADRIÁN enarbola arreglos crucialmente misteriosos para esta pieza en cuestión. Ello responde precisamente a la necesidad de abrirnos las puertas a la extravagante secuencia de los tres siguientes temas: ‘Grrins Liivs’ (surrealista deconstrucción de la famosa cantata renacentista inglesa ‘Green Sleeves’ en base a tarareos inescrutables y aleatorios adornos percusivos), ‘Memorias Del Origen’ y ‘Florece’ (sendos ahondamientos sesudos en la ideología RIO de fuerte componente digital). Los últimos 8 ½ minutos del disco están ocupados por ‘Estuve En Tiempo Encerrado’, pieza que exhibe un encanto muy peculiar, encanto basado en su mezcla de fusión con predominancia percusiva y experimentación crimsoniana a lo BRUFORD/LEVIN: los juguetones coloridos que ZÁRATE sabe extraer de sus rototoms y demás recursos percusivos se explayan sólidamente sobre el swing peculiar que él mismo establece desde su batería, mientras que el invitado de lujo Hugo Santos ( otro colega en SAENA) aporta ideas gravitantes desde su Stick. Así concluye el ecléctico viaje musical que ADRIÁN ZÁRATE ha forjado en este bizarro alfabeto progresivo titulado “De La A A La Z” – especialmente recomendado a los melómanos de mentalidad abierta y curtida.

Los espectros progresivos de DELTA RED

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Proveniente de la localidad de Querétaro (una zona muy prolijamente musical del centro de México), el power-trío DELTA RED ha culminado estos primeros años en el oficio musical con el registro de su excelente disco debut “Gama De Espectros”, el mismo que data de finales del año pasado 2009. Este disco es una atrapante muestra de rock progresivo ecléctico que se basa principalmente en una mixtura de psicodelia pesada y jazz-rock, mostrando afinidades claramente definidas hacia la fusión, la experimentación rockera a lo BOZZIO LEVIN STEVENS, el math-rock y unos cuantos recursos crimsonianos en ciertos lugares. En cuanto a referencias latinoamericanas, la polenta adusta de DELTA RED se asemeja más a la faceta eléctrica de TRYO y de los pioneros de la fusión progresiva argentina ARCO IRIS que a la garra estilizada de MAR DE ROBLES o de ERGO SUM.

Ocupando los primeros casi 12 minutos del disco, la pieza homónima nos muestra a unos DELTA RED dispuestos a abrir el disco a lo grande y vaya que lo logra. Desde los instantes iniciales, el grupo se explaya con un largo jam en 5/4 que habrá de conformar el cuerpo central de la pieza. Éste se arma una atmósfera de consistencia y expectativa desde la cual se alumbra una sonoridad rockera sólida y moderadamente apremiante, a veces subiendo el nivel de intensidad, en otras ocasiones más contadas derivándose hacia parajes marcados por una sutileza contemplativa. ‘Estampida’ inicia subiendo la velocidad y enfilándose en una estampida musical en la que el grupo acuda a cadencias jazz-funky, lo cual logra que el esquema sonoro resulte ágil. Para su segunda mitad, el espacio torna hacia ambientes más lánguidos, los cuales insertan una saludable variedad al asunto en clave meditabunda. ‘Segunda Premier’ desarrolla una ambición similar a la del tema homónimo con la salvedad de que el derroche de electrizante energía rockera incorpora ambientes más variados y culminaciones rockeras más poderosas: la polenta resultante se expande con cada nuevo riff, cada golpe de tambor, cada secuencia rítmica. La ilación de motivos frenéticos y lentos alternados está armada con impecable fluidez. La verdad que la pareja de – ‘Estampida’ y ‘Segunda Premier’ establece un clímax inapelable de todo el disco en bloque. ‘Cuarto Oscuro’ se basa es una pieza abiertamente texturial en su esquema compositivo, pero su aureola envolvente no se traduce en sonoridades suaves: por el contrario, porta una dosis importante de aspereza en la mayor parte de su desarrollo, parcialmente heredera del crimsonismo. La presencia de un eficaz saxofonista invitado ayuda bastante a llenar espacios y crear ornamentos interesantes.

‘Día Fuera Del Tiempo’ funciona perfectamente como una muestra significativa del tipo de propuesta progresiva que DELTA RED pretende esencialmente aportar al mundo, y básicamente se puede decir lo mismo de ‘Opus 14’, pieza que establece patentes conexiones estilísticas con el RUSH clásico y el KING CRIMSON 72-74 de manera entusiasta. Estos dos temas junto con ‘Estampida’ y ‘Segunda Premier’ conforman, en mi opinión, los momentos cumbres del álbum. Por su parte, ‘Ciempiés’ se orienta en ahondar el factor jazz-fusión sobre una prominente cadencia funky: la coda en clave fusión tropical elabora una oportuna vibración optimista a la hora de redondear decisivamente la idea. ‘El Dique’ ofrece al comienzo climas lánguidos y misteriosos en clave de jazz-rock psicodélico, al modo de un HOLDSWORTH “hendrixiano”; para cuando el ambiente se torna más áspero y pesado, las cosas se tornan más cercanas al rock pesado de LED ZEPPELIN con añadidos matices jazzeros, y la fase final es realmente pletórica en sonoridades cañeras y ágiles. Los últimos 8 minutos y pico del disco están ocupados por ‘Venus’, pieza que pasa revista definitiva a las coordenadas estilísticas que el trío ha estado explorando con absoluta consistencia hasta el fin – un cierre entretenido y enérgico que completa el sentido de “Gama De Espectros”, un testimonio de la amplia creatividad que se da actualmente dentro de la vanguardia rockera mexicana. DELTA RED merece plenamente la atención de los coleccionistas e investigadores del género progresivo.

Muestras de “Gama De Espectros”.-
El Dique: https://myspace.com/deltared3/music/song/el-dique-the-dam-53841898-58239872
Venus (en vivo): https://myspace.com/deltared3/music/song/venus-live-38504904-40702974 

DAAL - un origami disorgánico hecho rock progresivo

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Saco a colación en este post a otro grupo que he conocido un poco tardíamente: me refiero a DAAL, proyecto italiano conformado por los dos veteranos Alfio Costa (teclista de COLOSSUS PROJECT, PROWLERS, TILION, etc.) y Davide Guidoni (baterista-percusionista de NUOVA ERA, TAPROBAN, OZONE PLAYERS, etc.). Su disco 2009 se titula “Disorganicorigami”, el mismo que resulta una mezcla de tributo a y reformulación de varias pautas clásicas del género progresivo, producto de una línea de trabajo sanamente ecléctica donde la variedad de ideas musicales en curso logra mantenerse bien focalizado en un esquema integral. Antes de este disco, esta dupla ya había concretizado su participación en una grabación multi-grupal de tributos al rock progresivo sueco titulado “Rökstenen”; además, está actualmente preparando sus aportes respectivos para un tributo progresivo al “Paraíso” de Dante y otro a los relatos de Edgar Allan Poe, ambos a ser publicados por Musea Records en el futuro próximo. Varios invitados van y vienen para aportar matices y solos desde la guitarra, los vientos, las cuerdas, el bajo y las voces, logrando así completar dinámicamente las ideas compositivas de Costa y Guidoni.

