IAN ANDERSON reformula viejas glorias progresivas con "Thick As A Brick 2"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca prestar atención a uno de los discos más especiales y controvertidos dentro de los eventos progresivos del presente año 2012, “Thick As A Brick 2: Whatever Happened To Gerald Bostock?” es un disco destinado a ser evaluado y examinado por siempre jamás en relación y en oposición a su brillante antecesor de 40 años atrás, “Thick As A Brick”, aquel disco que JETHRO TULL, con su formación de IAN ANDERSON (voz, flauta, guitarra acústica, algo de violín, saxo y trompeta), MARTIN BARRE (guitarra eléctrica y algo de laúd), JOHN EVAN (luciéndose al órgano Hammond, piano de cola y clavicordio), JEFFREY HAMMOND-HAMMOND (bajo y voces adicionales) y el recién llegado BARRIEMORE BARLOW (batería, tímpanos, campanas, glockenspiel y otros utensilios percusivos), grabó como parodia de los aspectos épicos y grandilocuentes del entonces ya florecido rock progresivo… ¡y que se convirtió en uno de los discos más emblemáticos del género! No somos pocos los que consideramos a “Thick As A Brick” como una parte imprescindible del pináculo definitivo de la historia del rock progresivo, y la misma gente de JETHRO TULL se tomó la idea más en serio con la gestación de “A Passion Play” en el año siguiente. A pesar de considerarse como meros visitantes “turistas” dentro del país de la pompa y boato del género progresivo, las complejas composiciones (algunas de ellas, bastante extensas) que formaron parte de discos posteriores como “Minstrel In The Gallery”, “Songs From The Wood”, “Heavy Horses”, “Stormwatch” y “A”, así como ese emblemático clásico del JETHRO TULL 80ero como es ‘Budapest’, del álbum “Crest Of A Knave”, son pruebas fehacientes del ímpetu de IAN ANDERSON y sus compañeros de turno por dignificar los ideales del rock artístico dentro de su propia propuesta musical.

A la luz de esta perspectiva de la variopinta tradición Tulliana, ¿qué propósito cumple esta obra solista de IAN ANDERSON que se ofrece al mercado fonográfico como secuela de un disco histórico? Seamos justos con el Sr. ANDERSON en caso de que nos sintamos tentados a pensar que se trata de una tentativa por explotar un poco a esta vieja gallina de los huevos de oro con el solo propósito de buscar nuevos réditos. Más bien, la idea de este disco surgió de parte de dos viejos amigos de Anderson de su época con Chrysalis Records, y un poco más tarde, del ejecutivo y otrora rey de la vanguardia progresiva Derek Shulman (sí, el de GENTLE GIANT): tras una inicial renuencia ante estas sugerencias, finalmente Anderson se puso a concebir un concepto para este tributo al 40mo. aniversario de “TAAB”, desproveyendo al personaje Gerald Bostock de su carácter jocosamente ficticio y convirtiéndolo en un personaje de un pasado real sobre cuyo destino y presente nada se sabe, solo cabe especular. Los ilustres compañeros de ANDERSON en esta nueva aventura son: JOHN O’HARA (teclados y acordeón), DAVID GOODIER (bajo y glockenspiel), FLORIAN OPAHLE (guitarra eléctrica) y SCOTT HAMMOND (batería y percusión). También participan colaboradores ocasionales como RYAN O’DONNELL (voces adicionales) y PETE JUDGE (trompeta, fiscorno, corno tenor y tuba). Con este esquema conceptual en mente, IAN ANDERSON utiliza su poética peculiar para hacerse preguntas en voz alta sobre qué hubiera sido de nuestras vidas si en ciertos momentos específicos las decisiones importantes que tomamos hubieran sido distintas a como fueron, o si hubiéramos tenido más suerte o hubiésemos pasado pro algún infortunio grande: la lógica del “qué hubiera pasado si…” es la ilación temática del repertorio de este disco, el cual se divide en dos grandes secciones, “Divergence” y “Convergence”, y sus correspondientes sub-secciones contienen las canciones individuales (17 en total). Reflexión crítica, una búsqueda de orden en la secuencia de eventos de nuestra vida, incertidumbres en torno a las personas que en el pasado nos marcaron de alguna manera pero que no hemos vuelto a ver en muchísimos años – ANDERSON hace una exégesis de la melancolía de la tercera edad (¿su propia tercera edad?) a través de esta “reificación” de Gerald Bostock. Nos parece, de entrada, que la idea de hacer un repertorio de 17 temas más o menos cortos no es una estrategia tan útil para realzar el carácter conceptual intencionado para este disco como sí lo hubiera sido hacer 5 o 6 composiciones de más largo aliento, algo realmente épico desde la perspectiva progresiva estandarizada. En fin, vayamos ahora al repertorio en sí.

 

‘From A Pebble Thrown’ abre el disco (y la serie ‘Divergence’) con una cita del inicio del lado B de “Thick As A Brick”, la misma que introduce un motivo central atractivo, al estilo del sobrio colorido de sus discos solistas “The Secret Language Of Birds” y “Rupi’s Dance”; ‘Pebbles Instrumental’ se engarza con un filo rockero más pronunciado que nos puede recordar a los días de “Crest Of A Knave”. El disco comienza bastante bien. Después del discurso de ‘Might-have-beens’ sobre cómo a veces brotan en nosotros preguntas sobre qué hubiera sido de nosotros si se hubieran dado tales o cuales circunstancias diferentes a las que efectivamente se dieron, comienza la dupla de ‘Gerald The Banker’: ‘Upper Sixth Loan Shark’ opera como un preludio acústico para el dinamismo muscular de ‘Banker Bets, Banker Wins’. Para la sección de ‘Gerald Goes Homeless’, tenemos a ‘Swing It Far’, un tema que alterna partes tranquilas con otras más movidas, y a ‘Adrift And Dumfounded’, un tema dominado por una serenidad contemplativa (al modo de las canciones más lentas de “Roots To Branches”), aunque también incluye un vitalista interludio rockero: tenemos en esta canción un momento álgido. Dentro de la sección ‘Gerald The Military Man’, tenemos una remodelación de la sección militar de “Thick As A Brick” (“I’ve come down from the upper class to mend your rotten ways”) en ‘Old School Song’ y una nueva reminiscencia de la faceta contemplativa de “Roots To Branches” en ‘Wootton Bassett Town’, esta vez con un tono crepuscular más marcado y con un manejo especialmente delicado de las capas orquestales de teclado, lo que pueden remitirnos a los tiempos de “Crest” y de “The Broadsword And The Beast”. ‘Gerald The Chorister’ incluye dos piezas muy cortas: un rock lento como ‘Power And Spirit’ y una cantata juglaresca como ‘Give Till It Hurts’. ‘Gerald: A Most Ordinary Man’ incluye un ejercicio de ensamble de metales (‘Cosy Corner’) y una pieza rockera bastante interesante que podría haberse beneficiado de una mayor expansión temática (‘Shunt And Shuffle’), pues el gancho funciona de una manera directa. La sección del Gerald militar sobrepasa enormemente a las del Gerald predicador y del Gerald común y corriente.
 
