Segunda arremetida de AMOEBA SPLIT

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de celebrar el regreso al fuero fonográfico de una de las bandas más talentosas y creativas del actual escenario progresivo español: nos estamos refiriendo al ensamble gallego AMOEBA SPLIT, el cual se hace presente en nuestros actualizados estantes de discos con un disco buenísimo que se titula “Second Split” – claro juego de palabras que alude al hecho de que se trata de su segundo ítem de larga duración. Con la alineación hexagonal de Ricardo Castro Varela [órgano Hammond, piano, sintetizador Moog y mellotrón], Alberto Villarroya López [bajo, sintetizador Moog, piano eléctrico y guitarra de 12 cuerdas], Fernando Lamas [batería y percusión], Pablo Añón [saxo alto], Eduardo “Dubi” Baamonde [saxo tenor y flauta] y Rubén Salvador [trompeta y fiscorno], el grupo nos brinda un genial repertorio de seis piezas que representa un rotundo impulso desde las pautas estilísticas antes trazadas en el álbum del año 2010 “Dance Of The Goodbyes”. Para completar la arquitectura sónica diseñada para este álbum en particular, el sexteto cuenta con las ocasionales participaciones de una generosa cantidad de invitados: Israel Arranza al vibráfono, el cuarteto de cuerdas conformado el contrabajista Risto Voluanne, la cellista Lucía Quintero, la violista Elena Fernández y la violinista Sara García (violín), Félix Arias a la guitarra de 12 cuerdas, y la violinista Arantxa Vera. Pero el colaborador más recurrente es Iago Mouriño, quien aporta relevantes adiciones de teclados en dos tercios del repertorio. Ha sido un parto lento y esforzado el que ha experimentado “Second Split”, pues el proceso de grabación de su repertorio ha tenido lugar en dos episodios distintos: en abril del 2013 en los Estudios Abrigueiro de Lugo, y en diciembre del 2014 en Santa Cruz Recording de A Coruña. Pero bueno, ya es un ente tangible publicado por el sello mexicano Azafrán Media., el mismo que había reeditado hace un par de años el primer disco con un bonus track. Veamos ahora los detalles de “Second Split”, ¿vale?

‘Clockwise’ abre el disco con un despliegue de refinadísima musical que se enraíza sobre un groove llamativo dentro de su esencial sobriedad: la ambientación general es de sobria jovialidad revestida de etiqueta blanca y dorada. El breve inicio de ensayo simulado y puesta de orden es un válido recurso humorístico antes de que se explaye ante nuestros oídos y mentes una monumental ingeniería melódica que transita fluidamente entre el paradigma de NUCLEUS y el del SOFT MACHINE de la época 71-73. Con el simpático título de ‘Sundial Tick’, el ensamble elabora un estándar jazzero muy amable en su calidez esencial. La jovialidad instaurada en la pieza de inicia permanece incólume pero esta vez cambia de ropaje para mostrar una apariencia ligeramente más etérea, lo cual hace que los colores sónicos perpetrados por los vientos ostenten un talante ensoñador en medio de la obvia plenitud exhibida por la instrumentación íntegra. Algunos quiebres a lo FRANK ZAPPA entran a tallar para descuadrarnos en instancias efímeras bien calculadas. Una mención especial va para el bello solo de sintetizador que emerge a poco de pasada la frontera del tercer minuto: su grácil extravagancia nos llama la atención a pesar de su brevedad. ‘The Book Of Days’ se enfoca en una ambientación de cámara a través de un etéreo trabajo realizado por el ensamble de un cuarteto de cuerdas y un vibráfono. El resultado se traduce en un momento de embrujadora calma desde la cual la música se convierte en herramienta de estimulación para una actitud contemplativa. Dado que dura menos de 2 ½ minutos, el rol de ‘The Book Of Days’ resulta ser principalmente el de preámbulo a la siguiente pieza, titulada ‘Those Fading Hours’, la cual nos muestra por primera vez la faceta más densa de la agenda musical de AMOEBA SPLIT.

En efecto, ella  se enraíza en la heredada aura de recogimiento del tema precedente y la traduce en algo más majestuoso e inquieto: portando iguales dosis de herencias del SOFT MACHINE de la época del “Six” y del WEATHER REPORT de la etapa pre-“Mysterious Traveller”, además de algunos retazos del primer MAHAVISHNU ORCHESTRA, el grupo se explaya en una fenomenal oleada de cadencias recurrentes que apelan a nuestras sensibilidades más lisérgicas. La agitación estética que experimenta el oyente empático es rotunda mas para nada aparatosa; por el contrario, se da en un ambiente de estricta sobriedad reflexiva. La coda espacial marcada por efectos en reversa de vientos y cuerdas sobre una secuencia de guitarra de 12 cuerdas, añadiéndose efectos de risas de bebé, refuerza la idea de ponderada meditación que ha reinado a través de los 8 ½ minutos que dura la pieza. ‘Backwards All The Time’ (título que parece un homenaje a los aportes que hizo el maestro Mike Ratledge al ideario musical de SOFT MACHINE). El esquema de trabajo que exhibe esta pieza recibe algo de la densidad antes presente en ‘Those Fading Hours’ pero se nota aquí una actitud más abierta hacia la exteriorización de caleidoscopios sonoros mientras el grupo preserva su energético jam de base: esto conlleva una efectiva retoma del majestuoso esparcimiento que caracterizó al tema de entrada. Los ecos de los legados de KEITH TIPPETT y HERBIE HANCOCK (pre-1973) se hacen notar firmemente. El cierre del disco viene con el que según nuestra humilde opinión es el mejor tema del repertorio: ‘About Life, Memories And Yesteryears’. En poco más de 8 minutos, el grupo desarrolla una exuberancia señorial a punta de trabajar sonoridades y armonizaciones majestuosas entre los instrumentos involucrados, cuidándose mucho de llegar a lo pomposo mientras elabora diversos grooves a lo largo del camino, mayormente serenos: el epílogo de piano impone su belleza a despecho de su efímero espacio. La estrategia musical aquí empleada es realmente mayúscula, como mayúscula es también la idea de colocar a esta cima insuperable en el último lugar del repertorio, algo impactante y duradero en la memoria del oyente cómplice.

Todo esto fue “Second Split”, una labor jazz-progresiva sublimemente inspirada que refuerza la ubicación de los AMOEBA SPLIT en la primera línea de la avanzada progresiva española contemporánea, y de hecho, no solo es eso, sino que también les confirma como parte de la élite campeona de las diversas escenas progresivas que se siguen desarrollando en el circuito europeo. Disco altamente recomendado.

Muestras de “Second Split”.-

Clockwise: https://amoebasplit.bandcamp.com/track/clockwise 

About Life, Memories And Yesteryears: https://amoebasplit.bandcamp.com/track/about-life-memories-and-yesteryears  

Cue the music of... STICK MEN!

 

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Éste es un momento de infinito jolgorio melómano pues lo que tenemos en nuestras manos ahora es el nuevo trabajo de estudio del genial trío STICK MEN, titulado “Prog Noir”. No ha pasado mucho tiempo desde la publicación en edición limitada de su doble en vivo “Midori” con el ilustre invitado y viejo amigo DAVID CROSS y ya tenemos otro pretexto para el supremo goce progresivo provisto por Tony Levin [Stick y voz], Marcus Reuter [Touch Guitars y voz] y Pat Mastelotto [batería y percusiones acústicas y electrónicas]. Publicado por MoonJune Records, “Prog Noir” contiene un muy interesante catálogo de diez piezas, cuatro de ellas con letra. A diferencia de otros discos de estudio de los STICK MEN que eran gestados y grabados en un plazo breve, habida cuenta que cada integrante tiene su propia agenda tremendamente apretada de sesiones y conciertos, este nuevo disco contiene composiciones que fueron gestadas y arregladas por el trío tomándose su tiempo para ello. Las grabaciones del repertorio se repartieron entre los estudios de Levin, Mastelotto y Reuter. El personal de esta curtida tríada germano-norteamericana se hizo cargo de la producción de “Prog Noir” en colaboración con iapetus Media, 7D Media, MoonJune Records y TAKT.EU; la publicación es responsabilidad conjunta del trío y los sellos Unsung Productions e iapetus, mientras MoonJune Records colabora asertivamente con la distribución.

