Más que una intención, un modo de vivir la música rock: ASFALTO 30 años después

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

2013 es el año del 30mo. aniversario de uno de los discos más importantes de toda la trayectoria de ASFALTO, leyenda decisiva del rock español de los 70sy 80s surgida en el barrio madrileño de Vallecas y que aún sigue en actividad. Pero concentrándonos en el caso particular de “Más Que Una Intención”, el sello mexicano Azafrán Media nos viene con la estupenda iniciativa de re-editar este disco junto con el siguiente trabajo “Cronophobia” y un DVD que recoge una actuación del grupo en la Casa de campo de Madrid, en setiembre de 1985. La banda entraba en una etapa de remodelación de su alineación con el ingreso del frontman Miguel Oñate a la primera voz, mientras que los instrumentistas Julio Castejón [guitarras y coros], José R. Pérez “Guny” [bajo y coros], Jorge W. García Banegas [teclados] y Enrique Cajide [batería] se encargaban de solidificar la orientación de rock duro melódico que la banda había convertido en su innegable esencia mientras le proporcionaba de una riqueza sonora más madura, producto del ímpetu sostenidamente plasmado en sus dos discos de estudio anteriores (“Ahora” y “Déjalo Así”).



“Más Que Una Intención” empieza cabalmente con una canción frontalmente poderosa como es ‘Concierto Fatal’: un ritmo marchoso y una bien llevada amalgama de guitarreos refinados y teclados conforman la atractiva ingeniería de esta canción. ‘La Batalla’ sigue a continuación, asumiendo aires muy afines a lo que RUSH y SAGA ya estaban haciendo en aquellos años 80s – se nota que ASFALTO se siente bastante cómodo trabajando con estos esquemas rockeros tan patentemente estilizados. Vaya una mención especial a los sucesivos solos de guitarra y sintetizadores que tienen lugar en la sección intermedia, son breves pero contundentes en su misión de añadir más esplendor a la polenta rockera. Luego siguen ‘Joven Ruso’ y ‘El Hijo De Lindbergh’: el primero establece un vigor aumentado sobre la capitalización del esquema de trabajo predominante en la canción anterior, mientras que el segundo resulta una power-ballad efectiva en su manera de transmitir una aureola de tristeza bajo la glamorosa arquitectura sinfónica centrada en el piano y los sintetizadores (un poco a lo GENESIS, verdaderamente). Tal vez el aspecto dramático de esta última canción hubiese quedado más redondo de haberse extendido un poco más, pero está bien tal como está, al fin y al cabo. A estas alturas, el disco impone un aura de plenitud, quedando como responsabilidad del resto del repertorio el mantener vigente esta musicalidad. Así, ‘Richi (Estrella Del Rock)’ y ‘La Paz Es Verde’ instauran un carácter extrovertido lleno de gancho, equilibrando lo marchoso y lo estilizado: de hecho, estas dos canciones fueron los dos singles del álbum. Evaluando las orientaciones específicas de ambas canciones, cabe precisar que ‘Richi (Estrella Del Rock)’ enfatiza los juegos de armonías en las intervenciones vocales, mientras que ‘La Paz Es Verde’ se focaliza más en el vigor rockero en sí. La séptima canción del disco es la que justamente le da título: casi 5 ½ minutos dedicados a reconstruir los ambientes predominantes de ‘Concierto Fatal’ y ‘Joven Ruso’, con una polenta permanente e imparable. ‘Tiempo Gris’ entra a tallar para calmar las cosas momentáneamente, exhibiendo un esquema de semi-balada a lo QUEEN-con-JOURNEY: el colorido ocasional que añade el invitado Juan Jiménez al saxo viene bien. ‘Tenías Razón’ cierra el álbum con un compás frenético muy afín al estándar del heavy metal de esos tiempos, aunque el rol de los teclados (muy a lo SAGA una vez más) hace que el glamur art-rockero siga siendo un componente crucial del sonido global de la banda.   



  

“Cronophobia” tiene unos primeros 8 minutos estupendos con la dupla inicial de ‘Nada, Nadie, Nunca’ y ‘Es Nuestro Momento’: comenzando con la robusta ceremoniosidad de la primera canción y siguiendo con la gracilidad elegantemente estructurada de la segunda, la banda asienta las fichas de su juego musical con fuerza de carácter y refinamiento. Con su relato de protesta social frente a las dictaduras militares, ‘Desaparecido’ añade una cuota de pasión catártica a la polenta rockera heredada de las dos canciones anteriores: atención a los solos de teclado, fundamentales para llenar espacios mientras Oñate emite sus vitamínicos lamentos anti-sistema. Pasamos de la vitalidad explícita a la espiritualidad reflexiva con ‘Frente Al Espejo’, una semi-balada que suena a una cruza entre RAINBOW y GENESIS: tiene bastante prestancia esta canción, sin duda daba para un arreglo musical más expansivo que el que le permite su espacio de poco más de 4 minutos. La letra refleja un logrado retrato de decadencia y autocompasión. La primera mitad del álbum concluye con ‘Contrarreloj’, pieza signada por un compás frenético y una fluidez melódica estilizadamente delineada: gancho al 100%. La segunda mitad de “Cronophobia” empieza con ‘El Regreso’, canción que en su espacio de 5 ¾ minutos se proyecta hacia la dimensión más épica de la banda: la canción porta algo de las buenas vibraciones sinfónicas que eran propias del YES de la era Rabin así como de la faceta más robusta de THE ALAN PARSONS PROJECT, las ideas musicales de base son ambiciosas y cuajan muy bien dentro de la polenta permanentemente esencial del grupo. Un poco más adelante, ‘Búfalo “Vil”’ reforzará y consolidará este abierto coqueteo con lo sinfónico: los aires de familia con SAGA y las confluencias con THE ALAN PARSONS PROJECT (deliberadas o no) son fáciles de notar mientras nuestros oídos se dejan llevar por la progresión melódica en curso. Entre ambas canciones se sitúa ‘¡Que Siga El Show!’, pieza marchosa que preserva consistentemente el arquetipo de ASFALTO. El repertorio oficial del disco termina con ‘Secuestro Legal’, canción con mucho gancho y una agilidad bien sostenida, pero además tenemos el añadido del bonus track ‘Dinos Qué Fue’, una bella oda a los tiempos de las viejas ilusiones y las jóvenes fantasías donde los teclados de García Banegas se erigen en imponentes protagonistas (al modo de RICK WAKEMAN).   



