Historias prog-sinfónicas de los japoneses KIKU LATTE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Nos llega esta grata sorpresa desde Japón: el disco debut del grupo KIKU LATTE, el cual responde al título de “Stories” y fue publicado el 25 de mayo del pasado año 2021. Este quinteto cultor de un prog sinfónico estandarizado está conformado por Kazumi Suzuki [flauta], Yusuke Akiyama [teclados], Takumi Kokubu [bajo], Shingo Yoshida [batería] y Hiroyuki Kato [guitarras y violín]. Los orígenes de este grupo están enraizados en la existencia de un grupo anterior llamado CICHLA TEMENSIS y formado en el año 2006 con el formato de trío: el bajista Kokubu, el baterista Masahiko Noguchi y la flautista Haruna Fukazawa. Entre los años 2007 y 2009, el ensamble grabó dos EP (“Another Triangle” y “Affine Space”) y logró llamar la atención de un público de culto dentro del circuito progresivo de Tokyo e incluso tuvo una muy celebrada participación en el Trieste Summer Rock Festival de 2010. Sin embargo, el grupo detuvo sus actividades en 2012. Llegó el año 2016 y Kakubu retomó el proyecto invitando a nuevos músicos y ampliando la alineación a quinteto, siendo la primera persona convocada la flautista Kazumi Suzuki, quien fue integrante de la inolvidable banda NAIKAKU. Así las cosas, el renacido grupo registró un nuevo EP en 2019 titulado “Fantasia”. La segunda obra gestada por esta formación es “Stories”, un CD propiamente dicho en el sentido de que es su primer trabajo fonográfico que dura más de 40 minutos. Pero, oficialmente, ya estamos hablando de una banda que ha sabido mantenerse mientras cambiaba de nombre: KIKU LATTE, un nuevo nombre, una nueva banda solo en un sentido relativo. Pasemos ahora a los detalles de este disco en cuestión. 

La miniatura de poco menos de tres cuartos de minuto ‘Prologue’ instaura un clima circense en base al sonido de un organillo sobre un tempo de 3/4, con lo cual abre la puerta al solvente y estilizado colorido de ‘Puppets’, la pieza que pone sobre el tapete un vitalista ejercicio de sinfonismo que se revela como ágil portador de variantes melódicas y grooves sofisticados. Los legados de sus ilustres bandas compatriotas BELLAPHON y PAGEANT se hacen notar, así como algunas afinidades con el paradigma de SOLARIS. El vigor con que se realiza el epílogo refleja eficazmente una exaltación de la luminosidad predominante a lo largo de la pieza. ‘Blanketed In Morning Fog’ comienza con solitarias líneas de flauta que anticipan el arribo de un cuerpo central sereno marcado por una gracilidad cálida que, en parte, se sustenta sobre las vibraciones bucólicas de la composición. Cuando llega el turno de ‘The Maze’, el grupo se dispone a gestar una ágil cruza de prog sinfónico y jazz-rock, con cierto predominio de este segundo factor. Lo cierto es que ya empieza a inclinarse hacia el modelo de los KENSO de los discos segundo al cuarto, aunque tampoco faltan instancias líricas propias del patrón Yessiano. ‘My Story’, ejecutado solamente con flauta, bajo y guitarra, es un breve tema de apenas 2 ¼ minutos de duración que exhibe un bello paisaje musical introspectivo de la mente. La quinta pieza del álbum es la más extensa del mismo (dura más de 10 minutos y medio) y se titula ‘The Encounter Suite’. Sus cuatro secciones se titulan ‘Birth’, ‘Move’, ‘Astray’ e ‘Insight’, respectivamente. Esta suite comienza con una aureola extrovertida y celebratoria, derrochando un espíritu primaveral que se complace con las expansiones de su propio fulgor interno: primero, todo opera a un nivel un poco ceremonioso, pero después, la soltura es absorbente e imparable, incluso con una dupla rítmica que recurre en algún momento a la utilización de un swing fusionesco. Más adelante, el ensamble vira hacia un motif solemne y lento, arropado por una ambientación envolvente. Las sobrias líneas de la flauta y las serenas orquestaciones del teclado guían al esquema grupal. Cuando el grupo regresa a lo extrovertido, lo hace con una estilización renovada que recoge vívidamente los ecos del clímax expresivo que marcó a los últimos minutos de la extroversión originaria. Con un breve retorno del motif solemne y una breve coda de piano al estilo de LISZT, las cosas terminan con un cariz impecablemente elegante.  
 
La dupla de ‘Astral Wind’ y ‘Turquoise Wind’ permite al grupo al seguir explorando sus inquietudes preciosistas. El primero de estos temas nos brinda un gentil ejercicio jazz-progresivo donde el piano se encarga de establecer el núcleo central del bloque integral. La espiritualidad del desarrollo melódico destila vibraciones alegres, pero el groove contenido que arma la dupla rítmica lleva a la pieza por el sendero de la tierna melancolía. Un bello tema, sin duda. Por su parte, el segundo consiste en una ceremoniosa balada sinfónica situada a medio camino entre las respectivas facetas introspectivas de CAMEL y FOCUS (en sus primeros años). Se hace notar un bello solo de guitarra acústica que, por un rato, interrumpe el protagonismo de la flauta para realzar la sigilosa estilización con la que se encauza el desarrollo temático. El penúltimo tema del disco se titula ‘Muzaki’ y es un nuevo ejemplo de cómo los integrantes de la banda se armonizan mutuamente sobre un terreno común, desarrollando un esquema temático ágil y colorido. El final del disco llega de la mano de una versión del primer hit de FOCUS ‘House Of The King’ (composición de Jan Akkerman que data del ya lejanísimo año 1970), una versión un poco más larga que la original, lo cual permite al grupo regodearse un poco con la grácil algarabía que caracteriza a su desarrollo melódico. Esto es lo que nos ofrece el ensamble de KIKU LATTE con “Stories”, un disco refinado y atractivo que se apoya convincentemente en el ideal de mantener encendida la legendaria antorcha del rock progresivo sinfónico. Vale la pena prestar atención a esta banda.

 
 

Muestras de “Stories”.-
Puppets: https://kikulatte.bandcamp.com/track/puppets
The Encounter Suite: https://kikulatte.bandcamp.com/track/the-encounter-suite
Astral Winds: https://kikulatte.bandcamp.com/track/astral-wind

Segunda experiencia progresiva de los argentinos BLACK EXPRESSION

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy volvemos a visitar el territorio musical del grupo argentino BLACK EXPRESSION para apreciar el resultado de su segunda experiencia, su segundo álbum que justamente se titula “Más Experiencia”, el mismo que, por ahora, se mantiene solamente como publicación virtual en el blog de Bandcamp de la susodicha banda. Se ha vuelto a lucir a lo grande este colectivo conformado por Eduardo Martínez [guitarras eléctrica y acústica, y bajo], Pablo Martínes [piano, sintetizadores Mini Moog y ARP 2600, pad, órgano Hammond y sintetizadores digitales] y Gabriel Bikerway [batería, vibráfono y otras percusiones] en este disco publicado el 10 de diciembre del pasado año 2021. Si su primer disco “Regreso A Casa” encarnó el momento de la irrupción de sus mecanismos creativos, “Más Experiencia” refleja una maduración y una expansión sólidas de su visión musical dentro de su propuesta esencial, basada en la confluencia de prog sinfónico, prog-metal y heavy prog, añadiendo algunos trazos ocasionales de hard rock clásico y jazz-rock. Este nuevo disco, al igual que el primero, fue grabado,  mezclado y masterizado en el estudio Mind Music de Buenos Aires  En líneas generales, apreciamos el despliegue de versatilidad sónica que se vierte aquí, pero mejor vayamos ahora a los detalles específicos de cada tema contenido en este repertorio, ¿vale?