Durando poco más de 5 ½ minutos, la pieza homónima está a cargo de abrir el repertorio y lo hace con una supremamente elegante muestra de densidad rockera sobre un medio tiempo. La letra retrata con distante dramatismo lo que es la vida en la carretera para el rockero vanguardista mientras la armazón de Stick y Touch Guitar se centra en edificar un retrato sonoro de sobria fortaleza; por su parte, la batería sostiene su férrea ingeniería rítmica con distinguida robustez. Luego sigue ‘Mantra’, pieza que se articula sobre una atractiva y efectiva arquitectura sincopada, la misma que es manejada con nervio señorial: las sencillas amalgamas que establece el trío permiten que se aprecie con total naturalidad la belleza de la composición, muy fiel al patrón del KING CRIMSON 80ero con añadidos recursos de rotundo vigor según el patrón de la época del “The Power To Believe”. Tenemos aquí una primera cima del disco. La dupla de ‘Plutonium’ y ‘The Tempest’ nos permite seguir apreciando de forma directa la diversidad de recursos del trío, los cuales ahora se enfilan hacia su faceta más filuda (aunque sin recurrir a ningún tipo de histeria). ‘Plutonium’ es un ejercicio de psicodelia tensa encapsulada en una engañosa parsimonia. La letra es muy peculiar, pues se centra en el peligroso uso del plutonio en la industria bélica mientras hace alusiones a CARL ORF (con una cita de ‘Carmina Burana’), YES (con una cita de ‘Roundabout’) y TCHAIKOVSKY (con una cita de La Marsellesa desde la ‘Obertura 1812’). Por su parte, ‘The Tempest’ trabaja con un esquema funky-rockero para enriquecer con su llamativa ligereza al cuerpo central: el gancho de esta canción es inapelable. El compás ágil y frenético sobre el que se instala la primera sección de ‘Schattenhaft’, el quinto tema del álbum, anuncia el arribo de un recurso de especiales expansiones expresionistas para la mentalidad psicodélica del grupo; en una segunda instancia, el compás vira hacia un esquema menos fulgurante pero se proyecta hacia una concentración más poderosa del vigor rockero en curso, y de paso, para que Mastelotto trabaje unos sofisticados trucos percusivos con impecable efectividad.

La segunda mitad del repertorio se abre con ‘A Rose In The Sand / Requiem’, tema caracterizado por una ambientación etérea donde los serenos despliegues temáticos se centran en vibraciones introspectivas. Tras un primer pasaje de talante luminoso viene otro con una actitud más sombría, incluso triste, sobriamente envuelta en un ropaje electrónico que nunca llega a ser abrumador. Durando poco menos de 5 minutos y ostentando un título renacentista, ‘Leonardo’ se caracteriza por desplegar excitantes modalidades de sofisticación progresiva. Los cambios de motivos y las variantes rítmicas se arman dentro de una arquitectura sónica imponente, señorial, magnífica; de hecho, el intermedio lento cumple muy bien la función de realzar la intensidad extravagante que le antecedió y que habrá luego de sucederle en la coda. Los solos de Touch Guitar son increíbles. Un cénit fabuloso de “Prog Noir”, no nos cabe duda alguna al respecto. Nos vamos acercando al final del repertorio cuando llegamos a ‘Embracing The Sun’, otro instrumental de especial favoritismo nuestro en este disco que, en definitiva, instaura el cénit decisivo del repertorio. ‘Trey’s Continuum’, por su parte, se centra en una musicalidad más sobria dentro de la constante extroversión que se despliega en estas instancias del disco: su dinamismo particularmente exquisito nos remonta a los solistas de LEVIN y de TREY GUNN. Su duración es poco menor que la de ‘Leonardo’ y sus atmósferas centrales se focalizan en contrapuntos propios de la época 80era de KING CRIMSON, siendo así que también se crea indirectamente una filiación con el cosmos progresivo de GORDIAN KNOT. En fin, llegamos a los 6 ½ minutos finales con la pieza ‘Never The Same’, la cual establece un refinado equilibrio entre el paradigma Crimsoniano (tanto de los 80s como de la época del “Thrack”) y el jazz-rock. El vigor rockero en curso está relativamente comedido mientras el canto y el desarrollo instrumental confluyen apropiadamente. Se trata de un broche refrescante tras la imponente secuencia de las tres piezas instrumentales precedentes.

 

“Prog Noir” es un disco excelente que vuelve a confirmar por enésima vez – como si fuese necesario realmente – que el trío de los STICK MEN es una fuerza esencial para el rock vanguardista internacional de nuestros días. ¡Recomendado al 100%!

Muestras de “Prog Noir”.-

Prog Noir: https://stickmen-moonjune.bandcamp.com/track/prog-noir

Mantra: https://stickmen-moonjune.bandcamp.com/track/mantra

The Tempest: https://www.youtube.com/watch?v=BEBw4F5HuVI

CAMERA CHIARA: chiariscuri in concerto

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CAMERA CHIARA se hace presente en el cuaderno de bitácora progresiva del presente año 2016: su aporte es el disco en vivo “Alla Corte Di Urania – Camera Chiara Dal Vivo”. Este ítem fonográfico recoge lo que sucedió en el Auditorio dell’Osservatorio Astronomico di Capodimonte, en la ciudad de Nápoles, durante un concierto que tuvo lugar el 11 de junio del año pasado 2015.Con las fuerzas combinadas de Francesco Lembo [teclados], Danilo Lupi [bajo], Vincenzo Manzi [guitarra] y Antonio Pappacoda [batería], el grupo concreta una magnífica combinación de vitalidad expresiva y lucidez melódica que ya desde los tiempos de su homónimo disco de debut (del año 2014) conforma una de las propuestas más robustas de la escena progresiva de su país… una escena imparablemente prolífica, sin duda. La combinación de sinfonismo, psicodelia y avant-prog que CAMERA CHIARA cultivan llega a buen puerto con cada travesía diseñada en las piezas que hasta ahora forman parte de su catálogo. En este disco en vivo tenemos un continuum de deleite musical que se extiende por 42 minutos, siendo así que algunas piezas se desarrollan más allá de los espectros temporales que se les asignó en el mencionado disco de debut.

  

Abre el repertorio del disco la extensa ‘Chiariscuri Suite’, que ocupa un total de 13 ½ minutos de extensión. Con un prólogo centrado en majestuosas orquestaciones de sintetizador, el grupo coge fuerza para instaurar un primer cuerpo central sostenido sobre un fabuloso groove en base a un compás complejo, el cual no tardará en tornarse en uno más habitual. Un segunda sección se enrumba hacia una modalidad etérea de exploraciones psicodélicas – un tanto al estilo del PINK FLOYD pre-“Meddle” con añadidas alusiones al modelo de AGITATION FREE – donde la guitarra se prodiga en fabulosos fraseos. Esta sección resulta un tanto breve pero es crucial para motivar la emergencia de un tercer motif cuyo talante consiste en una confluencia de heavy prog y jazz-rock: este motif se toma unos momentos antes de consolidar un compás frenético desde el cual la banda puede sacar de sí sus instintos musicales más electrizantes. El epílogo se centra en vibraciones sinfónicas, las cuales aterrizan en un misterioso pasaje de piano. Tras este impresionante despliegue sónico de la ‘Chiariscuri Suite’ sigue la dupla de ‘Nel Tuo Mondo’ y ‘Danzano Le Memorie Suite’, siendo así que esta última pieza desarrolla un hilo temático mucho más amplio que el que se plasmó en el disco “Camera Chiara”. ‘Nel Tuo Mondo’ comienza en clave de introspectiva serenidad al hacerse debido eco de la coda de piano del primer tema, pero la pieza no tarda mucho en elaborar una densidad emocional donde confluyen los paradigmas de PINK FLOYD y CAMEL mientras se añaden a través del camino recursos sonoros del prog-metal y la psicodelia. ‘Danzano Le Memorie Suite’, por su parte, se explaya en climas melódicos meticulosos, comenzando con una obertura de piano que se enlaza con la coda de ‘Nel Tuo Mondo’ y derivando poco después en una exaltación de arrebatos psicodélicos con texturas arabescas. La última sección se centra en una variante particularmente pesada de space-rock con añadidos matices jazzeros. Las confluencias con los modelos de las bandas coterráneas LABIRINTO DI SPECCHI y LE PORTE APERTE se nos antojan bastante transparentes.

