DOUBT: paz, amor y excelencia

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es la ocasión de hablar de DOUBT, el electrizante trío de Alex Maguire [teclados y secuenciador], Michel Delville [guitarra, guitarra sintetizada Roland GR09 y samples] y Tony Bianco [batería y loops] que, un par de años después de la edición de su aventura primeriza “Never Pet A Burning Dog” (reseñado en http://autopoietican.blogspot.com/2012/08/doubt-y-su-candente-aporte-la.html),  vuelve a la carga con otra obra drástica y rotunda: “Mercy ,Pity, Peace & Love”. Portando los mismos elementos que hicieron de la amalgama sonora exhibida en el susodicho disco de debut algo tan especial como arriesgado (free jazz, avant-prog y remodelaciones de los legados del Canterbury y el jazz-rock de los 70s), lo que hallamos en este segundo disco es a un DOUBT con las aristas rockeras más afiladas, un DOUBT dispuesto a perpetrar aventuras musicales más agresivas: así, la amalgama típica del trío se beneficia de una reorganización estructural en aras de potencializar su expresividad esencial al modo de un mediodía que capitaliza la luz y el calor que se anunciaban en las primeras horas de la mañana. El disco incluye un simpático cover de un clásico absoluto del rock: ‘Purple Haze’ de JIMI HENDRIX… vale la pena mencionarlo, claro que sí, pero ahora vayamos a los detalles del disco según la secuencia de su repertorio mismo.

 

Ocupando los primeros tres minutos y pico del álbum, ‘There Is A War Going On’ asienta las cosas de entrada con un grácil ejercicio de jazz-rock psicodélico cuyas vibraciones vitalistas son manejadas con pulso refinado. ‘Jalal’ sigue a continuación para desplegar un swing llamativamente contagioso que se retuerce en complejas síncopas que revelan una ingeniosa demostración de modernización de las herencias de HERBIE HANCOCK (etapa del “Head Hunters”) y SOFT MACHINE (etapa del “Bundles”). El solo de Delville es… ¡simplemente magistral!, así como el bloque de músicos en general, uniendo tres libertades en una consonancia tan inteligente como mágica. ‘No More Quarrel With The Devil’ entra a tallar para mostrar cómo se puede generar auténtico vigor rockero a partir de un dinamismo lento y constreñido: la alternancia entre momentos signados por una dinámica Crimson-Zeppeliniana y pasajes diseñados por sutiles cadencias Canterburianas a lo EGG funciona a las mil maravillas en esta composición de Delville. ‘Rising Upon Clouds’ es básicamente una pieza de free jazz armada con una proyección space-rockera a través de sus continuos derrapes sonoros: el pasaje final, basado en un juego de sostenidos acordes de órgano, brinda un poco de serenidad en el momento del cierre. El cover del inmortal clásico Hendrixiano ‘Purple Haze’ es un pretexto más que idóneo para que el trío ostente y afine sus aristas más filudas: lo que hace el grupo es recrear el riff inicial y explorar robustas improvisaciones a partir de sus calculadas reiteraciones. Cabe añadir que la sonoridad al estilo de NIACIN-con-CAB funciona muy bien en esta situación. ‘The Invitation’, abriendo un marcado contraste con la aureola desarrollada en la secuencia de las dos piezas precedentes, se explaya hermosamente en cándidos aires intimistas: en este ejercicio de jazz crepuscular, Maguire elabora un precioso solo de sintetizador motivado por los estándares de Jan Hammer y Alan Gowen. El tema homónimo, que dura 12 ¼ minutos, asienta una ingeniería híbrida donde se conjugan la herencia del free jazz y las dimensiones caóticas del legado de SOFT MACHINE: si bien podemos notar afinidades con lo hecho antes en ‘Rising Upon Clouds’, aquí en ‘Mercy, Pity, Peace & Love’ se nota que la combustión sónica es más incandescente, coqueteando sanamente con las turbulencias de la psique humana pero sin llegar nunca a generar un aura hiriente.

Con el breve reprise de ‘There Is A War Going On’, el caos exquisito de ‘Mercy, Pity, Peace & Love’ encuentra una estepa de ágiles coloridos de  donde aterrizar y regenerarse bajo una forma sólida, y así se prepara el terreno para ‘Tears Before Bedtime’, un nuevo ejemplo de gracilidad elegante y contenidamente enérgica sostenida sobre un swing llamativo. El carácter retorcido del solo de Delville completa muy bien los espacios asignados dentro del ensamble global. ‘The Human Abstract’ es el tercer ejercicio de free jazz que hallamos en el álbum, y ciertamente se puede decir que condensa sabiamente las diversas ambientaciones que habían brotado de las dos anteriores. El momento de un nuevo reprise llega con la reinstauración del riff central de ‘No More Quarrel With The Devil’, una instancia para otro lucimiento especial de un Delville que ahora deja aflorar su lado Holdsworthiano con soltura y sin empacho. ‘Mercury’, por su parte, es un pretexto más para evocar los fantasmas del imaginario de Zawinul y Shorter en el perenne legado de WEATHEER REPORT. Los últimos 9 minutos y pico del disco están ocupados por ‘Goodbye My Fellow Soldier’, una pieza de patente tenor elegíaco a través de su esencia crucialmente deconstructiva: en esta composición de Bianco, la banda elabora una remodelación del estándar de los soundscapes Frippianos a través de una triangulación de etéreos recursos space-rockeros, transposiciones de tendencia kraut y recovecos propios del free jazz.   

Todo esto fue “Mercy, Pity, Peace & Love”, disco que confirma a DOUBT como un referente crucial para la avanzada jazz-progresiva que se sigue desarrollando en el segundo decenio del nuevo milenio en las escenas underground europea y estadounidense: este combo de Delville, Maguire y Bianco es ciertamente una fuerza creativa incombustible, llena de paz, amor y excelencia. ¡Recomendado!      


Mini-documental sobre la realización de “Mercy, Pity, Peace & Love”: http://www.youtube.com/watch?v=Ql87-fftR2Q

Las fábulas y sueños progresivos de EL CÍRCULO DE WILLIS

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Hoy nos toca hablar de un grupo español dedicado a las hibridaciones space-fusión-psicodélicas: EL CÍRCULO DE WILLIS, ensamble madrileño que ya lleva una cierta cantidad de años propugnando su peculiar visión musical progresiva, más exactamente desde 1999. Desde el mes de junio está disponible su más reciente trabajo fonográfico “Fábulas”, una sorpresa infinitamente agradable en la variopinta y siempre inquieta escena progresiva de la Península Ibérica. Hay una edición especial en la que el disco, junto con un cómic de 88 páginas (ilustrando graciosamente las temáticas de cinco temas de álbum) y una pegatina con la insignia del grupo, se guarda en una caja de madera: ¡todo un ítem de colección!