Ocupando un espacio de poco más de 6 minutos, ‘Envuelto En Misterio’ abre el repertorio del disco. Su sereno prólogo suena realmente envuelto en misterio con sus suaves vibraciones crepusculares, pero cuando entra en acción la batería, el desarrollo temático vira hacia una agilidad convincente que muy pronto da inconfundibles señas de vigor señorial. Tenemos aquí una confluencia entre LIQUID TENSION EXPERIMENT, los GENESIS de la fase 76-78 y los PORCUPINE TREE de la etapa 2002-09. La parafernalia de los guitarreos y los teclados es indudablemente enérgica, pero el lucimiento principal en medio del entramado sonoro global está en manos de la dupla de batería y bajo. A continuación llega el tema más extenso del disco, ‘Abajo’, el mismo que dura 13 minutos y medio, más  menos. La introducción está dirigida por majestuosas capas orquestales de sintetizador que se enriquecen con los ornamentos de percusión tonal y tambor, y ya pasada la frontera del segundo minuto, todo está preparado para que el trío se focalice en un ejercicio estilizadamente aguerrido de prog-metal sabiamente ornamentado con refinamientos propios de la tradición del prog sinfónico. Teniendo en cuenta que la espiritualidad predominante en los desarrollos melódicos es oscura e inquietante, el grupo sabe darle un dinamismo efectivo al asunto a través de los recovecos temáticos que se van hilando a lo largo del camino. De hecho, hay algunos pasajes intermedios que exploran atmósferas etéreas, lo cual ayuda bastante a realzar el vitalismo predominante. He aquí un cénit del álbum. La dupla de ‘999’ y ‘Esperando Ayuda’ abre campos de expresión para el ensamble. El primero de estos temas mencionados tiene un gancho irresistible y un nervio igual de magnético, casi al modo de un híbrido entre el JEFF BECK GROUP y el estándar de DEEP PURPLE con una remodelación jazz-progresiva que penetra al cuerpo integral del sofisticado groove predominante. Por su parte, ‘Esperando Ayuda’ se enfila hacia un esquema sonoro más modernizado (hay confluencias con FATES WARNING, DREAM THEATER, HUMAN FACTOR y CANVAS SOLARIS) donde los elementos de prog-metal y heavy prog se dejan empapar por lloviznas de prog psicodélico. Otro momento culminante del repertorio. 

‘Iniciación’ es la segunda pieza más larga del álbum con sus 12 minutos y cuarto de duración. Su esquema de trabajo consiste en una amalgama equilibrada de prog-metal y prog sinfónico, algo que, en buena medida, supone una retoma de la estrategia musical concretada en el segundo tema del álbum. Con todo, la peculiaridad de ‘Iniciación’ reside en que los pasajes más aguerridos ostentan una dosis mayor de nervio, incluso algunas vibraciones más aparatosas. Bien es verdad que la labor de los teclados resulta extremadamente crucial a lo largo de esta pieza, tanto en las bases armónicas de las partes más pesadas como en las orquestaciones refinadas que protagonizan los momentos de talante sinfónico. Y, cómo no, también hay un magnífico solo por ahí. Todo llega a su fin con el arribo de ‘Inconcluso’, un tema que, a contrapelo de su título, se siente perfectamente perfilado en su desarrollo musical, sostenido en una ingeniería sonora compacta. Tras un pasaje inicial asentado sobre un medio tiempo y que parece anunciar una atmósfera oscurantista, el grupo abre campo a la expansión de varios motivos vigorosos cuya palaciega fastuosidad se apoya tanto en los refinados solos de guitarra y de sintetizador como en los ocasionales quiebres rítmicos que arma la batería. La polenta que opera aquí nos recuerda un poco a la de los húngaros SPECIAL PROVIDENCE, además de varios ecos de los dos primeros temas del repertorio. Un cierre bastante llamativo para un álbum donde los BLACK EXPRESSION parecen estar dando un paso adelante dentro de su maduración estilística, la bandera que ha estado ondeando desde el primer tema de este disco. “Más Experiencia” no es solo el título del nuevo trabajo fonográfico de los argentinos BLACK EXPRESSION; también es la declaración de su significativo crecimiento estético a partir de la siembra cosechada en el álbum debut, que de por sí era estupendo. Hay que prestar atención a este grupo que se refuerza como uno de los más notables de la nueva hornada progresiva argentina. 

Muestras de “Más Experiencia”.-
Abajo: https://blackexpression.bandcamp.com/track/abajo
Esperando Ayuda: https://blackexpression.bandcamp.com/track/esperando-ayuda
Inconcluso: https://blackexpression.bandcamp.com/track/inconcluso  

Engranaje #14 de hibridaciones musicales en la fábrica prog-psicodélica de ELECTRIC ORANGE

 

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Hoy toca el turno de los alemanes ELECTRIC ORANGE y su más reciente trabajo fonográfico, el cual se titula “Psi-Hybrid” y fue publicado el 15 de octubre del pasado año 2021 en CD y en doble vinilo (por los sellos Studio Fleisch y MPL, respectivamente). El cuarteto conformado por Werner Wieczorek [bajo], Georg Monheim [batería, glockenspiel, tímpanos y tambor de hojalata], Dirk Bittner [guitarras, dobro, cítara, canto, percusión, armonio y samples] y Dirk Jan Müller [sintetizadores, órgano, piano eléctrico, sintetizador modular y samples] estuvo ocasionalmente acompañado por Harald Königs, quien aportó algo de saxofón y de flauta bajo en algunos temas de este álbum, el mismo que designamos ya como la obra cumbre hasta el momento de este ensamble asentado en la localidad de Aachen. Banda veterana que publica discos desde la primera mitad de los 90s, “Psi-Hybrid” es su decimocuarto trabajo de estudio. El disco fue grabado en Studio Fleisch y masterizado en dos tramos, según la edición en CD o en vinilo: en el primer caso, el proceso tuvo lugar en el Mastering Ranch del legendario Eroc, en el segundo, en el estudio MPL. También desde ambos estudios emergieron las diversas ediciones del presente álbum, cuyos detalles repasaremos ahora mismo.

Con la miniatura ‘Report’ comienza el disco, consistiendo ella en una superposición de relatos con voces femeninas sobre un muy sutil trasfondo cibernético. Así se prepara el terreno para la emergencia de ‘Dilectric’, una pieza a medio tiempo que se instala en una encrucijada entre GILA y los PINK FLOYD de la fase 69-70 a través de un filtro psicodélico al estilo de SPACE DEBRIS con ciertos resabios añadidos de MY SLEEPING KARMA. La batería mantiene una elegantes vibraciones tribales a lo largo del jam central mientras el órgano y la guitarra van focalizando el núcleo central. Esta última espera que llegue el momento de exhibir algunas exaltaciones estratégicas para los esporádicos realces de su riff. Cuando llega el turno de ‘Season Of The Bitch’, el grupo se dispone a explayarse en un jam space-rockero claramente más aguerrido en su forma, aunque el fondo y el trasfondo siguen estando enfocados en grooves y cadencias relativamente sosegadas a medio tiempo. La ampulosidad de los ornamentos de teclado (capas orquestales y efectos lisérgicos) halla una adecuada extensión en las florituras aportadas por el saxofón. La estrategia psicodélica aquí utilizada se siente más moderna, cercana a los paradigmas de los legendarios OZRIC TENTACLES y de QUANTUM FANTAY, incorporando un tenue groove jazz-rockero mientras preserva una moderada dosis de garra expresiva. Tenemos aquí un cénit del álbum. ‘Shingle Robe’ mantiene la intensidad del momento capitalizándola con una densidad especial que se manifiesta tanto en el vigorizador ímpetu de la dupla rítmica como en la incrementada sofisticación utilizada en el enmarañamiento de los instrumentos actuantes. ‘Phenomenon’, por su parte, recibe los ecos de la sofisticación gestada en los dos temas anteriores y la lleva a un terreno más cercano al paradigma de HAWKWIND, pero aún conservando un aura distinguida. ‘Psycho Harmony’ se basta con su espacio de poco más de 4 minutos y medio para ofrecer un viraje hacia atmósferas etéreas y misteriosas por vía de una mezcla de ambientes predominantemente cibernéticos y esquemas rítmicos de línea étnica.

