FRENCH TV y la continua redención de la vanguardia progresiva

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En esta ocasión les quiero exponer mis impresiones sobre el más reciente disco de FRENCH TV, banda estadounidense formada en la segunda mitad de los 80s para desarrollar vías renovadas de Rock In Opposition. Aunque minoritaria y marginal, el círculo de grupos estadounidenses focalizados en la propuesta RIO post-70s ha sido y sigue siendo relevante en lo que se refiere a aportes vanguardistas para la actualidad del rock progresivo: 5UU’S, THINKING PLAGUE, BIRDSONGS OF THE MESOZOIC, RASCAL REPORTERS, DOCTOR NERVE, FAR CORNER, CHEER-ACCIDENT y los mismos FRENCH TV que traemos a colación ahora han venido lanzando al mercado obras musicales portadoras de interesantes desafíos al oyente dispuesto a dejarse arrastrar por un maelstrom de sonoridades inauditas. Volviendo al caso específico de FRENCH TV, “I Forgive You For All My Unhappiness” es la nueva oferta de Mike Sary y co. El grupo que organizó y perpetró la grabación y producción de este disco estaba reducido al dúo de Sary (al bajo) y Jeff Gard (a la batería), contando como colaborador más constante con Steve Katsikas (a los teclados y al saxo), además de otros colaboradores ma´s esporádicos (como el guitarrista Shawn Persinger, quien hace poco había fungido de colega de Sary en el proyecto DISTINGUISHED PANEL OF EXPERTS). ¿Qué significa “I Forgive You For All My Unhappiness” para el coleccionista progresivo de hoy en día? - un catálogo de renovadoras experiencias musicales en clave de continua sorpresa y desafío a las pautas estandarizadas del lenguaje rockero.

Vayamos ahora al repertorio mismo. Con una satírica cuenta de 1-2-3-4 comienza ‘Seven Rusty Nails’, una pieza ágil y cálida que emerge de forma natural, imponiéndose sin sobresaltos, cautivando al oyente por medio de un despliegue musical que recibe varias herencias de NATIONAL HEALTH y del BRUFORD 70ero (se nota que el baterista Jeff Gard lo tiene como paradigma principal para su propia labor percusiva). También se dan varios pasajes donde resaltan juegos estilizados de disonancias, los que se revelan cercanos a unos MIRIODOR, por ejemplo. ‘Conversational Paradigms’ recibe y reelabora buena parte de la vibración extrovertida desarrollada en la pieza de inicio, siendo así que este tema despliega mayores dosis de extravagancia melódica, aunque para nada rompe con la agilidad cálida predominante hasta ahora. ‘March of the Cookie Cutters’ comienza con un preludio de tenor ceremonioso, casi cósmico, pero luego el cuerpo central vira otra exhibición de extroversión musical marcada por osadas secuencias de acordes disonantes y una extravagante dinámica que nos remite irremediablemente a ZAPPA. Cerca del final se genera un pasaje lento cuya aureola de misterio se asemeja mucho al patrón tenebroso del RIO francófono, pero antes de que las cosas se pongan realmente tensas, la coda se explaya en un colorido más vivaz: otra vez se impone la extroversión como recurso artístico en el mundo de FRENCH TV. El cuarto tema, ‘You Got To Run It Out, Dawson!’, comienza con otra cuenta sarcástica de 1-2-3-4. Ya no hay mayores sorpresas a estas alturas del disco respecto a lo que se puede esperar de Sary y cía. a la hora de desarrollar e hilar aventuras y sorpresas musicales dentro de los confines de un tema: en todo caso, este tema tiene la particularidad de mostrar mayores aristas rockeras en los pasajes más potentes – lo cual muy posiblemente se deba a que más de un guitarrista toca en él – y también ciertos trucos vanguardistas a lo HOWEVER y HAPPY THE MAN (dos de las influencias más notorias de French TV a lo largo de toda su carrera).