  

El DVD recoge, tal como dijimos en el primer párrafo, una actuación del quinteto que tuvo lugar en la Casa de campo de Madrid el 13 de setiembre de 1985. Se nota que la fuente es una cinta de VHS, pero la nueva labor de producción rescata de forma solvente los formatos de vídeo y audio. La sección final de ‘La Batalla’ da inicio al vídeo con sus créditos iniciales: parece ser que fue la primera canción de la noche, pues la banda se muestra ya entrando en acción con la intención de calentar el ambiente con bastante desparpajo. Una canción como ‘La Batalla’ es idónea para empezar a encender la hoguera del rock, y con la secuencia de ‘Es Nuestro Momento’, ‘Desaparecido’ y ‘La Paz Es Verde’, la fuerza incendiaria del grupo se asienta con rotunda robustez. Cuando Oñate anuncia ‘Contrarreloj’ en relación con el mensaje de la canción precedente ‘La Paz Es Verde’, hace toda una declaración de principios sobre el interés de la banda por cantar sobre asuntos de conciencia social: ya el mensaje de ‘Desaparecido’ era capaz de calar hondo en el público. ‘Frente Al Espejo’ permite al grupo explotar su lado más explícitamente dramático. Más adelante, los dos clásicos indiscutibles del homónimo disco debut ‘Días De Escuela’ y ‘Rocinante’ sirven de pretexto para que el grupo celebre el vínculo perenne con sus raíces originarias: Castejón se pone en el rol de primera voz en ambas canciones mientras Oñate apoya con la guitarra acústica. La fogosa ironía de ‘Días’ y la ensoñadora melancolía de ‘Rocinante’ son emblemas genuinos de la importancia que siempre tendrá ASFALTO para la tradición del rock urbano español. Yendo del pasado al futuro, el grupo presenta acto seguido una canción titulada ‘No Es Solo Amor’, la cual recién vería plasmada su versión oficial en vinilo en el siguiente LP “Corredor De Fondo” (con otro frontman… pero ésa es otra historia). A continuación, García Banegas dispone de un momento para lucirse en un estupendo pasaje solista donde se explaya al piano y los sintetizadores en recovecos sonoros inspirados en la música de cámara y el jazz antiguo… ¡y alguna cita de un clásico de The Beatles! Esta explayamiento de versatilidad y pericia no debe tomarnosde sorpresa de ninguna manera, pues en su Uruguay natal, allá a a inicios de los 70s, el maestro Banegas era componente de PSIGLO, banda crucial para la germinación de la movida progresiva en Sudamérica. En fin, con la dupla de ‘Más Que Una Intención’ y ‘Búfalo “Vil”’, la banda cierra esta presentación exhibiendo su típico colorido intenso y rebosante de punche.  



  

Tenemos en este paquete de 2 CDs más el DVD no solo un motivo para revalorizar la buena música rock española de todos los tiempos sino también un pretexto para dejarse llevar por la dulce añoranza de tiempos donde las esferas del rock duro y el heavy metal se asentaban como una alternativa firme frente al mainstream pop de los 80s. Los respetables que asistían a los conciertos de bandas señeras del heavy peninsular (como BARÓN ROJO y OBÚS) solían converger con los que iban a disfrutar de TOPO, COZ, BANZAI, LEÑO, los cada vez más hard-rockeros ÑU y, por supuesto, ASFALTO. Esta edición triple en homenaje al 30mo. aniversario de “Más Que Una Intención” es un testimonio fehaciente de cómo cantar rock era más que eso, una intención, era la instauración de un ideal de vida dentro del mercado musical… ¡y lo sigue siendo! ASFALTO continúa en activo, Don Quijote sigue cabalgando su Rocinante de cuerdas de metal con nuevos conciertos fatales sin una pizca de miedo al paso del tiempo.



Muestras de “Más Que Una Intención”.-

Concierto Fatal: http://www.youtube.com/watch?v=_3rY6hv220I

La Batalla [vídeo-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=tx6ael9zCz0

Más Que Una Intención: http://www.youtube.com/watch?v=tjghiOOZT2c

Muestras de “Cronophobia”.-

Desaparecido: http://www.youtube.com/watch?v=o306VOimRP0

El Regreso: http://www.youtube.com/watch?v=01dRdnq0_uc

La anunciación de la buena nueva de GUAPO

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Hoy se da la ocasión de hablar del retorno de la banda británica GUAPO, una de las agrupaciones más sagazmente campeonas del ideal del rock progresivo de vanguardia en los últimos dos decenios. El disco que GUAPO nos brinda desde enero de 2013 se llama “History Of The Visitation” y consta no solo de un disco con nuevo material, sino también de un DVD que recoge un tema ejecutado en el NEARFEST de 2006 (en Bethlehem, EE.UU.) y otro en la edición 2007 del Rock In Opposition Festival (en Carmaux, Francia). GUAPO ha tenido que lidiar con sus demonios e inseguridades internas desde la edición de su anterior trabajo de estudio “Elixirs” debido a la deserción de Daniel O’Sullivan, quien a pesar de no ser miembro fundante de la banda, fue un crucial impulsor de su evolución artística. Pues bueno, hoy por hoy, el único miembro original vigente en el grupo es David J. Smith [batería, percusión, teclados y santoor], pero el relativamente novicio integrante Kavus Torabi [guitarra y santoor] hace buena gala de su vigor creativo para convertirse en un socio más que idóneo para Smith. No solo eso: al entrar también en acción Emmett Elvin [piano eléctrico FenderRhodes, órgano, sintetizadores y armonio] y seguir con James Sedwards [bajo], el grupo encuentra un foco contundente para concretizar la vitalidad exigida por las ideas que se expanden en este nuevo disco. La verdad que el esquema sónico que maneja GUAPO se siente pletórico, y no es justo escatimar menciones a la gente de apoyo: los vientistas Thomas Frasier Scott, Dave Newhouse, Sam Morris, Emma Sullivan y Chloe Herrington, las violinistas Sarah Anderson y Geri McEwan, y Antti Uusmaki colaborando en teclados adicionales en alguna parte.

Yendo a los detalles estrictamente estéticos de lo que se manifiesta en esta anunciación musical, nos topamos de entrada con la suite de 26 ¼ minutos ‘ThePilmanRadiant’, que con su ilación de 5 secciones refleja fielmente la ambiciosa amalgama sonora que confirma a GUAPO como banda esencial para el mundo avant-progresivo presente, apuntando hacia un realce especial del factor jazz-rockero. Así las cosas, la renovada propuesta sónica del grupo se siente más grácil, a la par que revela ciertas conexiones con lo hecho antes en “Elixirs”. La sección ‘Visitation’ comienza con un aire de anarquista expectativa, generando flotantes capas minimalistas envueltas en una aureola moderadamente tétrica. Una vez armado el esquema que recorre la sección ‘The Divine Vessel’, la banda se focaliza en una cadencia misteriosa y contemplativa que coquetea en cierta medida con el estándar de la psicodelia bluesera (un poco a lo PINK FLOYD y lo AGITATION FREE, más sazones del KING CRIMSON de la época “Islands”). Para las dos siguientes secciones, ‘Wriggling Magnet’ y ‘Mosquito Mange’, la banda intensifica su expresividad y su musculatura a la hora de asentar, desarrollar y ornamentar los motivos centrales correspondientes. Con la inserción de un pasaje etéreo marcado por los efluvios del piano eléctrico y las vibraciones free-form de la guitarra, la banda prepara el terreno para perpetrar el turbulento clímax conclusivo de esta sección desde donde se dispara una metralla rockera cautivantemente neurótica. La breve última sección, ‘Divine Vessel’s Reprise’, completa la paleta musical haciéndose eco del vigor expuesto en la sección precedente. ¡Qué estupendo viaje progresivo!... pero queda más por disfrutar.

