OBLIVION SUN - desde los más elevados lugares del mundo del rock progresivo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos atención a “The High Places”, el largamente esperado segundo disco de OBLIVION SUN, el vehículo musical co-dirigido por Stanley Whitaker y Frank Wyatt para mantener la llama del fabuloso legado progresivo de HAPPY THE MAN. Parece que fue ayer que el mencionado grupo se reformó con 3/5 de su formación clásica con el disco “The Muse Awakens”, cuya larga gestación pudo finalmente concretizarse en un fabuloso parto musical allá por 2004. Fue una pena que la reactivación de HAPPY THE MAN no prosperara en algo más consistentemente activo, pero la dupla de Whitaker y Wyatt siguió adelante, primero con un disco a dúo titulado “Pedal Giant Animals” y luego con la formación de este nuevo grupo OBLIVION SUN, el cual repetía exactamente el formato estructural de HAPPY THE MAN. Su disco homónimo de 2007 fue recibido por los seguidores eternos de HAPPY THE MAN como otra manifestación de gloria progresiva, y esos mismos elogios deberán reiterarse para “The High Places”. OBLIVION SUN está conformado ahora como cuarteto, con Whitaker usando su rol de guitarrista-vocalista y Wyatt desdoblándose a los vientos y todos los teclados, mientras que David Hughes se hace cargo del bajo y Bill B. Brasso hace lo propio con la batería y las percusiones. El inolvidable héroe colega de Wyatt y Whitaker, el virtuoso teclista Kit Watkins, no es de la partida como músico, pero sí se hace cargo de la producción de sonido. Publicado por el sello Prophase Music a fines de enero pasado, “The High Places” incluye cuatro temas que oscilan entre los casi 3 minutos y 6 minutos y pico de duración, más la ambiciosa suite homónima. Dicha suite es en realidad una expansión fastuosa de la pieza ‘Merlin Of The High Places’, la cual existía desde antes de la publicación del primer LP de HAPPY THE MAN (en el lejano 1977) y que los seguidores de la banda ya conocíamos por la selección de bootlegs titulada “Death’s Crown”. Tenemos, pues, en este disco, una combinación de nuevos retratos y viejos tapices traducidos al ambicioso lenguaje musical del rock progresivo.

‘Deckard’ ocupa los primeros 6 ½ minutos del disco exhibiendo una elegante arquitectura sónica que es prácticamente marca de la casa: ambientes bien cuidados dentro de una ilación meticulosamente definida, motivos desarrollados con estilizado vigor, arreglos rítmicos complejos asentados con ágil soltura, perfecto equilibrio entre el swing del jazz y la sofisticación arquitectónica de la música de cámara en una remodelación genuinamente progresiva. Luego sigue ‘March Of The Mushroom Men’, pieza que compuso Stanley Whitaker inspirado por la estricta dieta que tuvo que seguir como parte de su tratamiento contra el cáncer unos años atrás; esta pieza exhibe un lirismo relativamente más sosegado que el de la pieza precedente, pero cabe resaltar principalmente que las dosis de elegancia y fastuosidad tanto en lo compositivo como en lo performativo siguen siendo las mismas. Rescatada de los tiempos del proyecto PEDAL GIANT ANIMALS (en el que Whitaker y Wyatt volcaron composiciones que no lograron formar parte del disco de retorno de HAPPY THE MAN “The Muse Awakens”), la dulce balada ‘Everything’ supone el primer momento vocal del álbum, y sobre todo, un pretexto para que el oyente se refugie en la rústica choza de la introspección reflexiva tras las sendas exhibiciones de envolvente colorido musical que se dieron en ‘Deckard’ y ‘March Of The Mushroom Men’. El rol dominante de la guitarra acústica y el canto de Whitaker en el desarrollo melódico (inteligentemente ornamentado por sutiles escalas de piano y suaves orquestaciones de teclado a cargo de Wyatt) resulta perfecto a la hora de transmitir un aura de intimidad del alma que se contempla a sí misma observando parte del orden cósmico, todo ello en un espacio de poco menos de 3 minutos. Por su parte, ‘Dead Sea Squirrels’ se mete en terrenos más filudos dentro del paradigma de exquisitez que siempre han ostentado HAPPY THE MAN y OBLIVION SUN: alternando esquemas rítmicos de 7/8 y 4/4, el cuarteto elabora un motivo signado por un auténtico gancho rockero que nos remite fácilmente a un punto intermedio entre el STEVE HACKETT 79-80 y las aventuras jazz-rockeras de JEFF BECK, coincidiendo con el estándar de otra banda estadounidense veterana del prog – HOLDING PATTERN.    