La serie ‘Convergence’ comienza con la pieza más extensa del álbum, ‘A Change Of Horses’, que se erige como la pieza más larga del disco con sus 8 minutos de duración: retomando el lirismo folk-progresivo de los mejores momentos del JT 90ero y con guiños a lo hecho en “Rupi’s Dance”, la pieza maneja bien su espacio de expansión, lo cual le permite generar un nuevo momento notable dentro de los cánones del disco. ‘Confessional’, la primera de dos canciones de la sección ‘Mulberry Walk’, nos retrotrae a la dinámica un tanto desabrida de “Catfish Rising” en su sección cantada; solo le salva en postludio instrumental que se enlaza parcialmente con la magia colorida de los clásicos Tullianos “Songs From The Wood” y “Heavy Horses”. La segunda canción de esta sección, ‘Kismet In Suburbia’, se beneficia de una mayor polenta que ‘Confessional’, pero también vuelve a confirmar que Anderson no ha sabido explotar de forma contundente su vena rockera para este proyecto. Incluso en esta canción se advierte que OPAHLE aporta sus fraseos más creativos, mas la canción no está diseñada para darle suficientes espacios de expresión, y ello repercute en que el colorido rockero se quede a un nivel meramente potencial. ‘What-ifs, Maybes, Might-have-beens’ cierra el álbum como un reprise de ‘From A Pebble Thrown’ sazonado con una reconstrucción del último clímax bombástico de “Thick As A Brick” (aunque con más tirado a lo pastoral que a lo rockero) y el cierre acústico del mismo disco: la variada estructura de esta canción refleja cabalmente la dimensión ambiciosa que pudo haberse concretizado en el disco global y que, en nuestra opinión, quedó como un menú musical cocinado en un término medio. Y bueno, el cierre con la frase “and your wise men don’t know how it feels to be thick as a brick 2” sirve para enfatizar (posiblemente, de forma involuntaria) la ironía inherente a hacer una secuela de “Thick As A Brick” con una estrategia compositiva que no terminó dando los resultados esperables... o sea, un nuevo hito especial dentro del legado Tulliano-Andersoniano.

Ya está en curso una gira de IAN ANDERSON y su banda de apoyo donde se recupera la obra original y se promociona esta secuela. Tal vez sea ésta la temporada para observar y apreciar cómo se curte la valía artística de “Thick As A Brick 2”, cómo madura: una cosa es clara, las comparaciones, más allá de lo adorables u odiosas que sean, serán inevitables de acuerdo a la naturaleza de esta iniciativa, y nuestro diagnóstico es que se trata de un solvente tributo a la faceta folklórica que conforma un ingrediente poderoso en el sonido de JETHRO TULL, pero en cuanto a la polenta rockera y la sofisticación melódica, los logros no son tan notables como hubiera podido esperarse de un compositor que siempre supo darse maña para explorar las aristas más afiladas de su creatividad. Es una pena que en este disco, Anderson no haya podido recapturar la riqueza sónica de su genial “Divinities”, o reavivar la magia melódica que había encontrado espacios muy interesantes de expresión en los más que dignos discos Tullianos “Crest Of A Knave” y “Roots To Branches”, pero tampoco nos parece desastroso “Thick As A Brick 2”: no vale la pena tampoco ponerse tremendistas ni hacerse mala sangre sin ton ni son. Este disco es, esencialmente, una buena idea de ingeniería donde varias paredes quedaron con terraje incompleto y algunas columnas no quedaron del todo refinadas: cabe agradecer a Ian Anderson por los momentos donde la inspiración es buena, y el oyente atento sabrá detectarlos desde las primeras escuchas. 

Muestras de “Thick As A Brick 2”.-

From a Pebble Thrown + Pebbles Instrumental: http://www.youtube.com/watch?v=AN-pNXaXBZE
Adrift And Dumbfounded: http://www.youtube.com/watch?v=qfrLus4p4Gs
Wootton Basset Town: http://www.youtube.com/watch?v=rxtjK9QIQ8M
A Change Of Horses: http://www.youtube.com/watch?v=aXM1E5hOXOk 
 
 
[Gracias especiales a mis amigos melómanos Daniel Padilla, Jesús Díaz Garaygordobil y Gabriel Costa por ayudarme en la formación de esta primera perspectiva personal sobre el disco aquí reseñado.]     

STEREOKIMONO y su intergaláctico arte progresivo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy es el momento de prestar atención a STEREOKIMONO, una de las bandas más originales de la movida progresiva italiana de las últimas dos décadas, por motivo de su más reciente lanzamiento “Intergalactic Art Café”. Formado en Boloña en 1989, y tras sufrir algunas crisis de alineación, en 1995 el grupo se reformó con el trío de Antonio Severi [guitarras, guitarra- midi y teclados], Cristina Atzori [batería y percusión] y Alex Vittorio [bajo y teclados] que sigue vigente hasta ahora. Aunque todos los músicos de la banda están involucrados en otros proyectos simultáneos, se dieron abasto para grabara dos discos, “Ki” y “Primosfera”, que aportaron gran frescura al variopinto mundo de la vanguardia rockera de su país. Ahora, 9 años después de “Primosfera”, el trío publica esta nueva joya progresiva cuyo repertorio repasamos a cotinuación. Para esta ocasión, el grupo se hizo acompañar de  varios invitados: algunos al canto, otros a la trompeta (Paolo Raineri en ‘Fuga Da Algon’), saxo (Tony Stern en ‘Space Surfer’ ) y atmósferas de drone (Alio Die en ‘Indian Breakfast’ ).
 

Los primeros 11 ½ minutos de “Intergalactic Art café” están ocupados por ‘Fuga Da Algon’, pieza que constituye un estupendo ejercicio en la combinación de space-rock y jazz-prog dentro de un encuadre psicodélico que muestra sus garras de forma estratégica, sin visceralidad, con una contundencia genuina y elegante a la vez. Los recursos cósmicos provistos por los teclados y la guitarra-midi catapultan muy bien las potencialidades etéreas de varios de los diversos motivos hilados en la pieza. Esta vía de entrada es tan impactante que exige de la banda que se esfuerce seriamente en mantener la buena onda en lo que aún queda de disco… y el grupo ha de cumplir solventemente con este cometido. ‘Space Surfer’ suena básicamente a una versión jazz-rockera de un híbrido entre el Crimsonismo 80ero y la psicodelia espacial a lo OZRIC TENTACLES, pero también incluye pasajes más livianos donde el grupo explora texturas rocanroleras sutiles en base a sencillos juegos armónicos manejados con oportuna constricción. Atzori es una baterista muy versátil que sabe utilizar su energía y su pericia tanto en los pasajes extrovertidos como en los contenidos. El tercer tema, ‘Indian Breakfast’, presenta una más ligera aproximación al enfoque estilístico esencial de la banda: hay  una preeminencia de los factores del jazz-pop dentro de este exquisito ejercicio de fusión melódica, el cual incluye un motivo indio en el comienzo y algún momento de Latin-jazz en uno de los pasajes intermedios. Luego sigue el concepto tripartito de ‘Rebus’ para seguirnos mostrando más caras del incombustible eclecticismo de STEREOKIMONO. ‘Il Gioco’ da inicio al concepto con una extroversión impactante, ágilmente llevada a través de una compleja secuencia de motivos y esquemas rítmicos durante un espacio de solo dos minutos. Cuando la cosa se pone con tintes moderadamente arábigos, emerge la segunda parte ‘La Metafora’, la cual porta un aire bastante peculiar donde confluyen la neurosis arquetípica de un KING CRIMSON, el jolgorio surrealista de un ZAPPA y el colorido dadaísta de SAMLA MAMMAS MANNA, un híbrido sonoro capaz de generar un ambiente de alegría a través de una absorbente y exaltada extravagancia. ‘La Soluzione’, la tercera y última parte de este concepto, prosigue por esta vía de exploración llevándola hacia un incremento de la sofisticación, lo cual repercute necesariamente en un realce de la espiritualidad humorística en curso. ‘Rebus’ resulta, a fin de cuentas, un cénit decisivo dentro del disco.