A lo largo de los años, EL CÍRCULO DE WILLIS ha experimentado varios cambios de formación, permaneciendo por ahora Sergio Segovia Hoya “Niño” (guitarra, órgano Hammond, piano) e Iván Güevo (batería, percusiones) de la formación original, mientras que Gustavo (flauta, saxos) está en la banda desde 2002 y Tomi Ñoes (bajo, sin tetizadores) se incorpora después de estar un tiempo colaborando en la parte audiovisual de los conciertos del grupo. Hasta antes del presente año 2012, el grupo había registrado un “Demo” de 2003 y el disco “Cuadrado” de 2005, ambos dispuestos para bajarse de la página web de la banda (enlace: http://www.elcirculodewillis.net/). En el ideario oficial del grupo, se lee que “en El CÍRCULO DE WILLIS cabe la improvisación, la locura musical, la repetición, la variación progresiva, los cambios imprevisibles, los cambios previsibles (no siempre se puede sorprender...), los juegos de luces, la distorsión, el ruido, el silencio, la tranquilidad, melodías bonitas, melodías disonantes, orden y caos... En el Círculo de Willis cabe la improvisación, la locura musical, la repetición, la variación progresiva, los cambios imprevisibles, los cambios previsibles (no siempre se puede sorprender...), los juegos de luces, la distorsión, el ruido, el silencio, la tranquilidad, melodias bonitas, melodias disonantes, orden y caos...En el Círculo de Willis cabe la improvisación, la locura musical, la repetición, la variación progresiva, los cambios imprevisibles, los cambios previsibles (no siempre se puede sorprender...), los juegos de luces, la distorsión, el ruido, el silencio, la tranquilidad, melodias bonitas, melodias disonantes, orden y caos...”: así pues, tenemos una declaración de principios sobre la celebración de lo ecléctico y el ímpetu de recrear los colores del sonido.

El disco comienza con ‘Tú No Sabes Lo Que Has Hecho’, una gozada de 7 ½ minutos donde el cuarteto se explaya a sus anchas con un vitalista ejercicio de psicodelia alimentada de dinámicas jazzeadas, algo que, en muchos aspectos, nos parece confluyente (aunque sea por casualidad) con lo hecho por bandas de otras periferias como STEREOKIMONO (ambos de Italia), MAR DE ROBLES (Chile) y  MAHOGANY FROG (Canadá). El clímax final es rotundo con una robustez electrizante. El segundo tema es ‘El Banquete Caníbal’, el cual realza más notoriamente el factor fusionesco junto con el swing jazzero a cargo de la dupla rítmica. El manejo de cadencias y atmósferas exóticas responde coherentemente a las exigencias de ambientes trepidantes que el grupo programa para la ilación compositiva de los diversos motivos en curso, aunque también hay un pasaje lento donde predomina la ceremoniosidad sinfónica, generando así un momento estratégico para el contraste. Cerca del final, la guitarra emerge con un talante cuasi-metalero en medio de la vibración general de la instrumentación - ¡otro clímax perfectamente electrizante! Junto a los últimos golpes de ‘El Banquete Caníbal’ se engarza el tema más largo del disco es el tercero: ‘La Historia De Los Trispis’, una manifestación inapelable de las aristas más furiosamente ambiciosas del ideario musical de EL CÍRCULO DE WILLIS. El grupo aprovecha las proyecciones potenciales de la pieza en cuestión para expandirse en el grácil eclecticismo antes plasmado en ‘El Banquete Caníbal’, a la par que matiza las dosis de vigor en la ilación y elaboración de los motivos. Uno de ellos ostenta un espíritu lúdico circense, y también hay otro donde el grupo se anima a explorar cadencias electrónicas de inspiración nu-jazz con revestimientos de corte space-rockero. El pasaje final porta un lirismo envolvente manejado con impecable elegancia, algo intermedio entre las tradiciones de CAMEL y PFM.

‘La Batalla De Los Soldaditos De Plomo’ comienza en pleno con una coqueta exhibición de colores traviesos bajo la guía de la flauta de Gustavo, y de hecho, en las ulteriores expansiones melódicas, la flauta seguirá ocupando un rol protagónico. Tenemos en dichas expansiones melódicas pasajes de jazz-rock con tendencia heavy, interludios space-rockeros a lo OZRIC TENTACLES y un estupendo desarrollo temático fusionesco que sirve como plataforma para la coda que replica el motivo inicial. Con ‘Endodoncia’, el ensamble vuelve en cierto modo a los senderos de ‘Tú No Sabes Lo Que Has Hecho’, aunque con la salvedad de que el aspecto psicodélico está más resaltado en muchas de las atmósferas creadas sobre el camino, lo cual implica la recepción de un fuerte impacto de parte de las dos piezas precedentes. En fin, el disco se cierra con ‘El Turbante Sin Cabeza’, un tema con fuerte raigambre fusionesca donde el encuadre de flauta y piano dirige los desarrollos temáticos, mayormente encauzados por lo arábigo y lo aflamencado. En esta pieza específica, el ensamble se focaliza en la priorización de la dimensión más refinada de su ideología musical, aunque siempre hay espacio parta alguna extravagancia inesperada, la cual llega en el pasaje final donde el grupo elabora un robusto híbrido de GONG y HAWKWIND, reformulado bajo pautas más contemporáneas (afines a lo que vienen haciendo bandas como DIAGONAL, ASTRA o los coterráneos de LÜGER, por poner algunos ejemplos). Este recurso sirve para encauzar eficazmente un viraje “perverso” a la atmósfera predominante, logrando así agudizar el momentum.    

Como balance general solo queda concluir que “Fábulas” es un disco pletórico de ingenio, colorido y fuerza de carácter: vale la pena prestar atención a este grupo de una buena vez, y cuanto antes sea... ¡mejor! Gracias a la gente de EL CÍRCULO DE WILLIS por poner este sueño en nuestras manos.

Muestras de “Fábulas”.-

El Turbante Sin Cabeza: http://www.youtube.com/watch?v=crmyi1ylTvI
La Historia De Los Trispis [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=O_XG65h0OPM

[Dedico esta reseña con inmenso afecto a mi amigo y hermano progresivo Pablo Muñoz.]

MAHOGANY FROG: alquimia psico-progresiva desde Canadá

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de hablar de un excelente grupo canadiense formado en 1998: MAHOGANY FROG. Este ensamble es una de las más electrizantes entidades de música prog-psicodélica que han venido imponiendo su presencia en el espectro internacional del rock artístico en los últimos años. Este ensamble instrumental, cultor de un ingenioso híbrido de jazz-rock, space-rock, experimentación electrónica, tradición sinfónica y heavy prog, ha sabido darse maña para mantenerse activo a lo largo de los años en festivales de jazz, rock vanguardista y rock progresivo, especialmente a partir de su quinto disco “DO5” de 2007, el cual fue tremendamente bien celebrado en blogs y e-zines con muy justa razón. Ahora, en 2012, MAHOGANY FROG nos brinda su más reciente gema: “Senna”. Grabado entre mayo y setiembre del año pasado en el estudio Private Ear Recording, ubicado en la ciudad de Winnipeg (Manitoba), “Senna” supone un nuevo paso adelante en la cimentación de la voz musical de MAHOGANY FROG, capitalizando la magia contundente y abrasiva que habían caracterizado a su ya mencionado predecesor “DO5”. La alineación de la banda es Graham Epp [guitarras eléctricas, sintetizadores MicroMoog, Farf Muff, ARP String Ensemble y Korg MS2000, órgano Farfisa, pianos acústico y eléctrico], Jesse Warkentin [guitarras eléctricas, sintetizadores MicroMoog, Farf Muff, ARP String Ensemble y Korg MS2000, órgano Farfisa, pianos acústico y eléctrico], Scott Ellenberger [bajos eléctrico y acústico, órgano Briscoe, percusión] y Andy Rudolph [batería, percusión y efectos electrónicos].