Los últimos 22 minutos y pico del disco están ocupados por la mencionada suite ‘The High Places’, la cual se ha reconstruido y ampliado de tal manera que cuenta con seis secciones sucesivas con títulos autónomos: ‘My Eyes’, ‘Awakening’, ‘Flowers’, ‘The Rules’, ‘The Cage’ y ‘Our Eyes’. La primera sección, que dura poco más de 6 minutos, está a doble cargo de asentar el ambiente general e instalar los motivos principales, lo cual da vuelo para que la segunda sección instale, en su corto espectro de dos minutos, unos pasajes enérgicos cargados de auténtica espiritualidad épica, seguidamente, la tercera sección se basa en un lirismo ágil (al modo de un CAMEL-con-YES). Vale resaltar que esta sección incluye un precioso solo de sintetizador en el que Wyatt logra emular solventemente la creatividad del inolvidable maestro Watkins. La cuarta sección es la segunda más larga de la suite, durando casi 5 ¾ minutos: sus cadencias predominantes son de tenor intimista y romántico, mientras que un breve interludio transita hacia lo juguetón con una cohesión perfectamente pulcra en el desarrollo temático. La coda de piano de esta cuarta sección crea el nexo con la siguiente, siendo así que ésta se encarga de perpetuar el mismo espíritu de solemnidad intimista, pero trasladándola  hacia una sonoridad un poco más fastuosa. Otra coda de piano nos lleva a la sexta y última sección, la cual se encarga de retomar y remodelar los aspectos más pomposos de la primera sección, lo cual permite a la guitarra gozar de un apropiado espacio para lucir un grandioso solo antes del último canto de Whitaker. ¡Un gran final para un excelente disco!

“The High Places” es un disco que no decepciona, se puede sentir un poco corto para los oídos acostumbrados a repertorios de 55-75 minutos de duración, pero con los poco más de 40 minutos que dura este disco, podemos decir que OBLIVION SUN se ha lucido como ha querido… y más. Estos veteranos todavía tienen la garra y la vitalidad de unos críos, y eso es motivo de celebración infinita en el actual escenario del rock progresivo: HAPPY THE MAN no está muerto, sino de parranda en las más elevadas esferas del mundo progresivo actual. ¡¡Recomendado al 150%!!

Muestras de “The High Places”.-
March Of The Mushroom Men: http://www.youtube.com/watch?v=VZuLy76eA6E
Everything: http://www.youtube.com/watch?v=aO2anfZK2t8

APARECIDOS: una refrescante aparición en el mundo de la fusión urbana

 