La diversidad de estrategias estilísticas que confluyen dentro del bien perfilado concepto sonoro de “Disorganicorigami” abarca al space-rock, al sinfonismo, a cosas cercanas al prog metal, a pasajes de corte free-jazz, incluso a una especie “modernizada” de rock in opposition junto a amables recuentos del estándar del así llamado World music. También hallamos en este disco sendos tributos a PINK FLOYD y al RAGNAROK sueco (en realidad, este último es un bonus que consiste en el cover de un tema del segundo disco e RAGNAROK para el mencionado recopilatorio “Rökstenen”). Con ruidos de sirena de alarma antibélica y secuencias sintetizadas espaciales se arma el clima de la pieza introductoria ‘Holocaustica’, un alucinado viaje musical por el camino del space-rock cuasi-metálico. Es una secuencia de latidos la que nos conecta con el siguiente tema ‘Chimaira’, el cual hereda mucho de los climas cósmicos y heavy del tema de entrada pero para reciclarlos a través de una confluencia entre el dinamismo del rock psicodélico y la fastuosidad imponente del rock sinfónico más ostentoso, con inocultables (aunque no exagerados) matices de prog-metal que entran a tallar con el fin de realzar el colorido general. Los riffs de guitarra son bastante contundentes desde su rol funcional, pero es en el perfecto encuadre entre el swing de Guidoni y los variados recursos que Costa extrae de sus sintetizadores y pianos donde radica la esencia de la pieza. ¿A qué sonaría OZRIC TENTACLES tocando un tema compuesto para el primer álbum de GORDIAN KNOT y contando con Gavin Harrison como baterista invitado? La respuesta se sabrá escuchando este tema… y de paso, dejándose cautivar por él. ‘Mo(o)nso(o)n’ sigue a continuación para trasladar el hasta ahora imperante ambiente space-rock hacia una dinámica ágil que combina la experimentación étnica del World music y apabullantes sonoridades astrales cibernéticas que nos remiten tanto a TANGERINE DREAM como al OZRIC TENTACLES de los primeros 90s. El solo de violín a cargo del invitado Riccardo Palfanin alterna pasajes de evidente corte académico con otros más etéreos que se condicen con las alusiones étnicas anteriormente mencionadas. Después de una sirena antibélica y un cardiograma, que no nos sorprenda que un tono de teléfono sea el ítem que introduce el cuarto tema, ‘Brain Melody’. Aquí la cosa pasa a un sendero menos astral y más cerebral, afín al estándar del chamber-rock galo (sí, algo así como UNIVERS ZERO). Los aires de misterio y tenebrismo se plasman perfectamente en las espartanas escalas de piano y capas de mellotron que emergen sobre la arquitectónica base rítmica armada por Guidoni. El siguiente tema, ‘The Dance Of The Drastic Navels, Part 1’, dura casi catorce minutos y medio. Durante sus primeros 3 minutos, el asunto está focalizado en ambientes concretos electrónicos que tienen mucho en común con el krautrock de base sintetizada (TANGERINE DREAM, CLUSTER), pero poco después la cosa vira inesperadamente hacia una excursión de free-jazz bastante solvente. Dentro del contexto musical que se había estado explayando en los primeros cuatro temas del disco, esto no parecía tener sentido, pero una vez que nos detenemos a escuchar lo que está pasando, podemos advertir la solidez técnica con la cual se desempeña el dúo. El invitado Alessandro Papotto, quien había aportado algunos matices de oboe a través de la secuencia espacial inicial, opera en la porción free-jazz con musculares elaboraciones al saxo. Al llegar al sexto minuto y medio, volvemos por un rato al minimalismo concreto para luego tornar hacia un modelo sinfónico inquietante que suena a un ELP “crimsonizado”. Parece mentira que se pueda crear tanta robustez rockera sin que esté involucrada ninguna guitarra… pero es realidad. Poco antes de llegar al minuto 10 se produce un nuevo y definitivo regreso a los climas cósmicos, un poco a lo JOBSON-con-VANGELIS.

Los siguientes 3 minutos del disco están ocupados por la pieza homónima. Ruidos mecanizados y respiraciones generan un espíritu de expectativa en medio de un contexto industrial, y esto es solo el principio de la extravagancia. El tenso solo de saxo a manos de Papotto y los samplers de bandas militares completan este cuadro musical abstracto que parece evocar imágenes surrealistas inspiradas en la deshumanización del mundo contemporáneo. El tributo a la emblemática banda PINK FLOYD llega con un cover de ‘A Saucerful Of Secrets’, un producto osado y original que logra crear algo renovado a partir de esta referencia universal para cualquier melómano progresivo. DAAL se vale de su propio interés por explorar artilugios digitales dentro de lo progresivo para impulsar su propia creatividad en relación con esta pieza ajena. La sección final recibe una dosis especial de candor merced a la intervención de una dupla vocal femenina. ‘Children Of Our Dreams’ es el epílogo del repertorio oficial del disco – basado en un bonito motivo de piano, incluye sobrios arreglos de cuerda y madera además de algunos ornamentos industriales en el trasfondo. La idea de esta pieza es extender un manto de bella serenidad sobre las inacabables alusiones a una inquietud inminente, y realmente es una idea excelente para completar el concepto de “Disorganicorigami”. No perdamos de vista a DAAL: quién sabe qué nuevas sorpresas progresivas nos brindará en el futuro.

"Trans-indulgent", distinguida obra de un panel de expertos progresivos

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Comenzamos nuestras reflexiones progresivas de junio con un distinguido panel de expertos que justamente responde al nombre colectivo de DISTINGUISHED PANEL OF EXPERTS. El susodicho es un ensamble instrumental de jazz-rock progresivo que nació como iniciativa del bajista Mike Sary, líder permanente de FRENCH TV, quien no tuvo mejor idea en el año 2007 que congregar a Shawn Persinger (guitarrista del recordado grupo de jazz-rock BOUD DEUN), al teclista Guy LeBlanc (el hombre de NATHAN MAHL y ocasional lugarteniente de Andy Latimer en CAMEL) y a un ex-baterista de FRENCH TV llamado Chris Vincent. Todo este pedigrí que reúne a creadores de propuestas sólidas dentro del jazz-rock, el sinfonismo y el RIO se concentra en una muestra sólida y contundente de la primera de estas fuentes sónicas mencionadas. Pero lejos de ser un refrito del enfoque ácido de BOUD DEUN o del NATHAN MAHL originario, la variante jazz-progresiva que ofrece este panel de expertos tiene su propia afirmación fresca y particular, a tono con la escena contemporánea y mostrando en ciertos momentos la herencia de la añeja tradición 70era. Merced a la iniciativa conjunta de Musea Records y Luna Negra, este súper-grupo pudo lanzar al mercado el ítem “Trans-indulgent” a fines de 2009; recién ahora nos damos abasto para hacer la reseña del mismo.

‘And Then... The Sigh’ abre el disco con ímpetu avasallador y espíritu entusiasta, un ejercicio de jazz-rock extrovertido en el que Persinger y LeBlanc despliegan mutuos desafíos muy a tono con la agilidad propia del tema. ‘(Palindrome)’ baja los humos para elaborar un jam más lánguido, el cual incluye ciertos elementos cósmicos en su estructura sónica; ‘Mundele’ se engarza con el tema precedente para darle un cierre armado en base a inquietantes juegos disonantes sobre un esquema rítmico a lo free-jazz. ‘Pretentious Literary Reference’ nos trae un ambiente más cálido, portando algo de la extroversión del tema de entrada aunque con una dosis menor de intensidad. Con sus casi 10 1/2 minutos de duración, ‘East Lansing To East Berlin’ resulta la pieza más extensa del disco. La mayor parte de su primer cuerpo central (que ocupa un espacio de 7 minutos, más o menos) se focaliza en un jam lento que elabora cadencias sobrias, las mismas que incorporan ciertas texturas psicodélicas a lo largo del camino así como algunos pasajes poderosamente rockeros que crean un clímax envolvente. ¿Sería incoherente recordar a ALLAN HOLDSWORTH en momentos como éste? Más tarde, un segundo cuerpo irrumpe para generar un clima contundentemente incendiario durante los últimos 3 minutos y pico. La breve pieza ‘Larry's Westport Fantasy Inn’ ofrece un puente cálido y etéreo entre las piezas precedente y subsiguiente: básicamente, se trata de una serie de ágiles acordes a la guitarra y el bajo. ‘Hong-Kong Blindfold’ comienza explayándose en amables cadencias que desarrollan climas optimistas; luego llega un extenso interludio armado por los teclados de LeBlanc, el cual brinda una sorpresa progresiva muy sugerente en clave chamber-rock. El reprise del cierre redondea esta idea bipolar exitosamente. Posiblemente tengamos en esta dupla de y al ápice del álbum, pero con los 21 minutos que quedan podemos estar seguros de que todavía hay más belleza sonora que disfrutar.