‘Mesocarp Blues’ recoge en cierta medida algunas semillas de la pieza precedente y las siembra en el terreno sonoro que anteriormente signó al tema #1, a la par que le añade recursos telúricos en clave de fusión contemporánea (un poco a estilo del recordado JULIAN JULIEN) y de jazz-rock en su faceta contemplativa. Esto suena a algo así como un jam perdido de los AMON DÜÜL II del cuarto álbum que fue encontrado y remodelado por la asociación del mencionado JULIEN y DENNIS REA con la colaboración de algunos integrantes de TORTOISE que siguen las instrucciones de dar prioridad al discurso progresivo en el arreglo final. Otro cénit fundamental del álbum. La dupla de ‘Subcutaneous Star’ y ‘Wacky Amoebatrons’ sirve para que el ensamble siga explorando variados mecanismos expresivos dentro de la estructura general del álbum. El primero de estos temas mencionados está claramente emparentado con el talante evocador y mágico de ‘Mesocarp Blues’, aunque ostenta un nivel un poco menor de exuberancia sónica. Este factor hace que la pieza se sienta más misteriosa y nebulosa en comparación con la festiva aureola de esplendor vespertino que le precedió. Una vez más, los elementos étnicos se amalgaman muy bien con los bloques instrumentales ensimismados en su propia aureola psicodélica. Por su parte, ‘Wacky Amoebatrons’ (la pieza más extensa del repertorio con sus 11 minutos y pico de duración) establece una especie de síntesis entre los temas #2 y #3 tanto en lo referente a la ambientación general como al groove, el cual vuelve a enfocarse en el factor rockero a través de su contenido dinamismo. Hay una musculatura siempre latente a través del explayamiento del jam central, algo que se refuerza con el esquema rítmico creado para la ocasión, muy rico en síncopas. Además, algunos recursos envolventes de los teclados reaparecen desde su hogar previamente establecido en el tema #3. El cierre del álbum llega de la mano de ‘Erusamu Basement’, el cual recoge dentro de sí la recapitulación definitiva de todos los aspectos noctámbulos y misteriosos del repertorio precedente, penetrando en lo sombrío pero con una actitud asertiva que se apoya en la interacción entre guitarra y batería. Se puede decir que aquí laten algunos aires post-rockeros, pero esto es principalmente space-rock con un talante crepuscular.

Todo esto es lo que el colectivo de ELECTRIC ORANGE nos brindó con “Psi-Hybrid”, una labor excelsa y exquisita de psicodelia progresiva que dignifica grandilocuentemente la tradición particular de esta banda germana dentro de la vanguardia rockera desde los 90s hasta nuestros días. Totalmente recomendable; de hecho, nos parece lo mejor que se produjo en el país de Novalis y Goethe en la escena progresiva mundial del año pasado.

Muestras de “Psi-Hybrid”.-
Season Of The Bitch: https://electricorange.bandcamp.com/track/season-of-the-bitch
Shingle Rob: https://electricorange.bandcamp.com/track/shingle-robe
Mesocarp Blues: https://electricorange.bandcamp.com/track/mesocarp-blues
Subcutaneous Star: https://electricorange.bandcamp.com/track/subcutaneous-star

Los rusos ENINE nos muestran la naturaleza de su espíritu prog-sinfónico

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Llega un poco tarde, pero llega al fin y al cabo, esta reseña sobre “Spiritus Natura”, el más reciente trabajo de estudio del grupo ruso ENINE, el cual fue publicado por el sello chileno Mylodon Records a mediados de julio del pasado año 2021. Este grupo cultor de un space-rock progresivamente ecléctico trabaja con el núcleo de Vladimir Mikhaylov [guitarras y teclados], Ilya Frolov [teclados y guitarra slide], Vladimir Nikonov [bajo, canto y guimbarda], Alexander Dyatlov  [batería y percusión] y Vladimir Kosygin [percusión y guitarra de 12 cuerdas]. Hay un buen número de colaboradores a lo largo de este disco: Yurii Groiser se hace cargo de la batería en un par de ocasiones, y también hay guitarristas invitados como Henry Craxx, Ruslan Sobinin, Roma Verona, Alexander Kuzoviev (de VESPERO) y el genio español Ángel Ontalva (de OCTOBER EQUUS, SEAORM y un sinfín de otros proyectos). No solo eso, además aparecen ocasionalmente la percusionista Daria Nigavora, el flautista Stanislav Tregubov, el teclista Ivan Rozmainsky (de ROZ VITALIS), el bajista Dess Glamer, los percusionistas étnicos Eugene Peresedov (dundun) y Denis Malinin (djembé), además de las intervencions vocales de Love Hurts, Anastasia Mikhaylova y Nachyn Choreve. Antes de seguir adelante, hagamos un poco de historia. ENINE comenzó sus días en la localidad de Vladimir el año 2016 como cuarteto bajo la iniciativa de dos exintegrantes del grupo ALGABAS, siendo así que el nuevo grupo tuvo su disco debut en un registro en vivo de su primer concierto en San Petersburgo, en 2017. Su primer trabajo de estudio data del año 2018 y se llama “The Great Silent”, ya como quinteto. La gestación de “Spiritus Natura” tomó bastante tiempo, entre junio de 2018 y enero de 2021. Tras terminar las inconstantes sesiones de arreglos y grabación del nuevo material en el Studio Medium de Vladimir, el proceso de mezcla estuvo a cargo de Alexander Kuzovlev en el estudio móvil de VESPERO, mientras que el de masterización se realizó en el estudio sueco Refined Sounding de la mano de Tobias Svensson. El bajista Nikonov realizó la imagen de la portada de “Spiritus Natura”. Vayamos ahora a los detalles específicos del repertorio de este disco.

La miniatura ‘Spiritus Natura (Beauty Of Wisdom)’ y ‘Kanda (Power Of Being)’ se unen para empezar el álbum a través de un total de casi 7 ¼ minutos de duración. La susodicha miniatura tiene un temple Floydiano con esas atmósferas grácilmente cinematográficas que ostentan una estilización prístina, siendo así que el siguiente tema se mete ya en un terreno híbrido de jazz-fusion y space-rock dentro de un encuadre frontalmente progresivo. Lo que suena en el desarrollo temático está emparentado con VESPERO y QUANTUM FANTAY, mientras que la ingeniería sonora exhibe una delicadeza melódica esencial a la tradición del prog sinfónico. Esto último se hace más evidente cuando se da un viraje hacia un tempo blueseado en algún lugar del intermedio, un recurso que sirve para enfatizar el rol de los teclados dentro del entramado sonoro. ‘Enine (Shaman’s Dream)’ recibe ecos de la energía expresiva de la pieza precedente y los enrumba sobre un groove étnico un poco más sosegado, bien centrado en cadencias exóticas que permiten la conjunción entre un espíritu contemplativo y un talante festivo (en confluencia con HIDRIA SPACEFOLK). Tan importantes como el armazón percusivo son los diversos cánticos que van emergiendo a lo largo del camino a la hora de asentar el ambiente general. Cuando llega el turno de ‘Ayvel (The Course Of The Water Spirit)’, el ensamble explora su faceta introspectiva con la elaboración de este tema movido por vibraciones reflexivas. Hay cálido acentos Camelianos en los gráciles fraseos de la guitarra mientras el bloque sonoro general nos remite al estándar Floydiano en su manera de darle un toque señorial a la atmósfera relajada predominante. En los dos últimos minutos y medio, sin cambiar el compás, se da un ligero incremento del colorido sonoro. ‘There Are Three Ways (But Only One Road To The River)’ es una exhibición de dinamismos electrónicos sazonados con retazos de guitarra que se insertan con etérea elegancia. ‘Between Two Worlds (Light And Shadow)’ establece un cénit decisivo dentro del repertorio con su ejercicio de luminosas resoluciones space-rockeras que, a la par que mantienen una prestancia progresiva, también ostentan un refinado punche rockero en varios pasajes estratégicos. Es la hora del mediodía para el grupo y sus colaboradores de turno (entre quienes se incluye el maestro Ontalva). 
 