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Hoy es el turno de APARECIDOS, ensamble ítalo-argentino asentado en Génova que actualmente está conformado por Facundo Moreno [guitarra clásica, charango], Santiago Moreno [guitarra clásica], Tommaso Rolando [contrabajo, bajo eléctrico], Marco Ravera [guitarra eléctrica], Santo Florelli [batería] y Manuel Merialdo [percusiones, glockenspiel]. Rolando y Ravera son integrantes de CALOMITO, accediendo a formar parte oficial de la banda con éste, su segundo disco, “Palito Bombón Helado”, el cual fue publicado por el sello AltrOck en noviembre del año pasado. Este sexteto dedicado a la fusión de jazz vanguardista, folclore hispanoamericano/tropical y las facetas más juguetonas del rock-in-opposition (a lo HAMSTER THEATER) surgió como iniciativa de los hermanos Facundo y Santiago Moreno, quienes emigraron desde su Buenos Aires natal a tierras italianas a inicios del milenio, abrumados por la terrible crisis económica que tuvo lugar en el crepúsculo de la era De la Rúa. Una vez instalados en Italia, los hermanos forjaron una trayectoria musical basada principalmente en la fusión latina y los folclores urbanos, estableciendo nexos con el teatro de la calle. “Lo Que Hay En El Charco” de 2009 fue el primer disco de APARECIDOS, y ahora, con una alineación modificada, nos trae “Palito Bombón Helado”. Las recurrentes intervenciones del violinista Mattia Tomassini y las ocasionales de Filippo Gambetta al acordeón diatónico ayudan bastante a preservar las ambientaciones (ya sean juguetonas o cálidamente relajadas, dependiendo del momento) diseñadas para buena parte del repertorio del disco: vayamos a los detalles del mismo.

 

Ocupando casi 6 minutos de espacio, ‘Tanto Gofio Saremo’ juega con colores y sabores cubanos mientras le da un giro mediterráneo delicadamente extravagante (un poco a lo CALOMITO) desde donde el ensamble cuida la retorcida espiritualidad festiva en curso. ‘La Cumbia Ingles’ sigue a continuación incrementando el aura de alegría: con base de cumbia y florituras de charanguista-guitarreras propias del candor de la cultura criolla centroamericana, el ensamble establece un candor irresistible. Éste es el terreno apropiado para que en algún momento Marco Ravera luzca un solo a lo AL DI MEOLA, generando así un retazo de electricidad en medio del predominante candor. ‘Zamba Del Chaparrón’ parte, claro está, de la dinámica de una zamba, una manifestación de los aspectos reflexivos del folclore pampero. Eso sí, no hay duda de que el ensamble no gusta de quedarse estático en sus viajes sónicos, y ésta no es la excepción: los aires blueseros de la guitarra eléctrica (con slide) y las consiguientes trasmutaciones a cadencias de polca circense que ocurren en el interludio nos recuerdan fehacientemente que APARECIDOS está movido por una espiritualidad netamente extravagante. ‘Camino A Dos Rius’ nos muestra una fluida mezcla de ritmos mediterráneos y brasileños, elaborando un clima de agilidad propio de la idea de estar viajando; el aire coqueto que asume el desarrollo melódico merced a la perfecta amalgama de los instrumentos de cuerda es… ¡simplemente genial! Por su parte, ‘Saracinesca’ nos transporta a paisajes y atmósferas del Cercano Oriente a través de una especie de reconstrucción peregrina de los estándares de HAMSTER THEATER y STABAT AKISH. El ocasional canto de Tatiana Zakharova ayuda a darle un toque ceremonioso a ciertos momentos, mientras que la intensificación del esquema rítmico en la segunda mitad genera un clímax sostenido desde el cual el ensamble explora sabiamente el colorido inherente al motivo central.    

 

‘Amuleto’ tiene base de milonga, a la par que se alimenta del dinamismo jazzero a fin de ganar algo de cálida exuberancia en el desarrollo de su estructura compositiva sin perder la envolvente serenidad básica de la misma: la dupla de guitarras clásicas adopta un lugar más protagónico que nunca en todo el disco. Este momento de relativa calma reflexiva viene contrastada por la inescrutable vibración generada por la breve ‘Impro’, antes de que ‘Peperina En El Semáforo’ cierre el disco al modo de un cénit contundente. En efecto, esta pieza que ocupa los últimos 6 minutos y pico del álbum se basa en una curiosa mezcla de cadencias de milonga y texturas extremo-orientales, convenientemente encapsulada en una ingeniería jazz-progresiva que empieza envuelta en pura sutileza y termina manifestando su etérea luminosidad, sin reservas, a través de una elegante estrategia de dosificación. En los últimos pasajes, el grupo regresa a la sutileza inicial como anticipando la nostalgia de la despedida. Una hermosa manera de terminar un disco tan especial como es “Palito Bombón Helado”, un ítem que ha recibido miles de merecidos elogios en las redes dedicadas a la difusión del jazz, el rock progresivo y la música de avanzada en general. APARECIDOS ha logrado llamar la atención y en verdad que se trata de una banda muy digna de seguir conservándola: tengamos bien presente el nombre de este grupo a la expectativa de próximas obras que produzca en el futuro próximo.     