  

‘Come Il Bianco Col Nero’ comienza con una atmósfera propia de un ensueño cuyos delineamientos etéreos no logran opacar la persistentica de un atavismo inquieto, el cual finalmente se impone en un cuerpo central que está marcado, una vez más, por una ágil confluencia de jazz-rock y heavy prog. El dinamismo absolutamente atrapante de la dupla rítmica se llena a la perfección con las robustas aventuras de la guitarra – a medio camino entre la vertiginosa exquisitez de un PHIL MILLER y el riguroso vigor de un ALEX LIFESON – así como con los infatigables colores de los teclados. Ocupando los últimos 7 minutos y pico del repertorio del concierto, ‘Il Nuovo E Vecchio Giorno’, uno de los temas más electrizantes del “Camera Chiara” y que aquí se regodea en su majestuosa furia para redondear la tremenda faena perpetrada en ese concierto de junio del 2015. Los remezones tétricos y explayamientos claroscuros (no ajenos a los paradigmas respectivos de GOBLIN, PRESENT y KING CRIMSON) de esta pieza final simbolizan cabalmente el ideario estético de este cuarteto italiano. En fin, “Alla Corte Di Urania – Camera Chiara Dal Vivo” es un estupendo disco en vivo que deja clara e indudable constancia del tipo de magnificencia musical que encarna el colectivo de CAMERA CHIARA para beneplácito de la escena progresiva italiana del momento. Hay que mantenerse alerta con este grupo, la verdad que sí, pues su eclecticismo de claroscuros es muy motivador para el oyente que tiene a bien compenetrarse con este talentoso cuarteto.

Muestras de “Alla Corte Di Urania – Camera Chiara Dal Vivo”.-

Chiariscuri Suite: https://camerachiara.bandcamp.com/track/chiaroscuri-suite

Danzano Le Memorie Suite: https://camerachiara.bandcamp.com/track/danzano-le-memorie-suite

GENTLE KNIFE: pasos nuevos en la escena progresiva noruega

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Hoy se da la ocasión de presentar al grupo noruego GENTLE KNIFE y a su disco homónimo del año 2015. Formado en el 2014, el grupo en cuestión logró concretar material suficiente para su disco de debut “Gentle Knife”, el mismo que fue publicado por el sello Bajkal Records. En el tiempo de la grabación de este disco, GENTLE KNIFE estaba conformado por la abundante alineación de Astraea Antal [flauta, vientos y efectos visuales], Pål Bjørseth [teclados, voz y trompeta], Odd Grønvold [bajo y contrabajo], Thomas Hylland Eriksen [saxos], Håkon Kavli [voz y guitarras acústicas], Eivind Lorentzen [guitarras y sintetizadores], Ove Christian Owe [guitarras], Melina Oz [voz], Ole Martin Svendsen [batería y percusión] y Brian M. Talgo [sampleos, letras y visiones]. Por si fuera poco contar con un personal tan nutrido a la hora de transformar las ideas musicales en sonido, intervienen como invitados ocasionales a la organista Oivind Hanes y al guitarrista Ole Michael Bjørndal, además del hecho de que Astrid Lenvik aportara letras adicionales a un par de canciones. El estilo de GENTLE KNIFE está eclécticamente expuesto a través de nexos con grandes figuras del pasado y del presente del género progresivo. El disco fue casi íntegramente grabado en los Sound Lab Studioes, con algunas labores realizadas también en los Bark Studios: la producción de sonido es soberbia. Veamos ahora los detalles del repertorio de “Gentle Knife”.

‘Eventide’ abre el repertorio con una frontal exhibición de colorido musical, muy obediente de los parámetros neo-progresivos posteriores a los 80s, un poco al modo de un híbrido entre CLIFFHANGER y SPOCK’S BEARD, además de esa solemne remodelación del estándar Floydiano que caracterizaba a unos MOSTLY AUTUMN en sus primeros discos más algunas afinidades con SINKADUS en los pasajes fuertes del prólogo. La fuerza de carácter que emana del grupo sobre un sólido compás lento es una muestra clara de que estamos ante un prístino asentamiento de un motif básico con cuidados ornamentos instrumentales y efectivas líneas vocales. La intensidad sube al final, justo a tiempo para que se instaura un explosivo solo de guitarra: el clímax fastuoso que tiene lugar funciona como cierre perfecto. Este tema de inicio que duró 10 minutos es sucedido por otro que dura 12 ½ minutos: ‘Our Quiet Footsteps’. Tras un extenso prólogo marcado por pomposas orquestaciones sobre un ritmo marcial (combinando el legado del KING CRIMSON del “Lizard” con el modelo de los polacos LIZARD), emerge la primera sección cantada, asentada sobre una majestuosidad ceremoniosa que bebe de los legados de GENESIS (76-78) y PINK FLOYD (75-79), para luego pasar a una tercera sección que consiste en un desarrollo instrumental bastante marchoso. Combinando el delirante vigor Emersoniano y la neurosis Crimsoniana a través del filtro escandinavo (GARGAMEL, SINKADUS), el ensamble se da maña para preservar la magia de este exultante momentum mientras traza el camino de regreso hacia el motif marcial con que se había iniciado todo. ‘Our Quiet Footsteps’ instaura un momentum pletórico y luminoso para el repertorio del álbum, y dicho momentum solo habrá de preservarse cuando emerja la siguiente canción.

En efecto, ‘Remnants Of Pride’ es una balada progresiva situada en un esquema lírico bien delineado donde las armonizaciones básicas están adornadas por la flauta, la trompeta y el saxofón. Por su parte, el canto dual nos remite a un relato de melancolía contemplativa desde un centro notablemente protagónico. Para el intermedio instrumental, el esquema rítmico se sofistica un poco para abrir campo a una expresividad más rotunda, situación idónea para la elaboración de alternados solos de guitarra y saxofón. Belleza y tensión combinadas en una única fuente expresiva. Las dos canciones más cortas del disco son las que justamente siguen a continuación: ‘Tear Away The Cords That Bind’, durando poco menos de 5 minutos, y ‘Beneath The Waning Moon’, durando 4 ½ minutos. Elaborado sobre un groove blues-rockero, ‘Tear Away The Cords That Bind’ tiene un claro aire Genesiano (etapa 71-72) filtrado a través del paradigma de ANEKDOTEN, aunque las partes de guitarra suenan más cercanas al modelo de STEVE HOWE: aunque no ostenta una complejidad estructural como cualquiera de las canciones precedentes, su esquema melódico es innegablemente atractivo. Por su parte, ‘Beneath The Waning Moon’ se centra en el legado Floydiano en su relajado y sencillo motif central mientras preserva también una estilizada densidad. Tratándose de una pieza instrumental, su lirismo esencial se expande a través de los sucesivos solos de flauta, saxofón, trompeta y guitarra. El antepenúltimo tema del disco se titula ‘The Gentle Knife’ y su función es la de retomar los efluvios emocionales de ‘Remnants Of Pride’ y llevarlos a una musculatura más exaltada por un rato: en la sección central, la pesadez de los riffs de guitarra, los ornamentos de vientos y el fabuloso solo de sintetizador logran que se genere un oportuno toque de extravagancia para la ocasión, asentando un gancho especial… incluso raro. Eso sí, la calidez flagrante de la sección inicial no nos hace sospechar lo que viene a continuación, pero esa misma calidez habrá de volver para el pasaje final.

  

Las dos últimas piezas del disco son instrumentales. En ‘Epilogue – Locus Amoenus’, el grupo se dedica mayormente a explorar su dimensión sinfónica con un ropaje de sonoridades etéreas que transmiten cabalmente imágenes de profunda interioridad. La estrategia de esta pieza consiste en centrarse en cálidas atmósferas que irradien una inquebrantable serenidad: tras el extenso preludio elaborado por múltiples ornamentos de sintetizadores, el cuerpo central emerge bajo las guías sucesivas de la guitarra acústica, la flauta y el saxo tenor. El cuadro sonoro es como una cruza entre el PINK FLOYD de la etapa 73-75 y el CAMEL de la etapa 79-82. El asunto con ‘Coda – Impetus’, el tema de cierre, es totalmente distinto: un ejercicio de Crimsonismo alegre (según el molde de la etapa del “Discipline”) con añadidos adornos jazzeros en los cuales el saxofón se prodiga en elegantes florituras… aunque la guitarra no puede contener su deseo de crear su propio momento de neurótico lucimiento. Y así tenemos la experiencia completa de “Gentle Knife”, un disco que hemos descubierto un poco tarde pero nos complacemos en reseñar con el entusiasmo motivado por el deleite tan genuino que nos ha brindado. El colectivo de GENTLE KNIFE seerige como una nueva fuerza importante dentro de la escena progresiva escandinava: hoy por hoy, la banda ha tenido cambios en su alineación, como es la presencia de la nueva saxofonista Charlotte Valstad Nielsen, pero lo principal es que la banda sigue activa con la participación de la cantante Marte Heggelund. Realmente nos ha causado una enorme primera impresión este disco y nos deja con ganas de más para el futuro próximo. ¡A no dejarlo escapar en nuestras colecciones!