Durando 7 ½ minutos, ‘Lost Seabird (Song Of Hope)’ se erige como el tema más extenso del álbum. Yendo a contrapelo del esplendor explícito exhibido en el tema precedente, ahora la banda explora ambientes sosegados en un ensueño progresivo donde predominan aires Genesianos y algunas afinidades con JETHRO TULL y con JADE WARRIOR. Los ornamentos percusivos y las florituras de la flauta ayudan a darle un cierto cariz telúrico al asunto, pero son los solos de sintetizador los que más resaltan dentro del esquema de esta belleza de tema. Todo culmina con la dupla de ‘Die Sommium (Lazy Spring)’ y ‘Forgotten Trail (I Don’t Think I Will Be Back Here Again)’. El primero de estos ítems regresa al esquema de folk psicodélico del que ya hizo gala en el tema #3, aunque esta vez con un talante más ceremonioso. En lo referente a ‘Forgotten Trail (I Don’t Think I Will Be Back Here Again)’, éste es un epílogo flotante cuyas Floydianas vibraciones cinematográficas permiten al álbum cerrar el círculo otrora abierto por el primer tema del mismo. Por lo demás, le distingue el adoptar ornamentos sonoros más densos que el aludido ‘Spiritus Natura (Beauty Of Wisdom)’, lo cual da más carácter al asunto. En fin, esto es lo que el ensamble de ENINE nos brindó con este bonito y refinado disco que es “Spiritus Natura”, una joya muy interesante de la actual movida progresiva rusa.

Muestras de “Spiritus Natura”.-
Kanda (Power Of Being): https://enine.bandcamp.com/track/kanda-power-of-being
Between Two Worlds (Light And Shadow): https://enine.bandcamp.com/track/between-two-worlds-light-and-shadow-2
Lost Seabird (Song Of Hope): https://enine.bandcamp.com/track/lost-seabird-song-of-hope

... Y los SENDELICA crearon una nueva obra prog-psicodélica de gran excelencia

  

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da el turno de presentar el más reciente disco del grupo galés SENDELICA, el cual se titula “And Man Created God” y fue publicado el 14 de agosto del pasado año 2021. El ensamble actualmente conformado por Pete Bingham [guitarras y efectos], Colin Consterdine [batería, teclados y artilugios electrónicos], Lee Relfe [saxo] y Glenda Pescado [bajo] se ha lucido a lo grande con esta nueva exhibición de psicodelia progresiva con un foco space-rockero, siempre abierta a coqueteos con el krautrock, el acid-folk, la fusión contemporánea y la vanguardia cibernética. En el penúltimo tema del presente álbum, Elfin Bow colabora en el canto. Este grupo iniciado como trío en 2005 da claras muestras de la vigencia de su energía creativa en éste, su vigésimo disco de estudio de larga duración, dentro de una vasta discografía que también incluye varios EP y discos en directo. Este grupo cuenta ya con un público de culto en los circuitos de underground británico y de la Europa Continental de rock psicodélico y experimental. “And Man Created God” fue publicado tanto en CD como en doble vinilo, por los sellos FRG Records y Fruits De Mer Records, respectivamente; también hay una edición especial de doble vinilo (en versiones negra, transparente y multicolor) y CD que fue realizada conjuntamente por los sellos Fruits De Mer y Cramobophone Records. Veamos ahora los detalles del amplio y ambicioso repertorio de este disco en cuestión, ¿vale? 
 

Con su duración de 8 minutos, ‘Aeolian Sunrise’ da inicio a las cosas ostentando una imponente aureola etérea plagada de colores y matices flotantes, creando con éstos una amalgama sonora que se sitúa en la encrucijada entre los TANGERINE DREAM de la etapa 78-80, HARMONIA y la faceta prog-electrónica de unos DJAM KARET. El desarrollo temático explora solventemente el potencial evocador del motif central, el cual se centra principalmente en la interacción entre las gruesas capas de sintetizador y las escalas de la guitarra acústica. La percusión programada alberga una cadencia tribal que permite al grupo elaborar algunos retazos fusionescos. En la última instancia de dicho desarrollo, se aumenta levemente la densidad del esquema sonoro con la irrupción de cósmicos fraseos de la guitarra eléctrica, aunque queda bastante claro que la aureola etérea permanece incólume a través de esta ligera variación. Luego sigue ‘Exodus From Ur’, pieza que no establece muchas distancias respecto a la que abrió el álbum en lo referente a la creación y el manejo de climas cósmicos, pero que se distingue por usar en varias ocasiones un groove más intenso a la hora de instaurar la ingeniería básica que habrá de sustentar el viaje musical del ensamble. Esto funciona con especial fruición en los últimos minutos con miras al clímax conclusivo. Teniendo en cuenta el sigiloso refinamiento de los arreglos, las confluencias con DIAGONAL y OZRIC TENTACLES son claras (tal vez también un poco con DJAM KARET) para este cénit del álbum. Cuando llega el turno de ‘Deuterosophia’, el grupo cambia de registro y se transporta hacia su faceta más introspectiva, jugando sabiamente con un compás parsimonioso mientras va construyendo diversos recursos orquestales de teclado a lo largo del camino, algo que resulta totalmente útil para que la guitarra deje llevar su imparable e inherente majestuosidad a lo largo de los 9 minutos y medio que dura el tema. Sónicamente, aquí opera una estructura Floydiana y el ensamble la filtra a través del parámetro de unos STICK MEN. ‘MMT’ se hace cargo de recibir los ecos de los dos primeros temas y remodelarlos dentro de una lozanía fresca y ágil. La ocasión se presta genuinamente para que el grupo elabore recursos de sólido lirismo dentro del flujo space-rockero en curso.
 
‘Tainted Goat’ y ‘Seren Golawr’ son las piezas más extensas del repertorio, durando cada una más de 11 ½ minutos. El primero de estos temas mencionados explora un groove marcado por un cierto talante fusionesco para brindar una gracilidad peculiar a la robusta ingeniería rítmica, lo cual permite al grupo dar rienda suelta a su dimensión más muscular aunque sin llegar a lo propiamente machacón. Las confluencias con SUPERFJORD y SONIC DEBRIS son, por decirlo de alguna manera, fáciles de advertir en el desarrollo de este aguerrido viaje musical que hace valer su magnetismo esencial. Por su parte, ‘Seren Golawr’ se centra en la recuperación y la capitalización del aura mística de las dos primeras piezas del álbum para impulsarlas hacia una expresividad épica cuya naturaleza nebulosa acerca un poco a la banda al estándar del post-rock. Hay una mezcla de últimas refulgencias del crepúsculo y vibraciones oscuras de la noche en el modo en que los instrumentos se entrelazan para asentar el sencillos cuerpo central junto a las atmósferas circundantes. Éstas salen al frente con solvencia, llenandod espacios mientras los soliloquios de Elfin Bow acrecientan la sensación mágica que emana de la pieza misma. En medio de ellas se ubica la ilación de ‘The Seekers’ e ‘Illuminated Skies’, siendo así que ‘The Seekers’ recupera el vitalismo lírico del tema #4 y lo eleva a un escalón mayor de expresionismo onírico. La clave de este bien logrado explayamiento está en la manera tan articulada en que se conectan los guitarreos y los armazones aportados sobre los teclados: desde ahí se proyecta un fulgor sonoro muy elocuente que se encuadra en un diagrama muy poderoso en lo referente al preciosismo progresivo. En cuanto a ‘Illuminated Skies’, éste es también un tema bastante vivaz, pero su nivel de sofisticación es un poco menor al de la pieza precedente. Su fuerza está en su gancho. El álbum termina con ‘Epilogue Sunset’, un ejercicio de minimalismo a lo BRIAN ENO combinado con guitarreos psicodélicos que se sitúan a medio camino entre los paradigmas de ASH RA TEMPEL y KING CRIMSON. Una efectiva cohabitación de aire y fuego. 

Todo esto es lo que el colectivo de SENDELICA nos ha brindado con esta ambiciosa obra que es “And Man Created God”, un gran aporte para la avanzada progresiva del año 2021 desde la vertiente space-rockera. Un disco contundente y excitante que recomendamos genuinamente como ítem dentro de cualquier buena fonoteca de rock experimental.
 