 

Durando alrededor de 4 ¾ minutos, “Complex #7” consiste en un entramado de sigilosas texturas sombrías que se orientan hacia climas de limbo y oscurantista misterio: la combinación de espartanos fraseos de clarinete bajo, capas de sintetizadores y armonio y las frotaciones cadenciosas de  percusiones concretas invoca a las áreas ocultas de la psique a echar una mirada dentro de sus rincones más ocultos. Perfecta combinación del ART ZOYD de la etapa “Berlin” y el TANGERINE DREAM de la etapa “Zeit”. ‘Tremors From The Future’ ocupa los últimos 11 ¼ minutos del disco. Su agilidad colorida, además de instaurar un abierto contraste frente al minimalismo denso de la pieza precedente, resulta el pretexto idóneo para convertirla en la pieza de cierre del nuevo repertorio. En efecto, el dinamismo iniciado por la amalgama inicial de teclado y batería se llena cabalmente cuando el grupo íntegro entra en acción. Esta pieza toma estándares aparentemente inspirados las tradiciones de MAGMA y ESKATON para esquematizarlos en una estructura celebratoriamente rockera donde se combinan, rara pero a la vez eficazmente, los paradigmas del jazz-fusion, el stoner y el space-rock. Se nota, de hecho, un lirismo juguetón en el desarrollo temático de esta pieza.

El DVD es una joya magnífica dentro de esta edición. Tal como dijimos en el primer párrafo de esta reseña, contiene dos piezas largas: la primera se muestra en blanco y negro y muestra una versión condensada de ‘Five Suns’ tocada en el Zoelliner Arts Center de Bethelehem (Filadelfia); la segunda se ve a color y muestra a ‘King Lindorm’, tocada en el RIO Festival de 2007, como siempre, en la localidad francesa de Carmaux. Un momento significativo de ‘Five Suns’ es el modo en que el pasaje introductorio, remodelado para la ocasión, se explaya largamente en un minimalismo cósmico sobriamente inquietante, lo cual permite a Smith, Toravi y el entonces todavía miembro del banda Daniel O’Sullivan pasearse en medio del público: el primero con un platillo, los otros dos con sendas melódicas. Una vez ingresada la segunda sección, la banda y el público comparten una electricidad estético-emocional hasta el final de la pieza. La manera tan compacta en que los músicos interactúan mientras transitan de una ambientación a otra hasta llegar a la intimista sección final es asombrosa, como si viéramos en acción a una sola con cuatro partes. Para ‘King Lindorm’, el trabajo de cámara es menos consistente pero la producción de audio es muy solvente: la pieza en cuestión porta un aura ensoñadora a través de su dinámica grisácea.      

En fin, todo esto fue “History Of TheVisitation”, una muestra parcial de lo que aún tiene por ofrecer el variopinto sueño progresivo como estrategia vigente de experimentación rockera. GUAPO ha resurgido de sus cenizas y esta nueva visitación musical supone una declaración de principios inapelable sobre lo que significa renacer para Smith, Torabi y cía.  

Muestra de “The History Of The Visitation”.-

Tremors From The Future: http://www.youtube.com/watch?v=CtD7Vdq0KCg

OCTOBER EQUUS o la permanente incandescencia del rock-in-opposition español

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Hoy echamos un vistazo a la escena española porque OCTOBER EQUUS vuelve a la carga en su misión de mantener viva la oscura hoguera de la musicalidad vanguardista del rock-in-opposition: de hecho, ha sido quizá el máximo bastión hispano en esta esfera particular del cosmos progresivo, y es un hecho que lo sigue siendo a juzgar por lo que nos brinda en su nuevo álbum “Permafrost”. Se trata del cuarto disco perpetrado por OCTOBER EQUUS, el mismo que regresa a su formato básico de cuarteto con el guitarrista Ángel Ontalva, el teclista Víctor Rodríguez (ambos, los compositores centrales del grupo), la bajista Amanda Pazos Cosse y el baterista-percusionista Vasco Trilla. De este modo, el grupo se dispone frontalmente a retomar de lleno la aureola de la agresividad rockera que había marcado el esquema sonoro de sus inicios. El nuevo repertorio fue compuesto, grabado y mezclado entre enero y abril del 2013, con una labor inicial de mezclado de la mano de Amanda Pazos. Con una campaña de crowdfunding de por medio, el proceso final de masterización estuvo a cargo, ni más ni menos, que de Udi Koomran en el Ginger’s Studio de Tel Aviv (Israel): Koomran lleva años como ocasional colaborador y habitual difusor de músicas avant-progresivas de diverso origen (5UU’S, PRESENT, AHVAK, YUGEN, BBI. SHUB-NIGGURATH y un indefinidamente largo etcétera).

‘Erosive Forces Of Wind And Water’ da inicio al álbum con un dinamismo grácil que se mantiene con impoluta consistencia a lo largo de sus 5 minutos y pico de duración: la base compositiva muy sencilla se sustenta en muy buena medida sobre el solvente swing que la dupla rítmica brinda para el desarrollo temático. Luego sigue ‘Lead Poisoning’, el cual ostenta una dimensionalidad épica grisácea a la par que realza el factor jazzero en varios pasajes de la ilación temática en curso. El dramatismo contundente y drástico que llena la coda es un prodigio de cómo combinar lo etéreo con lo tanático de una manera pletórica: se trata de uno de los picos decisivos del álbum. ‘Boots, Nails, Watches...’, el tercer tema, prosigue por esta celebración del cerebralismo oscurantista que forma una parte tan esencial del ideario musical de OCTOBER EQUUS, mas esta vez lo hace en base a tensiones atmosféricas (propias del legado de UNIVERS ZERO) desde la que se instalan los pasajes sucesivos. Hay un momento interesante en el que los retazos jazzeros de la guitarra interactúan solemnemente con la filuda rudeza del bajo, un momento en el que la languidez tétrica de la pieza se torna genuinamente fastuosa. ‘Thermokarst’ se remonta hacia el swing más exultante del disco hasta el momento: la banda pone toda su vitalidad en acción mientras articula una ingeniería refinada para el desarrollo temático en curso: es prácticamente como un cruce entre el HENRY COW de “In Praise Of Learning” y la faceta más guerrera de NATIONAL HEALTH durante la época del “Of Queues And Cures”.