Muestras de “Gentle Knife”.-

Our Quiet Footsteps: https://soundcloud.com/gentleknife/02-1

Remnants Of Pride: https://soundcloud.com/gentleknife/03-1

The Gentle Knife: https://www.youtube.com/watch?v=1PUHmkSIFCQ

El camino imperial de ELEFANTE GUERRERO PSÍQUICO ANCESTRAL

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Hoy se da la ocasión de presentar al potente y electrizante trío argentino que responde al peculiar nombre de ELEFANTE  GUERRERO PSÍQUICO ANCESTRAL y a su disco “El Camino Del Guerrero”, su primera placa de larga duración que fue publicada en noviembre del año 2015. Su anterior obra era un EP muy breve que justamente se titulada “EP”, de mayo del 2014. Integran ELEFANTE GUERRERO PSÍQUICO ANCESTRAL el guitarrista Eduardo Torales, el bajista Juan Ricossa y el baterista Mauro Albornoz. Según declara el ideario espiritual de la banda, la música que hace es el producto de la fusión de energías individuales “para lograr juntos una entidad mayor”, la cual les dicta “cómo unificar con el cuerpo y la mente los ritmos a danzar con el entorno”. En cuanto al enfoque conceptual del disco que ahora traemos a colación, se nos señala que “cada entidad convive con una búsqueda interna de preguntas sin contestar”, en la cual “cada batalla librada, cada temor vencido, nos revela una porción de verdad y realidad, que nos nutre y nos ayuda a enfrentar la próxima contienda”: con esto, el Guerrero se plantea la misión de “observar los enigmáticos senderos, recorrerlos de punta a punta para contemplar la belleza existente detrás del sacrificio”, pero además, el camino requiere de una comunión de guerreros andantes que “potencian sus energías de manera conjunta”, pues “solo así los resultados se vuelven exponenciales”. El poderoso sonido del trío puede describirse también utilizando las expresiones de este ideario: una confluencia de luchas que libra cada uno de los músicos involucrados para obtener un resultado común que destruya de forma rotunda y decisiva cualesquiera incertidumbres pasadas. El resultado se traduce en una amalgama de stoner, jazz-rock y psicodelia articulada en una ingeniería progresiva de alto vuelo. Las influencias provienen de fuentes tan diversas como las de HAWKWIND, GURU GURU, LED ZEPPELIN, BLACK SABBATH y la faceta más filuda del KING CRIMSON de los 70s, así como de los modelos Spinettianos de PESCADO RABIOSO e INVISIBLE; además, se añade el factor post-metalero para aportar una dimensión contemporánea al asunto. No cabe olvidar la hermosa labor de Daniel Espinoza en el diseño gráfico de este ítem, realmente fabulosa. Veamos ahora los detalles del repertorio de “El Camino Del Guerrero”, ¿vale?

‘Heisenberg’ abre el repertorio con una contundencia bárbaramente vitalista, no dejando heridos a su rotundo paso por los senderos de la psicodelia pesada: el fragor de la dupla rítmica a través de las variantes de compás y el inapelable gancho de los riffs y solos de la guitarra hacen de esta pieza la obertura ideal. ‘Entre Dos Mundos (La Batalla De La Serpiente Y La Escorpión)’ sigue a continuación para aumentar la dosis de sofisticación musical en nuestra experiencia melómana: esta vez hay una arquitectura sónica más diversa donde la cual el fuego esencial del trío puede expandirse en el desarrollo de una convincente modalidad progresiva. ‘Methamorfosis’ es una de las piezas más largas del disco con sus 6 minutos de duración: comenzando con un groove jazz-rockero marcado por una amable sutileza, pronto explotan las cosas en un nuevo ejercicio de cañera erupción rockera para que el cuerpo central instaure un poderoso cuerpo central en el que conviven los mundos de BLACK SABBATH, LED ZEPPELIN y PESCADO RABIOSO (en su faceta más filuda). Inspirado en la observación de Friedrich Nieztsche de que “cuando miras largo tiempo a un abismo, el abismo también mira dentro de ti”, ‘Emperador Elefante’ es un tema cuyos dos primeros minutos están ocupados por un jam blues-rockero muy dinámico para luego virar hacia un interludio sereno y reflexivo, el cual sirve para que la guitarra explora matices intimistas dentro de la siempre robusta armazón triádica que nos ofrece el grupo. El cierre llega con un efectivo reprise del jam inicial, esta vez enriquecido por el impacto de los coloridos perpetrados durante la sección intermedia. La misión de ostentar una musicalidad arquitectónicamente focalizada tras los sucesivos despliegues de pesadas vibraciones progresivas que tuvieron lugar en ‘Entre Dos Mundos (La Batalla De La Serpiente Y La Escorpión)’ y ‘Methamorfosis’ ha sido cabalmente cumplida por esta pieza, y así tenemos que la ilación de ellas tres completa un persistente punto climático del álbum.

‘Crisálida’ se mete de lleno en la faceta introspectiva de la banda y lo hace no con un aura de inquietud sino de calidez. El motif sereno que se desarrolla y resuelve con meticulosa sencillez se beneficia notoriamente de los envolventes retazos dibujados por la guitarra y el bajo. ‘Kraken’ comienza con lo que parece ser una actitud semejante aunque se nota que la luminosidad sonora es más amplia y extrovertida… y realmente no tarda mucho el trío en volver a explotar liberalmente su habitual filo rockero. La banda utiliza este filo para pasearse por parajes exultantes y otros grisáceos con igual fluidez, a veces coqueteando con el lado más cañero del KING CRIMSON de la etapa 73-74. El reprise del motivo introductorio cierra el círculo de la pieza con una oportuna actitud reflexiva, un recurso que se siente cada vez más presente en el modelo sónico de la banda. ‘Hipnosis’ regresa de lleno a los recursos de plenitud utilizados en los tres primeros temas del álbum y vuelve a sustentar un nuevo cénit del mismo junto a ‘Entre Dos Mundos (La Batalla De La Serpiente Y La Escorpión)’ y ‘Methamorfosis’: de hecho, podemos señalar que la incendiaria armazón de los guitarreos llega a su máxima expresión cuando, como sucede aquí, concreta una ingeniería visceral en el hermanamiento con el muscular groove del bajo y la batería. Durando 6 minutos y pico, ‘Caleidoscopio’ cierra el camino de este guerrero rockero elaborando una síntesis general de los recursos más explícitamente electrizantes del repertorio precedente, incluyendo algunos breve parajes donde se retoma la dimensión más sutil y sobria del grupo. Si bien el concepto del álbum se concluyó con ‘Caleidoscopio’, todavía queda un bonus: la versión del clásico de LED ZEPPELIN ‘Since I’ve Been Loving You’. Para versionar este bello tema de blues-rock originalmente incluido en el lado A de “Led Zeppelin III”, el trío recurre a los servicios vocales de Pau Schneider. El grupo respeta íntegramente el espíritu original de esta conmovedora canción mientras le da un vigor firme y renovado: eso sí, hay que apreciar este homenaje como eso mismo, sin pensarlo más a fondo, pues ‘Caleidoscopio’ resulta el final natural del concepto de este disco.

Con “El Camino Del Guerrero” se nos ha mostrado una muy interesante revelación dentro de la nueva generación del art-rock argentino: la entidad tripartita de ELEFANTE GUERRERO PSÍQUICO ANCESTRAL ha iniciado con una fanfarria descomunal su propio camino guerrero e imperial dentro de la escena stoner progresiva de su país, y sin duda, merece que se le preste toda la atención en los círculos de apreciación del rock progresivo alrededor del mundo.