‘Song For Wesley Willis To Sing (Worker Bees)’ es principalmente un jam enérgico a medio tiempo, muy en onda con la tradición de WEATHER REPORT y RETURN TO FOREVER, o sea, un animado repaso de la gloriosa era del jazz-fusión 70ero. La sección final (la porción de ‘Worker Bees’) es un blues de salón sazonado con un monólogo sobriamente burlesco. ‘Dog Years’ se engarza como una coda experimental dominada por la batería y aditivos percusivos de Vincent más adornos de bajo a cargo de Sary. Esta orientación vanguardista se perpetúa en ‘Concert In Central Park’, pieza inundada por flotantes climas deconstructivos en clave free-form durante sus primeros 5 minutos y medio. Al llegar a este punto, la banda elabora una intentona de cálida sección rockera que emerge como una ligera intrusión en medio del esquema abstracto general. Una pieza rara pero convincente dentro de la propuesta jazz-prog ecléctica que conforma el norte de este combo. A contrapelo de su título y como cerrando el círculo musical del disco, ‘Underachiever’ completa los últimos 3 1/2 minutos del mismo con un clima de puro jazz-rock expresado con abundante magnetismo de vigorosa extroversión: Persinger nos demuestra por enésima vez lo buen guitarrista que es. De este modo concluye “Trans-indulgent”, un disco ideal para los melómanos amantes del jazz-rock y del progresivo con raigambre jazzera. DISTINGUISHED PANEL OF EXPERTS es una criatura que sabe alimentarse de la pericia y talento de sus componentes individuales bien entrelazados en su comunión.

ÁBRETE GANDUL - el 10mo aniversario de sus aventuras progresivas

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En éste, mi primer mensaje del año 2010, quisiera hacerme eco del 10mo aniversario de ÁBRETE GANDUL, grupo chileno que ha venido haciendo aportes muy interesantes dentro de la vanguardia rockera de su país. Hasta el momento tienen registrados dos trabajos en el mercado musical: “¿Bichos = Dichos?” y “Cuentos Para Dormir”, los cuales datan del 2000 y del 2005, respectivamente.

Para el primer disco, “¿Bichos = Dichos?”, el grupo consistía en la formación de Antonio Arceu (batería), Rodrigo García (bajo), Rodrigo Maccioni (guitarra electroacústica, flauta) y Doctor Octava (guitarra, guitarra sintetizada, bajo, voz), siendo así que este último componía la mayor parte de las piezas. Bajo el liderazgo de Doctor Octava – cuyo nombre real es Mauricio Dell – ÁBRETE GANDUL exhibía una sonoridad ecléctica donde se conjugaban elementos de PRIMUS, ZAPPA y KING CRIMSON dentro de una armazón polimórfica de psicodelia, jazz-rock y pop Indie. El factor satírico era muy pronunciado por aquel entonces, y eso podía notarse de entrada desde el tema homónimo que abría el disco. ‘Quiero apagarte’ y ‘Gracias niños’ eran otros temas emblemáticos de la extravagancia humorística que suponía un elemento crucial de ÁBRETE GANDUL. ‘Estamos de suerte’, por su parte, dibuja osados vuelos instrumentales gobernados al unísono por el free-form y la psicodelia robusta dentro de un esquema de trabajo inconfundiblemente progresivo. Otro tema a destacar es ‘Hay que volver a los chinos’, tema ágil e inquietante que en “Cuentos Para Dormir” reencontrará una versión un poco más potente.


En el momento en que “Cuentos Para Dormir” era concebido, grabado y finalmente editado, el grupo ya estaba conformado por un quinteto netamente instrumental. Siendo ahora Rodrigo Maccioni el compositor principal y con Antonio Arceu aún a cargo de la batería, ÁBRETE GANDUL se completaba con los nuevos integrantes Rodrigo Pinto (guitarras eléctrica, acústica y midi), Jaime Acuña (teclados) y Pedro Santander (bajo). El sonido grupal está mucho más focalizado, centrado en una arquitectura progresiva crimsoniana que lo emparenta con otras bandas compatriotas como EXSIMIO, FLOTANTE, ESTIGMA, ERGO SUM, TRYO, etc. Las composiciones que integran este disco suelen oscilan entre lo etéreo y colorido, por un lado, y lo neurótico y tenso, por el otro. El elemento jazz-rock también permanece como una referencia estilística sólida, y es justamente por ahí que de vez en cuando emergen los pasajes más líricos – mayoritariamente de la mano de la flauta de Maccioni. El tema de entrada ‘No se metan con el Capitán Problema’ es prácticamente un manifiesto de admiración por el KING CRIMSON de Fripp y Belew, mientras que ‘Al fin y al cabo’ alterna la agilidad jazzera con la densa pesadez propia de un híbrido entre el KING CRIMSON etapa “Red” y el primer PRESENT. ¡Qué manera de ocupar los primeros 10 minutos de un disco progresivo! ‘Primanocte’ y ‘La ira de la novia de Byron’ son otras piezas que destacan notablemente en cuanto a la manifestación de las ambiciosas pautas estilísticas afianzadas en el espíritu de la banda. Pero si hay un tema que señala el pináculo del disco es justamente el tema de cierre, ‘Disminuyéndote’, pieza inmensamente climática que consta de una primera sección grácil y coqueta, y una segunda sección perdida en una densidad que se explaya de una manera que resulta a la vez inquietante y cautivadora. Admito que se trata de mi tema favorito de todos los que ha grabado hasta ahora ÁBRETE GANDUL - no son pocas las veces en que, al escuchar “Cuentos Para Dormir”, he repetido la escucha de este tema en particular.

Los años han ido pasando y Rodrigo Pinto decidió dejar la banda, pero ÁBRETE GANDUL sigue adelante como cuarteto, creando material para un próximo nuevo trabajo. Mientras tanto, el grupo ofrecerá una Tocata Histórica por su mencionado 10mo aniversario el día viernes 22 de enero de 2010, a las 21:00, en la Sala SCD Bellavista (Santa Filomena 110, Barrio Bellavista – Santiago de Chile). Los invitados especiales en esta ocasión musical serán, como no podría ser de otra manera, los ex-integrantes Doctor Octava y Rodrigo Pinto. Más información en www.myspace.com/abretegandul , y de paso, se escucha parte de su excelente material.

¡¡Que todo resulte fenomenal!! – ÁBRETE GANDUL se lo merece.

ALTRUISMOS - la joven imagen del rock progresivo argentino

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Hoy es hora de hablar sobre ALTRUISMOS, banda argentina muy nueva y también muy joven: en este tiempo en que su disco debut “Imagen” acaba de ser lanzado al mercado por vía de viajero Inmóvil, tres de sus cuatro componentes no han llegado todavía a la veintena y el cuarto recién tiene 23 años. Tal como se puede sospechar, el sonido de la banda está lleno de vigor e ímpetu, un sonido alimentado por las ganas de plantearse un reto ecléctico y exigente donde se mezclan la magia sofisticada del estándar progresivo, el colorido robusto del prog-metal y la exquisitez del jazz-rock (con una inspiración repartida entre la tradición 70era de MAHAVISHNU ORCHESTRA y RETURN TO FOREVER y las ofertas más recientes de TRIBAL TECH, PLANET-X y LIQUID TENSION EXPERIMENT). Frente a nuestros oídos, ALTRUISMOS desarrolla el camino hacia su madurez, siendo así que ya encontramos indicios puntuales de ella en varios pasajes de este disco debut.