 

La dupla de ‘Houndstooth’ ocupa los primeros 9 minutos y medio del álbum imponiéndose a puro músculo. La primera parte esparce su presencia sónica a través de un esquema space-rockero con fuertes componentes cibernéticos, al modo de un estándar del TANGERINE DREAM de la época “Stratosfear” remodelado bajo patrones afines a los de QUANTUM FANTAY y AQUANAUT. La segunda parte se remonta a partir de aquí para replantear los ambientes ya firmemente elaborados con un puche psicodélico tan bárbaro como refinado. El dominante metro de 7/8 es explotado sabiamente para instaurar un aura de sofisticación a la energía desarrollada, y es así como las agresivas emisiones sonoras gestadas por el ensamble se expanden irradiando una magnificencia contundente. ‘Expo ‘67’ sigue a continuación, enfatizando las vibraciones de psicodelia sofisticada y robusta de la pieza inmediatamente anterior, solo que esta vez con un swing más suelto, portador de una cadencia de raigambre claramente jazz-rockera: a partir de esta aproximación más “ligera”, la banda reelabora sus estrategias habituales para encuadrar sus estamentos musicales. Cuando emerge ‘Flossing With Buddha’, el esquema sonoro de la banda se orienta hacia dimensiones más explícitamente líricas, logrando completar una perfecta amalgama de elegancia sinfónica y dinamismo al estilo de la vieja tradición del jazz-fusion, sin perder un ápice de la rotunda expresividad tan propia de esta banda.

 

La dupla de ‘Message From Uncle Stan’ articula de manera particularmente intensa las aristas épicas de MAHOGANY FROG. La sección ‘Grey Shirt’ establece una mágica confluencia entre las herencias de AGITATION FREE, el KING CRIMSON 90ero y el HAWKWIND del período 1974-5, añadiéndole un colorido cautivador al bloque sonoro que le permite orientar de manera grácil su inherente nervio. Acto seguido, la sección ‘Green House’ elabora una compleja ilación de motivos donde vuelven a aflorar los factores más ambiciosos de la visión musical de la banda. ‘Saffron Myst’ expone los momentos más serenos del álbum: con un rol prevalente de los teclados (sintetizadores, piano y órgano), el grupo se embarca en un hermoso ejercicio de atmósferas envolventes que suenan a una partitura perdida de CAMEL (de los días de “Moon Madness”) retomada por HARMONIA con el apoyo de la dupla rítmica de OZRIC TENTACLES. Engarzada con ‘Saffron Myst’, ‘Aqua Love Ice Cream Delivery Service’ es la pieza que ocupa los últimos 7 ¾ del disco. Su esquema de trabajo se basa en una retoma de los espíritus de ‘Expo ‘67’ y ‘Houndstooth Part 2’ para que resulten condensados dentro de un parámetro space-rockero lo suficientemente apabullante como para edificar un clímax atrozmente arrollador, pero a la vez, con la suficiente elegancia en los arreglos generales como para manifestar el majestuoso ingenio del cuarteto. Los 2 minutos y pico de la coda se basan en una serie aleatoria de efectos y recursos cósmicos, un momento de desorden sistemático que se clausura con una cita de la Zarabanda en La Mayor de Jean Phillippe Rameau (cortesía del invitado Eris Lussier al clavicordio). Un final extraño pero genial para un disco estupendo. 

Así las cosas, solo queda felicitar a MAHOGANY FROG por saber mantener sus niveles de creatividad y energía expresiva tan altos y consistentes en el momento de su sexta grabación de estudio. También, por supuesto, felicitarnos a nosotros mismos por la buena suerte de disfrutar de la excelente música de este ensamble canadiense. “Senna” es una obra fabulosa, para decirlo en pocas palabras, y por ello es recomendado a todos los coleccionistas de música progresiva de todo el orbe… ¡definitivamente recomendado!

 

 

Muestras de “Senna”.-

Houndstooth (Parts 1 & 2): http://www.youtube.com/watch?v=dCkjem67yio
Saffron Myst: http://www.youtube.com/watch?v=Y4kKOQXfsho

QUATERNA RÉQUIEM: el regreso de una fabulosa arquitectura progresiva

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Hoy enfocamos nuestros oídos y nuestras mentes en Brasil para atender a QUATERNA RÉQUIEM, una auténtica institución del movimiento progresivo post-80ero de su país, un ensamble que dejó grandes huellas en la avanzada de su país (y del gran escenario sudamericano, en general) con dos discazos como son “Velha Gravura” y “Quasimodo”. Ahora, tras incontables años de letargos y demoras, QUATERNA RÉQUIEM nos trae su nueva obra “O Arquiteto”, una de las más notables muestras de artesanía sonora dentro de la vertiente sinfónica para este año 2012. Las últimas cosas que sabíamos de este ensamble eran su CD en vivo de 1999 y un DVD en vivo de 2006, además de un disco a dúo de Elisa Wiermann y Kléber Vogel de 2003 (“A Mão Livre”). Este quinteto de Wiermann [piano y sintetizadores], Vogel [violines y bandolim], Roberto Crivano [guitarras eléctricas y acústica], Jorge Matias [bajo] y Cláudio Dantas [batería, octopad y percusión] está en una forma muy estupenda. Hablando del DVD en vivo, en él aparecen anticipos de este disco, lo cual evidencia que la composición y el desarrollo de los arreglos finales se han generado en un proceso bastante extenso: vayamos ahora, paso por paso, a hacer un balance de los resultados concretos de “O Arquiteto”.

El disco comienza con el largo ‘Preludium’, una exhibición en 11 minutos y pico de la típica fastuosidad sinfónica marca de la casa. El delicioso trayecto musical en curso empieza con una atmósfera solemne que elabora de a pocos un ambiente cada vez más lleno, inspirado principalmente en la faceta introspectiva de CAMEL (uno de los referentes más consistentes del ideario musical de QR). A poco de pasada la barrera del sexto minuto y medio, la pieza vira hacia una dimensión más luminosa, reminiscente en buena medida de la épica composición ‘Velha Gravura’ que ocupaba el centro del disco debut del mismo nombre. Con ‘Mosaicos’, el grupo navega por aguas introspectivas, apoyándose principalmente en las escalas de piano y los delicadamente estilizados fraseos del violão: este instrumento criollo brasileño es ejecutado por un invitado especial, Phil Wiermann, quien además es co-autor del mismo. Este momento de proyección contemplativa permite tomar un descanso antes de recibir otra dosis de colorido sinfónico: ‘Fantasia Urbana’, un pletórico clímax del álbum que se extiende hasta casi los 12 minutos de duración. Este himno al paisaje citadino engloba cabalmente la intensidad y magnificencia inherentes a la imagen paradigmática de la gran ciudad, pero lejos de centrarse en la tensión y el peligro que también suelen acompañar a dicho paradigma, el ensamble prefiere focalizarse en la grandilocuencia. De este modo, se entiende cómo la armazón multi-temática de ‘Fantasia Urbana’ se complace en desarrollar su propia arquitectura sónica con una compacta mezcla de fuerza expresiva y serena pulcritud. Éste es el QR de siempre, el que nunca había abandonado nuestros recuerdos de la mejor música progresiva que se había hecho en Sudamérica durante el revival 90ero.