‘Lumacacactus’ es un ejercicio enérgico y grácil de psicodelia progresiva que está mayormente dominado por un tenor bastante colorido (incluyendo algunos leves coqueteos con ritmos ska y europeo-orientales), además de algún breve interludio denso. El momento de ‘The Gnome On The Moon’ es uno muy distinto: armado sobre un compás de jazz de cabaret, el grupo arma una sonoridad con una diversidad interna bien organizada, que va desde momentos sobrios y lacónicos a otros más explícitamente intensos, mientras la invitada Nicoletta Zucchero aborda el canto con una actitud ceremoniosa propia de una maestra de ceremonias (ellla también escribió el texto, a propósito). Las imágenes mentales motivadas por este tema nos remiten a una magia perdida, tal vez una magia proyectada que nunca llegó a concretarse y que solo quedó como sueño de grandeza, la añoranza crepuscular que se siente mientras se da la decadencia de lo noble y lo palaciego. ‘Zona D’Ombra’ nos devuelve de lleno a la vitalidad electrizantemente dinámica de ‘Fuga Da Algon’ con el añadido de una mayor dosis de polenta: la guitarra de Severi suena bastante robusta en varios momentos, explayando su vigor salvaje con una disciplina impoluta. Este clímax tan especial concretizado en ‘Zona D’Ombra’ prepara el terreno para el último tema del disco, ‘Oltre Algon’, el mismo que desarrolla capas y texturas cósmicas en una suerte de ambient psicodélico donde confluyen elementos krautrock con estándares de HILLAGE: los samplers de susurros y soliloquios ayudan a reforzar el aura de ensueño que arropa a la instrumentación. Un final etéreo para un disco que mayormente ha sido generoso en la develación y encauzamiento de varias modalidades de colorido sónico.
 
STEREOKIMONO se ha lucido con enormidad y carácter a la hora de gestar y producir este nuevo álbum: “Intergalactic Art Café” es una bizarra gema de música progresiva genuinamente renovadora con el sello de una banda que nunca pudimos olvidar con el paso de los años tras su último disco. ¡Un retorno a lo grande de una banda enorme!

Muestras de “Intergalactic Art Café”.-

Fuga Da Algon: http://www.youtube.com/watch?v=baecZxjCfis
Lumacacactus [vídeo-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=oLBR4uHqmjo
Zona D'Ombra [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=zxJ8knehsRE

Las curvas secretas de la vanguardia, según PAK

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Otras de las deudas importantes que tenemos con el año 2011 es el disco de PAK “Secret Curve”, el cual fue oficialmente firmado como RON ANDERSON’S PAK. De hecho, PAK es uno de los proyectos que más han ocupado su agenda en los últimos años, siendo “Secret Curve”, disco de 2011, el cuarto y más reciente ítem fonográfico de su currículum. PAK no ha tenido una alineación permanente, pero sí una trayectoria con consistente que ha servido para mantener a Anderson y sus colaboradores de turno (especialmente al más nuevo, el vientito-teclista Tim Byrnes, que de por sí cuenta con una actividad muy profusa y prolija como solista, en FRIENDLY BEARS, y como colaborador de Toby Driver en KAYO DOT y TARTAR LAMB) en un muy merecido lugar de devoción de parte de los seguidores y coleccionistas de música de jazz de avanzada y rock experimental. A diferencia del PAK que grabó “Motels” (segundo disco), esta encarnación porta una consistencia multicolor de tono casi orquestal, llenando espacios a granel a través de complejas composiciones que se van articulando, descoyuntando y reestructurando sobre desafiantes esquemas y variantes rítmicas. La ayuda de incitados ocasionales al violín, vientos y teclado aporta vitalistas coloridos al asunto. Este disco es complejo pero imposible de dejar pasar inadvertido: capta la atención incluso si el efecto final es de temor, repulsa o disgusto. Desde su más pura esencia, “Secret Curve”, más que una obra de arte, es un acto de arrogante desafío para nuestras conciencias en forma de arte.
 
Los primeros 7 minutos y medio del álbum están ocupados por la secuencia de ‘Overture’ y ‘Let Me Tell You Something’: ‘Overture’ ofrece una psicótica secuencia de aventuras sónicas exultantes de lunática extroversión (algo así como un interludio perdido de ZAPPA refocalizado por un ensamble de músicos de KOREYKOJINN y JOHN ZORN’S NAKED CITY como invitado especial), mientras que ‘Let Me Tell You Something’ brinda una fantástica vibración donde se cruzan la neurosis de KING CRIMSON, la vibración de MAHAVISHNU ORCHESTRA en sus momentos más agresivos y el estándar contemporáneo de Charts And Maps. ‘Caffeine Static Rendezvous’ elabora su esquema instrumental poniendo al piano en el centro neurálgico: se trata de un ejercicio de free-jazz traducido a una suerte de jazz-rock psicodélico, algo salvaje en su concepción y revestido de finos ropajes extravagantes durante su desarrollo. En ‘No Future’ hallamos algo más explícitamente estructurado, una suerte de confluencia de avant-jazz y math-rock donde la ilación de motivos se enriquece ocasionalmente con trucos de corte space-rockero. Durando más de nuevo minutos y medio, ‘Caro-Kann’ cumple con la misión de reciclar, recapitular y capitalizar varios de los recursos más estilizados en torno a los que se organizó la sistemática locura musical de los temas anteriores. La pieza homónima sigue a continuación para darle un cariz más grisáceo a la extravagancia reinante, a la par que focaliza más energía en enfatizar el aspecto avant-jazzero en varios momentos estratégicamente ubicados: es como un organismo sónico cuya esencia se sostiene en confluencia de FORGAS BAND PHENOMENA y ESKATON y que acaba de recibir una dosis casi peligrosa de vibraciones a lo U TOTEM y exaltaciones a lo RUINS. (Vale la pena añadir que Anderson colaboró con Tatsuya Yoshida en un proyecto llamado RONRUINS).
  

‘Mama's Little Anarchist’ y ‘e4 Or d4’ son sendos retazos musicales donde la banda explora varias de las estrategias ya utilizadas en lo que va de disco: el primero es sereno, al modo de un paisaje reposado donde se sospecha que una tensión latente, pero que nunca se asoma con certeza; el segundo es un ejercicio de deconstrucción que vale tanto para el avant-prog contemporáneo a lo RUINS como para las facetas más alucinadas del math-rock, un ejercicio basado en una reconstrucción electrizantemente vitalista de la musique concrete. ‘Trebuchet’ retoma algo del vigor de ‘Caffeine Static Rendezvous’ pero con un talante un poco más constreñido, mientras que ‘Blinding Light’ aprieta el acelerador de la maquinaria sónica del ensamble para reinstaurar sus vibraciones más rotundas y contundentes. Los últimos 5 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Kempelen's Automaton’, pieza que recopila fluidamente los tensos coloridos y retorcidas neurosis que han venido engrandeciendo este álbum como lo que es, una obra fabulosa.
  

Escuchar “Secret Curve” no es solo escuchar, es tener una aventura donde el yo y el id aúnan fuerzas en una bizarra alianza para poder resistir el desafío. Música físicamente cerebral y  metafísicamente delirante, esto es el repertorio de este disco que PAK nos ofreció en 2011. Por nuestra parte, lamentamos mucho haberlo descubierto tan tardíamente… ¡¡pero más vale tarde que nunca!!

Muestra de “Secret Curve”.-

Let Me Tell You Something: http://www.youtube.com/watch?v=5584nTXi65w 

TRÍO DESATANUDOS - tres reyes de la vanguardia cordobesa

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Una de las muchas deudas que tenemos pendientes con el año pasado es el disco de TRÍO DESATANUDOS “El Rey De Las Palabras”. Este TRÍO DESATANUDOS es el producto de la asociación de tres luminarias del jazz y el rock de avanzada en la localidad argentina de Córdoba: Darío Íscaro (guitarras, efectos, samples, composiciones, arreglos), Gustavo Lorenzatti (contrabajo, composiciones, arreglos) y Fernando Caballero (batería, arreglos). Este disco de 2011 que ya mencionamos antes, “El Rey De Las Palabras”, es un ejemplo magnífico de ingenio invertido en el lenguaje del avant-jazz con elementos fusionescos y progresivos. Contando con un arsenal sonoro de guitarra eléctrica, contrabajo y batería, el grupo maneja efectos, arreglos y esquemas lo suficientemente complejos como para generar una estructura sónica auténticamente intrincada donde se da una perfecta combinación de libertad de expresión y pensamiento organizado a tres bandas.