  

Durando poco menos de 4 minutos, ‘Trapped In The Sea Ice’ ofrece una especie de homenaje a las tradiciones de HENRY COW y PRESENT con un vocabulario sónico actualizado que ya reconocemos como propio de OCTOBER EQUUS: la estilizada aridez con la que los cuatro instrumentistas interactúan está tremendamente bien manejada bajo la lógica de tensión contenida. Mención aparte merece Trilla, quien llena espacios a placer dentro del esquema rítmico. Acto seguido, ‘...Books, Saws, Silk Handkerchiefs...’ aprovecha el pánico para instaurar una dinámica etérea y sutilmente inquietante, centrada en atmósferas cinematográficas más que en la musicalidad “usualmente entendida”; de este modo, se prepara el terreno para que ‘Graves Of The Crewmen Buried On Beechey Island’ se explaye en 6 minutos y pico de introvertida majestuosidad, un espléndido momento de ceremoniosa espiritualidad donde la banda exorciza sus fantasmas de Canterbury y del jazz-fusion con impecable pulso y cautivadora sensibilidad. Desde las trincheras de la faceta vulnerable de OCTOBER EQUUS, esta pieza conforma un nuevo cénit del álbum. El repertorio del disco se completa con ‘...Two Double-Barreled Guns And 40 lbs Of Chocolate’, tema que está a cargo de recapitular y condensar las atmósferas expresionistas que antes hallamos en ‘Erosive Forces Of Wind And Water’ y ‘Thermokarst’. Aquí hallamos a la banda dándole vueltas al corazón de su fuerza expresiva esencial, así como uno de los solos más excelsos de Ontalva, un solo que resulta crucial a la hora de convertir a este tema en un broche de oro rotundo y efectivo.  

Nuestro balance final sobre “Permafrost” no puede ser uno que no resulte positivo, pues OCTOBER EQUUS nos ha mostrado en este nuevo repertorio que ha sabido sembrar una nueva cosecha musical a partir de lo aprendido en su evolución desde “Charybdis” hasta “Saturnal” mientras volvía al esquema sonoro de cuarteto con el cual había iniciado su andadura. OCTOBER EQUUS se confirma como una presencia decisiva parea la vanguardia progresiva actual (tanto a nivel español como mundial), y eso hace de “Permafrost” un disco imprescindible en cualquier colección de art-rock que presuma de ser buena.   

Muestra de “Permafrost”.-

Lead Poisoning: http://octoberxart.bandcamp.com/track/lead-poisoning

Graves Of The Crewmen Buried On Beechey Island: https://soundcloud.com/angelontalva/07-graves-of-the-crewmen

La temporada italiana de ALDO PINELLI



 

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Hoy es ocasión de hablar sobre ALDO PINELLI, multi-instrumentista y compositor argentino que dedica su inagotable alma y su incombustible cuerpo a crear música evocativa y pictórica (cuando no trabaja en HÁBITAT, uno de los más notables grupos prog-sinfónicos que existen actualmente en tierras gauchas). Un año después de su obra anterior “Temporada De Lluvias”, PINELLI regresa al ruedo con “Suite Italiana”. A lo largo del disco, PINELLI da buena cuenta de su arsenal de guitarras clásica, acústica y eléctrica, bajo, teclados y percusión, además de hacer algunas interpretaciones vocales. Le acompañan ocasionalmente (como es costumbre) Paula Dolcera al violonchelo, Silvia Pratolongo a la percusión y Roberto Sambrizzi a la batería. Cabe mencionar que PINELLI tuvo ocasión de presentar este disco en la misma Italia, contando con el apoyo de músicos del excelente grupo MAGNETIC SOUND MACHINE.

‘Una Notte A Treviso’ da inicio al disco con tres minutos de sinfonismo puro, basado en una sana confluencia entre los estándares de LE ORME y el CAMEL de vieja escuela, aunque con ese aire intimista que solemos encontrar en las obras de ANTHONY PHILLIPS. Siguiendo por un camino paralelo, ‘Aquel Tiempo Del Verano’ afianza convincentemente lo sinfónico, durando menos tiempo pero gravitando con una fastuosidad más pronunciada, inclinada hacia lo Genesiano aunque de una forma muy particular. La dupla de ‘Las Nubes Y Las Sierras’ y ‘El Castillo Interior’ se encarga de darle aires frescos a la expansión de arquitecturas líricas en la que está concentrado PINELLI: ‘Las Nubes Y Las Sierras’ porta un aura grisácea (para nada incoherente respecto al disco anterior “Temporada De Lluvias”) donde lo melancólico se revela como una forma de colorido; por su parte, ‘El Castillo Interior’ nos remite a una dimensión introspectiva donde la calma se siente acechada por sutiles amenazas (plasmadas tanto en la extraña progresión de acordes en las guitarras como en los efectos de fondo). ‘El Combate De Obligado’ aporta un momento de excelsa majestuosidad, un pico de dinámicas orquestales donde PINELLI demuestra que nada tiene que envidiar a entidades como THE ENID o RENAISSANCE en lo que se refiere a la creatividad pautada bajo la faceta más estilizada el sinfonismo; a contrapelo de la pieza precedente, ‘Hojas Secas’ ostenta una sencillez pastoral precisa, aunque recibiendo algunos ecos de esa sutil ansiedad acechante que antes se había hecho presente en ‘El Castillo Interior’. Con ‘El Algarrobo Abuelo’, PINELLI preserva esta aura pastoral y le brinda una sonoridad más plena en base a la presencia de elegantes orquestaciones de teclado y sabiamente administradas intervenciones de la guitarra eléctrica (semejantes al estilo de MIKE OLDFIELD hasta cierto punto).