 
Muestras de “And Man Created God”.-
Exodus From Ur: https://sendelica.bandcamp.com/track/exodus-from-ur
Deuterosophia: https://sendelica.bandcamp.com/track/deuterosophia
The Seekers: https://www.youtube.com/watch?v=4zzwuzoxDQQ
Seren Golawr: https://sendelica.bandcamp.com/track/seren-golawr

PAKT: infinito lujo de supergrupo jazz-progresivo

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos a uno de los proyectos jazz-progresivos más notables que se han armado recientemente: nos estamos refiriendo al supergrupo conformado por el bajista Percy Jones, el baterista Kenny Grohowski y los guitarristas Alex Skolnick y Tim Motzer, el cual se llama PAKT a partir de las iniciales de los nombres de estos maestros. Este colectivo emergido bajo el auspicio del sello MoonJune Records publicó su disco doble de estudio “PAKT” a través del mencionado sello el 20 de julio del pasado año 2021, bajo la producción conjunta del ensamble y de Leonardo Pavkovic. El material aquí contenido fue grabado en el estudio Shapeshifter Lab de Brooklyn, Nueva York, el 15 de agosto de 2020, bajo la modalidad de composición conjunta espontánea, lo cual ha permitido al colectivo explorar los senderos de formas libres dentro de la esfera experimental del territorio jazz-progresivo. “PAKT” consta de dos ambiciosas secuencias de piezas, recogidas en dos distintos volúmnes que tienen nombres autónomos: el primer volumen se titula “The Unsilence”, el segundo, “The Sacred Ladder”. El más veterano integrante de PAKT es el galés Percy Jones, figura crucial de los inolvidables BRAND X hasta hace poco y, además, sesionista con infinitos pergaminos. Skolnick, por su parte, tiene un currículum que incluye membrecías en TESTAMENT y ATTENTION DEFICIT, además de proyectos de jazz-rock propios y acompañando a otros. Motzer, quien también es artista plástico, tiene una vasta experiencia en proyectos de música vanguardista (incluyendo asociaciones con Jaki Liebezeit y David Sylvian) donde se luce tanto a la guitarra eléctrica como a la electro-acústica con un sinfín de efectos. En fin, Grohowski es un joven veterano del metal experimental, el jazz y el prog (TITAN TO TACHYONS, SIMULACRUM, IMPERIAL TRIUMPHANT, incluso una temporada en BRAND X, etc.) Tras la grabación de este material, Markus Reuter y Benjamin Schäfer se hicieron cargo de la labor de mezcla; poco después, el propio Reuter (quien ya tocó con Grahowski y Motzer en un proyecto) y Fabio Trentini se hicieron cargo de la masterización. El propio Motzer hizo los cuadros que engalanan el arte gráfica de este álbum, y tanto él como Jason Waggaman realizaron el consecuente diseño gráfico. Bueno, repasemos ahora los detalles de este doble álbum.

  

Durando más de 12 ¼ minutos, ‘Emergence’ abre el ambicioso repertorio del disco con el despliegue de un aura grácil que permite a los dos guitarristas crear su maraña compartida de texturas, todo ello mientras el bajo llena espacios solventemente y la batería consistentemente se centra en el asentamiento de un groove sofisticado sin aspavientos. De esta manera, el encuadre sonoro refleja un acercamiento inteligente y sostenido entre los cuatro genios operantes, y ya cuando se ha traspasado la frontera del sexto minuto, se concreta un vigor diligente. Más adelante, las cosas viran hacia una breve instancia de grácil sutileza, la misma que sirve para que los músicos creen un nuevo ejercicio de incremento expresivo. El aterrizaje prologar es de talante cósmico, lo cual anuncia el arribo de ‘Over Strange Land’, la pieza que sigue a continuación. Ésta ostenta una espiritualidad más circunspecta y solipsista que la del tema de entrada; sus agitaciones comienzan con un temple abstracto, inicialmente penetrado por una nocturnidad hermética, pero cuando empiezan a sobresalir algunos solos de guitarra diseñados para elaborar algunos recursos de conmoción, el encuadre sonoro se torna en una cruza entre la faceta más filuda de John Zorn (NAKED CITY) y el patrón de David Torn. Cuando llega el turno de ‘The Mystery’, el cuarteto desenvuelve una serie de coloridos misteriosos e inquietantemente sublimes que se extienden por un espacio de 12 minutos y tres cuartos (es la pieza más extensa del repertorio). Utilizando una estrategia combinatoria de free-jazz, minimalismo y psicodelia, el cuarteto gesta un poderoso paisaje de vibraciones crepusculares que de a pocos va ganando forma mientras la intensidad expresiva se deja llevar por su propio crescendo. Al asentarse una estructura reconocible, el resultado es una especie de remodelación del paradigma de los WEATHER REPORT de los dos primeros álbumes a través de un filtro Crimsoniano, y así la pieza llega a convertirse en un cénit especial del disco. ‘Night Crossing’ consiste básicamente en un ejercicio de avant-jazz a través de un enfoque de psicodelia progresiva al modo de los STICK MEN. Se encarga de cerrar el volumen 1 ‘Brothers Of Energy’, un tema que sintetiza el desasosiego cósmico del tema precedente con la ígnea majestuosidad del tercer tema. Una muy oportuna manera de clausurar esta primera sesión del cuarteto.

  

La dupla de ‘Perseverance’ y ‘The Sacred Ladder’ abre el volumen 2. El primero de estos temas se focaliza en la elaboración y el florecimiento de una atmósfera otoñal donde las flotantes líneas de las guitarras y las cadencias sobrias del bajo van continuamente solidificando su hermanamiento mientras la batería va reforzando su groove central. En cuanto a ‘The Sacred Ladder’, éste se mete de lleno en un cálido groove fusionesco para crear una modalidad ágil de dinamismos avant-jazzeros, volviendo ciertamente al paradigma de los primeros álbumes de WEATHER REPORT, pero esta vez con la adición de un nervio centrado en una cruza entre MAHAVISHNU ORCHESTRA y TERJE RYPDAL. El cuarteto exhibe aquí otro momento de magia aguerrida atravesada por un brío elegantemente exultante. ‘Drifts & Alignments’ se proyecta extensa y ávidamente hacia ambientes repletos de nocturnidad, una nueva excursión musical por parajes marcados por una arcana nebulosidad. A mitad de camino, hay florituras de bajo que prometen agitar el cotarro para que el ensamble aumente su fogata sonora, lo cual efectivamente se concreta dentro de un contexto de free-jazz con contornos prog-psicodélicos. El empuje deconstructivo de la batería funciona como un acicate para la eventual elaboración de un complejo armazón rítmico que, de repente, se sitúa en una atmósfera de jovialidad surrealista. ‘Night Crossings’ (ojo, no confundirlo con ‘Night Crossing’ del primer volumen) expone una nueva centralización en la faceta más abstracta del cuarteto, lo cual funciona como un eficaz preámbulo a lo que vendrá acto seguido con ‘The Great Spirit’. En efecto, este quinto tema del volumen 2 se sostiene mayormente sobre un groove llamativo cuyas cadencias predominantes ostentan una cierta aureola sensual a través de su explícita fastuosidad. Las exploraciones realizadas por las dos guitarras incrementan el ímpetu festivo inherente a la pieza. ‘Departure Sanctuary’, por su parte, apunta hacia algo más sosegado en cuanto a la expresividad, aunque el espíritu latente a lo largo de las interacciones deconstructivas de los músicos es de zozobra incierta. Una buena combinación de misterio y tensión.

El final de este doble álbum llega de la mano de ‘Cosmic Fire’, un tema que recoge y remodela buena parte de las vibraciones extrovertidas de ‘The Great Spirit’ mientras añade recursos de tensión y densidad que ya hemos apreciado en los pasajes más exultantes del repertorio precedente. El cierre perfecto para una obra tan redonda como es “PAKT”, un magnífico manifiesto de la osada meta estética que se trazó este aquelarre de grandes magos del jazz-prog contemporáneo: los Sres. Jones, Skolick, Grohowski y Motzer han creado un disco importante y visionario para la vanguardia de nuestros tiempos. Los PAKT también han publicado en formato digital registros de algunos conciertos en el blog de Bandcamp de MoonJune Records. A fin de cuentas, este disco que acabamos de reseñar es sensacional y, por tanto, recomendado al 400%  para cualquier buena fonoteca (un ciento por cada integrante).