Durando 4 ½ minutos, ‘El Disparo’ abre el disco con un distinguido ejercicio de jazz-rock marcado principalmente por atmósferas sutiles donde lo fusionesco impone las condiciones de las expresiones de energía sónica y del desarrollo del swing. Acto seguido llega la pieza homónima, basada en un motivo en 5/4, en cuyo entorno se desarrollan arreglos razonablemente sofisticados en los que el trío explora facetas de densidad y disonancia. ‘Entrave’, una composición de HENRIE EXIET, nos remite a cándidos climas crepusculares donde el retorcido lirismo exhibido por el contrabajo con arco aporta recursos de inquietud, apropiadamente medidos para la estructura instrumental del momento. El momento donde se luce la guitarra de Íscaro es más relajante, en comparación. ‘Sin La Vivi’ es una suerte de bossa nova reciclada a través del uso de ornamentos propios del rock psicodélico, aunque sin perder de vista el swing esencial de la idea básica, mientras que ‘Budú’ se mete de lleno en el lenguaje stoner con algunos factores sónicos que parecen satirizar ciertos clichés del nu-metal: una idea traviesamente genial. ‘Que No Se La Lleve El Viento’ es un tema bastante climático dentro del repertorio del álbum. Comienza con una espiritualidad relativamente sosegada, entre bluesera y psicodélica dentro de la usual actitud calculada que asume el trío en sus interacciones; luego, deriva a un motivo más extrovertido donde el grupo hace una reconstrucción de tenor avant-jazzero de un pasaje inspirado en cadencias fusionescas; a partir de esta dupla temática, se elabora la ingeniería sonora integral del tema.

‘Invitation’ es una pequeña Biblia de la historia del jazz, un estándar de eterno valor compuesto por BRONISLAU KAPER, inmortalizado por varias luminarias como, por ejemplo, THELONIUS MONK: en esta ocasión, TRÍO DESATANUDOS lo retoma con un aditivo de aires fusionescos sin destruir para nada la magia esencial de la idea original. Después de la infranqueable solemnidad de ‘Invitation’, emerge la soltura fresca y luminosa de ‘Santa Cruz’ para exhibir, una vez más, la maestría con la cual el trío conjuga los lenguajes del avant-jazz y la fusión. En este caso, también se notan elementos de experimentación progresiva en varios fraseos de la guitarra de Íscaro (con acentos cercanos a lo Frippiano), oportunos índices de desafiante perturbación en medio de la explosiva extroversión que el encuadre de Lorenzatti y Caballero arma con estupendo punche. ‘Dense’ establece una dinámica rotundamente poderosa donde los discursos del rock pesado clásico y de la fusión contemporánea se engarzan en un colorido donde todos los matices involucrados se amalgaman a las mil maravillas: otro momento climático del disco, sin duda. Los últimos 15 minutos y pico del álbum están ocupados por la secuencia de ‘Corazón Herido’, ‘Dinámico’ y ‘Bistrita’. El primero se basa en una labor de deconstrucción de un bolero en clave jazzera, dibujado con predominancias de matices grisáceos. ‘Dinámico’, por su parte, se encarga de darle un giro Crimsoniano a las cosas con un muscular ejercicio de rock neurótico dentro de un encuadre sonoro que, en vez de complacerse en complejidades ostentosas, prefiere mantener el fuego flameando dentro de una frescura relativamente sencilla. ‘Bistrita’ tiene menos robustez y mucha más agilidad, portando el frenesí de una rueda de ruleta: algo así como una cruza entre la farsa carnavalesca de un ZAPPA y el descaro sofisticado de JOHN ZORN con la adición de la ligereza engañosa de unos FOREVER EINSTEIN. Estos dos últimos temas reflejan los últimos destellos de fuegos artificiales antes de que caiga el telón.  

TRÍO DESATANUDOS es uno de tantos ejemplos de la brillantez musical que se mantiene y brota continuamente desde Córdoba: “El Rey De Las Palabras” es uno de los discos más excitantes y peculiares que se han hecho en el seno de la avanzada jazz-rockera argentina en los últimos años.

Muestras de “El Rey De Las Palabras”.-

El Disparo (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=koqj5WZv2-U
Que No Se La Lleve El Viento: http://www.youtube.com/watch?v=09yk7VvM7AI
Bistrita (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=hccyR7Yyuts 

Una nueva alba para CITIZEN CAIN y sus cielos oscurecidos

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca referirnos a una banda muy especial para el desarrollo del rock progresivo sinfónico moderno desde los 90s en adelante: CITIZEN CAIN. Definir a CITIZEN CAIN invita a la siguiente paradoja: es uno de los veteranos indiscutibles (aunque de los menos difundidos) de la vertiente neo-progresiva surgida a inicios de los 80s, siendo así que cuando recién pudieron registrar oficialmente un disco de estudio a inicios de los 90s, se notaba que se estaba plasmando un discurso genuino en él; por otra parte, este grupo se mantiene claramente apartado de muchos de los estándares habitualmente asociados a la vertiente en cuestión, pues presenta composiciones y arquitecturas rítmicas peculiarmente complejas, ambientes más densos y una especial preferencia por ambientes sombríos. Esto último se destacó como un factor importante desde el tercer disco, titulado “Raising The Stones”, solo para ser reforzado unos años después en “Playing Dead”… y, ahora en 2012, en “Skies Darken”, disco donde el grupo sigue explorando estas sendas con soltura, vigor e ingenio. El trío de Cyrus (bajo, voz y letras), Stewart Bell (teclados, batería y programaciones) y Phil Allen (guitarras y coros) ha vuelto a gestar en “Skies Darken” un disco impresionante y sumamente efectivo para el perpetuo sueño de seguir haciendo música progresiva sinfónica con una actitud renovadora y valiente. El hecho de que la mitad del repertorio consista de temas que superan los 11 minutos de duración es evidencia de que el grupo se sigue sintiendo bastante cómodo con este tipo de empresas sónicas. Dicho sea de paso, es la primera vez que una alineación de CITIZEN CAIN graba dos discos seguidos, y en este caso hay mérito más grande porque hay una distancia de 10 años entre ambos. Las letras de Cyrus siguen estando enmarcadas dentro de la imaginería apocalíptica de un Milton y la espiritualidad holística de un Coleridge, más algunos guiños a los afanes delirantes de la poética surrealista y una actitud de permanente crítica al mundo moderno. Bueno, vayamos ahora a los detalles musicales del repertorio de “Skies Darken”.
 

Durando poco menos de 5 minutos, ‘The Charnal House’ abre el álbum comenzando con un electrizante motivo introductorio donde la muscularidad rockera frontalmente desplegada fluye cual lava a través de los recovecos temáticos: a partir de allí, se da una alternancia entre secciones lentas cantadas, marcadas ellas por una espiritualidad ceremoniosa, y reconstrucciones expansivas del pasaje introductorio. Los coqueteos con los estándares del prog-metal en estos pasajes  extrovertidos se hacen a plena luz del día, pero el grupo mantiene un esquema sonoro propio, y por tanto, ajeno a clichés endurecidos que otros han venido empleando en los últimos años. ‘The Long Sleep’ se  engarza con el tema de apertura comenzando con un replanteamiento del factor ceremonioso del mismo a través de una vibración claroscura, algo muy acomodado al estilo vocal de Cyrus. Durando más de 12 minutos, ‘The Long Sleep’ cuenta con espacio de sobra para incorporar inagotables ilaciones de contrastantes variantes temáticas, rítmicas y ambientales… ¡y lo hace sin empacho! Contamos con una sección lenta donde el bloque instrumental se basa en los desarrollos armónicos del piano para elaborar un clima lírico ligeramente robusto; también contamos con interludios instrumentales donde los desarrollos melódicos se tornan filudos o épicos con un toque barroco; finalmente, el epílogo consiste en una serie de recitación y arreglo coral sustentada sobre un esquema gótico, el mismo que crea eficazmente el aura de sortilegio que se pretende para este específico momento. Siendo la pieza más  breve del álbum, ‘Spiders In Undergrowth’ sirve, bajo la guía del piano, como un puente entre la ensoñadora bruma con que culminó la canción precedente y la implacable magnificencia que se nos tiene reservada en el siguiente tema – ‘The Hunting Of Johnny Eue / Trapped By Candlelight’. A través de un espacio de 12 minutos, dicha canción nos brinda un ejercicio de bien sostenida solidez rockera que sirve de magnífico soporte para las ambiciosas ilaciones temáticas y los complejos esquemas rítmicos que van y vienen con una magnificencia tan imponente como absorbente. Este tema en particular hereda bastante de la majestuosidad grisácea de piezas como ‘Wandering In Darkness’ y ‘Children Of Fire’, ítems cruciales de “Playing Dead”.