‘With Grim Determination, Terrell Dons the Bow Tie’ es el tema más calmado del disco en tanto que la presencia de trucos sorprendentes tiene, en líneas generales, menor fastuosidad, pero demasiado lejos está la pieza de ser facilona. Cabe destacar un hermoso solo de sintetizador que comienza al minuto y medio, muy a lo Jan Hammer aunque lejos de un contexto mahavishnuano… más bien a lo HOWEVER combinado con el primer HENRY COW. En el transcurso del último minuto y medio, entran a tallar unas atmósferas grisáceas, imponentes aunque de forma muy medida, en las que el elemento chamber-rock opera de manera robusta y bien definida. La densidad resultante funciona como una catarsis psicodélica rebosante de elegancia, y es allí donde el tremendamente juguetón tema ‘Mosquito Massacre’ cierra el disco ofreciendo un clima totalmente diferente: travieso, un poco caprichoso, bastante ágil, casi como música de fondo para una comedia surrealista desarrollada en un escenario campestre. Incluso los pasajes donde se destacan guitarreos filudos y adornos cósmicos de sintetizador se integran a la perfección dentro del clima lúdico general: la labor del baterista ayuda mucho en ello.

Como balance final, “I Forgive You For All My Unhappiness” logra reafirmar a FRENCH TV como grupo campeón de la avanzada RIO estadounidense contemporánea; a pesar de no igualar la brillantez de obras maestras pasadas como “The Violence Of Amateurs” o “This Is What We Do”, este disco resulta una genuina maravilla que deberá ser apropiadamente degustada por los melómanos progresivos peculiarmente aventureros.

TREY GUNN y MARCO MINNEMANN - un juego de modulaciones y remodelaciones

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En esta ocasión me propongo llamar su atención sobre la nueva trama musical de TREY GUNN titulada “Modulator”, una trama escrita y ejecutada sobre la base de un extenso solo de batería (rico en variaciones de compás, timbre y cadencia… ¡¡en más de 50 minutos!!) registrado pro MARCO MINNEMANN. De hecho, “Modulator” es una de tantas variantes derivadas del proyecto de MINNEMANN “Normalizer 2”, el cual también ha impulsado sendos discos de ALEX MCHACEK, MIKE KENEALLY y KERRY CHICOINE. Pero bueno, por ahora nos enfocamos en el “Modulator” de TREY GUNN. Este excelso guitarrista que fuera una pieza vital del KING CRIMSON de los 90s y los inicios del nuevo milenio se despacha con un arsenal de guitarras Touch, guitarras con y sin trastes, teclados, mientras va remodelando la armazón sonora emergida de la batería de MINNEMANN a través de una secuencia de 22 temas hilados.

La secuencia de ‘Contact’ a ‘Spray 1’ comienza con una nota alegre que transita entre un colorido ágil y una dosis razonable de espíritu cósmico, pasando luego a esquemas de free jazz para terminar embarcada en un ejercicio de psicodelia afín a varios de los PROJEKCTS. De este modo, pasamos a los vuelos psicodélicos de ‘Fall Time +/-’ y ‘Fall Time -/+’, los cuales destilan una alucinada combinación de rabiosa neurosis y cristalinamente delicada elegancia. ‘Lumen’ y ‘Switch’ ofrecen sendos ejercicios de fusión deconstructiva que se sienten amables a través de su patente vivacidad experimental. Desde ‘Daughter’ hasta ‘ Up Spin’ hilan dinámicos ejercicios de free-jazz-space-rock con tal nervio que ya parece mentira que la grabación de este material haya sido realizada bajo condiciones tan artificiosas. Para cuando llega el tema ‘Spectra’, marcado por el supersticiosamente “fatídico” no. 13, la ilación precedente se rompe como un fogonazo para explayarse en una secuencia particularmente bizarra de ritmos libres y variedades sonoras sorprendentes. La imponente presencia de capas de instrumentos célticos añade colores eficazmente extraños a la vorágine sónica en curso. ‘Superstish-a-tron’ despliega una cadencia funky psicodélica mientras que la dupla de ‘Californ-a-tron’ y ‘Spray II’ desarrolla otro ejercicio de free-jazz-space-rock con ciertas tonalidades sombrías. Por su parte, la secuencia de ‘Mono-Punkte’ y ‘Coupling’ establece pautas más ágiles, las cuales funcionan muy bien a la hora de aliviar la tensión amontonada por la dupla precedente. ‘Incantation’ hace honor a su título hilvanando atmósferas exóticas envolventes, antes de que ‘Slingcharm’ instale un rotundo esquema rockero-progresivo parcialmente crimsoniano. ‘Twisted Pair’ también maneja modismos crimsonianos en los surrealistas y crípticos guitarreos que tienen lugar, pero la vibración percusiva de MINNEMANN mantiene la cadencia bien insertada en el más puro free-jazz. ‘Hymn’ cierra el disco con una realce del aspecto fusionesco que ya se había hecho presente en algunos pasajes anteriores, solo que esta vez se da la mayor dosis de transparencia melódica de todo el disco. De esta manera, se produce la total comunión entre la dinámica particular de MINNEMANN y la faceta serenamente densa de GUNN.