 

 

‘Misterios Del Mediterráneo’ es una hermosa pieza inundada de una espiritualidad calmada, un poco cercana a atmósferas crepusculares pero dando predominancia a lo reflexivo; parece una híbrido entre el STEVE HACKETT académico y el LE ORME del “Florian”. Cabe mencionar especialmente a un breve interludio juguetón que irrumpe antes de la coda. A partir de esta pieza que acabamos de mencionar, el disco ingresa a un cénit decisivo que no terminará hasta el final, pues bajo el peculiar título de ‘Encuentro Posible Entre Piazzolla Y Fripp’ se explaya un tema que se puede describir precisamente reiterando el título: se trata de una simpática excursión progresiva donde los colores de la fusión tanguera y los modismos Crimsonianos (a medio camino entre la etapa del “Starles And Bible Black” y del “Discipline”) se engarzan en un motivo unitario y coherente. La base que proporciona el baterista Roberto Sambrizzi es crucial a la hora de sustentar la ilación de los desarrollos temáticos en curso. La última estación de este clímax continuo es la ‘Suite Italiana’, un concepto musical que consta de las secciones ‘Roma’, ‘Firenze’ y ‘Venezia’, más la coda ‘Famiglia Furlan’. ‘Roma’ porta un aire señorial, embargado de melancólicas añoranzas por el esplendor pasado que sigue persistiendo bajo el misterio del viento. ‘Firenze’ tiene un aura más primaveral, patentemente basada en patrones de la tradición renacentista. ‘Venezia’, por su parte, muestra una candidez otoñal semejante al aire de resignación que asume el sol cuando está poco a poco hundiéndose en el horizonte marino: la presencia de ciertos arreglos percusivos añade un extra de moderada vivacidad al asunto, como celebrando el arribo de la nueva noche. ‘Familia Furglan’ retoma la atmósfera predominante de ‘Roma’ y le da un giro Hackett-Olfieldiano, un estupendo broche para el álbum y la suite. 

 

Bueno, una vez más ALDO PINELLI nos regala una obra musical digna de elogios y solo elogios. Puesto en el balance de las significaciones artísticas, “Suite Italiana” conforma un trabajo creativo que se aprecia y entiende mejor como puesto en mutua complementación con “Temporada De Lluvias”, en tanto que ambos discos, a través de sus propias especificidades conceptuales, navegan juntas por los mares de la creciente sofisticación de la visión musical de PINELLI. Pero sacando una última conclusión exclusiva sobre “Suite Italiana”, resulta un disco bellísimo, imperdible en una buena colección de obras progresivas actuales de Sudamérica.

Muestras de “Suite Italiana”.-

Venezia: https://soundcloud.com/pinelli/venezia
Encuentro Posible Entre Piazzolla Y Fripp: https://soundcloud.com/pinelli/encuentro-posible-entre

Nuevo viaje y nuevos trayectos para DJAM KARET

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¡DJAM KARET vuelve a la carga! Es la buena nueva de hoy, la gloriosa noticia del momento: DJAM KARET vuelve al ruedo fonográfico y lo hace con un álbum como “The Trip”, un ambicioso viaje progresivo de más de tres cuartos de hora de duración encapsulado dentro de la concepción de una sola pieza. El quinteto de Gayle Ellett [sintetizadores análogos y digitales, órgano, mellotrón, bouzouki, flauta, grabaciones de campo y efectos], Mike Henderson [guitarras eléctricas, E-Bow y efectos], Aaron Kenyon [bajo de 5 cuerdas y efectos], Mike Murray [guitarras eléctricas y acústica, E-Bow y efectos] y Chuck Oken, Jr. [batería, percusión, sintetizadores análogos y digitales, samples y procesamientos de sonido] vuelve a remecer el mundo progresivo contemporáneo desde su rincón californiano para darle un nuevo giro de tuerca a su propuesta ecléctica que lo ha convertido en uno de los grupos infaltables a la hora de definir los mayores aportes de la escena estadounidense al escenario progresivo desde los tiempos del revival 90ero. Ingenio creativo, eficacia performativa y vitalidad incombustible: tres ingredientes esenciales para hacer rock experimental significativo, tres ingredientes infaltables en cualquier disco de DJAM KARET, y éste es el momento del disco “The Trip”. Vale adelantar que la orientación temática del disco se orienta abundantemente hacia el predominio de lo atmosférico (al modo de discos anteriores como “Suspension & Displacement” y “Ascension: Dark New Age Vol. 2”), una interesante variación frente al crudo vigor del disco de 3 años atrás “The Heavy Soul Sessions”.

 

El primer pasaje de “The Trip” está basado en una consonancia etérea de guitarra acústica y ornamentos de sintetizadores que permiten una interesante cruza de espiritualidad cósmica y relajamiento bucólico. Luego, sin abandonar la aureola de languidez cósmica, la pieza vira hacia sonoridades un poco más tenebrosas, al modo de una expectativa ante el surgimiento de algo misterioso que puede resultar trepidantemente ominoso; pero finalmente, todo desemboca en un paraje ensoñador con matices grisáceos dentro de una amalgama serena de arpegios de guitarra y capas de teclados, al modo de un matrimonio de PINK FLOYD y TANGERINE DREAM. Hasta aquí los primeros 12 minutos y medio del álbum, tras los cuales el grupo inicia una nueva fase con un retorno a los recursos tenebrosos dentro de un enclave cósmico que reincide en el factor krautrock electrónico, armando así la vía de entrada para un jam lento que tiene mucho de Floydiano, y también algo de AGITATION FREE bajo un enfoque sutilmente emparentado con el post-rock. Recién a poco de pasada la barrera del minuto 17 es que se dejan notar los primeros toques de platillos, mientras las dos guitarras y el bajo van acomodando la futura cadencia básica bajo el manto de texturas sostenidas provistas por el órgano Hammond. Y justo en el peaje del minuto 18 ½ es que la batería entra a tallar decisivamente para completar la corporeidad del nuevo motivo. En situaciones como ésta, DJAM KARET sabe mostrar su vitalidad dentro de un contexto explícitamente lánguido que principalmente invita a reflexiones introspectivas: los fraseos de las guitarras solistas alternadas fluctúan entre la sutileza elegante de un GILMOUR y la vibración señorial de un BECK-con-HENDRIX. Esta sección duró casi 10 minutos, y lo hizo revelando por enésima vez el poder que tiene la fuerza de convicción de este grupo para explorar inteligentemente un motivo de base sencilla para convertirla en algo sofisticado en sus propios términos. Un pasaje cósmico posterior inserta un epílogo momentáneo que nos lleva a terrenos oscuros donde la quietud es realidad inquietud y la calma onírica oculta una energía tenebrosa en su trasfondo (una atmósfera que nos recuerda en parte a la atmósfera general de “Eraserhead”).