Muestras de “PAKT”.-
The Mystery: https://pakt-moonjune.bandcamp.com/track/the-mystery
The Sacred Ladder: https://pakt-moonjune.bandcamp.com/track/the-sacred-ladder  

TAUK y la nueva instauración de su ordenamiento musical

 

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Hoy comentamos el más reciente trabajo de estudio de la banda estadounidense TAUK, el cual se titula “Chaos Companion” y exhibe una vitalista mezcla de jazz-rock y space-rock con elementos progresivos. En este quinto trabajo de larga duración (el grupo tiene en su haber varios EP y grabaciones en vivo desde 2013, seis años después de su fundación en Oyster Bay), el cuarteto conformado por Alric Carter [teclados], Charlie Dolan [bajo], Matt Jalbert [guitarra] y Isaac Teel [batería] sigue adentrándose a paso fuerte dentro del dinamismo modernista insertado en su particular visión jazz-rockero-fusionesca que se ha estado explorando en sus últimos discos. “Chaos Companion” se publicó el 24 de setiembre del pasado año 2021 de manera independiente. A lo largo del disco que ahora nos ocupa, el personal de TAUK recibió la asistencia de invitados como los percusionistas Fredo Ortiz y Greg Ellis, el dúo de vientistas THE SHADY HORNS (Eric Bloom a la trompeta y Ryan Zoidis al saxofón), además de Max ZT (dulcémele) y Tyer Bates (texturas electrónicas). Las sesiones de grabación para este disco tuvieron lugar en los HowNow Studios de Oyster Bay entre fines del pasado año 2020 e inicios del presente año 2021. Bueno, repasemos ahora los detalles del repertorio contenido en él. 

 

Durando tres minutos poco más de 3 minutos, ‘Chandara’ abre el álbum con unas iniciales capas cósmicas marcadas por una ceremoniosidad un poco abstracta, las cuales terminando abriendo campo a un cuerpo central sereno que se deja arropar por una calidez relajante, la misma que porta unos sobrios aires psicodélicos. ‘Make Your Move’ sigue a continuación para agitar las cosas en base a un groove marchoso sobre el cual se edifica una amalgama sonora amable y vivaz donde el predominante tenor jazz-fusionesco adopta algunos colores propios del space-rock progresivo contemporáneo. De hecho, podríamos jurar que algún coqueteo hay con el paradigma de QUANTUM FANTAY en lo referente a la instalación del centro nuclear del motif básico. Un estupendo cénit del álbum. Cuando llega el turno de ‘Moon Dub’ el ensamble se dispone a explorar un terreno intermedio entre el nu-jazz y el dub-jazz, lo cual no solo da pie a que los aspectos psicodélicos explorados en los dos temas precedentes sigan cumpliendo un rol predominante en el entramado grupal, sino también a que la dupla rítmica haga destacar su aporte dentro del bloque sonoro global. Los ornamentos de teclado adoptan un aura etérea que opera como adecuado contrapunto a la estilización moderadamente férrea de la guitarra. La dupla de ‘New Age Trip’ y ‘Dormammu’ sirve para que los TAUK sigan explorando grooves y esquemas sonoros con un enfoque preciosista y cristalino que es marca de la casa. El primero de estos temas mencionados retoma la jovialidad del tema #2 y lo lleva hacia una capitalización bastante llamativa. Bajo los ingeniosos colores generados por el bajo, la batería puede sustentar solventemente su ágil swing mientras la guitarra y los teclados alternan momentos de protagonismo sin dejar que el motif central pierda un ápice de su fulgurosa elegancia. En cuanto a ‘Dormammu’, es aquí donde el cuarteto recibe la colaboración del dúo de vientos mencionado en el primer párrafo de la presente reseña. Este regreso al dub-jazz se da bajo un atavío más solemne y con un pronunciado énfasis en el potencial futurista de los sintetizadores, siendo así que los bronces sirven para añadir ocasionales ornamentos cordiales en medio de la parafernalia electrónica que sostiene la mayor parte de las labores del cuarteto. A propósito, qué hermoso es el solo de sintetizador que emerge antes de llegar a la frontera del cuarto minuto. 

‘The Let Out’ se caracteriza por mostrar una alegría dócil sobre la base de un groove sobrio que nos recuerda un poco a la ceremoniosidad de la pieza de apertura, pero con un retoque dinamizado por los recursos estilizadamente progresivos que antes signaron a los temas #2 y #4. El terreno está preparado para que en algún momento el cuarteto saque de su interior una manifestación de su faceta más aguerrida. Eso es lo que sucede, creando una aureola majestuosa que termina aterrizando en un epílogo flotante e introspectivo. ‘Technodrome’ es más fiel al estándar del jazz-rock con una guitarra que, aprovechando su rol protagónico, dirige la preservación del lirismo reinante dentro del vitalista ejercicio melódico armado por el ensamble íntegro. Fiel a las alusiones explícitas de su título, esta pieza también abre ciertos espacios para la expansión de ornamentos space-rockeros, los mismos que, de hecho, asumen un posicionamiento crucial durante la segunda mitad. Nos acercamos al final del álbum cuando emerge ‘Lonely Robot’, pieza que con sus casi 6 minutos de duración se erige como la más extensa del repertorio. Su estrategia temática se inicia con la articulación de la dilatación del espíritu sosegadamente cósmico que ya hizo acto de presencia en unos temas precedentes, a partir de allí, impulsar una remodelación más expresionista del mismo. De este modo, la pieza pronto se acerca a los estándares más extrovertidos de la visión musical de la banda y elabora una llamativa síntesis de los espíritus sónicos de los temas #1, #4 y #6. Hemos disfrutado de tres cúlmenes consecutivos aquí hasta que llega el turno de ‘Yasuke’ para poner el punto final al repertorio. Este tema de cierre ilustra un temple palaciego recubierto de un talante señorial que algo tiene de crepuscular. El hermanamiento de guitarra y teclado exhibe una fineza progresiva bastante envolvente. Todo esto fue “Chaos Companion”, casi 40 minutos completos de música jazz-progresiva ecléctica que exuda vibraciones amenas y excitantes por todos lados. La gente de TAUK ha vuelto a lucir su habilidad para crear piezas musicales llamativas que saben revestirse de colorido y sofisticación. Quién sabe, a lo mejor se trata de su mejor obra fonográfica hasta la fecha; como mínimo, una de las más notables. Mientras disfrutamos del repertorio de “Chaos Companion”, mantengámonos al tanto de lo que TAUK publica incesantemente en su blog de Bandcamp: registros en vivo de diversos conciertos realizados entre el 30 de setiembre y el 31 de octubre de 2021 (por ahora, eso es lo que hay publicado tras el disco que acabamos de reseñar). 

Muestras de “Chaos Companion”.-
New Age Trip: https://tauk.bandcamp.com/track/new-age-trip
The Let Out: https://tauk.bandcamp.com/track/the-let-out
Lonely Robot: https://tauk.bandcamp.com/track/lonely-robot

BLACK EXPRESSION: un hogar para la nueva generación del rock progresivo argentino

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Un poco tardíamente llega esta reseña, pero llega, la cual es sobre el álbum debut del trío argentino BLACK EXPRESSION, el cual se titula “Regreso A Casa” y fue publicado por el sello Viajero Inmóvil el 13 de marzo del pasado año 2021. BLACK EXPRESSION está conformado por Jorge Eduardo Martínez [guitarras y bajo], Pablo Martínez [piano, órgano Hammond, Mini-Moog, otros sintetizadores y Mark1] y Gabriel Bikerway [batería y percusión]. Todos los temas de “Regreso A Casa” fueron compuestos por Eduardo Martínez, el fundador de este proyecto. El disco que ahora reseñamos fue grabado, mezclado y masterizado en el estudio Mind Music de Buenos Aires, entre abril y diciembre del año 2020. La meta principal del ideario estético de la banda es la de reavivar el legado del rock progresivo y hacer su propio acomodamiento de las influencias recibidas de RUSH, DREAM THEATER, FLAMBOROUGH HEAD y YANG, principalmente. Veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Regreso A Casa”.
 