El resto del disco está ocupado por la suite “O Arquiteto”, siendo su primera sección ‘Bramante’, tema que comienza con un prólogo calmo y suavemente grisáceo, hasta que, como un amanecer, emerge el cuerpo central desarrollando un ágil motivo mayormente articulado sobre un compás de 6/8. El interludio ‘Pedra’ elabora un clima palaciego de inspiración renacentista sobre una traviesa cadencia jazzera, antes de que ‘Mansart’ se derive hacia plácidos paisajes barrocos pletóricos de calidez pastoral (un poco como THE ENID pero con la etérea delicadeza de un ANTHONY PHILLIPS). ‘Vidro’ es un breve retazo de alusiones cristalinas en base al teclado, mientras que la dupla de violín y el bajo completa algunas bases armónicas; el terreno está preparado entonces para el arribo de la mágica pieza ‘Frank Lloyd’, una belleza envolvente que sabiamente explota la recurrencia de un motivo central, teniendo a CAMEL, PFM y BACAMARTE como influencias especiales a la hora de la creatividad. Resulta redundante, pero a la vez, imprescindible recalcar con cuánta perfección domina QUATERNA RÉQUIEM el arte de la exploración a fin de evitar la saturación gratuita. ‘Madeira’ aporta un cálidos aires y aromas folklóricos bajo la guía líder de la guitarra acústica: los espacios llenados por el violín y el sintetizador más la fluida sobriedad de la dupla rítmica en el manejo del compás de 15/9 completan a la perfección la idea central de esta hermosa viñeta. Acto seguido, llega acto seguido el momento de la pieza más larga del álbum – ‘Gaudi’. Esta pieza de casi 13 ½ minutos de duración exhibe una nueva muestra del magnífico ingenio melódico y fineza performativa que la banda sabe concretizar en sus composiciones de largo aliento: las ilaciones y elaboraciones se integran en una estupenda ingeniería donde cada nota y cada atmósfera se sostiene en su lugar adecuado. Para las partes de violão, Phil Wiermann vuelve a a aparecer como invitado especial. 

Con el interludio ‘Concreto’ y la sección ‘Niemeyer’ tenemos una secuencia que celebra principalmente el poder del ritmo para generar genuina musicalidad desde sus pulsátiles vibraciones. El interludio es un breve ejercicio de dinamismo tribal que finalmente cede paso a una dimensión juguetonamente densa en la que la amalgama de piano y batería abre espacios para la presencia de los demás instrumentos – un perfecto matrimonio de preciosismo sinfónico (a lo EMERSON, LAKE & PALMER) y vigor jazzero (a lo JEAN-LUC PONTY). ‘Desconstruçao’ es justamente un ejercicio de deconstrucción de varios pasajes que se van sucediendo en un arrojarse a una secuencia de pasajeras nubes musicales (basados en estándares de Bach, Chopin, Debussy, Satie…): de la mano de los múltiples teclados de Elisa Wiermann, los motivos se engarzan y disuelven en un collage de encuadres sonoros efímeros donde el flujo es lo único constante. ‘Postludium’ concluye la suite de una manera cautivadoramente hermosa: el bello motivo manierista en 3/4 que sirve de base para la ulterior expansión melódica hereda la magia Cameliano-Genesiana y la recicla con una vitalidad fresca que intensifica la emotividad del momento de una manera brillante. ¡Excelente final para un excelente álbum!

Hemos tenido que esperar muchísimos… demasiados años para volver a oír una grabación concreta de QUATERNA RÉQUIEM, pero ahora que “O Arquiteto” es una realidad patente, podemos asegurar que se trata de una entidad notable dentro de la incansable y diversa escena progresiva sudamericana, y de hecho, una cumbre elevada de la producción progresiva brasileña en lo que va de milenio. Altamente recomendado para todo coleccionista de música progresiva… o tal vez, ¡hasta obligado!

Muestras de “O Arquiteto”.-
Preludium: http://www.youtube.com/watch?v=g0lY1GDGl0s
Frank Lloyd [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=pvFGslrO6d8
Postludium [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=X8RTYKtl8AQ

ÄNGLAGÅRD: el retorno de un grandiosa mirada progresiva

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20 años después de ese momento sorpresivo y contundentemente relevante que supuso la publicación del disco debut de ÄNGLAGÅRD, este ensamble sueco volvió al mercado fonográfico en 2012 con “Viljans Öga”, un disco cuya lentísima gestación ha tomado varios años desde que el grupo volvió a tocar en  festivales con el formato de quinteto (sin Tord Lindman): el consorcio de  Mattias Olsson (batería, percusión y efectos de sonido), Johan Brand (bajo y pedales Taurus), Thomas Johnson (pianos, mellotrones y sintetizadores), Jonas Engdegård (guitarras) y Anna Holmgren (flauta, melódica y saxofón tenor) ha estado componiendo y desarrollando las nuevas ideas de manera muy sigilosa, dando como resultado un ambicioso catálogo de piezas de largo aliento (entre 12 y 16 ¼ minutos de duración), pródigas en esas atmósferas otoñales que alternan pasajes de explícita magnificencia y otros de contemplativa solemnidad de acuerdo a parámetros que la banda convirtió en “marca de fábrica” desde el inicio. Las plasmaciones de sonidos mágicos a través de este disco reciben también aportes de los siguientes músicos invitados: Tove Törnberg (cello), Daniel Borgegård Älgå (clarinetes alto y bajo, saxofón barítono) y Ulf Åkerstedt (tuba, trompetas bajo y contrabajo). La tónica general de “Viljans Öga” está en consonancia con el aura de “Epilog”, pero con una dosis más constreñida de densidad en los explayamientos del repertorio. Todo esto es lo que se ha venido cocinando en los cuarteles de esta banda que se ha mantenido activa de forma demasiado inconstante desde su retorno a los escenarios en 2003 (incluyendo actuaciones en las ediciones de los festivales NEARFest y Crescendo, además de eventos en otros lugares de Francia, Alemania y su natal Suecia).   

El inicio del primer tema, ‘Ur Vilande’, se ubica dentro de un lirismo sereno enmarcado dentro de un esquema pastoral, lirismo que se desarrolla en un refinado desarrollo temático en el que la flauta ocupa un rol protagónico dentro de la arquitectura grupal, completada por guitarras acústicas y suaves intervenciones de los teclados, percusiones y bajo. Eso sí, hay retazos que dejan entrever la latencia de una densidad emocional, y esto prepara al oyente para lo que parece la inminente irrupción de una sonoridad fastuosa. ¡Voilá!, una vez emergido este momentum en la frontera del cuarto minuto, el grupo está preparado para dejarse guiar por sus musas retro-progresivas, desplegando un ingenio vitalista sin recurrir a sobredimensionamientos. En efecto, los recovecos de los ampulosos motivos se encuadran en una sobria y muy cuidada ingeniería melódica, aunque no falta ocasión para desarrollar algún que otro pasaje donde se arman tensiones a lo YES de la etapa “Relayer”. El segundo tema, titulado ‘Sorgmantel’, porta un encuadre temático más dado a la priorización de dinámicas sueltas, una vitalidad que se impulsa a partir de intensos esquemas rítmicos y celebraciones varias de los potenciales coloridos que pueden emerger de la flauta, la guitarra y los teclados. Las consabidas referencias al KING CRIMSON de los 70s, el GENESIS 70-72, más los clásicos referentes escandinavos de TRETTIOÅRIGA KRIGET y RAGNARÖK están a la orden del día. Algunos de los mejores solos de Engdegård se hallan, según lo percibimos, en esta pieza.