El disco comienza con una introducción cósmica, la cual se engarza muy bien con las ambientaciones etéreas que conforman el cuerpo central de ‘Factor Crisálida’: este primer tema “real” empieza concentrándose en climas evocativos sobre un desarrollo rítmico lento, conformando así una confluencia entre PINK FLOYD y PAT METHENY, con su leve toque crimsoniano. El rol líder del guitarrista Pereda dentro del esquema sonoro general está claramente definido. En los últimos pasajes, la pieza se intensifica para así desarrollar un filo rockero más agudo, aunque siempre permanece el espíritu evocativo de base. ‘Altruista’ es el primer tema del álbum donde la banda se explaya en su faceta extrovertida, que es a todas luces la más recurrente. Se trata de un tema claramente encapsulado entre las coordenadas del jazz-rock metalizado, al modo de un híbrido de LTE y GORDIAN KNOT empapado de aromas a lo RTF: de hecho, las tonadas de piano que Nocelli elabora en varios pasajes portan la influencia de Chick Corea, y además, también toca un solo de órgano bastante impresionante, dicho sea de paso. En este momento, el disco ya ha elevado la temperatura del ambiente, y es así que ‘Erradia Crónica’ entra a tallar con su alegre dinamismo.
El tema comienza con un swing fabuloso, enmarcado en una sonoridad moderna y ahondando en las profundas inquietudes jazzeras del grupo. No tarda mucho el ensamble en desplegar su sentido aventurero pues la pieza fluye por cadencias que coquetean abiertamente con el free-jazz, llegando finalmente el grupo a intoxicarse con aguerridos climas psicodélicos antes de llegar al sexto minuto. A partir de aquí, se arma gradualmente un motivo arquitectónico marcado por la dupla de guitarra y bajo, el mismo que abre camino para el tema homónimo. ‘Imagen’ es una pieza extensa y ambiciosa, lo cual deja campo abierto para que el grupo organice su visión ecléctica de jazz-rock, progresivo sinfónico, neurosis crimsoniana de la etapa 90s-00s y tendencias metaleras dentro de una amalgama compositiva fastuosa y vitalista… y por qué no, también ostentosa. En muchos aspectos, esta pieza condensa la línea de trabajo de Altruismos desde su particularidad. ‘Comela’ nos devuelve a las experimentaciones jazz-rockeras de ‘Altruistas’ y ‘Erradia Crónica’, aunque con un filo rockero más minucioso y una armazón sonora en líneas generales más muscular. El tema más largo del disco (y el único cantado) es ‘Pánico En Deja Vú’, el cual ocupa un espacio un poco mayor de 14 minutos. Tras una breve introducción psicodélicamente aleatoria, la pieza se enmarca en un ambiente contemplativo majestuoso, claramente definido en lo sinfónico con ciertos matices prog-metal llamados a generar una añadida fastuosidad. A partir del noveno minuto, la vertiente prog-metal pasa a ser el ingrediente principal a partir de la creación de un jam potente que transmite ambientes inapelablemente robustos. Después de su arrebatadora conclusión, los climas psicodélicos de apertura regresan para armar una coda intrigante.

En mi humilde opinión, algunos detalles de la producción de sonido de “Imagen” pudieron haberse elaborado mejor a fin de que los sonidos del bajo no quedaran un poco “perdidos” entre la compleja labor del baterista y las esforzadas labores del guitarrista y el teclista, pero nada de esto altera mi percepción positiva sobre los méritos musicales del disco en cuestión. Hay que prestar atención a esta ópera prima de ALTRUISMOS y a todo lo que el susodicho grupo pueda irnos ofreciendo en futuros trabajos discográficos: por lo pronto, el grupo ha comenzado con buen pie.

Concluimos esta reseña con unos tubitos que dejan constancia de la energía inherente a este joven ensamble argentino:
Altruista - http://www.youtube.com/watch?v=OZjwM9Uuods
Imagen - http://www.youtube.com/watch?v=mP6aUMcqILY

La onomatopeya musical de CUAC! - grata sorpresa progresiva para fines de 2009

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Hace pocas semanas, el grupo español CUAC! lanzó al mercado su homónimo disco debut, después de varios años en la brega por difundir su visión ecléctica de la música moderna: una confluencia de jazz fusión, funky, rock progresivo, pop de línea Indie y psicodelia se desarrolla de manera convincente en el repertorio de “Cuac!”. El mismo grupo denomina a su estilo con el neologismo de “onomatopop”: básicamente, se trata de una celebración humorística de su propia iconoclasia sonora. Anecdóticamente, la formación de CUAC! involucra a miembros del grupo SENOGUL tanto en el personal como en la lista de músicos invitados: de hecho, el lanzamiento de “Cuac!” se enmarca dentro de un proyecto discográfico llamado Disconsonancia, el cual busca crear y dar espacios a bandas relacionadas con los mencionados SENOGUL.

El disco abre con ‘No te conocía ese jersey’, tema que comienza con serenas capas de sintetizador sobre las que Pire expone un canto dulce con un toque leve de neurosis, para que luego el cuerpo central se desarrolle sobre un groove fusionesco refinado. El solo de guitarra medio a lo Fripp aporta un factor extraño al asunto sin romper con el esquema general de la pieza, el cual también incluye algunas escalas crimsonianas 80eras y un breve (demasiado breve) solo de sintetizador a lo Bardens. Tras esta gran entrada viene ‘Anika Pistophen’, tema enmarcado en cadencias bossanova, siendo así que perpetúa la refinada aureola evocativa iniciada por el tema de entrada: la presencia invitada del saxo completa eficazmente el carácter de la pieza. ‘Nun’ se enmarca en un ambiente más grisáceo, misterioso con un cierto talante ensoñador, casi en la onda de PORTISHEAD con su matiz crimsoniano extra: la coda de esta pieza se desarrolla en un excelente clímax progresivo. Con ‘Voleybol para adultos’, el grupo se retrotrae hacia esquemas jazzeros más serenos, para que acto seguido, el instrumental ‘Heliocentrismo’ nos brinde una atmósfera sinfónica ingeniosamente envolvente. ‘ExBeachIt’ es un cálido ejercicio de jazz-pop cuyo colorido sobriamente ágil no tiene mucho que ver con las intrigantes sutilezas de ‘Vomitina’, pieza que me suena a un conglomerado de PORTISHEAD y TORTOISE con BJORK a la cabeza: la descripción formal que acabo de hacer no resulta descabellada, merced a la manera tan contenida en que el grupo sabe armar sus amalgamas sonoras. ‘Fuagrás’ se encuadra dentro del jazz-pop con tonalidades muy amables (más un impresionante solo de saxo invitado), mientras que ‘¡Que alguien haga algo!’ se desenvuelve en climas psicodélicos flotantes, llenos de vitalidad sin hacerse realmente agresivo. ‘Marlene’ es un tema a ritmo de cabaret germánico, gracioso, muy a contrapunto con el tema que viene a continuación, ‘Abismo’, que tiene una belleza melódica manejada con agilidad. Su engañoso aire relajante en realidad refleja una misteriosa inquietud, y además, en sus momentos más intensos expone una plenitud neurótica inapelable, amén del que me parece el mejor solo de guitarra en todo el disco. ‘Tumbaos’ regresa a las aguas cálidas del jazz-fusión con aires latinos, antes de que ‘Corredor en el filo’ cierre el disco con esa ágil mezcla de jazz-rock y rock sinfónico que ya se hizo presente en otras piezas dominantes del álbum.