 

Muestras de “Palito Bombón Helado”.-
La Cumbia Ingles: http://aparecidos.bandcamp.com/track/la-cumbia-ingles
Saracinesca: http://aparecidos.bandcamp.com/track/saracinesca
Peperina En El Semáforo: http://aparecidos.bandcamp.com/track/peperina-en-el-semaforo

CHOLO VISCERAL: menú infernal de la nueva psicodelia peruana

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En esta ocasión presentamos al joven grupo peruano CHOLO VISCERAL, conformado por Joao Orosco a la batería, Manuel Villavicencio  al bajo, la dupla guitarrera de Arturo Quispe y Kevin Lara, Max Vega al saxofón y Nagel Díaz a cargo de los efectos sonoros. El grupo ha subido a la red de Bandcamp su homónimo disco debut en enero pasado (enlace:  http://cholovisceral.bandcamp.com/album/cholo-visceral), pero en sí esta banda ya tiene una cierta veteranía dentro del underground limeño. Hay una movida psicodélica desde donde se arman estupendos festivales de rock psicodélico y experimental: ensambles vigorosos y desafiantes como LIQUIDARLO CELULOIDE MACONDO, TABLA ESPACIAL y otras encarnan este ideal de deconstruir y remodelar el discurso del rock para reflejar las oscuridades eléctricas de nuestra psique. CHOLO VISCERAL pertenece a este ámbito, sustentando una de sus posiciones más robustas: confirmaremos esto tras repasar detalladamente el repertorio de este disco. A inicios de mayo, se dio la buena noticia para los fetichistas de las ediciones físicas: este disco se concretizó como CD real por vía del sello Tóxiko Records.

 

Ocupando los primeros 6 minutos y pico del repertorio, ‘La Rataza’ (término de la jerga criolla peruana con fuerte carga fálica) camina por coordenadas de vigor oscurantista que ponen bien en claro las reglas del juego artístico de la banda. Los momentos de exquisita salvajada lisérgica donde ciertos gritos ocasionales rondan entre lo ritual y lo catártico brindan un contrapunto inquietantemente perfecto a los momentos de energía relativamente mesurada que se desarrollan en buena parte de los pasajes centrales del viaje musical. Tras el breve mantra en fade-out que pone punto final a ‘La Rataza’ emerge ‘Menú De 4’, pieza que pone toda la carne en el asador desde el punto de partida con una bien hilada secuencia de riffs electrizantes y despliegues diversos de vigor rockero que mantienen un magnetismo consistente a través de sus variaciones. Los guitarreos crean una amalgama furiosa e inteligente a la vez, en plena combinación de stoner y space-rock, mientras que el saxo se añade a estas interacciones con perfecta fluidez. También es digno de resaltarse el estupendo nivel de soltura con el que el bajo transita de obrero del esquema rítmico en unos pasajes a brújula en el desarrollo temático de otros. Luego sigue ‘Kión’ con la misión de traducir la fuerza esencial de CHOLO VISCERAL en una auténtica tormenta cósmica desde donde los músicos exploran su capacidad de insertar juegos de misteriosas texturas en medio de pasajes enérgicos. Una vez más, el bajo aprovecha un momento específico del interludio para marcar la pauta de las dobles guitarras; dicho interludio se encarga de elaborar las proyecciones del aguerrido motivo inicial, el cual regresa para un bien desarrollado cierre. La gente de GURU GURU hubiera estado orgullosa de concebri esta idea para alguno de sus tres primeros álbumes… ¡pero esto es CHOLO VISCERAL, señoras y señores!