Muestras de “El Camino Del Guerrero”.-

Entre Dos Mundos (La Batalla De La Serpiente Y La Escorpión): https://elefanteguerreropsiquicoancestral.bandcamp.com/track/entre-dos-mundos-la-ltima-batalla-de-la-serpiente-y-el-escorpi-n-2

Emperador Elefante: https://elefanteguerreropsiquicoancestral.bandcamp.com/track/emperador-elefante

Hipnosis: https://elefanteguerreropsiquicoancestral.bandcamp.com/track/hipnosis

BOVIDAE: una nueva modalidad del estándar del prog-metal

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca presentar al trío británico BOVIDAE, dedicado a cultivar una incendiaria variedad de prog-metal con mecanismos eclécticos que incorporan elementos del jazz-rock y espacios abiertos desde donde se incluyen factores del post-metal, el avant-prog y la música de cámara con talante chamber-rockero. Esta agrupación originada en Sheffield en mayo del 2013 está conformada por Danny Bacchus [Batería], Adam McSweeney [guitarra] y Janine Rogers [teclados]. Su homónimo disco de debut ha sido publicado de forma independiente a inicios del pasado mes de julio, y a continuación pasamos a describir los detalles del repertorio contenido en él.

‘Bits’ abre el repertorio con una exhibición rotunda de musculatura rockera fluidamente dispuesta sobre un intrincado esquema rítmico rico en síncopas. Tras un momento inicial de pleno protagonismo de la guitarra llega el turno de los teclados, que es cuando el grupo elabora una instancia más mesurada en su expresividad sistemática, con lo cual el trío muestra su habilidad para gestar una interesante variedad de matices dentro de sus bien definidas coordenadas estilísticas. Con ‘Tudanca’, el grupo confirma su obsesión particular por crear atmósferas aguerridas dentro de una compacta mezcla de incendiario vigor y arquitectónico rigor; además, en este caso particular se añaden elementos sobriamente sombríos al ambiente general. La dupla de ‘Dr. Hu’ y ‘Massive Weird Nun’ permite al grupo expandir los alcances de su estrategia artística mientras preserva celosamente el enfoque crucial de la misma. En efecto, ‘Dr. Hu’ se orienta hacia una exploración de más meticulosas tácticas de sofisticación progresiva tanto en lo que se refiere a los desarrollos temáticos como a las variantes rítmicas empleadas a lo largo del camino. Por su parte, ‘Massive Weird Nun’ nos brinda un singular muestrario de estilizados retorcimientos vanguardistas que se amoldan cabalmente a la armazón aguerrida de siempre: no resulta muy difícil reconocer el empleo de estándares derivados tanto del chamber-rock (en lo tétrico) como en el post-metal (en lo denso). Si ‘Tudanca’ estableció una capitalización del esquema de trabajo plasmado en el primer tema, la dupla de ‘Dr. Hu’ y ‘Massive Weird Nun’ instauró un oportuno impulso hacia más amplios recursos sonoros, con lo cual tenemos que la ilación del repertorio fue gestando un continuum climático muy bien logrado.

El turno de ‘How Can She Slap’ es uno de metódica recapitulación de los factores frontalmente fieros de los dos primeros temas y los más misteriosos de ‘Massive Weird Nun’. Este tema goza de un gancho especial y la banda lo sabe, y es por eso que aplica una musculatura llamativa en sus arreglos definitivos. La pieza más larga del disco es ‘A Blue Jar’, que dura poco menos de 7 ¾ minutos: este espacio es cabalmente aprovechado para establecer una especie de síntesis de los esquemas sonoros y recovecos empleados en la ilación de los cinco temas precedentes. Cabe notar que el vigor rockero propio de la banda llega a un punto de explosiva ebullición en muchos parajes de este tema, al cual podemos describir como un cuaderno de bitácora de la travesía musical que se ha venido realizando. El cierre del repertorio viene con ‘8 Bit Dr. Hu’, una ocurrencia dadaísta que consiste en la traducción al lenguaje del MIDI el cuerpo central de ‘Dr. Hu’ con un muy apresurado groove. Todo esto fue el disco de los BIVODAE, quienes entran por la puerta grande en la provincia más aguerrida de la escena progresiva actual: su apuesta por brindar una renovación ecléctica del discurso prog-metalero les convierte en nuevas figuras de la vanguardia rockera británica, y desde ya merecen que se les preste una atención bien focalizada en los círculos de apreciación del rock progresivo.  

Muestras de “Bovidae”.-

Dr. Hu: https://bovidae.bandcamp.com/track/dr-hu

How Can She Slap: https://www.youtube.com/watch?v=sexzJDzqSQ0

PANTHER & C., rumbo a una nueva época para el patrón prog-sinfónico italiano

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión prestamos nuestra atención y nuestros oídos al grupo italiano PANTHER & C., el cual está conformado por Alessandro La Corte [teclados], Riccardo Mazzarini [guitarras], Folco Fedele [batería], Giorgio Boleto [bajo] y Mauro Serpe [voz y flauta traversa]. Este quinteto asentado en la bella ciudad de Génova nos brinda desde el año 2015 su disco “L’Epoca Di Un Altro” para añadir un grano de arena más a la perennemente prolífica escena prog-sinfónica de su país. Este grupo se formó en la bella ciudad de Génova en el año 2003, no comenzando como banda de versiones sino creando su propio material desde los primeros pasos. Su estilo es plenamente sinfónico, explícitamente reclamada en base a las influencias de GENESIS, BANCO DEL MUTUO SOCCORSO y PREMIATA FORNERIA MARCONI (tal como se señala en su perfil de Facebook), pero nuestra degustación del disco antes mencionado nos traslada conceptualmente a otros modelos propiamente instalados en las primeras escuelas italiana y británica del rock progresivo sinfónico. En todo caso, la gente de PANTHER & C. sabe darle un viraje contemporáneo a la amalgama de sus influencias retro-progresivas para ponerse en la misma onda que otras entidades del sinfonismo contemporáneo.

Abre el disco ‘Conto Alla Rovescia’, pieza cuya duración supera los 11 minutos. Comenzando con una obertura que exhibe una exaltación sonora a través de un ágil mecanismo de alternancias de compases rápidos y lentos, el camino hacia el cuerpo central se desarrolla con un gancho realmente irresistible. El buen uso de guiños a los paradigmas Genesianos y Premiatenses permite que el fragor melódico de los motivos sucesivos se extienda a sus anchas; por otro lado, es una pena que las secciones cantadas no sean muchas, pues nos da la impresión de que la estructura armoniosa de la instrumentación podía potencializarse un poco más con lo vocal. Trabajada sobre una duración de poco menos de 5 minutos, la segunda canción ‘Mariam…’ desarrolla un lirismo mayormente sosegado que en algunas ocasiones despliega un vitalismo estilizado. En su esquema sonoro confluyen saludablemente la tradición de la primera escuela sinfónica y la vivacidad del discurso neo-progresivo. La primera mitad del repertorio se cierra con ‘… Il Volo Di Mariam’, un hermoso y rutilante posludio penetrado por un colorido fastuoso al más puro estilo de LE ORME con retazos de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO (etapa 76-79). El carácter flotante de los fraseos de la guitarra y la magia peculiar emanada por los teclados se unen para crear un centro sólido y bien pulido para el desarrollo melódico en curso. Cuando llega el turno de ‘Dik’, el grupo vuelve a dar rienda suelta a las aristas más ambiciosas de su propuesta musical. Las variaciones de motivos y atmósferas están a la orden del día, dejando que cada uno de aquéllos goce de suficiente espacio para respirar y cada una de éstas llene dichos espacios, pero sin duda, la compleja arquitectura multi-temática ostenta orgullosamente su inherente versatilidad.