Ocupando los 6 primeros minutos del álbum, ‘Villa’ impone un groove llamativo y unos magnéticos despliegues de virtuosismo técnico que, manejados con buen gusto, permiten que se exhiba con prístina claridad el fluido entramado que opera en las interacciones de los instrumentos. En algunos pasajes estratégicos del intermedio, el groove predominante adquiere un comedido aumento de sofisticación para que la vivacidad también se incremente fehacientemente. Una efectiva pieza de entrada, sin duda. Luego sigue la secuencia de ‘Marcha De Sonidos – Parte 1’ y ‘Marcha De Sonidos – Parte 2’ (durando esta última casi 21 ½ minutos). La Parte 1 comienza con una extensa serie de capas y orquestaciones de múltiples sintetizadores que se alojan entre lo sinfónico y lo cósmico (un poco en línea con AYREON con algunos trazos del legado de EMERSON, LAKE & PALMER), creando así una atmósfera solemne que va circunvalando en torno a su núcleo originario mientras la pieza va progresando. Es recién alrededor de la frontera del quinto minuto que entra a tallar la dupla rítmica en un sosegado compás de 6/8 para instaurar un motif ceremonioso que se deja guiar por el piano, mientras el sintetizador va gestando ornamentos estilizados. En cuanto a la tremendamente ambiciosa Parte 2, ésta parte del señorío suntuoso con que terminó la Parte precedente y le da un aire más grave, basándose en circunspectas ambientaciones provistas por la guitarra y los teclados. En realidad, es el preludio a una serie de ejercicios de sinfonismo aguerrido y poderoso con grandes enclaves modernizados, los cuales acogen tanto influencias de PÄR LINDH PROJECT, YANG y DREAM THEATER, como del paradigma histórico de YES. Los pasajes extrovertidos e introvertidos se van hilando en una amalgama compacta merced a la bien afiatada instrumentación. Todas las variantes bases armónicas y rítmicas se suceden naturalmente a través de la compleja red concretada por la ilación de todos los motivos en curso. No son pocos los momentos en que el Mini-Moog sale al frente para lucirse dentro de esta fastuosa ingeniería progresiva, aunque también hay un pasaje que emerge antes del cuarto de hora para que el trío explore sus vibraciones prog-metaleras y abra campo para el protagonismo de la guitarra. Definitivamente, aquí está el cénit decisivo del álbum. Pero… ¡todavía queda más por disfrutar!
 

Cuando llega el turno de ‘Martes De Agosto’, el grupo se dispone a explorar los aspectos más filudos de su visión musical tras un hermoso pasaje prologar centrado en ambientes románticos de piano y sintetizador. Una vez enrumbado el cuerpo central, se desenvuelve una ilación de pasajes estilizadamente enérgicos donde se cruzan las influencias de LIQUID TENSION EXPERIMENT y AYREON. El vitalismo en curso reclama pasajes alternados de protagonismo para la guitarra y el teclado. ‘Fortaleza’ pone el broche final del repertorio desarrollando una electrizante síntesis entre los ambientes predominantes en los temas #3 y #4; o sea, recapitula la absorbente fastuosidad de aquél y el nervio rotundo de éste para enmarañarlos en una refinada arquitectura sónica. Los últimos 4 minutos son particularmente explosivos en lo referente al impulso que tiene el electrizante bloque sonoro y la garra con la que lo sostiene la batería a través de sus recovecos. Un cierre épico como el que justamente merecía este álbum. Todo esto fue lo que la talentosa gente de BLACK EXPRESSION nos brindó con “Regreso A Casa”. Ya antes de que terminase el año 2021, el grupo publicó su siguiente álbum “Más Experiencia”, pero eso será motivo para otra reseña; mientras tanto, calificamos a “Regreso A Casa” como una obra sobresaliente por causa de sus despliegues de vigor y colorido musical, una excelente novedad dentro de la actual escena progresiva argentina.
 
 
Muestras de “Regreso A Casa”.-
Marcha De Sonidos – Parte 2: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/marcha-de-sonidos-parte-2
Fortaleza: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/fortaleza

Una nueva misión para la avanzada progresiva estadounidense: MOON X

 

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Hoy presentamos a un nuevo colectivo progresivo estadounidense llamado MOON X, el cual exactamente es el trío resultante de la implosión de MOON MEN, grupo que por varios años fue un exhaustivo cultor de una mezcla de avant-prog, jazz-prog y space-rock. MOON X sigue ahora por esta senda musical y está conformado por Dave Newhouse [teclados, saxofones, flauta y voz], Jerry King [guitarra, bajo, trombón] y George Newhouse [batería]; este último es hijo de Dave, y los otros dos fueron integrantes del extinto grupo MOON MEN, antes mencionado. Los seudónimos de los tres integrantes son, respectivamente, Dom Fook, Cthuhu Moon y Giles Oort. Pero no solo presentamos a la banda en sí, sino también a su álbum de debut que fue publicado el 7 de enero último, hace muy poco, bajo el título de “Zap!”. Este disco en cuestión fue grabado en varias instancias del pasado año 2021, siendo así que Ian Beabout se hizo cargo de los procesos de mezcla y de masterización de “Zap!” en el ShedSounds Studio. El arte gráfica, inspirada en la estética de los cómics de ciencia-ficción de los 40s/50s, fue realizada por Erik Kearns. Bueno, veamos ahora los detalles de este disco, ¿vale?

El tema justamente titulado ‘Zap!’ abre el repertorio, el cual comienza con un diálogo humorístico de tenor caricaturesco entre dos personajes que proponen pasar el rato escuchando el nuevo disco de MOON X. Tras este chiste autorreferencial, el trío exhibe un muy vitalista ejercicio de prog psicodélico con ciertos ribetes de los GONG de la fase 71-73 y algunas confluencias con la faceta más ágil de los RASCAL REPORTERS. Esto último le da un matiz dadaísta de talante RIO a lo que es básicamente un tema alegre y juguetón... Y todo termina con una invitación a escuchar lo que sigue. Tras esta exhibición de jovialidad llega el turno de ‘Yggdrasil’, un tema mucho más cadencioso que se mete en el territorio del space-rock con una actitud jazz-progresiva y con algunas texturas aguerridas de guitarra que nos remiten al paradigma Crimsoniano. De hecho, la guitarra ocupa un rol protagónico a través del armazón sonoro, aunque también hay campo para el lucimiento del bajo, algún solo de saxofón y ciertos ornamentos de teclado. Un estupendo cénit. La miniatura ‘Interview With A Hooman’ es un nuevo diálogo caricaturesco donde se describe a tres extrañas criaturas (las que integran el personal de MOON X, claro está). Así, el camino está abierto para la emergencia de ‘Man Of Tomorrow’, un tema bien asentado en una firme cruza entre el avant-prog de ribetes Canterburyanos y el krautrock al modo de CAN. Aquí se establece una peculiar combinación de fineza y rudeza mientras el jam se va reforzando a lo largo del camino en un medio tiempo que permite al trío sacar de sí una energía expresiva de forma señorial. Más adelante, con el surgimiento de unos ornamentos de sintetizador, el potencial psicodélico de la pieza se concreta de manera solvente. ‘Invisible Man’, por su parte, se centra en grooves y atmósferas más cálidas, propias del discurso jazz-progresivo. Aunque todavía hay una grácil rudeza en algunos aspectos sonoros, el desarrollo temático se siente más envolvente a pesar de incluir algunos pasajes disonantes. El epílogo cósmico es simplemente encantador. ‘Pickman’s Brew’ es otra miniatura, esta vez consistente en un ceremonioso soliloquio sobre un fondo de marea de playa. ‘La Lune Et Son Histoire’ se caracteriza por centrarse en la dimensión cibernética del space-rock, siendo así que este enfoque está filtrado a través del patrón del ambient. La calidez predominante en la pieza precedente se impulsa ahora hacia una aureola ensoñadora con amplios matices oníricos.