‘Silvia Escarmiento’ sirve como una ventana abierta hacia la dimensión introspectiva del ideario sónico de la banda: en base al esquema de trabajo del dueto de guitarras, la pieza se transporta por una controlada variedad de atmósferas que finalmente aterriza en un juego evocativo emparentado con el estándar del post-rock. Los últimos 10’50” del repertorio están ocupados por ‘Luzbel: El Pasaje Infernal’, tema que asume la misión de establecer un sólido clímax psicodélico para el mismo, alternando momentos en los que el grupo recapitula y capitaliza su rotundo filo rockero con otros en los que juega con flujos sonoros free-form que sirven para aliviar la tensión latente adentrándose en una misteriosa oscuridad donde la razón no puede explicar signos ni huellas. El violín del invitado Armando Córdova resulta el perfecto cómplice para esta empresa. 

CHOLO VISCERAL es, a fin de cuentas, una banda a la que vale la pena seguir la pista: su combinación de energía, preocupaciones eclécticas y funcionamiento afiatado como ensamble constituyen virtudes que no merecen ser ignoradas. ¡Psicodelia peruana hoy y para siempre!   


Muestras de "Cholo Visceral".-
La Rataza  -  http://cholovisceral.bandcamp.com/track/la-rataza
Luzbel: El Pasaje Infernal  -  http://cholovisceral.bandcamp.com/track/luzbel-el-pasaje-infernal

El etéreo abrazo musical de BATTLESTATIONS

 

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Hoy presentamos al grupo belga sobre cuyos integrantes individuales no hay mucha información, pero que ya tiene dos discos en su currículum por ahora: BATTLESTATIONS. Este ensamble formado en Bruselas a inicios de 2009 cultiva una variante de post-rock que parece diseñada para obras distópicas o películas de ciencia- ficción, pues la sonoridad general de sus composiciones se muestra íntimamente hermanada con el aura flotante del space-rock en sus facetas más calmadas, así como con los estándares cibernéticamente reflexivos de línea ambient. Habiendo debutado fonográfico en junio de 2011 con un disco homónimo, le tomó menos de un año completar un nuevo disco titulado “In A Cold Embrace”, el mismo que pasamos a reseñar a continuación.

‘Prologue: Nature Morte//You’re Not Welcome Here’ ocupa los primeros 13 ¼ minutes del álbum, y lo hace pasando de una introducción envolvente signada por una parsimonia cósmica hasta un convincente despliegue de relajadas ambientaciones y texturas lisérgicas donde confluyen el estándar de MOGWAI y la faceta introvertida de GYBE!, conjuntamente reformuladas por una estilizada sensibilidad electrónica que muy bien podría hacernos recordar al TANGERINE DREAM de inicios de los 80s, así y el patrón antecedente del shoegaze. El grupo maneja con buen pulso la dinámica minimalista que se impone en el desarrollo temático de la pieza, permitiendo así que se mantenga un interesante nivel de colorido dentro de lo que evidentemente es el reinado de la musicalidad etéreamente grisácea. Un estupendo comienzo que prepara el terreno para la siguiente pieza ‘Comrade//The Way We Grieve’, pieza que lleva la esencial dimensionalidad reflexiva de la banda hacia un esquema de trabajo más filudo, casi al modo del MONO de los primeros años, aunque preservando también la perpetua huella del MOGWAI clásico en cuanto a su talante oscuramente meditabundo. Este detalle se hace notar particularmente en la última sección. En líneas generales, ‘Comrade//The Way We Grieve’ está atravesado por una atmósfera eminentemente cinematográfica donde se engarzan las pulsaciones de los riffs y rellenos armónicos de las guitarras y las capas orquestales de teclado, sobrias éstas en la superficie pero tremendamente influyentes en el trasfondo.