 

Tan épico como el anterior, ‘Coming Down / The Fountains Of Sand / Delivered Up For Tea / Death And Rebirth’ da más preeminencia a la construcción de climas lánguidos, como dejando que la faceta reflexiva de la cosmovisión de Cyrus se haga notar más en su canto de tal manera que éste no quede envuelto en una instrumentación más explícitamente robusta. Esta ocasión sirve para que Citizen Cain revise algunos estándares sónicos ya utilizados en “Somewhere But Yesterday”, el disco en el que el grupo decidió cerrar con broche de oro su faceta Genesiana. Pero a pesar de estas revisiones ocasionales, la pieza sigue portando esa agilidad sombría propia de “Playing Dead”: de hecho, cuando se dan derivaciones hacia pasajes frenéticos, el asunto se pone al nivel del motivo introductorio del primer tema y las exaltaciones climáticas de ‘The Hunting Of Johnny Eue / Trapped By Candlelight’. El motivo final suena a una especie de cruza entre PULSAR y WHITE WILLOW: etéreo pero con un extraño punche, místico pero no desde una trascendencia luminosa sino desde un misterio opresivamente nebuloso, algo que se realza debidamente en el soliloquio y un nuevo arreglo coral. Este proceso de sinergia con ‘The Long Sleep’ no termina aquí, pues el siguiente tema, ‘Do We Walk In The World?’ también se desarrolla sobre una base de piano, recreando así una suerte de paralelo con ‘Spiders In Undergrowth’, aunque cabe matizar que ‘Do We Walk In The World?’ llega a mayores niveles de complejidad merced a la inserción de un reprise de un motivo de ‘The Long Sleep’ en su pasaje final. Hilado con este tema, ‘Lost In Lonely Ghosts’ emerge para cerrar el disco con un vibrante esplendor que aporta una inmensa coherencia al círculo a punto de ser cerrado. La pieza se mueve grácilmente a través de la alternancia entre pasajes filudos e introvertidos, incluyendo algunos riffs y melodías que había hecho acto de presencia en algunas de las suites previas. El final épico es impactante en su explosividad emocional, incluyendo como factor sorpresa un susurro de despedida de Cyrus mientras las últimas escalas de piano terminan de desvanecerse en el aire.
 

Han pasado 10 años desde su último trabajo y ya van 20 desde la edición de su primer álbum oficial, “Serpents In Camouflage”… y tanto la espera de parte de los conocedores de CITIZEN CAIN como la trayectoria de creatividad progresiva desarrollada por la banda en sí han dado nuevos frutos magníficos en “Skies Darken”, un disco capaz de seguir sosteniendo el posicionamiento de este grupo como una de las fuerzas más peculiares de la historia del rock progresivo de los últimos dos decenios.  


Muestras de “Skies Darken”.-
The Charnal House: http://www.goear.com/listen/400a037/the-charnal-house-citizen-cain 
The Hunting Of Johnny Eue: http://www.goear.com/listen/19ad6a8/the-hunting-of-johnny-eue-citizen-cain  

MENTAL ARCHITECTS: celebrando la revelación búlgara del math-rock

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.
 
Es el momento de hablar de MENTAL ARCHITECTS, un power-trío búlgaro de math-rock, formado en 2001 en Sofía. Su formación es: Toni Velev (guitarras), Niki Ranguelov (bajo y sintetizadores) y Max Stoimenov (batería y aparatos electrónicos). Tras explorar sus inquietudes artísticas durante los primeros nueve años de su existencia, el grupo editó en 2010 un importante EP titulado “Patience, Communication, Understanding, Go”: importante porque, al ser producido y mezclado por Chris Common (de THESE ARMS ARE SNAKES), le dio la oportunidad al trío de difundir su maquinaria musical a más partes del mundo. Esto llevó finalmente a que su siguiente grabación, el CD de larga duración “Celebrations”, publicado en abril de este año y difundido abiertamente en Bandcamp, fuera producido y mezclado por Aaron Harris (uno de los pilares de ISIS). El grupo contó con dos ilustres colaboradores en ciertos momentos del disco: Joseph Andrioli, de GIRAFFES? GIRAFFES!, y Bryant Clifford Meyer, de ISIS y RED SPAROWES. Dado que este grupo cita a GIRAFFES? GIRAFFES!, ISIS y THESE ARMS ARE SNAKES como influencias, junto con LITE, BATS y AND SO I WATCH YOU FROM AFAR, las circunstancias bajo las cuales se ha venido desarrollando la actual fase de MENTAL ARCHITECTS debe haber resultado algo así como un viaje a su propio Parnaso. Por lo que se evidencia y trasluce a lo largo del repertorio de “Celebrations”, MENTAL ARCHITECTS funciona como una erupción de rock sofisticado cuya lava creativa no tiene por dónde dejar de sembrar calor mortífero y cenizas a su paso.           

 

Con la dupla inicial de ‘Spell Shelter’ y ‘Here Is Where, Where Better’ pone sobre la mesa todas (o casi todas, al menos) las cartas de su propuesta sónica: el primero ofrece un vigor colorido, grácil, pletórico de espiritualidad optimista; el segundo da prioridad a sonoridades más áridas articuladas bajo una ingeniería rockera más filuda, la misma que realza el dinamismo inherente a su frenesí rítmico. Tras estos nueve minutos y pico tan vibrantes, llega ‘Launch The Avalanche’ con todo el afán de reforzar el aura de juguetona vivacidad que a cada momento se siente más reforzada dentro de la arquitectura rockera de la banda. Su estrategia sónica se centra en reciclar la vitalidad colorida que encontramos en el primer tema dentro de un encuadre más emparentado con el vigor furioso del segundo tema. ‘When Sound Turns Into A Person He Becomes One Of Us’ es un ítem muy especial dentro del repertorio de este disco porque, en est a ocasión, el grupo cuenta con la ilustre participación del guitarrista Joseph Andrioli: aunque el esquema compositivo de esta pieza no cuenta con el nivel de complejidad extravagante habitual en el material de GIRAFFES? GIRAFFES!, se nota algo en la muscularidad de los riffs, capas y progresiones armónicas de los guitarreos que algunos estándares del mencionado dúo estadounidense han sido puestos en operación aquí. Una vez terminado ‘When Sound Turns Into A Person…’ con un abrupto fulgor de relámpago rockero, ‘A.C.E.’ entra en acción para explayarse en una fluida alternancia de ambientes sutiles y electrizantes, siendo así que la batería coquetea con factores jazz-rockeros a la hora de sustentar la base rítmica para la pieza: AND SO I WATCH YOU FROM AFAR es un referente inmediato que brota en la mente del oyente mínimamente familiarizado con la actualidad del escenario math-rockero. ‘Caves Of Keys’ cuenta con la participación invitada del ex-ISIS y permanente líder de RED SPAROWES Bryant Clifford Meyer a los teclados: teniendo en cuenta la atmósfera parcialmente etérea que envuelve a las sonoridades contundentes que conforman la esencia sonora de la pieza, no nos debe sorprender que el buen Bryan se haya sentido complacido de formar parte de esta pequeña aventura musical, como si estuviera retomando en una dimensión física los recuerdos de la faceta más intensa del legado de ISIS. Catapultado por la magia electrizante de ‘Caves Of Keys’, ‘Meth-Rock’ se retuerce en su propia muscularidad que se siente bien enraizada en la tradición stoner y está a milímetros de ingresar a la esfera de lo metalero. Realmente es rock hecho por mentes vitamínicas focalizadas en el núcleo de su electricidad interior. Ocupando los últimos seis minutos y pico del álbum, ‘Once Again We Meet At Last’ recrea una suerte de cruza entre las variantes energéticas de ‘A.C.E.’ y el fragor extrañamente surrealista de ‘Caves Of Keys’: la fuerza rockera es empleada no tanto para expresar extroversión sino para reflejar la grisácea neblina de un atardecer cuyo horizonte almacena una pronta tormenta.