“Modulator” es una obra que expresa sus mayores cualidades cuando se la aprecia como algo integral y compacto. Para los efectos de esta reseña, me he detenido en apreciar las descripciones específicas de sus secciones, pero es el flujo del todo lo que más vale a la hora de aproximarse a los resultados de esta empresa conjunta de TREY GUNN y MARCO MINNEMANN – una empresa magnífica que destila ingenio virtuoso y creatividad novedosa por todos sus poros sonoros.

Viajando por la estratósfera musical con FONDERIA

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En esta ocasión me presto a hablarles de FONDERIA y su reciente tercer disco “My Grandmother’s Space Suit”. Este quinteto italiano se ha tomado su tiempo para concebir, armar y grabar el disco sucesor de “Re>>enter”, su fantástica entrega del año 2006. Para “My Grandmother’s Space Suit”, FONDERIA ha reformulado su consistente apuesta por el jazz-rock de última vanguardia a través de nuevos esquemas de trabajo para no clonar lo hecho sucesivamente en los dos discos precedentes. Con orgullo y entusiasmo, el quinteto saca provecho a su experiencia en los legendarios estudios Real World (que dirige el maestro PTERE GABRIEL). Una novedad llamativa es la presencia de temas cantados en un álbum de FONDERIA: ‘Loaded Gun’ (cuya letra se extrae de un par de poemas de Emily Dickinson) y ‘I Can't Believe This Is Just a Pop(e) Song’ (que cuenta con la presencia del invitado belga Emmanuel Luis al canto y la guitarra).

‘Moebius Onion Rings’ abre el disco con un ambiente de magia cálida e introspectiva a la vez, merced a la vibración básica que Vicarelli genera de su piano eléctrico para la instrumentación general. Incluso cuando el compás se aligera a partir de los 2 minutos y cuarto, la calidez sigue siendo indubitablemente reinante; de hecho que ayuda el ingreso del vibráfono para capitalizar los acordes del piano eléctrico. Este ejercicio de jazz sereno opera como un aliciente para abordar la sonoridad más robusta de ‘Istambul’, pieza en la que el grupo coordina una ágil mixtura de fusión y acid-jazz empapada de colores psicodélicos dibujados de forma calculadamente matizada. Bultrini y Pietropaoli son realmente cómplices ideales a la hora de poner respectivamente la guitarra y la trompeta al servicio del desarrollo musical de esta pieza (y dicho sea de paso, de todos los temas del disco, en realidad). ‘Loaded Gun’ resulta una pieza cuya armazón calmada y lírica no esconde del todo una densidad emocional crucial, algo muy a lo GABRIEL verdad. También se nota que la voz de la ilustre invitada Barbara Eramo (cuyo registro es como una BJORK tranquilizada con una buena cantidad de pastillas de KATE BUSH) aporta un cierto músculo emotivo bastante pertinente al tema. ‘Gravity Wave’ establece un enfoque de tendencia trance a una composición centrada en el modelo del nu-jazz: no sería absurdo imaginar a una concurrencia disfrutar alegremente de esta pieza en una discoteca. ‘Liquid’, por su parte, porta una majestuosidad progresiva que para nada desdice la legitimidad del gancho que tienen tanto su base melódica como su ritmo: el solo de sintetizador en el medio y los arpegios de guitarra acústica que se “entrometen” con diáfana naturalidad son los elementos que particularmente me llaman más la atención.