 

Poco antes de llegar a la frontera del minuto 33 ½, la banda genera una nueva fase musical en “The Trip”, y para variar, lo hace focalizándose en un minimalismo lisérgico de carácter cinematográfico: en este caso específico, la novedad es que hay ciertas intervenciones de piano que nos permiten intuir algo de lirismo en medio de la niebla sónica que se va desarrollando. Y de repente… llegamos a la sección rockera del álbum, un jam contundente donde los lenguajes del space-rock, el rock pesado de raigambre bluesera y el jazz-rock se funden en una comunión exaltada de extroversión y agilidad. Henderson y Murray se lucen pletóricamente en sus respectivos solos de guitarra, estratégicamente ubicados para que en algún momento pueda Ellett establecer su peculiar dinámica en un fantástico solo de sintetizador. El dinamismo desarrollado en este jam es irresistiblemente magnético, siendo evidentemente diseñado para fungir como clímax decisivo del disco. En efecto, tras el golpe final de batería, solo queda un epílogo definitivo de dos minutos centrados en un reprise del motivo acústico que había servido de punto de inicio: el final de este viaje progresivo llega arropado bajo una aureola de calma que apunta a manifestar una sensación de serena satisfacción después del frenesí. 47 minutos y 8 segundos de esplendor sónico progresivo: esto es lo que nos ofrece DJAM KARET con “The Trip”… y no podía ser de otra manera. Parece mentira que ya hayan pasado 29 años desde que el primer encuentro de Gayle Ellett, Henry J. Osbourne, Chuck Oken, Jr. y Mike Henderson en el Pitzer College motivara la gestación de esta banda, pero aquí la tenemos otra vez, llevando a cuestas una trayectoria donde se alternaron momentos de prolífica creatividad con otros de letargo, pero siempre con miras a mantener vivo el sueño del rock progresivo de hacer del rock algo trascendente para la mente y el espíritu. Ha sido todo un viaje hasta ahora… y por lo visto, ¡lo seguirá siendo!

Extractos de “The Trip”: http://www.youtube.com/watch?v=tdsjWiN4tAY

R-11 o la magia claroscura de la actualidad jazz-progresiva italiana

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Hoy se da la ocasión de sacar a colación al grupo italiano R-11. El grupo empezó como un trío de saxo-bajo-batería en los círculos de jazz de Parma, pero la alineación definitiva se consolidó tras cinco años de actividad con el posicionamiento de la guitarra en lugar del saxofón. Así las cosas, con AS (Andrea Silvestri) a la guitarra, MdM (Michele della Malva) al bajo y al contrabajo, y R² (Roberto Reggiani) a la batería, R-11 (cuyo nombre inicial era ROUND 11) logra crear un esquema sonoro robusto y compacto con raíz jazz-rockera que también se alimenta de elementos propios de los discursos del funk, el post-rock y el space-rock. Se trata, pues, de un enfoque genuinamente progresivo que este trío le da a su visceralidad originalmente jazzera. Su disco “Lupus In Trio”, publicado en 2012 por Lizard Records, es un manifiesto claro y directo de esta propuesta.

Durando poco menos de 4 ½ minutos, ‘Gauss’ abre el álbum con un optimista colorido que se basa en una ágil confluencia de los discursos del rock psicodélico y el jazz-rock, además de ciertos coqueteos breves pero efectivos con el estándar del post-rock: con una cierta predominancia del aura de exquisitez propia del segundo, el trío logra encuadrarse solventemente en una estilización progresiva efectiva. ‘Officine Scansadlavoll’ sigue a continuación para capitalizar la estrategia ecléctica de la pieza de apertura y llevarla hacia un juego más pronunciado de contrastes entre los pasajes entusiastas y los introvertidos. El trío impone con estos primeros 10 minutos de música que sabe expresar su propia fuerza de carácter con una estrategia pulidamente sutil. La dupla de ‘Aspettami’ y ‘Estremamente Rosso (Hot Dondi)’ tiene la obligación de confirmar la excelente buena impresión de los dos primeros temas y expandir el núcleo sonoro de la banda. En efecto, ‘Aspettami’ se focaliza en el jazz-rock trabajando varios ángulos en cuanto a texturas y swing en su ingeniosa ilación de motivos diversos; por su parte, ‘Estremamente Rosso (Hot Dondi)’ adopta al principio una aura crepuscular en lo que parece un híbrido de ALLAN HOLDSWORTH y PHIL MILLER, y cuando el grupo decide intensificar la cadencia rítmica, la espiritualidad de la pieza hacia una iluminación espléndida generada por los chispazos de un hoguera interior (hay algo de Crimsoniano en este clímax final). ‘Riccardo’ es un ejercicio de diversas cadencias jazzeras hiladas en una atmósfera suavemente burlona, incluyendo un breve pasaje de estilo PRIMUS. ‘Tubo Blues’ es, a despecho del título, más que un blues: contiene elementos de jazz-fusión, funk, psicodelia space-rock y jazz clásico sucesivamente hilados en la fluida conexión de sus motivos constitutivos. ‘Il Circolo Esoterico Di Bussolengo’ cierra el disco abriendo el campo para el imperio de matices y atmósferas psicodélicas, además de dar oportunidad para que los postergados recursos de tenor post-rockero vuelvan a salir a colación en ciertos pasajes. La aureola notoriamente nebulosa de la base compositiva de la pieza genera un aire de nocturnidad, como señalando que el día de esta música está llegando a su fin.  

R-11 realmente se luce como punto de referencia importante para conocer parte de la más recóndita vanguardia progresiva italiana, la cual parece tener secretos interesantes a revelar por doquier. “Lupus In Trio” es un disco demasiado breve, dura poco más de 34 minutos para ser exactos, pero también demasiado bueno como para ser obviado. Desde esta tribuna buscamos la oportunidad de hacerle justicia a esta banda que merece que le prestemos atención.

Muestra de “Lupus In Trio”.-

Gauss [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=vOEJaMaVAok  

Estremamente Rosso (Hot Dondi) [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=uXQJhQj6tOE  

LITAI, fuerza mutante de la nueva escena jazz-progresiva italiana

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LITAI, el grupo sobre el cual hablamos en esta ocasión, es una de las más interesantes entidades de música jazz-progresiva que se han hecho notar en la escena italiana en el año 2012. Este cuarteto compuesto por el baterista Stefano Bellan, el saxofonista Mattia Dalla Pozza, el guitarrista Francesco Piraino y el bajista Michele Zavan editó su homónimo disco debut el año pasado por vía de Lizard Records, a partir de material grabad y mezclado en diciembre de 2011 en el Studio Beat de Treviso. La dinámica sonora de la banda es muy cohesiva, apelando a su propia frescura inherente para dejar plena constancia de su voz propia dentro del nutrido mundo del jazz-rock experimental: la producción de sonido del álbum plasma esta frescura con impecable solvencia.