  
Bueno, tenemos como balance final a “Celebrations” como un disco muy ameno y con una muy inteligente arquitectura musical: MENTAL ARCHITECTS ha alcanzado, hoy por hoy, el momento de su revelación definitiva al universo de la vanguardia rockera, y ahora es el turno de comentaristas y coleccionistas de darle a esta banda la atención merecida.

Muestras de “Celebrations”.-

Here Is Where, Where Better:  http://www.youtube.com/watch?v=TS163rclIhY
Launch The Avalanche (video oficial): http://www.youtube.com/watch?v=c73rnJXLmEs
Caves Of Keys: http://www.youtube.com/watch?v=b7hSiYQqzv8

LÜGER: la voz del krautrock ibérico

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es ocasión de traer a colación a la banda española LÜGER, dedicada a cultivar una contundente forma de experimentación progresiva psicodélica donde, a la vez que se rinde evidentes tributos a varios nombres legendarios del space-rock y el krautrock, se exploran renovadores recursos de revitalización para el arte de retratar los sueños más locos de la razón con sonidos. Se trata de un quinteto cuya formación actual consiste de: Edu García (guitarras, efectos y voz), Daniel Fernández (bajo y voz), Mario Zamora (órgano, sintetizadores y voz), Raúl Gómez “Rulo” (batería, samplers, efectos y voz) y Mario Zamora “Lopin” (planchas de metal, percusiones diversas y voz). En sus inicios, era Diego Veiga “Folleto” quien ocupaba el rol de guitarrista.

Su disco debut homónimo fue grabado en 2009 en la hermosa localidad gaditana del Puerto de Santa María, siendo publicado en abril del año siguiente exclusivamente en formato de vinilo. El álbum abre con ‘Spotted Introspective Female Firecracker’, el cual consiste en un masivo paraje electrónico que resulta a la vez etéreo e invasivo merced al empleo tan muscular de las arrolladoras capas de sintetizador que tiene lugar. Esta pieza es en realidad una vía de entrada hacia la instauración de ‘Swastika Sweetheart’, tema que derrocha ágiles llamaradas de psicodelia entusiasta y explosiva, al modo de un híbrido de HAWKWIND y NEU! con añadidos matices a lo PINK FLOYD 67-68 y a lo GONG pre-Hillage. Tras la exhibición de fulgor visceralmente mecanizado de ‘Swastika Sweetheart’, ‘Die Sonne Muss Unterhegen!’ baja el nivel de calor para elaborar una aventura sónica más calmada, focalizada en una actitud más contemplativa: el grupo vira su mirada hacia los modelos de HARMONIA y CLUSTER, con algunas cadencias post-rockeras que entran a tallar para terminar de definir el esquema rítmico en curso. ‘Bedlam In  A Sugar Plum Fairy Convention’ cambia lo introvertido por lo extrovertido de forma inmediata y convincente, jugando con el aspecto más cálidamente lúdico de la tradición psicodélica (al modo del acid-folk de los 70s). ‘Why Should I Care?’ regresa a lo extrovertido con un fragor muy llamativo: los riffs de guitarra portan una esencia stoner mientras que la triangulación de teclado, batería y percusión nos devuelve al entusiasmo vitalista y frontal de HAWKWIND-con-NEU! Queda claro desde hace rato que LÜGER maneja con espléndida solvencia el juego musical de su elección, y con ‘Portrait Of A Distant Look’, el siguiente tema, la banda aumenta las dosis de muscularidad invertidas en la canción precedente y enfatiza la aureola de extroversión autoafirmativa, añadiendo para ello algo de la descarada ingenuidad del garaje-rock que en su momento supuso un resorte para la maduración de la primera generación de rock psicodélico estadounidense. El disco se cierra con ‘La Fin Absolue  Du Monde’, pieza que goza de un enorme hermanamiento con la vitalidad exaltada de ‘Portrait Of A Distant Look’, aunque con un nervio ligeramente menos afilado.

Su segundo disco, “Concrete Light”, fue editado en 2011, a partir de registros en directo realizados entre los días 13 y 15 de diciembre de 2010 en Red Led (en Madrid). Ahora Edu García es quien ocupa el rol de guitarrista, mientras que Daniel añade el sitar a su propio arsenal instrumental. El disco empieza con ‘Belldrummer Motherfucker’, pieza esencialmente electrónica en la que los loops sintetizados y las capas cósmicas de guitarra nos remiten a los momentos de lisérgico minimalismo que formaban parte de la esencia originaria de ASH RA TEMPEL. La función central de esta pieza de 6 ¼ minutos de duración es la de sembrar el terreno para la magnífica irrupción de ‘Monkeys Everywhere’, un temazo dueño de un muy efectivo magnetismo sostenido sobre la confluencia de la magia cáustica de unos CAN (etapa “Future Days”) y el dinamismo absorbente de unos EARTHLING SOCIETY, a través de un arreglo instrumental que permite a la interacción de los músicos generar un despliegue de luminosidad flotante. Bastan estos primeros 11 minutos de “Concrete Light” para advertir que el grupo demuestra que se siente seguro y bien afianzado dentro del sendero programático ya delineado en el disco debut. Y todavía nos quedan varios minutos de buena música en el horizonte inmediato, empezando con ‘Dracula’s Chauffeur Wants More’ y su furioso despliegue de vigor rockero inspirado en un HAWKWIND modernizado con vibraciones robustas de inspiración stoner, aunque estas vibraciones se mantienen en una proporción bien nivelada merced al aura mecanicista que aporta la dupla percusiva y el rol prominente que los sintetizadores preservan dentro del bloque sonoro integral. El soberbiamente colorido instrumental ‘Hot Stuff’ nos brinda un estándar de NEU! meticulosamente embellecido con estilizaciones a lo HIDRIA SPACEFOLK, una eficiente manera de prepararnos para la secuencia de dos partes del concepto ‘Shirokovsky Pallasite’. ‘Shirokovsky Pallasite I’ se sostiene sobre una base recurrente de sintetizador que emula un clavicordio eléctrico, y a partir de ahí, el grupo explora ciertas cadencias jazz-rockera en medio del imponentemente psicodélico ambiente que se expande con pulso firme; ‘Shirokovsky Pallasite II’ reformula, acto seguido, el motivo precedente sobre unos cimientos sólidamente rockeros, al modo de un motorick traducido al lenguaje rítmico del no-wave. El disco concluye con ‘Zwischenspiel / Quidquid Latet Apparebit’: aquí es donde Daniel luce su sitar, primero bajo atmósferas relajadas donde el ensueño psicodélico enfrenta nuestra mirada ante la cálida luz de una aurora boreal, luego bajo una atmósfera más explícitamente intensa donde los recursos sintetizados y percusivos llenan espacios con contundente soltura. Los aires a los estándares de AMON DÜÜL II y GILA son inocultables, así como la capacidad de LÜGER de insuflar nueva vida a estos legados. 

En perspectiva, nos parece que “Concrete Light” es un paso adelante en la evolución musical de LÜGER en tanto que reafirma la línea de trabajo del grupo bajo estrategias más estilizadas para el uso de su propio vigor sónico y sus ideales musicales. Pero yendo más allá de las observaciones de cada ítem individual y apreciando a “Lüger” y a “Concrete Light” como dos pasos sucesivos de un único trayecto, lo más preciso que se puede decir es que lo que nos ha venido entregando LÜGER hasta ahora es un estupendo ejemplo de revitalización de varias de las características más excitantes de la psicodelia y el krautrock, lo cual le hace merecedor de nuestra atención… ¡y, cómo no, también de un lugar en nuestros estantes de discos!