Llegamos ahora al tema ‘A Billion Electric Sheep’, cuyo título aparentemente inspirado en el de la novela de Philip K. Dick “Do Androids Dream Of Electric Sheep?”, es un ejercicio de nu-jazz arropado bajo una contundente capa de psicodelia electrónica que nos puede sonar a una cruza entre el OZRIC TENTACLES más reciente y el KRAFTWERK de los primeros 80s. ‘Gojira’ prosigue por este camino de simpatía abierta por la avanzada electrónica, aunque la salvedad es que aquí hay un mayor énfasis en lo rockero, lo cual ayuda bastante a explotar la contundente polenta que inherentemente emana de la base rítmica predominantemente funky. Hay un interludio cósmico que genera una variación etérea antes de que el ensamble recupere el brío original. También cabe señalar que el solo de trompeta que puede muy bien ser el mejor de todo el disco. Con la humorística presencia de ‘I Can't Believe This Is Just a Pop(e) Song’ se da un momento casi zappiano en clave de new-wave trasnochado, algo muy satírico que no se libra de tener un filo experimental propio: en este caso, se trata de retazos guitarreros que emulan al Frippertronics. El último tema dura casi 6 minutos: ‘Doctor’s Hill’ tiene muchas coincidencias con el intimismo relajante que se había desarrollado en la pieza de entrada, y de hecho, su dosis de calma introspectiva se siente más pronunciada en los primeros 3 minutos y medio. A partir de ahí, el volumen aumenta pero no para cambiar drásticamente las cosas, sino para llevar a la pieza y al álbum a una especie de clímax… ¡y lo logra de una forma estupenda! Parece inevitable, casi un “principio galileano”, que FONDERIA solo pueda generar buena música con un talento que parece incombustible: “My Grandmother’s Space Suit” es una nueva reafirmación de este ensamble romano.

La recreación del universo zeuhl a manos de XING SA

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Giramos la mirada hacia la actualidad de la vertiente progresiva zeuhl para toparnos con la banda francesa XING SA, surgida de otra banda matriz también zeuhl llamada SETNA: de hecho, XING SA es el resultado de extraer al cantante, al saxofonista y a uno de los teclistas de SETNA. Más específicamente, XING SA es la comunión de Nicolas Goulay (piano eléctrico, órgano y sintetizadores), Christophe Blondel (bajo) y Nicolas Candé (batería). El repertorio de “Création De L’Univers”, compuesto por Goulay, está articulado en torno a los ejes temáticos de fuego, tierra, metal, agua y bosque que se suceden a través de las secuencias de sus propias partes internas. En cuanto a su específica propuesta musical, XING SA, establece una oferta más arcadamente jazzera para su propio esquema zeuhl cuando se le compara con la banda matriz SETNA; también su esquema sonoro es más robusto, lo cual da pie a una mayor urgencia por concentrarse en las atmósferas y ambientes para que el repertorio de casi 64 minutos de duración resulte progresivamente interesante.