‘Vadapianov’ abre el álbum con una cadencia relajada armada por la tríada básica de guitarra, bajo y batería, siendo así que el espacio está abierto para que el saxo emerja con florituras sobrias y ayude al ensamble a impulsarse hacia un próximo ejercicio de ímpetu sonoro. Y en efecto, al grito de “ordine!”, el cuarteto genera un empuje estupendo a poco de llegar a la barrera del segundo minuto: lo que se realiza desde aquí es un híbrido de SOFT MACHINE LEGACY, KING CRIMSON 73-74 y BOUD DEUN. La pieza termina con un retorno al motivo de apertura pero con ecos de la electrificación intermedia. Tras esta excelente vía de entrada, la secuencia de ‘Bagnasco’ y ‘Babinia’ ocupa los siguientes 14 minutos del álbum: ‘Bagnasco’ porta inicialmente una espiritualidad relativamente serena, pero no tarda mucho en desplegar momentos climáticos que llevan el desarrollo temático hacia un estilizado frenesí desde donde la banda elabora una exquisita ilación de variedades rítmicas complejas (además de un discurso que añade una cualidad dadaísta al asunto) que heredan bastante del descaro dadaísta imparable de FRANK ZAPPA. Por su parte, ‘Babinia’ se mete en terreno Crimsoniano de forma clara y tajante, siempre conservando la elegancia especial del discurso jazz-rockero mientras lo hace, pero también con una firme decisión de transmitir esa neurosis psicodélica que tan importante hito es para el rock experimental. Esta dupla conforma, sin duda, un ápex del álbum en lo que se refiere a la dimensionalidad de las ambientaciones sónicas preferentes en el ideario musical de LITAI. ‘Cantico’ es la primera pieza en la que intervención vocal tiene cierta importancia (a cargo del bajista Zavan, quien emite un par de discursos como si estuviera rindiendo un tributo al inmortal Demetrio Stratos): el factor Crimsoniano sigue siendo un ítem central en la inspiración temática y su consecuente desarrollo performativo, pero esta vez comparte protagonismo con otros recursos propios del jazz-fusión a lo WEATHER REPORT, pero con una dosis extra de aridez. A propósito, lo que declama Zavan es una selección breve de pasajes del Canto V de la sección “Infierno” de “La Divina Comedia” de Dante. ‘Hybris’, el quinto tema, es otro cénit del álbum: su base temática es prácticamente una síntesis intensa y bien aplicada de los aspectos refinados y filudos que ya se han expuesto en temas anteriores, incluso con una tonalidad farsesca más pronunciada en algunos momentos estratégicos.

Siguiendo por la senda de ‘Hybris’ en cierto sentido, pero estableciendo también aires de familia con ‘Vadapianov’ y ‘Babinia’, ‘Olio Su Tela’ cumple con dejar en claro que a estas alturas del partido, LITAI ya ha puesto todas sus cartas musicales sobre la mesa. Así las cosas, la misión de los dos últimos temas, ‘Oltraggio’ y ‘Kamasutra Gong’, es terminar de redondear la faena. ‘Oltraggio’ porta una fuerza de carácter contenida, un poco influido por los juegos de síncopas que bandas como PRIMUS y ATTENTION DEFICIT practicaban a placer cuando estaban en sazón; por su parte, ‘Kamasutra Gong’ despliega una gracilidad imponente y versátil en una cruza de KING CRIMSON y el estándar del space-rock. En estos últimos temas, las inclusiones de discursos y soliloquios de parte de Zavan ya se han hecho costumbre. Todo esto fue el disco “Litai” y todo esto es lo que por ahora nos revela el grupo LITAI, un cuarteto muy interesante al cual vale la pena seguir la pista: más de 50 minutos de música pulidamente ingeniosa y osadamente amena.

Muestras de “Litai”.-

Vadapianov: http://www.youtube.com/watch?v=0bJg-xJRzM4

Hybris: http://www.youtube.com/watch?v=VPqc1tWySEs

Las renovadas imágenes y meditaciones de RUNAWAY TOTEM

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En esta ocasión volvemos nuestra mirada un poco hacia atrás para remontarnos a los últimos meses de 2012 y descubrir el más reciente disco de RUNAWAY TOTEM, una de las más brillantes instituciones vivientes del progresivo vanguardista italiano: “Affreschi E Mediazione” es el título del susodicho disco. Bajo la usual dirección de Cahål De Bêtêl (o Roberto Gottardi, como se prefiera llamarle), quien está a cargo de los sintetizadores, guitarras y percusión electrónica, el ensamble de RUNAWAY TOTEM se completa con Re-Tuz (o Raffaello Regoli) al canto y la diplofonía, Dauno (o Giuseppe Buttiglione) al bajo sin trastes y Tipheret (o Germano Morghen) a la batería y las percusiones. Después de la dinámica aparatosa y alevosamente oscurantista que supuso el disco de 2011 “Le Roi Du Monde”, este ensamble italiano reformula de una manera importante su apuesta por un nuevo progresivo vanguardista proyectándose hacia circuitos creativos de tendencia más serena, además de emplear una instrumentación más concisa: a partir de aquí, las ideas musicales tienden focalizarse en delineamientos temáticos originariamente sencillos y los arreglos dan prioridad al énfasis consistente de tales delineamientos para darles una fuerza continuada en el camino. Es la serenidad del ensimismamiento el motivo central del concepto musical subyacente a este disco: la celebración de la espiritualidad y la cultura budista en La India. Pasemos a los detalles del mismo.

El disco comienza con ‘Stupa (La Mente Risvegliata)’, un tema que se sitúa bajo el encuentro de las coordenadas de matices fusionescos y las ambientaciones de tendencia space-rockera; esta pieza contiene una densidad propia de la música patentemente abstracta, pero los protagónicos fraseos de la guitarra aportan un colorido sobriamente vivaz al asunto, mientras que la estructura rítmica mantiene una cadencia tribal no muy apabullante que digamos. La siguiente pieza, titulada ‘Passato E Presente’, es una exhibición de climas lisérgicos que tienen cierto parentesco con las dimensiones más fastuosas de VANGELIS (en la época de la segunda mitad de los 70s) y los aspectos más líricos de CLUSTER, aunque con un añadido matiz de dureza en algunas de las capas de teclado empleadas para la ocasión. Durando 11 minutos, ‘TaT (L’Albero Cosmico)’, exhibe un ritual de invocaciones místicas minimalistas arrojadas al cosmos en busca de una inteligencia que dé cobijo a las ansiedades más recurrentes del ser humano. Hay una rara aureola de relax intelectual en el desarrollo de esta pieza, pero también es claro que el grupo sigue apostando por la generación de tensiones e inquietudes como su meta estética crucial: por ejemplo, las fanfarrias sintetizadas que emulan metales palaciegos emanan un aura ceremoniosa a la par que parecen anunciar el arribo de la epifanía de un misterio un tanto terrorífico. Vale un comentario especial para los mantras de Re-Tuz, cuya voz recibe la herencia del legendario Demetrio Stratos.