En verdad, esta oferta brindada por CUAC! me ha supuesto una gratísima sorpresa melómana para fines de este año 2009, independientemente de que le queramos llamar rock progresivo, rock ecléctico u onomatopop.

MIRIODOR avanza en su reinado progresivo con una joya progresiva del 2009

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El grupo canadiense MIRIODOR, como para no perder la costumbre, ha vuelto a lucirse con una nueva joya fonográfica titulada “Avanti!”, la misma que supone para mí una integrante necesaria del Top 5 progresivo para el presente año 2009. Publicado por el sello Cuneiform, “Avanti!” nos muestra a esta banda convincentemente afianzada en su faceta más poderosa, siendo así que su propuesta de R.I.O. modernizado se beneficia de un uso más recurrente de sonoridades y arreglos musculares. Contando actualmente con el formato condensado de cuarteto, Bernard Falaise se encarga de las guitarras, bajo sin trastes, mandolina, banjo, teclados y efectos de tornamesa; Pascal Globensky, de los teclados, piano y sintetizadores; Rémi Leclerc, de la batería, percusiones y sampleos; y Nicolas Masino, del bajo, piano y teclados. Los invitados ocasionales a los vientos (incluída la ex- miembro Marie Chantal Leclair en el saxo soprano) hacen notar sus aportes con prestancia y habilidad debidas.

‘Envoutement’ abre el disco con una cadencia lenta y densa, explícitamente marcada por aires psicodélicos donde el bajo distorsionado asume un protagonismo inapelable dentro del esquema instrumental global. Cuando llega la segunda sección, el tema torna hacia climas más gráciles, basadas en juegos amables de disonancias en una suerte de confluencia entre UNIVERS ZERO, MANEIGE y GENTLE GIANT. La precisión arquitectónica en las interrelaciones de los músicos es admirable, lo cual no obstaculiza la expresión de calidez. ‘Bolide Debile’ se estructura sobre una sólida cadencia jazzera, con lo cual se gesta un esquema constantemente extrovertido sobre el cual los diversos motivos transitan con impecable fluidez. El solo de guitarra final es todo un tributo a Fred Frith. ‘La Roche’ guarda una aureola más contenida, incluso nostálgica: a pesar del tono decididamente experimental de su desarrollo temático (con algunos retazos inesperados a lo ZAPPA), el compás calmado permite que prevalezca y se afiance la sensación de dulce melancolía, incluso en aquellos pasajes donde lo tétrico parece apoderarse de la atmósfera general. ‘Écart-type’ se destaca, para empezar, como la pieza más extrovertida de todo el álbum: el clima juguetón que la atraviesa de forma sistemática parece diseñado para desarrollar un espíritu celebratorio. Una vez más, cabe destacar el fuerte peso que las herencias de MANEIGE y GENTLE GIANT tienen en le esencia particular de MIRIODOR, así como algunos factores procedentes del Canterbury de HATFIELD & THE NORTH y NATIONAL HEALTH. ‘À Déterminer’, con sus casi 10 ½ minutos de duración, resulta el tema más extenso del disco. Mayormente desarrollado sobre estructuras rítmicas contenidas, el tema despliega una majestuosidad a veces penetrada por una sensación de denso misterio, otras veces ordenada bajo la lógica de la tensión y la neurosis, siempre muscular, nunca chocante, sabiamente articulada a través de sus comedidos vaivenes internos hasta llegar a una conclusión alegremente traviesa. Los últimos 16 minutos del disco están ocupados por dos temas que conjuntamente completan un clímax perfecto para el mismo. El primero es el tema homónimo, el cual establece un esquema de jazz-progresivo que tiene tanto que ver con el estándar de MANEIGE y SLOCHE como con el nervio psicodélico del KING CRIMSON 73-74 y la ágil sofisticación de GENTLE GIANT, además de su momentánea sorpresa zappiana. El último es ‘Réveille-matin’, pieza contenida bajo una armazón evocativa en donde el núcleo melódico incorpora texturas exóticas. En buena medida, este tema captura una perfecta síntesis de los sonidos y ambientes que han ido predominando a lo largo del repertorio íntegro del álbum, y teniendo en cuenta que hay un espíritu primordialmente ceremonioso en esta pieza en particular, está correctamente ubicado al cierre.

“Avanti!” es un despliegue espectacular de imaginación progresiva. Teniendo una trayectoria tan extensa y un esquema sonoro tan férreamente definido, MIRIODOR no es hoy en día tanto una banda dispuesta a generar inauditas sorpresas para quienes ya la siguen desde hace tiempo como una banda capaz de recrear nuevas vitalidades a lo largo del camino – que tiene suficiente maestría como para lograrlo en proporciones geométricas con cada nuevo disco, es una intuición que se confirma a plenitud y con creces tras unas pocas escuchas detenidas de “Avanti!”.


Muestra de “Avanti!”.-
La Roche: http://vimeo.com/25809418

THE TANGENT y sus nuevos relatos progresivos - elogio de "Down And Out In London And Paris"

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Tal parece que Andy Tillison no se conforma con ser un cercano amigo de Roine Stolt, sino que también se propone compartir con él el cetro del “mayor trabajólico del progresivo actual”: así parece demostrarlo con su manera tan consistente e imparable de dirigir la trayectoria fonográfica de THE TANGENT, siendo así que el nuevo disco “Down And Out In Paris And London” acaba de salir al mercado casi al unísono de “Jitters”, disco de retorno de PARALLEL OR 90 DEGREES que ya fue reseñado por quien escribe en un momento anterior. A diferencia de este último THE TANGENT es un ensamble que se siente cómodo transitando por las composiciones de largo aliento dentro de un esquema progresivo retro. Ostentando influencias de YES, ELP y el VAN DER GRAAF GENERATOR 75-76 que se filtran a través de esquemas sonoros afines a los de THE FLOWER KINGS (etapa hasta “Flower Power”) y el SPOCK’S BEARD con Neal Morse, THE TANGENT vuelve a regalarnos una obra musical efectiva y atractiva. De este modo, se recupera la grandeza de “A Place In The Queue” después de los peligros de saturación con loso que había coqueteado el doble CD “Not As Good As The Book” – tras un puñado de primeras escuchas de “Down And Out In Paris And London”, siento que recupero mi motivación original por THE TANGENT. Con una formación renovada y totalmente británica, uno de los nuevos integrantes es el veterano baterista Paul Burgess (quien ha pasado por las filas de Camel, Jethro Tull, 10cc, entre otros).