Los últimos 12 ¾ minutos del repertorio están ocupados por ‘La Leggenda Di Arenberg’, una mini-suite que recoge sabiamente los ecos de la primera a la par que elabora una aureola más aligerada para que delinee la luminosidad de los diversos recursos melódicos que se van sucediendo. La etérea introducción signada por la flauta tiene algo de cósmico y también algo de señorial, pero es a partir de la emergencia de la primera parte cantada que el señorío logra imponerse a todo dar. Las herencias de GENESIS y CAMEL se integran fluidamente con las de LE ORME y ALPHATAURUS mientras el bloque sonoro asume aires modernos en clara afinidad con los modelos de CALLIOPE, IL CASTELLO DI ATLANTE, IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE y MARCHESI SCAMORZA. Tal como dijimos en el primer párrafo de la presente reseña, este grupo se da buena maña para remodelar con aires actualizados su nostálgica propuesta sinfónica, y al retomar esta noción hemos dado con la frase que mejor calza para la síntesis final con la que pretendemos concluir la presente reseña. Dado que hemos disfrutado mucho de la inspiración melódica que se explaya a lo largo del repertorio, es verdad que nos parece frustrante que éste dure poco menos de 37 minutos y nada más, pero ante todo, “L’Epoca Di Un Altro” resulta la perfecta carta de presentación de PANTHER & C. en la escena progresiva italiana y europea. Teniendo en cuenta que el grupo tiene en su haber otros temas que no entraron en este disco y que tocan en sus conciertos más recientes, podemos sospechar que este grupo no tardará mucho en publicar su próximo trabajo. Nos mantendremos atentos a esta afortunada eventualidad.

Muestras de “L’Epoca Di Un Altro”.-

Conto Alla Rovescia [en vivo en el 2014]: https://www.youtube.com/watch?v=GTgS-HYm_Z8

… Il Volo Di Mariam: https://www.youtube.com/watch?v=Ly4cv4ZxUqQ

El math-rock bizarro de HUNGRÍA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El dúo math-rockero argentino HUNGRÍA nos acaba de brindar su primer trabajo de larga duración titulado “Magyarország Vagy Halál”, el mismo que sucede al EP “Fjóplavi” (del año 2014). La labor de Diego Manatrizio [guitarra] y Facundo Semerena [batería] es enérgica y versátil, dando prioridad a la lógica de vibraciones continuamente tensas y variables que ya ha impuesto un canon de gran tradición dentro de la vanguardia rockera de las tres últimas décadas, el canon del math-rock. El material incluido en “Magyarország Vagy Halál” fue grabado y mezclado entre setiembre del 2015 y abril del presente año 2016, siendo así que en el mismo mes de abril fue lanzado al público. El arte de tapa es alucinante, un mundo gráfico en sí mismo que se hace eco de los títulos de varias piezas del álbum: estuvo a cargo de Sebastián Croce. El disco dura más de una hora, ofreciéndonos una extensa secuencia de esplendorosas travesuras sónicas que nunca llegan a declive alguno, siempre manteniendo en alza la valía de su ingenio artístico: pasemos a los detalles de “Magyarország Vagy Halál”.

El disco se abre con ‘Queso’, tema que comienza con un aire de descarada gracilidad y que más adelante recurre a una luminosa sobriedad para instaurar un nuevo motivo, el mismo que sirve para que el dúo se termine impulsando hacia una vitalidad tan juguetona como surrealista. La cosa pinta bien desde este punto de arranque y seguirá pintando igual de bien – o incluso mejor – con el arribo de ‘Lít Is’, tema de 7 ½ minuto de duración que se perfila hacia la elaboración de explayamientos épicos dentro del discurso habitual del math-rock. El tercer tema del disco responde al muy simpático título de ‘Parece Bizarro Pero Es Algo De Buda’ y cumple con la función de capitalizar recursos de sofisticación estructural para motivos en los que predomina una vibración maquinista: el grupo ya está transitando en terreno de HELLA, notándose especialmente el esmero de la guitarra en elaborar sonoridades atrevidamente renovadas (a ratos se nos antojan algo Crimsonianas). Siendo casi tan largo como el segundo tema del álbum, ‘Gökotta’ reitera la abierta neurosis deconstructiva que marcó tanto a ‘Queso’ como a ‘Lít Is’. Los traviesos desgarros con los que se articula la bizarra urdimbre de los motivos – incluyendo el ocasional empleo del compás de malambo – muestran un meticuloso enfoque dadaísta en la ingeniería compositiva usada para la ocasión. TERA MELOS nos suena como una especia de referencia. El repertorio sigue adelante con la dupla de ‘Yggdrasil’ y ‘Rubik’, mostrando más recursos de bizarra expansión sonora. ‘Yggdrasil’ comienza con un prólogo cósmico que amenaza con impulsar una sonoridad densa para la pieza en cuestión, pero al final todo resulta algo más sobrio – dentro de los cánones del math-rock – done el dúo explora atmósferas cálidas mientras se regodea, como siempre, en extravagantes esquemas rítmicos con limitado espectro vital. El epílogo también se centra en un clima cósmico, calzando con el inicio de ‘Rubik’: este tema se siente más extrovertido, asumiendo los ecos de las facciones más vivaces de ‘Queso’ y ‘Lít Is’. 

Ocupando el ecuador del repertorio, ‘Hats, Pixels & Notebooks’ saca buen provecho de su espacio de poco menos de 7 minutos para orientarse por la senda de irradiaciones y texturas, todas ellas gestadas con un pulso sobriamente denso y con espacios abiertos para la ocasional irrupción de coloridos juguetones. El pasaje final se siente filudo a través de sus deliciosos tornasoles envolventes (un poco a lo AHLEUCHATISTAS), con lo cual se termina de concretar un nuevo cénit del álbum. Con la dupla de ‘Magiares Mágicos, Los’ y ‘Komondor’, HUNGRÍA se dedican a seguir ahondando en los diversos matices del polícromo esquema de su propuesta estilística: ‘Magiares Mágicos, Los’ recibe algunos ecos de ‘Hats, Pixels & Notebooks’ para aplicarles una ingeniería más directa e impetuosa, mientras que ‘Komondor’ se prodiga en recursos propios de la psicodelia progresiva, especialmente fijados en el estándar de OXES y con algunos guiños a los primeros álbumes de DON CABALLERO. Otro tema de ambiciosa extensión es ‘Ki A Fasz Vagy Te!?’, durando 6 ¾ minutos: su modus operandi es por lo general más relajado que el empleado en las piezas precedentes, dando una especial importancia a la creación de grooves y timbres de inspiración jazz-rockera que se amoldan muy bien al argot math-rockero. El empleo de sampleos de voces añade un burlesco dramatismo al asunto mientras la influencia de DON CABALLERO vuelve a emerger en los momentos más intensos. La medalla de oro al título más extravagante del disco debe ir para la penúltima pieza del disco, ‘Un Gordo Pelado Corriendo Hacia Vos Con Una Rata En La Boca’. La vitalidad relativamente desatada del primer cuerpo, con su luminoso jolgorio penetrado por una divertida neurosis, no nos deja adivinar que en la sección intermedia habrá de imponerse una sección lánguida marcada por una pomposidad sutil, muy afín a KING CRIMSON: semejante al tenso intermedio del clásico ‘Starless’, su logística es afín a la época del “Discipline”. La sección final nos remite a la faceta cósmica que ya se hizo presente en otros momentos anteriores del disco: pulsaciones rockeras estilizadamente recicladas con una intencionalidad progresiva.

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El repertorio se cierra con ‘House Of Carroll’, tema que se regodea en elaborar una arquitectura musical retorcida y, a la vez relajada, gestando conexiones impolutas entre los momentos explosivos y los contenidos. Portando una expresividad saltarina, cuenta como oportuno broche del álbum. Y a fin de cuentas, todo esto fue “Magyarország Vagy Halál”, un catálogo de voraces viajes musicales que se unifican en un veraz trayecto de magnificencias sonoras: los músicos de HUNGRÍA se erigen como terribles maestros del math-rock latinoamericano con total autoridad.

Muestras de “Magyarország Vagy Halál”.-

Lít Is: https://hungria.bandcamp.com/track/lit-s-2

Parece Bizarro Pero Es Algo De Buda: https://hungria.bandcamp.com/track/parece-bizarro-pero-es-algo-de-buda

Hats, Pixels & Notebooks: https://hungria.bandcamp.com/track/hats-pixels-notebooks

KOTEBEL y la expresión definitiva de su rol en los escenarios de la resistencia progresiva

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Por fin ha salido al mercado como ítem físico el disco en vivo de KOTEBEL “Live At Prog-Résiste 2013”, y lo hace en formato de CD doble por vía del sello francés Musea Records, con edición limitada. En el año 2014 estaba disponible en el enlace http://kotebel-music.bandcamp.com/album/live-at-prog-r-siste, y ahora es un objeto tangible: han pasado dos largos años pero, a fin de cuentas, el destino estaba escrito a favor del evento de esta publicación. Con la dual labor a los teclados de Carlos Plaza Vegas y Adriana Plaza Engelke, más César García Forero a las guitarras, Jaime Pascual Summers al bajo y Carlos Franco Vivas a la batería y las percusiones, se pone en marcha el guión estético de KOTEBEL: crear música desde la grandeza de mentes musicales para engrandecer la espiritualidad estética oyente. El centro de este ítem es la actuación que brindó en mayo del 2013 el quinteto en cuestión en la localidad belga de Soignies, más exactamente, en el Centre Culturel de Soignies, como parte del cartel de la edición 2013 del Prog-Résiste Festival. Otros dos temas registrados a partir de otros conciertos se añaden al prolijo repertorio contenido en este doble CD, temas en cuyos detalles entraremos más adelante: vayamos por partes y repasemos el primer volumen para empezar.