  

‘Snårdom’, a la sazón la pieza más extensa del álbum, tiene un efectivo comienzo impetuoso, incluso travieso, donde se conjugan las herencias de SAMLA MAMMAS MANNA, ZAPPA, YES y el KING CRIMSON de la etapa “Lizard”. Más adelante, la banda explora atmósferas mucho más reposadas, valiéndose de envolventes desarrollos líricos en lo que la serenidad y la melancolía se imponen como emociones predominantes. Poco antes de la barrera del 13er minuto se arma un crescendo que prepara el camino para un hermoso epílogo fastuoso, ceñido al estereotipo del retro-prog escandinavo (muchas afinidades con el ideario de WHITE WILLOW, por poner el primer ejemplo correlativo que se nos viene a la cabeza). Los últimos 13 minutos y pico del disco están ocupados por ‘Längtans Klocka’, pieza que comienza enrostrándonos una atmósfera solemne repleta de vibraciones nebulosas, pero pronto la electricidad se impone para llevar la solemnidad hacia senderos de robustez de carácter, siempre bajo las pautas de sofisticación y variantes sorpresivas propias de la tradición sinfónica. Cabe una mención especial para la sección circense, la cual porta una cierta aureola entre tétrica y patética – un momento de tensión emocional bastante motivador –, además de condicionar el carácter urgente de la breve coda.      

  

Hay novedades interesantes y sorprendentes en los cuarteles del ensamble progresivo sueco ÄNGLAGÅRD: resulta que se han incorporado el baterista/percusionista Erik Hammarström y el teclista Linus Kåse… ¡y además ha regresado el miembro fundador Tord Lindman! Este último había estado a cargo de la 2da guitarra y la voz en los dos primeros discos de la banda, mientras que los dos miembros estrictamente nuevos son elementos esenciales de BRIGHTEYE BRISON, dándose ahora la ocasión para que gocen de un espacio adicional para su creatividad. El remodelado ensamble ya está escribiendo y ensayando nuevo material, además de tener planes para tocar en vivo en 2013: de hecho, el grupo ha sido invitado a tocar en Japón, además de la capital sueca de Estocolmo en los primeros meses del próximo año. En fin, todo esto quiere decir que Jonas Engdegård, Mattias Olsson y Thomas Johnson ya no operan desde esta entidad donde ellos jugaron sus roles tremendamente cruciales, e incluso cabe notar que el último de ellos era reemplazado en las actuaciones en vivo por David Lundberg. “Viljans Öga” queda, pues, como testimonio de un renacer y testamento de una etapa de ÄNGLAGÅRD – ¡gracias por la música, maestros!

Muestras de “Viljans Öga”.-

Snårdom: http://www.youtube.com/watch?v=aPjOaFfw6-c  
Sorgmantel [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=4gXS5XYB0es

ÁUREA HYBRIDE y sus luminosos horizontes progresivos

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy volvemos nuestros oídos al talentoso e impetuoso quinteto mexicano ÁUREA HYBRIDE, hoy por hoy, una institución sólida dentro de la vanguardia rockera de su ciudad natal de Zacatecas, y que ya va adueñándose de un lugar heroico dentro de la avanzada progresiva que continuamente va alimentando su fragor auto-generativo en la escena mexicana. El hecho de que el grupo haya visitado dos veces escenarios peruanos y argentinos es un ejemplo claro y distinto del empuje que ostenta el grupo, aunque es definitivo que la mejor manifestación de dicho empuje está en su propuesta musical misma. Tras un EP de poco más de media hora titulado “Elementario” que fue editado en 2011 (reseñado en el enlace http://autopoietican.blogspot.com/2011/07/aurea-hybride-elemento-fundamental-del.html), ahora en octubre de 2012 el grupo edita su primer larga-duración “Horizontes De Luz”. Veamos lo que tiene que ofrecernos ahora este cuarteto de Isack González, Carlos Ortega, Rubén medina y Alejandro Sánchez.

 

El repertorio de 9 temas incluye los cinco “viejos” temas de “Elementario” con las partes de las guitarras nuevamente grabadas y remezclas de las instrumentaciones globales; a su vez, la incorporación de cuatro nuevos temas ayuda a completar cabalmente la visión musical de la banda. ‘Drama & Caos’ es el primero de los viejos temas que aparece en el repertorio de “Horizontes De Luz”. Esta manifestación peculiarmente épica del ideario de ÁUREA HYBRIDE comienza con una ambientación lánguida que en su alternancia de 6/4 y 11/8 establece una suerte de candidez espiritual en medio de la polenta metalera que acecha para emerger en cualquier momento… y lo hace poco a poco, hasta explotar al modo de una hoguera cósmica que cuenta con todo el espacio libre del mundo para manifestar su luminosidad, aunque siempre controlando inteligentemente el potencial de fortaleza sonora inherente al cuarteto. Más adelante, el grupo vuelve a bajar los decibeles para manejar climas más vinculados al space-rock en clave misteriosa y expectante: mientras se acerca el final, los decibeles vuelven a subir de manera bien cuidada a fin de crear un clímax contundente y, a la vez, marcado por una ingeniería sónica pulcra y refinada. Por su parte, ‘Minimal Signo’ es la última composición vieja en el disco. Ésta comienza con un prólogo enmarcado entre las simultáneas coordenadas del post-rock y el metal, y aunque poco antes de llegar a la barrera de los 2 se crea un pequeño clímax metalero, el tenor grisáceo de la cadencia de fondo y los solos se preserva por un rato más de una forma envolvente. Recién en el peaje del cuarto minuto se embarca el cuarteto en el afianzamiento del factor metalero para marcar crucialmente la segunda mitad de la pieza: la meticulosa arquitectura de bases riffs, armonías y rítmicas ejemplifica muy bien el funcionamiento tan fluido del ensamble.

El segundo tema viejo del repertorio es el muscular ‘Máquinas Híbridas’, el cual refleja frontal e intensamente las influencias de MESSHUGAH y CANVAS SOLARIS, lo que quiere decir que el cuarteto tiene el pretexto perfecto para establecer al máximo su gusto por la garra metalera revestida de sofisticación e complementada con pasajes más matizados.  Quedan ‘Biogénesis De Un Sueño’ y ‘Balance elemental’. El primero comienza con una focalización en atmósferas contemplativas, encuadradas decididamente en el área del prog-metal con algunos aires de familia con el PORCUPINE TREE de los últimos años. La segunda sección vira sorpresiva y eficazmente hacia un ejercicio de space-rock con una base electrónica parcialmente relevante: el asunto ha virado en este punto hacia áreas de GORDIAN KNOT y una versión “domesticada” de HYDRIA SPACEFOLK. Por su lado, el segundo tiene una cualidad más inclinada hacia un intermedio entre AT WAR WITH SELF y el DREAM THEATER de los viejos tiempos del “Awake” durante sus primeros dos minutos. A partir de allí, la pieza vira sorpresivamente hacia aires de bossanova con algo de humor pero sin perder un ápice de prestancia artística; finalmente, la coda se focaliza en un aire ambiental muy al modo de un space-rock reposado.  