‘Trouble In Ranagar’ es tal vez la pieza más aguerrida del repertorio, lo cual brinda un efectivo y supremo contraste con la ilación de los dos temas precedentes. Brindando un enclave entrecruzado de los paradigmas de KING CRIMSON y MAHOGANY FROG junto al legado de los propios MOON MEN, este ítem se enfila hacia la elaboración y moldeamiento de expresiones de sofisticado nervio rockero sobre la base de una bien inspirada ilación de motivos y esquemas rítmicos. La última sección, centrada en la interacción de un compás tribal de ala batería y toques elegantes del clarinete bajo, ostenta un embrujo bastante peculiar mientras asienta un final crepuscular para la pieza. Otro cénit del álbum, sin duda. El punto final del disco llega de la mano de ‘March Of The Moon Shadows’, la pieza más extensa del mismo con sus más de 7 minutos y cuarto de duración. Su principal función es la de resaltar y capitalizar la espiritualidad crepuscular con la que había terminado el penúltimo tema, insertando elementos avant-jazzeros en el flotante entramado sonoro que se arma en los primeros tres minutos y medio. Ya cuando la batería entra a tallar para instaurar un compás reconocible en complicidad con las cadencias del piano, emerge un interesante diálogo entre el sintetizador y el trombón que permite que el aura crepuscular inicial sea sustituida por unas vibraciones luminosas desde las que parece anunciarse el próximo amanecer. La sección epilogar de piano cierra el círculo con un retorno a la atmósfera inicial. Todo esto esto fue lo que el talentoso ensamble tripartito MOON X nos trajo con “Zap!”, un disco que afianza ingeniosa y solventemente este nuevo camino de experimentación progresiva que los Sres. Dave Newhouse y Jerry King han emprendido junto al Sr. George Davison. Totalmente recomendable este disco, gran inicio del año 2022 para la vanguardia estadounidense.

Muestras de “Zap!”.-
Yggdrasil: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/yggdrasil
Invisible Man: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/invisible-man
Trouble In Ranagar: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/trouble-in-ranagar

Tercera caminata por el acantilado progresivo de KANT FREUD KAFKA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión presentamos uno de los discos más esperados del ya fenecido año 2021 dentro de la escena progresiva española: nos referimos al nuevo trabajo de KANT FREUD KAFKA, el cual se titula “Historias Del Acantilado” y fue publicado el pasado 19 de noviembre por vía independiente. El núcleo central de KANT FREUD KAFKA está conformado por Javi Herrera [batería, percusión, voz e instrumentos VST], Alia Herrera [voz] y Dani Fernández [bajo]. Pero también interviene una nutrida cantidad de músicos invitados: Cecilia Burguera (violín), Mónica Cruzata (viola), Pol Farell (cello), Joan Flores (piano), Miquel González (teclados), Joan Grados “Nitus” (guitarras eléctricas), Laia Pujol (clarinete y clarinete bajo), Guillem Vilar (oboe y corno inglés), Pep Espasa (flauta y saxo tenor), Dick Them (bajo sin trastes), Rafael Pacha (guitarras acústica y de 12 cuerdas) y Yago Pajarón (guitarra). Parecía que este proyecto gestado por el multinstrumentalista y compositor barcelonés Javi Herrera había cumplido con su ciclo tras el lanzamiento de su segunda obra fonográfica “Onírico” de 2017, pero, en estos tiempos difíciles para la humanidad, en los cuarteles de KANT FREUD KAFKA se dio empuje a una nueva fuerza de inspiración musical. La inspiración para la creación del material de este disco llegó en pleno confinamiento por el Covid-19: en palabras de Herrera, “esta música es hija de la pandemia y de la preocupación por nuestro destino común como especie.” La música y las letras de las cinco piezas aquí contenidas conforman una auténtica caminata por nuestros temores y ansiedades más profundos en estos tiempos. Bueno, con esta idea en mente, repasamos los detalles específicos del repertorio de “Historias Del Acantilado”.

Durando alrededor de 10 minutos y cuarto, ‘Voz De Metal’ da inicio al álbum con un generoso despliegue de atmósferas sutiles que van arropándose de a pocos con unas exquisitas texturas orquestales. Oscilando entre la solemnidad y la languidez, el cuerpo central se va explayando por un talante claramente cinematográfico, a veces tirando hacia el impresionismo, otras veces yendo hacia lo romántico. También cabe destacar que hay una aureola sombría que ondea sobre varios momentos del desarrollo temático, lo cual resulta idóneo no solo para recalcar las vibraciones dramáticas que serán imperantes a lo largo del álbum, sino también para abrir espacio a un pasaje intenso y suntuoso en el último tercio a mitad de camino. De esta forma, la pieza garantiza un eficaz epílogo expresionista. Sigue a continuación ‘Carta De Gaia’, una pieza diseñada para capitalizar el señorío prog-sinfónico de la pieza de apertura, siendo así que la estrategia es ahora la de explotar la faceta lírica del ensamble y recubrirla de una excelsa estilización. La narración inaugural impone un aire de grave ceremoniosidad, pero muy pronto emerge un preludio instrumental donde se mezclan lo bucólico y lo onírico (al modo de un híbrido entre ANTHONY PHILLIPS y AMAROK). A partir de allí se siembra el camino para que brote una ambiciosa sección cantada donde predominan los ambientes pastorales en base al gran peso que tiene la maraña de guitarras acústicas para instalar el esquema melódico. Más adelante, cuando entran a tallar la batería y los instrumentos eléctricos, se da un encuadre de sonoridades majestuosas donde parecen cruzarse los universos de CICCADA y GENESIS. El epílogo regresa a lo pastoral, cerrando así el círculo de este cénit del álbum. Cuando llega el turno de ‘Conspiranoia’, todo se centra en los efluvios preciosistas del piano mientras las capas y ornamentos provistos por los teclados, las percusiones y el cello van llenando espacios con un enfoque situado a medio camino entre lo sinfónico y lo espacial. En los últimos instantes surgen unas vibraciones siniestras que casi parecen coquetear con la tradición del RIO francófono.

‘My Baby Just Scares For Me’ es un tema movido por una creciente densificación de los ornamentos orquestales en curso que rodean los paisajes dibujados por el piano, sin hacerles perder su gracilidad inherente. La momentánea irrupción de la dupla rítmica sirve para elaborar un recurso de comedida agilidad mientras el piano, de a pocos, acoge un poco de garra para hacerle frente a las orquestaciones y las capas de sintetizador. Hay una cierta aura de grisácea ensoñación en los pasajes finales. La última pieza del álbum es la más larga del mismo con su ambicioso espacio de 15 minutos y se titula ‘El Acantilado’. Todo empieza con un preciosista enmarañamiento entre las líneas de sintetizador y los arreglos de cámara que se extiende por los cuatro primeros minutos. A partir de allí surge un motif llevadero y relativamente marchoso que está marcado por el patrón del sinfonismo moderno; mientras se van alternando los solos de teclado y de guitarra, el ensamble rockero va encontrando vías para incrementar la sofisticación operante en el groove. En algún momento, todo se calma para volver a lo introspectivo, pasando de un interludio cósmico a un ejercicio de sereno sinfonismo, el mismo que recurre a lo pastoral para armar el esquema melódico, aunque su expresión se da dentro de una cruza entre el jazz-prog y el prog-folk. La presencia de algunos trucos discordantes abre vías a la emergencia de una siguiente sección que se focaliza en un dramatismo envolvente y ceremonioso. El virtuoso solo de saxofón carga sobre sus espaldas la mayor parte de la tensión de este momentum diseñado para impulsar un nervio claroscuro, el mismo que ostenta unos inquietantes tintes mortuorios. Otro cénit del disco situado aquí para cerrarlo con un enigmático broche de oro. En fin, esto es lo que se nos brindó en “Historias Del Acantilado”, una obra máxima dentro de la producción progresiva española realizada en el año 2021, y, de paso, también la obra cumbre de KANT FREUD KAFKA. 

Muestras de “Historias Del Acantilado”.-
Carta De Gaia: https://kantfreudkafka.bandcamp.com/track/2-carta-de-gaia
El Acantilado: https://kantfreudkafka.bandcamp.com/track/5-el-acantilado