‘Where Are They Now?’ ocupa los primeros casi 20 minutos del disco, y claro está, se trata de una suite progresiva épica a la vieja usanza, con pretensiones artísticas inocultadas que se muestran a lo largo de su secuencia de motivos varios y utilización de compases poco habituales. Tras un inicio calmo marcado por punteos adustos a lo Gilmour, la pieza no tarda en desarrollar una fastuosidad donde confluyen las herencias del YES de “Relayer” y el ELP estándar. La primera sección cantada tiene un predominio del compás 5/4, mientras que el entusiasta jam que comienza a partir del séptimo minuto incorpora algunas cadencias de tipo Canterbury (especialmente en ese vibrato que se pone a algunos sonidos de órgano) aunque sin perder el núcleo sinfónico, e incluso utilizando unos frenéticos trucos space-rock sobre el camino. Pasada la barrera de los 10’30”, nos topamos con una sección lenta dirigida por el canto y el piano, desde la cual se reelabora el motivo inicial y se transporta hacia nuevos caminos de desarrollo melódico trazados con fluidez y soltura. La parte final, ceremoniosa y potente, incluye un excelente solo de saxo a cargo del siempre infalible y refinado Theo Travis: no me hubiese importado que se recortara un poco el solo de guitarra con tal de dar unos segundos más a dicho solo, pero por lo demás, no tengo nada que objetar a este final tan poderoso. ‘Paroxetine 20 mg’ elaborar una confluencia entre contundentes sonoridades rockeras y cadencias rítmicas de corte R’n’B. A pesar del uso recurrente de su compás en 4/4, hay suficientes variantes de melodía, ambientación y atmósfera como para mantener el interés a un nivel tremendamente interesante. ‘Perdu Dans Paris’ es otro tema extenso, esta vez durando 11 ¾ minutos. A pesar de que el canto (habitual) de Tillison tiene un aura un tanto distante, influido por el estilo de Hammill en su obra solista, la canción porta una melancolía descorazonada, incluso en aquellos pasajes del interludio en los que la pieza adquiere un incremento en su compás. El refinado estilo de Jakko M. Jakszyk genera texturas cautivantes a través de los solos de guitarra. Se trata, a fin de cuentas, de un tema muy bello, emotivo a la vez que bien articulado. ‘The Company Car’ tiene un comienzo un poco engañoso con su esquema de balada sami-acústica, pero a medida que se van introduciendo las psicodélicas líneas de sintetizador y el canto se hace gradualmente más rasposo, se cimienta la vía para un nuevo despliegue sofisticado de claro talante progresivo. Yo percibo que el fade-out pudo llegar un poco más tarde, como para dar más espacio a los últimos solos de sinte y de saxo.

El setlist que contiene 6 temas corresponde a la edición especial del disco, pues su repertorio “oficial” solo debe constar de 5 temas. El bonus track no aparece al final sino en penúltimo lugar – me refiero a ‘Everyman’s Forgotten Monday’, una power-ballad progresiva de claros tintes floydianos, mezclando ambientaciones del “Wish You Were Here” y del “A Momentary Lapse Of Reason”. El disco culmina con ‘The Canterbury Sequence Volume 2: Ethanol Hat Nail’, un tema conceptualmente ligado a otro que formaba parte del ya lejano disco debut “The Music That Died Alone”. Bueno, y como indica el título, esta pieza es un tributo a esa vertiente tan especial de la añeja tradición progresiva: los ágiles sabores jazzeros abundan, así como los adornos juguetones y los sonidos “anticuados” de órgano y piano eléctrico, creando así un homenaje múltiple a HAFIELD & THE NORTH, CARAVAN, MATCHING MOLE y NATIONAL HEALTH, además de ocasionales efectos cósmicos de sintetizador que nos remiten a GONG. Atención a la secuencia densa y pesada que comienza a eso del minuto 8, ¡¡formidable!! Este tema está muy bien armado, no pierde el foco a través de su diversidad interna, y supone un redondeo bien definido de la ideología ecléctica que preconiza THE TANGENT. Como balance general, “Down And Out In Paris And London” resulta a mis oídos un disco recomendable para los obsesivos melómanos progresivos de siempre.

Muestra de “Down And Out In Paris And London”.- 
Paraxotine: http://www.youtube.com/watch?v=voJQh4vmXXY

El retorno de PO90 con "Jitters" - rock progresivo a puro músculo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Con la presente tengo el enorme agrado de presentar mis apreciaciones sobre el disco de retorno de PARALLEL OR 90 DEGREES, titulado “Jitters”. PO90 (como le llaman los amigos) era una de las bandas británicas que yo más apreciaba del revival progresivo noventero, y ciertamente se hizo extrañar por muchos mientras estaba relegado a un periodo de hibernación durante el desarrollo de THE TANGENT. El dinámico Andy Tillison, compositor, letrista, cantante, tecladista y guitarrista de PO90 se sentía cómodo y ocupado en su inicial asociación con Roine Stolt durante los primeros años de THE TANGENT. Quedando como única fuerza creativa al frente de esta banda, e incluso con un nuevo lanzamiento al mercado este año, Tillison pudo por fin darse abasto para retomar el proyecto de PO90. Por lo escuchado en “Jitters”, puedo aseverar fehacientemente que se ha tratado de una excelente ocurrencia, pues lo que se encuentra aquí es un disco muscular, repleto de sonoridades robustas y cimentado sobre un tratamiento moderno de las más típicas ambiciones progresivas. En buena medida, este disco preserva y enfatiza el tipo de garra sofisticada que se plasmó en el hasta ahora último disco de la banda “More Exotic Ways To Die” (del año 2002). Usualmente un quinteto durante sus primeros 7 años de existencia, en esta segunda fase de su carrera PO90 es un cuarteto de Andy Tillison (voz, teclados y guitarra), Dan Watts (guitarras y artilugios electrónicos), Matt Clark (bajo) y Alex King (batería y artilugios electrónicos).

Desde la vía de entrada plasmada en el tema irónicamente titulado ‘Interlude’ se siente un punche fenomenal, portando un filo inapelable que se desarrolla consistentemente a través de un motivo sólido: su estructura es un anticipo de riffs y motivos que aparecerán más desarrollados en varios temas que siguen a continuación. Como al fin y al cabo, se trata de un preludio, el primer ejercicio notable de desarrollo musical se da en ‘Standalone’. Durando casi 6 minutos, el tema se inicia con una evocativa introducción de piano que nos pone en ambiente con la emotividad arrolladora que se va instalando desde que los guitarreos entran en acción. ‘Threesome’ tiene una naturaleza más electrizante merced a la rabiosa confluencia entre los guitarreos y el sintetizador que se explaya sobre una arquitectura rítmica tremendamente sólida. Las alusiones a esquemas sonoros de PORCUPINE TREE, O.S.I. y MUSE son claras de percibir. ‘Entry Level’ tiene un swing un tanto tirado al soul de base funky, lo cual hace que se genere un oasis de contención en medio de los aguerridos ejercicios rockeros que han tenido lugar hasta ahora. ‘Backup’ parece portar descaradamente la influencia del PT de los últimos 10 años, estableciendo atmósferas llamativas en clave de rock potente que se explaya mayormente en un medio tiempo. En su interludio, el esquema rítmico se intensifica hasta el punto de crear un impacto psicodélico bárbaro desde una patente vecindad con el prog-metal, lo cual sirve para que el clima sonoro de la pieza implosione convincentemente tras regresar al compás inicial. El tema homónimo prosigue ciertamente por esta herencia PT, siendo así que también se pueden notar ciertas afinidades con MUSE y la faceta aguerrida de RADIOHEAD. Más adelante, las cosas se ponen un poco más eclécticas con la expansión de ciertas cadencias jazz-rockeras en el esquema rítmico y el uso relativamente destacado de teclados cósmicos, todo ello apuntando a asentar una especie de contraste con los pasajes más duros. ‘The Dock Of The Abyss’ combina en buena parte de su estructura interna la agilidad del post-punk con la pegada del rock alternativo melódico, pero lejos está PO90 de querer hacer una canción convencional sin más: los adornos de teclado son efectivamente bizarros, así como también lo es el intermedio metalero desde el cual se crea un clímax bastante ágil. Los últimos siete minutos del disco están ocupados por ‘On The Death Of Jade’: portando una base sonora patentemente digitalizada, la pieza recrea una ingeniosa confluencia de space-rock, Indie y krautrock, instalada sbre un compás semi-lento que evoca cadencias nostálgicas. Ya en discos antiguos de PO90 hallamos composiciones en esta línea, así que podemos decir que esta canción refleja la esencia más añeja de esta banda felizmente resucitada.