Muestras de “Luger”.-

Swastika Sweetheart: http://www.youtube.com/watch?v=VvrsjEAdE8o
Portrait Of A Distant Look: http://www.youtube.com/watch?v=TQ53CyoRUCE

Muestras de “Concrete Light”.-

Dracula’s Chauffeur Wants More: http://www.youtube.com/watch?v=VLpxJhhox3s
Hot Stuff:  http://www.youtube.com/watch?v=2FVK_TNrJJ8

3 MICE y sus estupendas postales progresivas

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de hablar de 3 MICE, un proyecto formado por Dave Willey, Cédric Vuille y Elaine De Falco a partir de un encuentro que tuvieron en la localidad suiza de Ginebra en 2008, mientras THINKING PLAGUE (donde Elaine funge de vocalista y Dave como bajista) estaba de gira. Las ideas musicales creadas por los tres por separado a lo largo de los años se transmitían a través de Internet, con los receptores de turno aportando adiciones y, finalmente, concretando todos (más un par de acompañantes en la sección percusiva) una serie de grabaciones que completaban el tiempo de un CD de larga duración. “Send Me A Postcard” es el resultado de todo esto, publicado por el sello Disques Rayé a inicios de 2012 (aunque una edición de preview ya estaba lista en 2011). Dave Willey también es miembro de HAMSTER THEATER, mientras que Cédric Vuille tiene un pasado como miembro del grupo suizo L’ENSAMBLE RAYÉ, especialista en hacer una variante prog-folk del legado R.I.O. de DEBILE MEHTOL, HENRY COW y AKSAK MABOUL. Udi Koomran, productor de discos de PRESENT, 5UU’s, SYMPOZION, etc., empleó su pericia técnica para la concreción de este excelente ítem de progresivo vanguardista. Los detalles del multicolor departamento instrumental de 3 MICE son: Cédric Vuille al ukulele, guitarras, cuatro, Theremin, clarinete, kalimba, flauta y otros ítems raros; Dave Willey al bajo, acordeón, guitarras, guitarrón, cítara y otros ítems raros; y Elaine Di Falco al canto, teclados, acordeón, vibráfono y otros ítems raros. Los colaboradores más habituales son el baterista Daniel Spahni y el percusionista Raoul Rossiter (ambos de L’ENSAMBLE RAYÉ), mientras que en algún momento Michal Koomran y Naama Koomran aportan recitaciones y el propio Udi Koomran aporta alguna percusión ocasional.

Veamos ahora los detalles del repertorio de “Send Me A Postcard”. ‘Hot Rod Waltz’ es un vals complejizado con la incorporación de cadencias jazzeras en la base rítmica: esta reconstrucción agiliza la ambientación juguetona de base en vez de quebrarla, o sea, funciona a cabalidad como recurso extravagante de extroversión musical. Luego siguen ‘Invitation’ y ‘Forro Fuega’, dos piezas que no llegan a los 3 minutos de duración: el primero de estos temas es cálido en sus tonalidades crepusculares, mientras que el segundo se focaliza en un clima de alegría bastante sosegado pero para nada reprimido. ‘Tse-Tse’ tiene toda la facha de ser un “tema perdido” de ZAMLA MAMMAZ MANNA liberado de casi toda la tensión típica, remozado con aires pseudo-country y ornamentado con cadencias inspiradas en estándares de Latin-jazz. ’20 Heart’ es un breve retazo sónico de percusiones tonales, guitarra acústica y acordeón que principalmente opera como preludio a ‘Orkneys’, otro ejercicio de avant-prog alegre, engañosamente trivial, patentemente lúdico, sutilmente alimentado por domesticados aires tropicales que ocasionalmente dejan traslucir alguna influencia reggae. Después de este despliegue de elegante frivolidad llega el talante reflexivo de ‘Mr. Hamster’s Dilemma’, un cambio de ambiente que no involucra para nada un apartamiento del colorido mostrado en la pieza precedente, sino una nueva utilización del mismo para realzar las tonalidades grisáceas y proyectarse hacia un espíritu menos extrovertido. Di Falco maneja sus calculadas intervenciones vocales con prístina exquisitez, mientras que los fraseos de la guitarra y las líneas de clarinete se combinan para dibujar nubes casi cósmicas dentro del envolvente espectro sonoro de la instrumentación. Siguiendo en lo introvertido pero virando hacia lo sereno, al modo de un atardecer de otoño temprano donde la brisa es suave y aún quedan ciertos ecos del calor veraniego, ‘Celleste’ expone un candoroso ejercicio de estilizada sobriedad. Parece como si estuviéramos escuchando a un combo de miembros de ARANIS y de ENSEMBLE NIMBUS haciendo una versión avant-folk de una composición realizada al alimón por MIKE OLDFIELD y JULIAN JULIEN. Bajo el título español de ‘Botellas De Botica’, 3 MICE nos ofrece un ejercicio de confluencia entre la primaveral espiritualidad lúdica de ‘Tse-Tse’ y la suavidad introspectiva de ‘Celleste’. Los últimos doce minutos y medio están ocupados por una secuencia de tres temas cuya principal función es la de terminar de redondear la ingeniería musical del ensamble, mientras incorpora ocasionales variantes a la misma. ‘Experiment’ tiene una vibración densa que nos remite fácilmente a los currículos de THINKING PLAGUE y 5UU’s, con ciertos matices kraut a lo CAN. Eso sí, aquí tenemos el atenuante de que la armazón instrumental maneja dicha densidad con el pulso necesario como para que esta irrupción de atmósferas inquietantes no marque un límite imborrable entre este tema en cuestión y todo el repertorio precedente. ‘Year Of My Solstice’, por su parte, retoma el recogimiento contemplativo de ‘Celleste’ y ‘Mr. Hamster’s Dilemma’, acercándose un poco más a la emotividad crepuscular del segundo, al modo de una serenata de despedida a una Belle Epoque que se aproxima a su fin. ‘Skallaloo’ finaliza el disco con un desvergonzado retorno a la dinámica extrovertida adornada con ornamentos sónicos propios de la reconstrucción fusionesca de ritmos tropicales, esta vez, en cercanía con el ska, y también una coda en tono de polka. Este cierre da la impresión de que los involucrados en este proyecto están celebrando el travieso jolgorio de trabajar juntos.

“Send Me A Postcard” no es tanto la expresión específica de un grupo sino la manifestación de ideas sueltas de unos individuos que se encontraban a gusto asociándose en el calor de ciertos momentos proyectados hacia la misión de crear una especie colorida de rock progresivo vanguardista. Este disco es, por decirlo con otras palabras, una serie de postales sonoras que juntas conforman un mensaje de sentimientos aventureros perpetrado con fineza, sensibilidad y oficio. A la luz del reciente lanzamiento de la más reciente joya de THINKING PLAGUE “Decline And Fall”, percibimos que este aporte fonográfico de 3 MICE completa muy bien la perspectiva artística que se está desarrollando actualmente en la escena experimental estadounidense… y de paso, en la suiza también. Amantes del R.I.O., chamber-rock y otras nomenclaturas signadas al progresivo de filo vanguardista… ¡este disco es una apuesta segura!