Vayamos ahora a los temas nuevos. La pieza homónima abre el disco con una expansión de puro ingenio musical en un espacio de 7 minutos y pico, exhibiendo músculo y carácter en la articulación sonora elaborada por el perfectamente afiatado cuarteto: la pulcra ilación de las diversas secciones de esta pieza responde solventemente al esquema de interludios e intercambios entre los estándares del prog-metal, el prog psicodélico y el space-rock  que el grupo ha sabido desde siempre convertir en su marca personal. ‘Tan Humano Como La Memoria’ es una composición que data de los preámbulos a la mini-gira sudamericana que el grupo realizó entre octubre y noviembre del año pasado, y tras este tiempo de fogueo, ya alcanza su primera manifestación oficial como idea completa. La dinámica de esta composición gira, en la estructura primordial de su cuerpo central, en torno al paradigma prog-metalero de FATES WARNING-con-MESSHUGAH: poderosos juegos de riffs y cadencias sobriamente complejas, pulso impecables a la hora de manejar diversos niveles de agresividad, y además, incorporando interesantes toques de tenor ambient en ciertos lugares estratégicos. La sorpresa viene en la coda – un motivo de pachanga cabaretera donde Isack González se entretiene elaborando lúdicos fraseos carnavalescos con su trompeta (doblados por el saxo del invitado Andrés Rodríguez), el cual destila un recio sarcasmo bajo una vestimenta de frivolidad. Siempre dispuestos a sorprendernos estos chavos: ¡bien por ellos y por los que nos dejamos encantar por sus travesuras sónicas! La inspirada gracia que tiene la gente de ÁUREA HYBRIDE para hacer que lo extravagante funcione de una forma compactamente orgánica se reitera cabalmente en ‘Prismaníaco’, una pieza donde se articulan a la perfección esquemas rítmicos intensos y mágicas aureolas flotantes donde la dimensión psicodélica es manejada y desarrollada con cristalina elegancia.

 

Estando a cargo de cerrar el disco, ‘Despertar Onírico’ elabora cadencias fusionescas y aromas jazz-rockeros para remodelar por enésima vez ese exquisito híbrido prog-space-metalero que define la esencia musical de la banda: el resultado final es una combinación bien balanceada de robustez y finura, llegando en su clímax intermedio a crear un emotivo lirismo, como antesala a un clímax final optimistamente fulguroso. De este modo culmina un disco rotundo en sus proyecciones expresivas, pletórico de momentos reveladores, contundente en la maximización de los arreglos de las ideas compositivas que se van sucediendo: “Horizontes De Luz” nos muestra a unos ÁUREA HYBRIDE que consolidan los horizontes artísticos hacia los cuales se aprestaba a navegar desde sus albores, y ahora, los vemos abrirse hacia otro horizontes que se deberán delinear en futuros discos. ¡Que no tarden mucho en surgir!   

 

 

Muestras de “Horizontes De Luz”.-
Prismaníaco: http://www.youtube.com/watch?v=9PzPOesZAl8   
Tan Humano Como La Memoria [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=xrO1dtIajnU
Minimal Signo [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=9fVYjN1QtcQ

OPUS 3: la fuerza tripartita del prog chileno actual

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el día para saldar una vieja deuda con la música progresiva que se vino haciendo en Chile durante el primer decenio del primer milenio: nos referimos al power-trío OPUS 3, formado en la ciudad de Santiago de Chile en el otoño del año 2000. OPUS 3 surgió del interés y curiosidad que el bajista Francisco de Borja y el baterista Rodrigo Chavarría, entonces alumnos en la Escuela Moderna de Música, por tocar juntos y crear música compleja e interesante: el hecho de que el dúo germinal fuese capaz de componer temas propios desde el punto de arranque fue un impulso para completar el formato del grupo, y así, tras una serie de guitarristas que pasaron y se fueron, quedó Gonzalo García. El esquema de trabajo de OPUS 3, ya como grupo completo, se basa en una sólida confluencia de prog-metal y jazz-rock que le saca el jugo al formato de power-trío con especial énfasis en sonoridades rudas y complejos dinamismos rítmicos, alternando jams bien cuidados con auténticas labores de ingeniería melódica y armónica. Así, la estructura sónica se viabiliza por caminos fácilmente reconocibles después de un rato, pero esto no va en desmedro de la creatividad que usa el trío en los arreglos decisivos de las composiciones de Francisco de Borja: de hecho, esta creatividad es la insignia esencial de su calidad como fuerza progresiva dentro del actual escenario chileno. Vamos ahora a continuación a enfocarnos en el repertorio de su homónimo disco debut de 2006 en sí.
 
‘Leviatán’ abre el disco ocupando un espacio de 5 minutos a puro fuego: los tonos épicos que tienen lugar a lo largo de la ilación de los pasajes son vitales a la hora de realzar la electrizante fastuosidad inherente al desarrollo temático que fluye de forma maciza y rotunda. Luego, ‘Kairos’ hace lo propio plasmando un robustecimiento particular del vigor rockero, complementado con una cadencia cuasi-funky de raíz jazzera y una aureola de sofisticación que se nutre de la confluencia de LIQUID TENSION EXPERIMENT y CAB. La tercera pieza es la que da título al disco y al grupo, y por el título parece ser una celebración de la propia determinación creativa, pues realmente el esquema compositivo de este tema es contundente en su expresividad y convincente en su vibrante dinamismo. Una primera mitad cargada de solemnidad marcial que parece brotar desde los oscuros misterios del espíritu deja paso a un posterior despliegue de extrovertido vigor, el cual signa la atrapante magia de la segunda mitad. He aquí un clímax decisivo del disco… que no el único. ‘Bufón’ entra a tallar con su expansión de 3 minutos y pico para exponer un nuevo ejercicio de remodelaciones jazz-rockeras del fragor sónico esencialmente propio del trío, además de adoptar una aureola traviesa propia del PRIMUS clásico en algunos parajes. A continuación emerge ‘Armagedón’ para perpetrar otro clímax, el cual se elabora desde una serie de ambientes generados sobre la base de los respectivos impactos recibidos por ‘Opus 3’ y ‘Kairos’. El tiempo de ‘Ciclos’ es uno de estudio de líneas melódicas y matices dentro de un recurrente esquema rítmico en 13/8: las aristas más sofisticadas de la banda se elaboran aquí con un refinamiento muy especial. ‘Creaturas De La Noche’, el tema más largo del disco (dura casi 11 ½ minutos), se desarrolla sobre la premisa de explorar con una actitud férrea esas aristas de sofisticación anteriormente mencionadas, explayándose confiadamente en una arquitectura ambiciosa cuyo grado de potencial pomposidad es manejado con un correcto sentido del equilibrio. ‘Atila’ cierra el disco con una intensidad más expansiva, pero con una clara predisposición de recapitular las huellas sonoras de las dos piezas precedentes y de ‘Bufón’ (otra vez aparecen las reminiscencias de PRIMUS en el discurso propio de OPUS 3): un  cierre más que idóneo para el álbum, especialmente a la hora de hacerlo con una luminosidad imponente.      