Éste es un disco que rebosa energía rockera en un sentido decididamente frontal, aunque no se enmarca en el mainstream, sino que cuenta con sólidos recursos de sofisticación artística como para ameritar credenciales progresivas. No cabe duda que Andy Tillison sabe sentirse seguro dentro de un terreno musical que es tan ajeno a la fastuosidad retro de THE TANGENT, y si “Jitters” fue diseñado para demostrar que PO90 es una fuente de polenta rockera que no se ha enmohecido durante su periodo de hibernación, entonces a mí me consta que la demostración ha sido irrefutable.

La eternidad progresiva según SYZYGY

En esta ocasión traigo a colación a SYZYGY, banda estadounidense formada por veteranos amantes y cultores del progresivo sinfónico pero que recién en los últimos años ha podido gestar una carrera discográfica. Durante la primera mitad de los 90s, bajo el nombre original de WITSEND, el grupo liderado por el guitarrista Carl Baldassarre y el teclista Sam Giunta hizo su debut fonográfico con “Cosmos and Chaos”. Hizo falta que pasara una década completa y un nuevo bautizo (para llamarse SYZYGY) antes de que el grupo completara su segundo trabajo, “The Allegory Of Light”, un disco bastante sólido, definidamente enmarcado bajo el esquema retro sinfónico. Las influencias de YES, ELP, KANSAS y el PINK FLOYD 73-75 se reciclaban a través de filtros afines a los utilizados por TRANSATLIANTIC, el SPOCK’S BEARD pre-“Snow”, SALEM HILL, un poco de KAIPA y otro poco de HOLDING PATTERN también. Ahora, en 2009, “Realms of Eternity” confirma que SYZYGY sigue crucialmente interesado en explorar esta estrategia progresiva particular – en todo caso, este nuevo disco exhibe un ímpetu un poco más medido en comparación.

La secuencia de los tres primeros temas, ‘Darkfield’, ‘Vanitas’ y ‘Dreams’, instaura el modus operandi de la banda sin mayores tapujos. Entre los dos temas cantados (el primero y el tercero), prefiero el último dado que logra perfilar un esquema melódico más contundente, por vía de una serie especialmente ingeniosa de arreglos fastuosos, adecuados para la ocasión. Pero es en el instrumental ‘Vanitas’ donde hallamos las más poderosas dosis de polenta e ingenio melódico para la primera media hora del disco – me atrevería a asegurar que se trata de la mejor pieza de SYZYGY hasta la fecha. ‘Echoes Remain’, el cuarto tema, vira hacia un recurso muy diferente: se trata de una balada acústica desarrollada a través de una ambientación bucólica serena, plasmada en la elegantemente sobria comunión entre las guitarras acústicas y las delicadas capas de teclado (especialmente el sintetizador que emula al mellotron de flautas).

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‘Dialectic’ (que dura 16 ½ minutos) y ‘The Sea’ (opus que ocupa los últimos 28 minutos del álbum) están a cargo de retomar la prestancia fastuosa propia del retro-prog en torno a la que SYZYGY articula su esencia artística, exhibiendo las influencias y afinidades que mencioné más arriba. En ‘The Sea’ tenemos piezas que tienen títulos autónomos: aparte de la delicada estilización otoñal de ‘Arranmore Isle’ y ‘Reflections’, y la suave agilidad pastoral de ‘The Morning Song’, todas las demás secciones de este opus reflejan dinámicos desarrollos melódicos y enérgicas arquitecturas sonoras robustamente ambientadas en un esquema sinfónico alimentado con ciertos elementos AOR. El solemne clímax con que se cierra la última sección ‘Finale’ establece un clima de majestuosidad bastante coherente con la base general del disco. El entusiasmo e ingenio de SYZYGY están más allá de cualquier duda, y aquí está “Realms Of Eternity” como prueba contundente de ello.

INDUKTI y su segunda arremetida progresiva con "Idmen"

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En esta ocasión quiero sacar a colación el nuevo disco de INDUKTI llamado “Idmen” – se trata de la segunda obra de este ensamble polaco de metal progresivo, y vaya si no ha logrado capitalizar y acrecentar las dosis de energía y creatividad que años atrás habían sido vertidas en “S.U.S.A.R.”, el disco debut que fue tan bien recibido en su momento. Pues bien, INDUKTI ahora ha conquistado una especial culminación de intensidad musical, la cual atraviesa de manera integral y consistente el repertorio de “Idmen”. Esta oferta de INDUKTI se focaliza en un progresivo metálico empapado de math-rock, metal experimental a lo TOOL, fusión psicodélica a lo GORDIAN KNOT y ciertos recursos industriales. Hay una lista de invitados especiales que se turnan en las contadas piezas cantadas, destacando Nils Frykdahl de SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM (en 'Tusan Homichi Tuvota'); también hay invitados en instrumentos tales como la trompeta y el cimbalom, ítems que son bien aprovechados en varios de los arreglos que salen a colación a lo largo del disco.

‘Sansara’ abre el disco con una polenta poderosa y mágica, con unas guitarras duales que manejan muy bien sus impecables complementaciones mutuas en los riffs, mientras que la batería se desenvuelve ágilmente a través de complejos desarrollos rítmicos. Poco antes de llegar al minuto 5, el tema vira hacia lo reflexivo, con un medido protagonismo de lo acústico. ‘Tusan Homichi Tuvota’ abre con guitarras acústicas y cimbalom, mostrando una calma engañosa que pronto abre sus horizontes hacia sonoridades neuróticas en medio de aguerridas pulsaciones que poco a poco van instalando las bases para una creciente oscuridad emocional. De por sí, esta pieza se destaca principalmente por sus aires exóticos, los cuales volverán a aparecer en varios otros momentos del disco. Tal vez se trate de mi tema favorito de “Idmen”. ‘Sunken Bell’ es un retazo de percusiones exóticas y capas cósmicas, como si se tratara de una hipotética banda sonora para una película de David Lynch producida y compuesta por una banda étnica en los Real World Studios. ‘And Who's the God Now?!...’ comienza con una dinámica tribal para grisáceos sortilegios, para que luego el cuerpo central siga los aportes de OPETH y el PORCUPINE TREE actual, aunque cabe señalar que lo exótico sigue siendo un elemento crucial. Los delirios ritualísticos del final conjuran una mezcla de magia y locura tan inquietante como atractiva.

Nada puede sorprendernos al llegar al ecuador del disco, pero seguimos escuchando para complacernos con ‘Indukted’, tema arrollador e intimidante donde las ráfagas rockeramente pesadas se transportan ágilmente sobre ingeniosos juegos de síncopas, muy a lo math-rock (un poco refiriendo al DON CABALLERO de los primeros cuatro discos). Tras una coda de cimbalom, ‘Aemaet’ comienza perpetuando el clima de neurosis impenetrable de la pieza anterior. Poco antes de llegar a la frontera de los 3 ½ minutos, la pieza vira hacia un paraje etéreo de corte space-rock, alimentado por una estilización a lo PORCUPINE TREE pre-“In Absentia”. El pasaje final retoma la contundencia inicial a la par que conserva la vibración cósmica recién instalada. ‘Nemesis Voices’ es básicamente un nuevo ejercicio de prog-metal con acentos math-rock, precediendo a ‘Ninth Wave’, el mismo que ocupa los últimos 11 ½ minutos del disco. El tema abre con atmósferas contemplativas en las que la trompeta invitada ocupa un lugar destacado. Más adelante tenemos un delicioso dueto de guitarras acústicas cuya sencillez estructural sirve para estimular el armado de una ambientación cálida empapada de misterio. Al llegar al tercer minuto, el esquema rítmico y el trío de guitarras y violín crean un crescendo en aras de armar un nuevo despliegue de potencia inteligente. Con el posterior uso de fraseos místicos de violín y una breve sección de rock-fusión, la pieza recrea un aventurero eclecticismo antes de pasar a la fastuosa coda metálica. Los sonidos de olas y gaviotas en la costa marcan el epílogo de esta pieza y de este excelente álbum. INDUKTI ha logrado engalanar el ámbito progresivo para este año 2009.