Muestras de “Send Me A Postcard”.-

Skallaloo + Tse-Tse + Experiment: http://soundcloud.com/udi-koomran/sets/3-mice-send-me-a-postcard-1

HÖSTSONATEN: música progresiva infinita para un viejo marinero

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Todavía no llegamos al ecuador del año 2012 y ya nos toca volver a hablar de HÖSTSONATEN, grupo de rock retro-progresivo sinfónico que más parece una máquina de hacer rock retro-progresivo sinfónico, y no solo una máquina de hacer este tipo de música, sino de hacer obras maestras en esta vertiente. Sí, HÖSTSONATEN ha vuelto a crear una nueva obra maestra progresiva del nuevo milenio, un nuevo acto de re-posicionamiento contemporáneo de un legado musical que tiene recursos para resistirse a morir en las manos y mentes de músicos creativos, dispuestos a poner sus incansables agendas e incombustibles energías al servicio del rock progresivo. Se trata del disco conceptual “The Rime Of The Ancient Mariner – Chapter One”, el cual se basa en el grandioso poema de Samuel Taylor Coleridge; más exactamente, en  las 4 primeras partes de las 7 que tiene en total, lo cual nos hace suponer que las partes restantes quedarán pendientes para el siguiente capítulo de este magnífico proyecto progresivo. Esta magna obra poética del Maestro Coleridge no es exactamente una absoluta novedad en los planes musicales del incombustible músico y compositor Fabio Zuffanti dentro de HÖSTSONATEN: en el homónimo primer disco se musicalizó ya la Parte I del poema, y en el segundo, “Mirrorgames”, lo propio sucedió con la Parte II, siempre con Claudio Castellini asumiendo la función vocal. Nuevas versiones de estas dos partes fueron grabadas para este proyecto ya marcha sobre ruedas, una vez que el otro proyecto de las cuatro estaciones se finiquitó con la edición de “Summereve” el año pasado (cerrando de este modo la secuencia de “Springsong”, “Winterthrough” y “Autumn Symphony”).

Junto a Zuffanti (bajo y pedales bajos) están, además de su colega de años Maurizio Di Tollo (batería),  Luca Scherani (con su arsenal de mellotron, sintetizadores Mini-Moog y Korg Sigma, órgano Hammond, piano de cola, pianos eléctricos Fender Rhodes y Wurlitzer, además de algunas intervenciones ocasionales al acordeón y la mandolina), Matteo Nahum (guitarras eléctrica, acústica y clásica), Silvia Trabucco (violín), Joanne Roan (flauta) y Edmondo Romano (gaita, saxo soprano, percusión, bodhran, flautas dulces). En cuanto a las misiones de cantar las majestuosas estrofas del Maestro Coleridge, ésta pasa de garganta a garganta en las voces de  Alessandro Corvaglia (voz solista en Part I y voz adicional en Part IV), Carlo Carnevali (recitaciones y voz en Part I), Davide Merletto (voz solista en Part II), Marco Dogliotti (voz solista en Part III) y Simona Angilioni (voz solista en Part IV).

Con unos campaneos etéreos y el inapelable rugir de las olas marinas, se abre la puerta  a ‘Prologue’, pieza encargada de llenar los primeros 7 minutos del álbum con un esplendor majestuoso que transita entre parajes épicos y otros serenos, hilados en un continuum mágico y envolvente. Los esquemas rítmicos utilizados para las secciones sucesivas van desde una lentitud diseñada para realzar algo ceremonioso hasta dimensiones frenéticas donde el nervio rockero es explorado de una forma tan estilizada como contundente: todos estos motivos son anticipos parciales de ideas que aparecerán de forma más expansiva en los siguientes temas del álbum. Retro-prog en su máxima expresión, un respeto genuino y una reconstrucción efectiva de la más pura tradición del prog sinfónico. ‘Part I’, que ostenta el canto principal de Alessandro Corvaglia (el héroe vocal de LA MASCHERA DI CERA), refleja toda la magnificencia que conocemos desde los tiempos del disco “Il Grande Labirinto” y “LuxAde” (precisamente ambos de LA MASCHERA DI CERA), así como del primero de HÖSTSONATEN. La mágica y casi irreal limpieza de los pasajes bucólicos (varios de ellos, signados por las líneas de flauta) se asienta muy bien entre los espacios que dejan los momentos más destellantes donde la banda explora estándares de GENESIS, PFM y ELOY. El breve interludio tétrico que se arma desde poco antes de llegar a la barrera del décimo minuto prepara el terreno para la triste languidez con la que se anuncia la última aparición y muerte del albatros, con su consecuente campaneo mortuorio. ‘Part II’ empieza con un carácter más dramático y agresivo, muy a tono con el lugar del relato del poema original inmediatamente después de que el viejo marinero tomara la irreflexiva decisión de matar al albatros. Esta parte tiene la peculiaridad de ser la primera de las secciones cantadas del álbum donde la guitarra eléctrica cuenta con notorios espacios de expresión para expandir su fuerza individual en beneficio del esquema colectivo de la instrumentación. A veces parece que hay una intromisión de algunas “ideas perdidas” de DEVIL DOLL en medio de un esquema sonoro cuyos referentes más usuales son ALPHATAURUS y MUSEO ROSENBACH. Davide Merletto, el cantante de esta parte (miembro de DAEDALUS), tiene un registro muy similar al de Corvaglia aunque con un tono menos ronco. En la armazón instrumental, como siempre, nos hallamos con una muy pulida ilación de motivos y una dinámica variación de ambientes que van desde la furia al horror, pasando por el desconcierto, para terminar todo envuelto en un halo de oscuro misterio en medio del omnipresente ruido de las olas del mar.

Un espacio de 30 minutos y pico es lo que dura la secuencia de las dos últimas partes. El ceremonioso motivo inicial de ‘Part III’ tiene bastante parentesco con el tenor general de la musicalización de ‘Part I’, pero la estructura general de esta Tercera Parte es más versátil en su integralidad. De hecho, las secciones rockeras son muy filudas (despliegues rítmicos contundentes, guitarras poderosas, órganos afilados, incluso florituras de violín aguerridas al modo de un Jobson-con-Way), y también es un hecho que los pasajes menos electrizantes se articulan en una sonoridad elegante que apela a un sentido moderado de la suntuosidad. El extenso motivo de cierre cuenta con maravillosas presencias alternadas del sintetizador Moog y de la guitarra solista, los cuales, desde sus asignados posicionamientos en primer plano, dibujan fraseos y texturas melódicas en perfecta consonancia con las majestuosas capas de múltiples teclados. El resultado es una majestuosidad intensamente magnética para una escena particularmente trágica: la muerte de todos los marinos subordinados de acuerdo a un destino hasta ahora desconocido que fue determinado por una insensata acción del capitán. ‘Part IV’ comienza con una Simona Angilioni que asume el canto protagónico con su prestancia de siempre (la conocemos de ARIES). Transitando entre estilizaciones clásicas marcadas por el piano hasta coloridos celtas de tendencia cuasi-Oldfieldiana, el ensamble navega solventemente por los parajes más reflexivos de su propuesta sonora, algo que suena interesantemente conectado con la figura femenina de la Vida-en-Muerte, al modo de una pesadilla cuya misión no es explotar nuestras angustias sino brindarnos una especie de sosiego de manera sutil y agridulce. La sección de los tres últimos minutos se explaya en un esplendor típicamente sinfónico sobre una sólida cadencia parsimoniosa, una celebración de los legados de PFM y LE ORME: la excelente armonización de los cantos de Angilioni y Corvaglia registra convincentemente el momento que lleva a la liberación del cuello del viejo marinero de la carga del cuerpo muerto del albatros.

 

Fabio Zuffanti y sus secuaces (expertos todos ellos en esta tarea de hacer rock progresivo en la actualidad, como Luca Scherani que también es de TRAMA y LA COSCIENZA DI ZENO, y Maurizio Di Tollo, que aparte de LA MASCHERA DE CERA también está en L’OMBRA DELLA SERA) se han lucido horrores con este disco hermoso y cautivador: esta empresa ha permitido al ensamble y sus asociados ocasionales a armar una sonoridad meticulosamente lírica cuya vitalidad se manifiesta de mil y una formas diversas a medida que el relato transita por sus bien definidos escenarios y emociones. “The Rime Of The Ancient Mariner – Chapter One” es un verdadero sueño real de cualquier aficionado acérrimo al prog sinfónico y al prog en general, y tal como dijimos en el primer párrafo de esta reseña, supone una nueva obra maestra del retro-prog del nuevo milenio, un triunfo progresivo sin atenuantes. ¡Medalla de oro en el podio prog-sinfónico de 2012 para HÖSTSONATEN!

Muestra de “The Rime Of The Ancient Mariner – Chapter One”.-

Part I: http://www.youtube.com/watch?v=wnWxbEe6xNo