 

OPUS 3 y su disco homónimo son dos ítems que merecen estar en  un lugar destacado dentro de una agenda de exploraciones progresivas del nuevo milenio: siendo difícil de encontrar, vale mucho la pena meterse en su búsqueda, especialmente ahora que el  trío está en proceso de terminar el material que habrá de conformar su segundo disco. Cristián Allendes es quien actualmente está a cargo del rol de guitarrista. ¡A seguir la pista de OPUS 3!

 

 

Muestras de “Opus 3”.-

Opus 3 [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=7GYTUyWmHw4
Armagedón [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=tm6mI9l6LYo

TOUNDRA y su tercera victoria musical

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es la ocasión para hablar de TOUNDRA y su tercer disco, justamente titulado “III”, una nueva joya de la vanguardia rockera española que sustenta la fuerte presencia de TOUNDRA como fuerza creativa dentro de las coordenadas del post-metal. Con una portada alejada del lirismo retorcidamente sádico de “II”, esta vez orientada hacia un ensimismado paisaje nocturno donde conviven una bruja con cuerpo de ninfa y una calavera visionaria, “III” desarrolla un muestrario de lo que la asociación de Esteban Girón (guitarras eléctricas, acústica y española), Alberto Tocados (bajo, sintetizador), Víctor García-Tapia (guitarras eléctricas y acústica) y Álex Pérez (batería, percusión) es capaz de hacer cuando explora con meticulosa intensidad y convincente soltura las aristas oscuras de su visión musical: de esta manera, la banda logra hacer de su ingeniería sonora una auténtica expresión del acero hecho música. Ya habíamos repasado sus dos discos anteriores en la reseña publicada en el enlace http://autopoietican.blogspot.com/2011/09/toundra-testimonio-de-una-evolucion.html , y todas nuestras esperanzas vertidas en ella se confirman con creces ante la evidencia de “III”. Las influencias de ISIS, HELMET y PELICAN siguen siendo relevantes para entender a dónde se proyectan los sólidos vuelos instrumentales con los que TOUNDRA arma la mayor parte de su repertorio, pero su fuerza expresiva se impone por sí misma con una solvencia que grita con voz ardiente su propio ser original. El bloque sonoro generado desde el grupo mismo goza de importantes ayudas ocasionales a la hora de capitalizarlas potencialidades de los fragores compositivos instaurados a lo largo del repertorio: la lista de colaboradores incluye a  Álvaro Escribano (guitarra), Luis Miguel García (violín), Guillermo Manzanares (viola), Álvaro Llorente (cello), Carlos Santos (teclados, voz), Manuel Iglesias (teclados, metalófono, trompeta, voz), Mar Iglesias (voz) y Rubén Mingo (percusión).

 

Iniciando el repertorio de “III”, nos topamos con ‘Ara Caeli’, pieza que dura poco menos de 8 minutos que se caracteriza esencialmente por una apabullante exhibición de atmósferas oscuras planteadas y organizadas a través de una arquitectura sónica grisácea: tras una primera sección donde lo amenazante se sostiene como la fuerza expresiva predominante, la segunda emerge en un contundente impulso hacia cadencias más ágiles, logrando así que la polenta en curso se reconstruya con una vivacidad notoriamente aumentada. ‘Cielo Negro’ sigue a continuación para potencializar la agilidad ya instaurada, elaborando una reactivación de las sonoridades pesadas que al grupo siempre se le dan tan bien. ‘Réquiem’ vira hacia un registro totalmente distinto, combinando estilizaciones barrocas, densidad psicodélicas y vuelos post-rockeros a lo GODSPEED YOU BLACK EMPEROR! Con una solidez infinita: la atmósfera de pérdida y desolación está muy bien transmitida por la amalgama de instrumentos rockeros y ensamble de cuerdas en los momentos climáticos de la pieza. Las cosas vuelven a electrizarse contundentemente con el arribo de ‘Marte’, tema que retoma la furiosa extroversión de ‘Cielo Negro’ y la retroalimenta con algo de la punzante oscuridad de ‘Ara Caeli’. ‘Lilim’ porta un aura menos frenética aunque todavía se trata de una pieza que desborda energía rockera: en todo caso, mantiene una espiritualidad melancólica a través de su patente vigor, algo que los asemeja a ISIS. En fin, ‘Espírita’ cierra el disco expandiéndose en un dinamismo magnético y grácil en el que el grupo sintetiza las varias dimensiones de su fragor rockero, alternando nexos estilísticos con ‘Lilim’ y ‘Ara Caeli’.     

“III” se explaya en un espacio no muy mayor de 40 minutos: se trata de un disco relativamente breve la manifestación de rotundidad rockera que se encapsula en ella es imposible de relativizar, sino que por el contrario, impone su presencia y su magia de una forma inapelable. TOUNDRA logra con este disco elaborar y redondear una evolución exitosa hacia dinamismos que permiten el reflorecimiento continuo de su peculiar vigor propio: este grupo no nos deja de sorprender con su peculiar grandeza musical, y esta nueva grata sorpresa se impone como un ítem prácticamente obligatorio dentro de una colección de rock artístico. 

 

Muestras de “III”.-

Ara Caeli: http://www.youtube.com/watch?v=TdhXdDQKcYo
Lilim: http://www.youtube.com/watch?v=d2UgWLNTDm4 

La carrera de ATLETA hacia las nuevas verdades de la vanguardia rockera

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es la ocasión para hablar del dúo barcelonés ATLETA, un combo formado por el guitarrista-teclista Jaime L. Pantaleón y el baterista-teclista José Roselló que ha generado, en el lapso de muy pocos años, una obra muy sólida y coherente dentro de los siempre expansivos parámetros del ideal de la vanguardia rockera. Las fuentes sónicas en torno a los cuales este dúo articula su propuesta artística son el krautrock, el post-rock y la psicodelia electrónica, siempre procurando que sus inmersiones en las auras abstractas que necesariamente emergen de estos recursos estilísticos determinados abran espacios para la manifestación de genuina garra rockera. Ambos músicos provienen de las filas de 12TWELVE, grupo que causó estragos y generó una respetable hinchada de culto durante su tiempo de existencia: ATLETA declara bien claramente que este grupo no es en lo absoluto una continuidad de 12TWELVE. Pantaleón, además, forma parte del grupo CUZO, uno de los grupos más potentes de la vertiente heavy-psicodélica que se ha venido desarrollando en la Península Ibérica en lo que va del nuevo milenio. Pero por ahora, concentrémonos  exclusivamente en ATLETA.

En mayo del 2010, el sello Aloud Music publicó el primer registro fonográfico de ATLETA: un vinilo de 7” con un temazo por cada lado, ‘Fariseos’ y ‘Cronómetro Líquido’. ‘Fariseos’ comienza con un primer motivo ágilmente y cadencioso, cuyo carisma magnéticamente onírico está pulcramente sostenido por el matrimonio del meticuloso swing Roselló y los flotantes arpegios de la guitarra de Pantaleón; la coda deriva en un denso ejercicio de atmósferas post-metaleras donde las opresivas capas minimalistas de la guitarra portan orgullosamente un tono amenazador. ‘Cronómetro Líquido’, por su parte, establece una estupenda mezcla del dinamismo otoñalmente flotante de unos TORTOISE con la vibración atmosférica de unos CLUSTER, para finalmente pasar a una coda que suena a un retazo perdido de MOGWAI remodelado por FRIPP & ENO. ¡Qué genial manera de comenzar una trayectoria fonográfica!... pero claro, éste es solo el comienzo y todavía nos quedan más cosas por comentar.