En su momento* nos sorprendió gratamente que fuese ‘Hades’ el tema escogido para abrir el repertorio así como el primer volumen, pues era algo fuertemente simbólico al tratarse del mismo tema que abría “Fragments Of Light”, el disco que consignó la apertura definitiva de la flor sonora de KOTEBEL en la proyección hacia lo que es hoy por hoy desde hace varios años – una figura señorial dentro de la escena progresiva española. Muchos años han pasado desde entonces y podemos decir que el jardín de KOTEBEL ya lleva muchas temporadas de plenitud, repleto de colores sólidamente instalados y diseñado con surcos meticulosamente sinuosos e imponentes muros blasonados. En efecto, la ejecución de esta pieza, que aquí tiene un arreglo más reducido a fin de abrir la experiencia sin saturar de entrada al público, se siente genuinamente vibrante a la par que los instrumentistas cuidan sigilosamente con respetar la arquitectura global desde su posicionamiento específico. Lo que sigue sí es un ejercicio de esplendor progresivo puro y duro, sin recortes ni reservas: el ‘Concerto For Piano And Electric Ensemble’ entero, con todos sus cuatro movimientos. La pródiga y laboriosa fastuosidad de ‘Adagio Maestoso’ y de ‘Allegro Moderato’ sigue sonando cada vez mejor, así como la colorida ceremoniosidad de ‘Lento Cantabile’ y el swing cálidamente sofisticado de ‘Vivo Scherzando’. Las misteriosas elucubraciones de ‘Lento Cantabile’, no ajenas a momentos de meticulosa intensificación, brindan un razonable contraste frente a los recursos de explícita ampulosidad que se exhiben en ‘Adagio Maestoso’ y ‘Vivo Scherzando’; ‘Allegro Moderato’ se encarga de cerrar la suite con exquisita musculatura. Después de esta extensa aventura, los KOTEBEL siguen exhibiendo el orgullo que sienten por el que entonces era su flamante nuevo disco “Concerto For Piano And Electric Ensemble” ejecutando otra pieza del mismo: ‘The Flight Of The Hippogriff, Part II’. El grupo logra plasmar con solvencia y pasión las variaciones de ambiente de la pieza bajo el calor del momento. El vigor ágil de ‘Satyrs’ despliega una vitalidad caleidoscópica bárbara para cerrar el primer volumen.

La secuencia final de ‘Simourhg’ y ‘Amphisbaena’ con que se cerraba el concierto en Bélgica es la que abre el segundo volumen. Al igual que ‘Satyrs’, estas piezas nos remiten a otra obra maestra Kotebeliense que es “Ouroboros”. El complejo y ardoroso dinamismo complejo de ‘Simourgh’ sigue la senda trazada por el otro tema con miras a mantener un cénit consistente para esta actuación. Así las cosas, la función de ‘Amphisbaena’ consiste principalmente en darle un nuevo giro a dicho cénit a través de la estilizada belleza que ostenta en sus perfectamente articuladas ilaciones de motivos. La cerrada ovación del público es el más que justo premio de apreciación que merece el quinteto por honrar con tanta creatividad al ideal del rock progresivo. Los bonus tracks proceden de otras fuentes: así, la versión en vivo de ‘Mercury Pentacle (Shanti Path)’ ha sido tomada del Gouveia Art Rock Festival del año 2007, mientras que la de ‘Excellent Meat’ se registró en un concierto en Ritmo & Compás en el 2011. Ambos temas pertenecen a “Omphalos”, disco del año 2006 que significa mucho para nosotros pues fue por él que conocimos a KOTEBEL… para convertirnos instantáneamente en fans incondicionales. ‘Mercury Pentacle’ es la tercera sección de la ‘Pentacle’s Suite’ y se destaca por el marcado tenor bucólico en su desarrollo temático, que es todo un sortilegio etéreo con delicados matices fusionescos. El fluido tránsito al épico clímax conclusivo es conmovedor. Como agradable anécdota, Carolina Prieto participa al canto como invitada especial. Por su parte, ‘Excellent Meat’ es un buen ejemplo de la faceta más agresiva de KOTEBEL, llevando su fastuosidad a niveles especialmente intensos de elocuencia rockera. Las florituras a lo GENTLE GIANT-con-EMERSON, LAKE & PALMER de los teclados y las florituras de la guitarra encuentran pronto un norte y lo ornamentan con infinito ingenio: la ulterior irrupción de un minúsculo pasaje sereno sirve para recargar energías con la mira puesta en la sección final.

Todo esto es, por fin, “Live At Prog-Résiste 2013”, el perfecto documento que testimonia, con la claridad más infinitamente posible, que KOTEBEL es mucho más que una banda de rock progresivo del nuevo milenio: es una de las más notables e imprescindibles bandas del género en los últimos 25 años, una fuerza de la naturaleza dentro de ese cosmos sonoro que se llama música, una visión categórica sobre la preservación del ideal de belleza en la vanguardia rockera del nuevo milenio. Tenemos aquí uno de los mejores discos en vivo de los últimos años: ¡recomendado al 500%! 

Muestras audiovisuales del “Live At Prog-Résiste 2013”:

Adagio Maestoso: http://www.youtube.com/watch?v=7SMWMWk5A4I

Allegro Moderato: https://www.youtube.com/watch?v=SN1cnYvCjSA

Amphisbaena: https://www.youtube.com/watch?v=54or-WAxIvs

* Nos referimos a la reseña que publicamos en el año 2014 sobre la versión primigenia de este álbum, en formato exclusivamente digital. Enlace de la susodicha reseña: http://autopoietican.blogspot.pe/2014/10/kotebel-sobre-el-escenario-de-la_29.html

La distopía de "1984" según ANTHONY PHILLIPS

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Era el año 1981 y muchas nuevas oleadas musicales invadían las esferas masivas de la música pop: también fue el año en que ANTHONY PHILLIPS publicó su álbum conceptual “1984”, tratándose de su primer disco lanzado al mercado tras la expiración de su contrato con el sello Arista. Tenemos aquí el primer álbum de PHILLIPS con abrumador predominio de sintetizadores, un hecho que obedece al interés que tenía nuestro héroe por investigar en las posibilidades del Polymoog y el ARP 2600, habida cuenta que él sentía que no les había otorgado suficiente espacio a sus labores creativas para los dos discos precedentes (“Wise After The Event” y “Sides”). Su arsenal instrumental se centra en estos dos ítems junto a una caja de ritmos Roland CR-78, parcas intervenciones a las guitarras eléctrica y acústica de 12 cuerdas así como al canto con vocoder, y algo de percusión menor. Colaboraron Richard Scott (percusión menor y efectos) y el maestro Morris Pert (percusión principal). Esta labor electrónico-progresiva está muy en línea con algunas pautas que también estaba replanteándose por su cuenta MIKE OLDFIELD en ese mismo periodo, así como con algunas estrategias musicales de JEAN-MICHEL JARRE y TANGERINE DREAM. PHILLIPS se las arregló muy bien para sonar moderno a pesar de estar trabajando con sintetizadores de “vieja generación”, nada de Yamaha, Korg, Oberheim o Casio como los que ya aparecían en los discos de ULTRAVOX, GARY NUMAN, SIMPLE MINDS, KRAFTWERK, TANGERINE DREAM y ORCHESTRAL MANOEUVRES IN THE DARK… por poner tan solo unos seis ejemplos. Tengamos en cuenta un detalle importante que sale a colación en la entrevista a PHILLIPS que aparece transcrita en el enlace http://www.anthonyphillips.co.uk/interviews/1984etal.htm: la idea de plasmar en música la temática de la novela de GEORGE ORWELL surgió tarde, cuando ya casi todo el material estaba compuesto y con el proceso de grabación ya iniciado. Este disco que tenemos en nuestras manos fue reeditado por el sello Voiceprint en el año 2008. En el librillo de la reedición de doble CD, cuenta el ingeniero Chris David que él tuvo que acortar dos viajes de vacaciones con su esposa – el segundo era para la luna de miel – para cumplir con las mezclas del disco, pero más allá de esta leve incomodidad, él y PHILLIPS siguen siendo amigos. Por su parte, cuenta PHILLIPS que la actitud que tuvo el personal de RCA (el nuevo sello encargado de la publicación del material de PHILLIPS en el Reino Unido) fue muy receptiva: la maqueta que les presentó el manager Tony Stratton-Smith hizo que la gente de RCA le diera a PHILLIPS un generoso avance, lo cual le permitió comprar su casa.