Con ‘Interlude: Time Stands Still’ se nos muestra una serie de planchas de teclado que emulan ambientes a lo PHILIP GLASS con semblanzas del minimalismo cuidadoso de un BRIAN ENO, un momento de misterioso relax que anticipa la emergencia de ‘Breaking Bad News//The Faces We Remember’. En efecto, esta pieza que dura casi 7 minutos está diseñada para reflejar los aspectos más ensoñadores del ideario musical del ensamble, portando varios aires de familia con las sonoridades que antes habían sido predominantes en ‘Prologue: Nature Morte//You’re Not Welcome Here’ pero que ahora son transportadas hacia rincones más escondidos de las vibraciones más solipsistas de la mente, allí donde brilla una luz encapsulada en sí misma. En fin, el disco concluye con ‘The Semblance Of Fate//Citizen Creep//The End’, pieza que en buena medida puede identificarse como una síntesis de las pautas de las piezas primera y cuarta, con dos añadido especiales: uno consiste en el énfasis que se pone en algunos parajes en desarrollar atmósferas etéreas a un nivel épico; el otro consiste en la creación de un aura de inquietante nostalgia en los dos motivos finales (un tanto Floydianos, valgan verdades), como si una vieja tristeza pujara por salir al frente después de haber sido bloqueada por la mente durante un tiempo. Este último recurso permite que se cree la situación perfecta para completar el viaje emocional que supone escuchar el disco disfrutándolo mientras se aprecia la integralidad de su repertorio.   

“In A Cold Embrace” es el disco que debe confirmar el lugar importante que merece tener BATTLESTATIONS en las mentes y oídos de los melómanos interesados en apreciar el estado actual de la vanguardia rockera en el área del post-rock y hallar ideas refrescantes dentro de la oscuridad emocional naturalmente esencial al género. Este ensamble maneja con cuidado y vigor su discurso musical, que se puede describir sucintamente como un abrazo musical etéreo y calmado.

 

Muestras de “In A Cold Embrace”.-
Nature morte // You're Not Welcome Here: http://www.youtube.com/watch?v=UFRTrjEFqD8 
Comrade//The Way We Grieve: http://www.youtube.com/watch?v=E8Hhb-zc9Ts

El retorno al mañana de LA MASCHERA DI CERA

 

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Hoy es el turno de hablar del nuevo disco de LA MASCHERA DI CERA “Le Porte Del Domani”, el cual es una secuela del clásico de LE ORME "Felona e Sorona". Vaya, una curiosa idea realmente, y estamos seguros de que LA MASCHERA DI CERA cuenta con suficiente madera y energía para ofrecer un homenaje realmente magnífico al mencionado concept-album de LE ORME, el cual cumple su 40mo. aniversario justamente en este año, y que en su momento significó un punto de referencia para el auge tanto artístico como comercial del rock progresivo italiano de primera generación. Completando esta actitud de tributo, “Le Porte Del Domani” contará también con una versión cantada en inglés. Para esta gesta, LA MASCHERA DI CERA regresa al formato de quinteto pre-"Petali Du Fuoco": Alessandro Corvaglia [voz, guitarras acústica, eléctrica y de 12 cuerdas], Maurizio Di Tollo [batería, percusiones surtidas, coros y algo de mellotrón], Agostino Macor [pianos acústico y Fender Rhodes, órganos Hammond y Crumar, mellotrón, birotrón, Chamberlain, Mini-Moog y otros sintetizadores, Corvaglizer, mandolina y campanas], Andrea Monetti [flautas] y Fabio Zuffanti [bajo, pedales Moog Taurus y campanas]. Para esta aventura, el quinteto contó con las asistencias ocasionales de los ilustres invitados Martin Grice (el heroico vientista de DELIRIUM) y la guitarrista Laura Maenga. Pasamos a reseñar la versión italiana de este proyecto.