Poco después, a fines del mismo año 201o, Aloud Records publicó “Catedrales”, el primer disco de larga duración del dúo, el mismo que exhibe de forma plena y directa los diversos recursos de coloridos y matices que el dúo aporta al continuo vitalismo del underground rockero de la Península Ibérica. ‘Evasión y Victoria’ da inicio al álbum con un ejercicio de post-rock estilizado en 5/4, con ciertas afinidades con GRAILS: la armazón de espartanos acordes de piano y una batería jazzera está muy bien lograda... y qué pena que sea tan corta esta pieza de entrada. Un poco más larga es la que sigue a continuación, ‘Perros Estelares’, la cual despliega una variante de psicodelia filuda y grisácea, con una atmósfera envolvente de claras simpatías krautrockeras (un poco a lo NEU!). La secuencia de ‘Carasmiradas’ y ‘Héroe Cobarde’ funciona muy bien a la hora de ampliar y amplifica el cuadro sonoro ofrecido por el dúo: ambos temas comparten inquietudes por explorar vibraciones ensoñadoras de corte space-rock,  con un manejo calculadamente fino del vigor inherente a la compenetración entre guitarra y batería que suele ser propio de los estándares del post-rock. Cortando abruptamente el epílogo de ‘Héroe Cobarde’, emerge ‘Sabbia Nera’ como un impulso reflexivo inspirado en MOGWAI: de esta manera, AtletA reinstaura el ambiente grisáceo antes presente en ‘Perros Estelares’ y le añade un cariz más inquietante. Por su parte, ‘Amor 500’ vira hacia atmósferas más relajantes, incluso llegando a pintar un cuadro sonoro de sobrio intimismo, y eso que la base de la pieza está en la serie de minimalistas notas de piano que se inició como un continuum de los repetitivos acordes de guitarra sobre los que se asentaba la base de la pieza precedente. ‘El Zombi Y El Psi’ reaviva las cosas dentro de un aura flótate que nos puede hacer recordar al ISIS de la etapa “Wavering Radiant”, así como, una vez más, a MOGWAI. ‘Sinopsis’ es un ejercicio de tonalidades cáusticas, mientras que ‘Voces De La Selva Cósmica’ cierra el álbum con un esplendor moderadamente épico que suena a una especie de híbrido entre RADIOHEAD y GRAILS: las ideas centrales de ambas piezas daban para arreglos más expansivos de las mismas, pero la decisión del dúo ha sido dejar ambos temas con sus respectivas duraciones, así que esto es lo que hay. Con todo, no hay mucho por lo cual quejarse, pues esta dupla de temas funciona como una efectiva conclusión de la experiencia de “Catedrales”. 

Con la vía de entrada que supuso el 7” “Fariseos” y la consolidación que se concretizó en “Catedrales”, ATLETA se reveló contundentemente como un grupo al cual vale la pena seguir la pista: su peculiar dinamismo a la hora de explorar y explotar diversas variantes posibles de los estándares vanguardistas del discursos esencial del rock lo muestra como un referente especialmente interesante dentro de la experimentación rockera europea de los últimos años. Ahora, en 2012, ATLETA vuelve a las andadas con su nuevo disco “Verdad”, un trabajo que dura poco más de media hora pero que concentra una muy satisfactoria dosis de experimentación rockera: lo que hallamos en “Verdad” es un catálogo de diversos diarios de viaje donde la dupla de Jaime L. Pantaleón y José Roselló, sacando muy buen provecho de su “reducido” esquema de trabajo, se aventura por trazar y forjar viñetas sonoras expandidas hasta donde la atmósfera quede finalmente concluida sin que nada le falte o sobre. El caleidoscopio psicodélicamente poliforme de ATLETA se focaliza más enfáticamente en el factor kraut dentro de una visión musical que se mantiene, en sus propios términos, ecléctica en su impetuosa ingeniería.  

‘Eres El Océano’ abre el disco en una onda NEU!-con-HARMONIA, arisco y gentil a la vez: todo un himno al krautrock, su estrategia sónica se basa en elaborar coloridos moderadamente ágiles a partir de una base electrónica de claro tenor minimalista. ‘Brazo Luminoso’ le da un giro space-rockero bastante interesante al asunto, no metiéndose de lleno en esta vertiente de por sí, pero sí dándole un dinamismo lo suficientemente emparentado como para permitir al dúo trabajar con una dosis un poco mayor de fiereza dentro de su encuadre prioritariamente krautrockero. ‘Gran Vía’ vira hacia un refrescante sendero sonoro donde se cruzan el post-rock a lo TORTOISE y la etérea dinámica del nu-jazz dentro de un encuadre donde la refinada amalgama de los dos músicos genera un ambiente de rara calidez, y acto seguido, ‘Atenas’ se hace eco de esta atmósfera para remodelarlo a través de un retornado esquema krautrockero sazonado con un swing de línea “ambient”. El momento de ‘Fe’ es uno de vibraciones pulsátiles donde la magia del éter envolventemente  machacante es manejada con un grácil tratamiento de trucos psicodélicos en las armonías de guitarra, mientras que la batería diseña unas cadencias llamativas. ‘El Tiempo’ se impulsa desde donde terminó ‘Fe’ para intensificar el encuadre rítmico sin perder un ápice de la cualidad envolvente que atraviesa a toda la instrumentación (algo así como un híbrido entre el RADIOHEAD más reciente y GRAILS), mientras que ‘Telepatía Habitual’ se maneja dentro de un registro más adusto, especialmente evidenciado en el tono cortante de varios guitarreos y la vibración grisácea de los trucos electrónicos que entran a tallar en ciertos momentos estratégicos. Los últimos 4 minutos y medio del disco están ocupados por ‘Manchuria’, pieza que culmina el círculo de esta experiencia melómana con un sólido retorno a las dimensiones más enfiladamente krautrockeras del álbum, un poco de CAN (etapa de “Future Days”) por aquí y bastante de NEU! por todos lados.   

“Verdad” es una verdadera proeza de nostalgia por la vieja escuela electrónica del rock que no se queda en cosechar viejas siembras sino que las revitaliza de una manera particular, a punta de ingenio e instinto. Tomando toda la obra editada hasta ahora en conjunto, el diagnóstico general de la importancia de lo que ATLETA crea es que se trata de una banda a la que ya va siendo hora de prestarle atención en el sentido más serio de la expresión.     

Muestras de la obra de ATLETA.-

El Zombi Y El Psi:  http://aloudmusic.bandcamp.com/track/el-zombi-y-el-psi
Sinopsis: http://www.youtube.com/watch?v=cgOw-gkb5MI
Fariseos: http://aloudmusic.bandcamp.com/track/fariseos-2
Fe: http://www.youtube.com/watch?v=fme4WWQLfnM
Gran Vía: http://aloudmusic.bandcamp.com/track/gran-v-a