‘Feu 1’ comienza con unos efectos cósmicos de platillos y sintetizador que desarrollan flotantes evocaciones de algo que va emergiendo hasta ir llenando de a pocos la totalidad del ser, para que luego, unos espaciosos acordes de piano eléctrico armen con cadenciosa languidez la base para el cuerpo instrumental central de ‘Feu 2’, una pieza muy a lo RETURN TO FOREVER a través del filtro de POTEMKINE. La confluencia entre la mágica musicalidad del Moog a cargo de Goulay y el vigoroso bajo de Blondel halla el perfecto soporte rítmico en la creativa labor de un incombustible Candé. Muchas de las más saltantes cualidades del disco en general se expresan abiertamente en esta llamativa pieza individual. La polenta continúa bajo un ropaje ligeramente más sombrío pero con un vigor exactamente igual para el tercer ‘Feu’. La tripartita secuencia de ‘Terre’ se inaugura con una primera sección basada en etéreas y envolventes capas armadas con notas sostenidas de corales y sintetizador: no suena realmente perturbadora pero sí arrebatadoramente misteriosa, algo a medio camino entre un coro celestial y un masivo suspiro proveniente del limbo. La segunda ‘Terre’ es un ejercicio de jazz-fusión tan macizo como cálido: se puede tentativamente describir como una recapitulación simultánea de la ideología ZAWINUL (en el tránsito entre sus días como cesionista de MILES DAVIS y los inicios de WEATHER REPORT) y de las sonoridades tipo SOFT MACHINE de las épocas del “Fourth” y el “Fifth”. La tercera entrega de ‘Terre’ ahonda en la calidez de la anterior y elabora una ambientación calma e introspectiva, aunque no por ello exenta de ciertos sutiles matices de tensión; esto último es reflejado tanto por los adornos disonantes del piano eléctrico como por las texturas vertidas por los sintetizadores. El primer ‘Metal’ casi parece como una continuación de la última ‘Terre’ porque sus primeros instantes se remontan desde el misterio expectante de esta última, pero una vez entrado el jam central, advertimos que se da un giro hacia una cadencia cósmica razonablemente pronunciada. La secuencia rítmica consistentemente letánica y las notables capas de mellotrón permiten a XING SA asemejarse al GUAPO del “Black Oni” y del “Five Suns”. Auténtico zeuhl para nuestros tiempos modernos.

 

El segundo ‘Metal’ porta una esencia más grisácea, incluso taciturna, generando así una sobrecogedora atmósfera sombría por más de 5 minutos. La secuencia de ‘Eau’, por el contrario, comienza con un swing bastante poderoso que define los tres motivos hilados a lo largo de su primera sección. El último medio minuto establece una coda reposada a fin de preparara el terreno para la segunda ‘Eau’, pieza que establece una retoma de las cadencias cálidas de ‘Terre 2’ con ciertos añadidos ocasionales provenientes de ‘Metal 1’. ‘Bois 1’ inicia el camino hacia la conclusión del disco al modo de un preludio sereno que abra la puerta al swing llamativo de ‘Bois 2’. La presencia de un saxofonista invitado ayuda bastante a cimentar un colorido muy interesante que complementa los alucinados (que no estridentes) adornos de sintetizador. ‘Bois 3’ concluye el concepto con una ambientación relajada que parece en parte regenerar la abstracción metafísica del primer tema, pero a diferencia de ‘Feu 1’, no reconstruye la emergencia de una emanación masiva de fuerza universal sino más bien el lento retraimiento de una magia que se va desvaneciendo de forma delicadamente sostenida.

En fin, “Creation De L’Univers” es una obra que habrá de satisfacer a los siempre curiosos e insaciables coleccionistas de progresivo experimental. XING SA ha sabido explotar de forma ingeniosa y vivaz su preocupación por remodelar sus indagaciones en el zeuhl a través de un filtro predominantemente jazz-fusionesco. Atención a Francia, que sigue conformando un jardín de continuos florecimientos progresivos. Veamos al grupo en acción en este vídeo: http://www.youtube.com/watch?v=RmwBg1AT3yY

La furia creativa de HÁBITAT y su nuevo respiro progresivo

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En esta ocasión traigo a colación a la banda argentina HÁBITAT, cuyo reciente cuarto disco “Tratando De Respirar En La Furia” supone un soplo de aire fresco para los cánones progresivo-sinfónicos de su país y del ámbito latinoamericano, en general. Y de hecho, lo que opera aquí es una curiosa paradoja: HÁBITAT logra lo que hasta ahora es la más robusta expresión de su apuesta musical sinfónica mientras va empequeñeciendo su formato. En efecto, ahora la banda está reducida al dúo de Aldo Pinelli (voz, guitarras, bajo, teclados y percusión) y Roberto Sambrizzi (batería y percusión). En todo caso, los méritos artísticos de este disco que reseñamos ahora se basan esencialmente en su bien redondeada musicalidad, su producción de sonido solventemente acabada y, sobre todo, un esquema de trabajo meticulosamente pulido en los arreglos musicales y la amalgama instrumental.