Viva la buena música - con DADDY ANTOGNA Y LOS DE HELIO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA

En esta ocasión traigo a colación el disco “Viva Belice”, una reveladora obra progresiva para este año 2009 a cargo del ensamble argentino DADDY ANTOGNA Y LOS DE HELIO. Más que un ensamble sin más, éste es un súper-grupo. Echemos un vistazo a la conformación: el baterista Daddy Antogna, versátil y veterana leyenda viviente de las vanguardias rockera y jazzera de su país, incluyendo su presencia en AVE ROCK, banda pionera del progresivo argentino de los 70s; el guitarrista Alan Courtis, curtido cultor del rock experimental que formó parte de REYNOLS; el bajista Nicolás Diab y el baterista Fernando de la Vega, quienes en LAS OREJAS Y LA LENGUA generaron un renovada motivación en el underground rockero argentino del nuevo milenio. Estos cuatro músicos juntos se asociaron para seguir alimentando las aguas de la experimentación rockera en base a una excitante confluencia de psicodelia y jazz-rock bajo un esquema progresivo tan enérgico como rico en texturas. El uso de baterías duales sirve para gestar un esquema nuclear sonoro contundente, siendo así que los guitarreos de Courtis y las ocasionales presencias del violín y el cello (a cargo de invitados especiales) ayudan a enriquecer la paleta sonora.

“Viva Belice”, ítem recientemente editado por el sello Viajero Inmóvil, está conformado por material grabado y producido entre 2007 y 2009. Comenzando con un tema como ‘Frascos tendidos’, que es tan efectivo en su sofisticada polenta rockera, más adelante encuentra expresiones más explícitas de su potente dinamismo en ‘Desincrustante’ y ‘Sub ombra floreo’: este último hace destacar con particular fruición su filo crimsoniano. En medio de estos dos temas se halla la pieza homónima, donde el grupo, elegantemente instalado sobre un swing jazzero en un compás inusual, da prioridad a explayaciones sónicas cálidas. Otro tema de talante predominantemente introspectivo es ‘Brazo largo’, ello a pesar de que en su última sección el trío rítmico apura el compás. ‘Colapsa’ establece una alternancia de pasajes introvertidos y extrovertidos, mientras que ‘Al-Carreta’ se despacha en incandescentes brotes de fuego rockero. Durando casi 10 minutos, ‘Verónica D.’ cierra el álbum en base a un jam básico en el que el cuarteto desarrolla dos distintos crescendos sucesivos: este conclusivo manifiesto psicodélico, me parece, porta las concluyentes herencias del post-rock y la tradición krautrock. ¡Un gran final para un gran disco!

En estos enlaces de Youtube podemos ver al grupo en acción.

Desincrustante: http://www.youtube.com/watch?v=7GUamzHg490
Colapsa: http://www.youtube.com/watch?v=L_5ZadxcZAo<
Verónica D.: http://www.youtube.com/watch?v=5v7pyla2ycE

Es muy probable que estas imágenes escogidas valgan más que mil palabras a la hora de intentar explicar por qué DADDY ANTOGNA Y LOS DE HELIO es un grupo tan bueno y su disco “Viva Belice” es tan bueno. Más que buscar explicaciones, más rápido resulta dejarse convencer por las evidencias.

DO MAKE SAY THINK: desde Canadá viene la verdad actual del post-rock

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

DO MAKE SAY THINK es el nombre de un ensamble canadiense que se ha estado convirtiendo sostenidamente en una nueva figura líder dentro de la vertiente post-rock mundial: “Other Truths” es el título de su oferta fonográfica para este año 2009. Una característica que se hace notar rápidamente sobre este grupo es que desarrolla sonidos y ambientes más musculares que los que se suelen manifestar en obras clásicas y otras no tan clásicas del susodicho género post-rock – justamente este disco puede servir como una buena vía de introducción para quienes aún están por descubrir a esta banda. En varias fuentes de Internet se saca a colación comparaciones y/o paralelos con TORTOISE y GODSPEED YOU BLACK EMPEROR! a la hora de esbozar descripciones de su música, pero lo real es que este grupo sabe crear su voz propia en medio de los reconocibles estándares del género. Más bien, algunos pasajes caracterizados por una furia contenida pueden hacernos recordar un poco a Isis, pero como digo, DO MAKE SAY THINK exhibe suficientes recursos como para que se le pueda considerar un ítem de valía particular. “Other Truths” no es un disco muy largo – dura poco menos de tres cuartos de hora. Otro detalle está en que el esquema sonoro se muestra, en general, menos prolijo que en discos anteriores: un rasgo particular para una banda que no se cansa de explorar las potencialidades del buen post-rock.

‘Do’, el tema que abre el disco comienza con una amable secuencia de arpegios de guitarra que, al irse acompañando de inmediato con medidas intervenciones de trompeta y saxo, va articulando un preciso y coherente preludio al dinámico desarrollo del cuerpo central: atmósferas etéreas pero no lánguidas, sino más bien pertrechadas bajo un esquema rítmico ágil que permite al ensamble plasmar sus iniciales alusiones contemplativas con una inocultable aureola de entusiasmo. Una vez que la base rítmica se detiene, ‘Do’ transita hacia un eslabón muy diferente, lánguido y denso, emparentado con el estándar que GYBE! ha convertido en un relevante punto de referencia para el post-rock. Algunos adornos de corte industrial se inmiscuyen entre las texturas emitidas por las guitarras duales poco antes del final, el cual llega con un portazo. ‘Make’ ofrece una vibración expresiva un poco más contenida, menos veloz pero con una estructura rítmica de ciertas sutilezas jazzeras: las complementaciones que elaboran las guitarras permiten al esquema global de la pieza abarcar un dinamismo efectivo, el cual llega a momentáneos pasajes álgidos cuando la pieza llega a su clímax. Este clímax rebosa de intensidad grisáceamente otoñal en medio del fulgor rockero que tiene lugar. Una vez concluido el clímax, el bloque instrumental desemboca en un mar minimalista dotado de una medida pero indudablemente patente majestuosidad.

‘Say’ comienza con un motivo repetitivo que parece estar saliendo sigilosamente de un escondite. No pasa mucho tiempo antes de que el motivo se recicle a través de sonoridades un poco más enérgicas, siendo así que la alternancia entre toques suavizados y despliegues explícitos está manejada con pulcra fluidez. Hay una cierta cualidad acuática en algunos juegos de arpegios generados por las guitarras duales. La sección final se basa en una retoma del motivo inicial, siendo llevado a una dimensión etérea enfatizada, incluyendo un arreglo coral bastante lírico. ‘Think’ cierra el disco explayándose en atmósferas lánguidas semejantes a algunos de lo que ya se hicieron presentes en ‘Make’ y ‘Say’, con la novedad de que el lento esquema rítmico manejado en el inicio tiene una inconfundible cadencia jazzera. La tenue producción de sonido ejercida sobre esta pieza que se apoya en una recurrente monotonía que sabe a letanía permite que el álbum concluya con un tenor crepuscular donde la melancolía y el relax se mezclan en una sola sensación. De esta forma se completa la oferta mostrada por DO MAKE SAY THINK en este disco que promete cautivar a todos los melómanos aventureros durante este año 2009. ¿Se percataron que el nombre de cada tema corresponde a cada verbo que forma parte del nombre de la banda?