 

 

Durando poco más de 8 ½ minutos, la pieza de apertura ‘Ritorno Dal Nulla’ empieza con un generoso preludio instrumental que porta todas las trazas esenciales de LMDC; en el desarrollo multi-temático se incluyen citas de los riffs de órgano y orquestaciones de Moog del primer tema de “Felona E Sorona” (‘Sospesi Nell’Incredibile’). Cuando poco antes de llegar a la barrera del quinto minuto emerge por primera vez la roncamente exquisita voz de Alessandro Corvaglia, la ambientación general se torna solemne con una majestuosidad imponente, llegando casi a hacernos creer que el bloque sonoro se ha asentado en territorio de HÖSTSONATEN. ‘La Guerra Dei Mille Anni’ parte de un ritmo marcial para elaborar una cadencia de danza pastoral, base para un ejercicio de hibridación DELIRIUM-PFM: la fastuosidad de los arreglos que marcan los pasajes finales es crucial para la conexión con la tríada que sigue a continuación.

La dupla de ‘Ritratto Di Lui’ y ‘Ritratto Di Lei’ se asienta en el ecuador del repertorio de una forma bastante reveladora: ambas piezas ostentan un aura intimista dentro de un ropaje sonoro cósmico donde la serenidad y la melancolía se funden en una sola emoción. Haciendo una comparación entre ellas, cabe advertir que ‘Ritratto Di Lei’ lleva esta ambientación hacia una dimensión más sofisticada. En medio de ambos retratos musicales, ‘L’Enorme Abisso’ encarna una elegante demostración de furia colorida, propia de las herencias de MUSEO ROSENBACH, ALPHATAURUS, BIGLIETTO PER L’INFERNO y la faceta más agresiva de  BANCO DEL MUTUO SOCCORSO que desde siempre conformaron el leitmotiv de la banda: de hecho, esta canción en particular focaliza un energizante retorno a los dos primeros álbumes. Si ‘L’Enorme Abisso’ significa una exploración en el núcleo definitorio de LMDC, lo mismo vale decir de ‘Viaggio Metafisico’ con un factor añadido de robustez, pues funciona como un poderoso recordatorio de la magia que podría haber resultado de un jam organizado por un combo de miembros de METAMORFOSI y OSANNA.



 

Tras la conclusión de estos contundentes viajes progresivos que celebran las dimensiones más musculares de la tradición sinfónica italiana, se suceden sendas demostraciones de ensoñación señorial encarnadas respectivamente en ‘Albe Nel Tempio’ y ‘Luce Sui Due Mondi’: con la ilación de estos dos temas, la banda explora el talante elegante de su faceta más introspectiva en su más auténtica majestuosidad, siendo así que las cortinas de teclados (especialmente las de mellotrón) asientan la arquitectura sónica en curso. El desarrollo climático de esta dupla prepara el terreno para el imponente florecimiento de ‘Alle Porte Del Domani’, pieza que ocupa los últimos 5 minutos y pico del álbum. Este epílogo instrumental elabora un impetuoso viaje de pulsaciones sinfónico-siderales, dueño del típico vigor de LMDC, y con sus infaltables citas de ‘Ritorno Al Nulla’ (la pieza que cerraba “Felona e Sorona”) antes del golpe final. Así se completa el concepto cósmico de “Le Porte Del Domani”, la nueva exploración de LA MASCHERA DI CERA en los legados y recovecos de su propia tradición nacional en busca de nuevos sueños y nuevas revitalizaciones. La idea salió bien y los más beneficiados somos los coleccionistas sinfónico-progresivos de siempre.