‘La Cittá Rosa (Jaipur)’ nos mete de lleno en atmósferas y cadencias propias del folclore indio, las cuales son manejadas con un aura de distinción tremendamente pulcra. La exquisitez performativa que se impone a lo largo y ancho del desarrollo del núcleo temático de esta pieza está enraizada en los patrones del jazz-fusión contemporáneo con tintes de World Music. En camino hacia áreas musicales más refrenadas, ‘Ganesha Puja’ exhibe una dimensionalidad cósmica donde la banda se permite regresar al cobijo de las influencias de VANGELIS y CLUSTER, además de las abstracciones electrónicas del TANGERINE DREAM de la época del “Phaedra” y el “Rubycon”: en consonancia con la pieza anterior, los motivos temáticos y sus consiguientes expansiones se enraízan en el folclore indio. Ocupando los últimos 12 ¾ minutos del álbum, ‘Inno A Surya’ da pie a la manifestación decisiva de la musculatura más esencialmente típica de RUNAWAY TOTEM, haciendo que las áreas sonoras que habían sido minuciosamente explotadas en las dos piezas precedentes se asienten en un esquema que recibe una buena dosis de influencia de la faceta fusionesca de MAGMA: también se sienten concordancias con lo hecho por bandas recientes como DISCUS y AHVAK, pero siguiendo una coherencia estilística con la línea general del álbum, Cahål De Bêtêl y sus secuaces preservan una ambientación etérea para asentar el encuadre donde pueden dar rienda suelta a estas ideas extrovertidas finales.    

A fin de cuentas, lo que cabe resaltar principalmente de “Affreschi E Mediazione” es que ha servido como vehículo para nuevas exploraciones sónicas de parte de RUNAWAY TOTEM, una renovación desde dentro que repercute en la alimentación de un fuego musical distinto a los que habían venido iluminando la escena progresiva experimental desde Italia. Recomendado especialmente para los coleccionistas aventureros, y en general, para aquellos que sientan curiosidad sobre las nuevas formas sorprendentes en que las vías del chamber-rock y el rock in opposition pueden estar sujetas a ingeniosas remodelaciones.    

Muestras de “Affreschi E Mediazione”.-

Stupa: http://www.youtube.com/watch?v=OcwE_0WecZU

‘TaT (L’Albero Cosmico)’: http://www.youtube.com/watch?v=_AXLuhzm520

La luz musical de JEAN-PAUL PRAT

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JEAN-PAUL PRAT es un veterano de la vanguardia francesa que hoy traemos a colación so pretexto de su reciente trabajo de estudio “Light”. Nacido en la localidad de Grenoble en 1953, este multi-instrumentista estuvo desde los 20 años de edad trabajando arduamente en el underground francés con un ambicioso proyecto de música progresiva ecléctica llamado MASAL, el cual fusionaba los discursos del Zeuhl, el jazz y el rock sinfónico. El fruto concreto de todo este esfuerzo recién emergió en 1982 con la edición del disco debut “Masal”, bajo la autoría explícita de JEAN-PAUL PRAT; o sea, el ensamble es reconocido claramente como una extensión de la persona específica de PRAT. Pues bien, desde entonces, la carrera artística de este señor siguió como siempre: buscando incansablemente la creatividad y la inspiración mientras mantenía un perfil bajo, y dentro de toda esta labor constante y paciente está la creación de material extra que acabó incluyéndose en la edición digital de la susodicha opera prima “Masal”. En sus dos últimos discos, “Desnudo” y “Light”, PRAT ha dado un serio viraje hacia aventuras musicales introspectivas y cándidas de base acústica: nos centramos ahora en el segundo de los discos mencionados, el cual ha sido recientemente editado por Musea Records.  

‘Et l'amandier est en fleurs’, durando menos de 2 minutos, sirve de apertura idónea para la experiencia global del álbum: un piano de cola solitario expresa un paisaje emocional solipsista, inundado de sobria luminosidad. ‘Lance ton pain sur l'eau’ instala un clima más expansivo a través de sus 5 ½ minutos de duración: las texturas de los vientos y el acompañamiento de la guitarra completan un agradable clima de languidez crepuscular. La dupla de ‘Avant que souffle la brise du jour’ y ‘O ma nuit claire’ tiene la doble misión de preservar la coherencia sónica del álbum y de introducir matices renovadores: en efecto, el primero de estos temas ofrece una cierta cercanía con la fusión en clave céltica sobre la base de un sinfonismo contemplativo que nos puede sonar relativamente emparentado con los patrones de THE ENID y ANTHONY PHILLIPS; por su parte, el segundo se orienta hacia climas bucólicos en base a la articuladamente delicada interacción entre la guitarra acústica y el saxo tenor, siendo así que los ornamentos adicionales de percusiones tonales y teclados discretamente explayados proporcionan una forma “calmada” de fastuosidad al asunto. Acto seguido, ‘Nous avions perdu nos harpes’ reitera el aura bucólica de la pieza anterior con una actitud más sencilla: la guitarra acústica asume un rol especialmente protagónico mientras el etéreo sintetizador realza ciertos momentos de su ilación de escalas.

 

‘Eclipse’ y ‘Fête dieu’ son las dos piezas más largas del álbum, durando ambas casi 6 ¾ minutos: ambas coinciden en expresar sendas síntesis de las características más esenciales del álbum como un todo, por lo que se puede decir que encarnan conjuntamente su ápex definitivo. En ‘Eclipse’ hallamos un punto intermedio entre el colorido cándido de ‘Avant que souffle la brise du jour’ y la raigambre bucólica ‘O ma nuit claire’, siendo así que los roles del piano eléctrico y el saxo aportan una aureola jazzera al esquema sonoro global. ‘Fête dieu’ se sustenta sobre el piano y elabora un aura majestuosa en base al tenue flujo de sus escalas: una vez más, el saxo entra a tallar para añadir matices jazzeros al desarrollo melódico de la pieza, pero en comparación con la pieza anterior, ésta resulta más patentemente ceremoniosa. ¡Inevitable apelar a la imagen de PHILLIP GLASS en momentos como éste! El álbum culmina con ‘Avant que lâche le fil d'argent’, retomando la calidez solipsista de ‘Et l'amandier est en fleurs’. Así terminan estos 37 minutos de música reflexiva e introspectiva: un lujo que JEAN-PAUL PRAT siga activo en su polimórfica visión musical dentro de diversas áreas de la avanzada progresiva. Con “Light”, él nos ha invitado a viajar hacia los rincones más serenos de nuestro ego para alimentar de vibraciones pacíficas sus fibras más íntimas: una invitación muy interesante, la verdad que sí. 

Muestra de “Light”.-

Et l'amandier est en fleurs: http://www.youtube.com/watch?v=PrcpfAHCUgM