 

El majestuoso instrumental ‘La Luna Roja Y La Montaña Negra’ abre el disco con casi 7 minutos de esplendor sinfónico, creando un híbrido entre CAMEL y ESPÍRITU en las secciones marcadas por la guitarra eléctrica mientras que un interludio pastoral genera ambientes de evocación sumamente lírica por vía del engarce entre las guitarras acústicas y la flauta (esta última, a cargo de la invitada Paula Dolcera). La construcción musical de este tema es impecable, lo cual colabora crucialmente a la hora de crear el impacto inicial. ‘El Humo Delator’ es la primera pieza cantada del álbum, cuyo medio tiempo es manejado con una sensación de expectativa, en no poca medida basada en el cuidado manejo de síncopas en todo el desarrollo rítmico de la canción – no sé por qué me recuerda un poco a REDD… ‘Periplo’ es otro instrumental que pone en evidencia el poder melódico de HÁBITAT en este momento de su carrera: una pieza ágil cuyo dinamismo se encuadra dentro de una sonoridad elegante que ocupa todos los espacios. Tras este momento de exaltación pasamos a los tapices acústicos de inspiración juglaresca de ‘Lenguaje y Ámbar’, ingeniosamente concluido con unos breves colores arábigos. ‘Torres’ y ‘Detenido Por El Viento’ conforman una dupla de pura raigambre progresivo-sinfónica. ‘Torres’ tiene una agilidad moderada convenientemente adornada con suaves cambios de ritmo en ciertos intermedios bien calculados, terminando en su último minuto con una exótica secuencia tribal marcada por la batería (la sección ‘Etnias’); dicha secuencia sirve para introducirnos a ‘Detenido Por El Viento’, pieza que perpetúa el aire solemne de la anterior, además de insuflarle un aura adicional de melancolía. Ambos temas exhiben una fuerte influencia del sinfonismo italiano de vieja escuela (LE ORME, APOTEOSI) y nueva generación (H2O, IL CASTELLO DI ATLANTE). Tras los sonidos del viento que concluían ‘Detenido Por El Viento’, ahora surgen unos ruidos del mar y una subsiguiente secuencia de piano clásico como prólogo de ‘Las Musgosas Rocas Del Muelle’, pieza que continúa por la senda de sinfonismo melódicamente cristalino y evocativo tan propio de la tradición itálica. A pesar de la calidez que impregna a la mayor parte de su desarrollo melódico, hay ciertos matices ligeramente tenebrosos (casi a lo BMS) que aportan un interés extra al esquema compositivo de esta canción. ‘Desde Una Ventana Del Castillo’ nos ofrece un momento íntimamente hackettiano, realmente esplendoroso pero sin aspavientos, siempre manteniéndose a tono con las sutilezas inherentes al motivo central. El repertorio oficial del disco concluye con la pieza de 9 minutos ‘Pastores De Renos’. Su primera parte está signada por el piano y orquestaciones de teclado (emulando arreglos de cuerdas y gaita), para luego pasar a una solemne sección progresiva que retoma las influencias camelianas e itálicas (LE ORME sigue siendo el referente más patente). La clausura de ‘Pastores De Renos’ llega con un hermoso pasaje de guitarra clásica que nos vuelve a remitir a la referencia hackettiana.

A fin de cuentas, el disco en sí no concluye en este punto, sino que aún nos aguarda una ingeniosa versión de un clásico de LE ORME, ‘Gioco Di Bimba’, del disco “Uomo Di Pezza”. La principal gracia de este cover es que Pinelli y Sambruzzi incorporan un llamativo pasaje rockero en el interludio, el cual funciona como un contraste finamente engarzado dentro del concepto básico de la canción. En el balance final, “Tratando De Respirar En La Furia” es un manifiesto de madurez robustecida, y solo cabe felicitar a HÁBITAT por eso.


Muestras de “Tratando De Respirar En La Furia”.-
Torres: http://www.youtube.com/watch?v=fhxdYWeEz0c
El Humo Delator: http://www.youtube.com/watch?v=FHZODDX9Sz4