Veamos ahora el repertorio del disco. ‘Prelude ’84’ abre el álbum con un aura alegre y festiva, la misma que permite a las orquestaciones y líneas melódicas de los sintetizadores exhibir sus vibraciones saltarinas dentro de una meticulosa ingeniería musical. Algunos fraseos están sobriamente aumentados por la guitarra eléctrica. A continuación sigue ‘1984 Part One’, que ocupa un espacio de 19 minutos y pico. Su magnificencia se muestra desde el mismo punto de partida mientras el primer cuerpo temático se instala sobre un medio tiempo: las fanfarrias y atmósferas se van reforzando con impoluta consistencia mientras PHILLIPS trabaja hábilmente los contrastes de luz y sombra durante el desarrollo melódico. Cuando llega el momento del crescendo medianamente opresivo, sabemos que un viraje rotundo está en el horizonte cercano, y en efecto, poco antes de llegar a la frontera del sexto minuto y medio, pasamos a otro motivo caracterizado por un lirismo tremendamente evocativo, incluso señalando algunos matices folklóricos. Este recurso de extroversión celebratoria no dura mucho tiempo pero sí deja un eficaz impacto hasta el arribo de una nueva sección más sombría donde las sonoridades suntuosas parecen retratar a los círculos más horrendos del poder; cuando la bruma deja paso a una nueva luminosidad, la suntuosidad amenazante adopta un disfraz más amable, sin dejar atrás del todo el aire de amenaza. El motivo final se enfila hacia climas cósmicos mientras recoge algunas pautas de la sección precedente, derivando a una etérea conclusión marcada por una serenidad otoñal. Las bases añadidas de guitarra de 12 cuerdas aporta un matiz de sublime estilización. La segunda mitad del disco se abre con ‘1984 Part Two’, siendo sus dos primeros motivos portadores de vibraciones semejantes a las de ‘Prelude ’84’, aunque con una robustez más urgente propia del talante impresionista. No tardan en emerger nuevos colores folklóricos en el camino para que se imponga algo de candidez antes de que llegue el fade-out con miras a la emergencia de una nueva sección colorida, alrededor de la frontera del noveno minuto y medio. Hay una solemnidad latente que sale al primer plano en ciertos momentos (estupendas amalgamas de sintetizador y vocoder), pero el color grácil impera hasta signar el mágico momento del golpe final. ‘Anthem 1984’ cierra el disco con un despliegue de señoriales atmósferas melancólicas, las mismas que ostentan un aire de duelo a través de su hermoso desarrollo melódico.  

Entre los bonus tracks que aparecen en el volumen 2 hay varios puntos que destacar, como por ejemplo, la solemne pieza ‘Ascension’, la cual fue originalmente registrada en Send Barns tras grabar las dos piezas breves del álbum. La verdad que hay innegables aires de familia entre los primeros pasajes de ‘Ascension’ y el cuerpo central de ‘Anthem 1984’, aunque sin duda la ausencia de caja de ritmos permite a PHILLIPS adentrarse entusiastamente en las vibraciones majestuosas que emanan naturalmente de las imponentes orquestaciones de Polymoog que se están desarrollando, buscando delineamientos mientras transita. Al igual que ‘Ascension’, nos topamos al final de este mismo volumen con otro tema del inmenso catálogo de PHILLIPS que por primera vez ve la luz del día: nos referimos al extenso ‘Poly Piece’, que ocupa un espacio de poco menos de 16 ¾ minutos. Con la parca instrumentación de piano clásico y sintetizador Polymoog, PHILLIPS elabora un magnífico ejercicio de espiritualidad romántica que, a través de una continuna actitud contemplativa, transita fluidamente por pasajes serenos y otros más inquietos (aunque de forma contenida), así como por otros pasajes signados por un talante sombrío. Esta composición data de los tiempos en que PHILLIPS preparaba material para su tercer trabajo de estudio “Sides”, y de hecho, era muy del agrado del productor Rupert Hine, pero los gerentes del sello Arista impusieron su criterio de que el susodicho álbum tuviera, por lo menos en su mayor parte, material en formato de canción, por lo que no quedaba espacio para ‘Poly Piece’. La idea de relegarlo a un álbum instrumental como efectivamente era “1984” también se postergó debido a que nuestro héroe ya había compuesto dos largas suites para ambos lados del vinilo, así que fue enviado al desván de los tiempos perdidos… hasta ahora, que brilla en todo su esplendor como fastuoso cierre de esta reedición del “1984”. Realmente sentimos que la inmensa mancha del pecado de relegar al olvido una pieza tan sublime ha sido limpiada del espíritu del tiempo. Sublimes son, en efecto, los efluvios de piano que marcan las diversas direcciones temáticas que se van sucediendo en ‘Poly Piece’.

Otros ítems interesantes de la lista de bonus tracks son las versiones preparatorias de los temas efectivamente integrados en el álbum, como sucede con la breve primera versión de la Parte Dos, la cual muestra diáfanamente uno de los motifs centrales sin tanto revestimiento, así como una versión de ‘Anthem 1984’ sin caja de ritmos. Pero sin duda, el tercer ítem de gran interés es la serie de seis piezas que ANTHONY PHILLIPS compuso para la serie televisiva Rule Brittania: Pictures of a People Like Us. Recibiendo este encargo de parte del guionista y productor James Bellini en el otoño de 1980, mientras las sesiones de grabación para “1984” estaban bien avanzadas, PHILLIPS interrumpió éstas momentáneamente para crear ideas musicales para atmósferas que el mismo Bellini le indicaba: ironía, violencia, amargura, respeto… El empleo de una banda sonora con instrumentación de sintetizadores fue del agrado de Bellini, quien sentía que “se requería de una música clásica y eterna” y apreciaba “el elemento electrónico que le daba un aire de fines del siglo XX”. Teniendo en cuanta todo esto que se estaba desarrollando en esta fase específica de las exploraciones musicales de ANTHONY PHILLIPS, es grato saber que la prensa musical tuviese una actitud muy positiva con el álbum”1984”. Un crítico dijo que “sus tonos desolados y sepulcrales son tan poderosos que pueden ser rápidamente degustados incluso fuera de contexto”, mientras que otro resaltó el interesante contraste entre los tiempos oscuros y aterradores que GEORGE ORWELL profetizó y la mirada cándida y corazón abierto con el que PHILLIPS contempla a dicho futuro. En perspectiva, para nosotros, “1984” es el perfecto punto inicial para el impulso de la faceta electrónica de la visión musical siempre tan ecléctica y tan progresiva de ANTHONY PHILLIPS, un genuino prócer del art-rock británico que merece ser valorado como algo más – mucho más – que el guitarrista original y cofundador de GENESIS: su carrera solista, que sigue vigente en nuestros días, es una admirable proyección de orfebrerías diversas del sonido. “1984” es la clave para entender y asimilar otros discos posteriores de PHILLIPS con rol predominante de los teclados con su señorial prestancia revestida de exquisitas intuiciones dramáticas; también sirve, claro está, como muestra de su visión orquestal, una de las facetas más ambiciosas de su prolífica trayectoria como compositor. Atención a la iniciativa de Esoteric Recordings que recoge el material contenido en esta doble edición e incluye un DVD extra, publicando este triple ítem en este mismo año 2016, es algo que sinceramente vale la pena.

Muestras de “1984”.-

1984 Part One: https://www.youtube.com/watch?v=_uOlgqT111Q

Anthem 1984: https://www.youtube.com/watch?v=bWyrqFTXMKQ   

Poly Piece: https://www.youtube.com/watch?v=93DA93pN8k4