 

 

 

 

Muestras de “Le Porte Del Domani”.-

La Guerra Dei Mille Anni [vídeo-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=E89x7XsOFH8 

L'Enorme Abisso: http://fabiozuffanti.bandcamp.com/track/lenorme-abisso
Ritratto Di Lei: http://fabiozuffanti.bandcamp.com/track/ritratto-di-lei 

La nueva temporada musical de ALDO PINELLI

 

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Hoy tenemos en nuestras manos el más reciente trabajo solista del argentino ALDO PINELLI, quien volvió a superarse a sí mismo con su más reciente trabajo “Temporada de Lluvias”, publicado en el último cuarto de 2012. Este siempre ocupado músico y compositor (que también funge como figura líder del grupo HÁBITAT) ha recopilado una nueva serie de composiciones grabadas en varias sesiones de grabación que tuvieron lugar en los años 2010, 2011 y 2012, con una exhaustiva labor de mezcla y masterización que se prolongó entre octubre de 2011 y setiembre de 2012. El resultado final de esta labor se traduce en una remodelación importante y sugerente de los estándares de lirismo intimista que ALDO PINELLI ha hecho suyos en la secuencia de sus tres discos anteriores “Montañas, Bosques Y Lagos”, “La Era De Melania” y “Mantos Y Tapices Sobrepuestos”: ahora la magia predominante de su visión musical enfatiza lo melancólico, lo misterioso, lo crepuscular, entrando incluso en una nocturnidad abrumadoramente triste en ciertos momentos cargados de intensidad emocional. Repasemos los detalles de “Temporada De Lluvias”.

La pieza homónima abre el álbum con una majestuosidad fabulosa, basada en el lirismo absorbente que las ceremoniosas escalas de piano proyectan bajo el abrigo de capas de teclado y texturas de guitarra eléctrica. Con las intervenciones del cello, el aura de la pieza se acrecienta oportunamente, dejando paso al ingreso de la guitarra clásica como nuevo protagonista de las variaciones emergidas del motivo central en el interludio, antes de que el piano regrese para redondear la idea. Tras estos 5 minutos de gloria introvertida, ‘Observando Por Sobre Los Charcos’  y ‘Pasaje Siete’ desarrollan sendos ejercicios impresionistas donde lo grisáceo y lo calmo se fusionan en una única fuente sónica; por su parte, ‘Mujer Con Paraguas (Con La Cara Mojada)’ se focaliza en una atmósfera serenamente triste, amablemente melancólica, guiada por el canto que narra el correlato éntrela lluvia exterior y el tormento interior de una anónima transeúnte. Cuando emerge ‘Avenidas Invernales’, PINELLI deja aflorar su dimensión progresiva con total soltura, convenientemente asistido por el baterista Roberto Sambrizzi y por Paula Dolcera al cello. Portando una ambientación semejante a la que antes hallamos en ‘Observando Por Sobre Los Charcos’, el ensamblaje sonoro destila una fluida combinación de expresividad colorida y espiritualidad etérea. Tras este clímax, ‘Estudio 4’ nos transporta a una interioridad sutil semejante al ideario musical del maestro ERIK SATIE. ‘Los Que Nadan’, otro tema cantado, es una pieza muy rara, una gema peculiar dentro del repertorio del álbum: dentro de una base melódica que inicialmente parece inspirada en estándares tangueros, PINELLI y el baterista Sambrizzi incorporan un interludio en clave de free-jazz.

‘La Primavera Que Llegó Después (Danza)’ exhibe sin tapujos el amor que PINELLI siempre ha sentido por la tradición palaciega renacentista, lo cual se reitera poco después bajo una arquitectura más sofisticada en ‘Si La Lluvia Pudiese’. Por su parte, la secuencia de las piezas ‘Báltico’ y ‘Sorpresa De Agua’ nos lleva a parajes sonoros más inquietos, cargados de una bien llevada densidad más inclinada hacia lo misterioso en la primera y más inclinada hacia lo oscurantista en la segunda. Esta dupla genera un nuevo clímax dentro del álbum que se ha de reforzar poco después con una remodelación un poco más calmada cuando emerge ‘Arroyos Desbordados: Los Techos De Las Casas De Los Pobres’, pieza que lleva la dimensión melancólica de la visión musical de PINELLI a una dimensión mágica. ‘Llueve Sobre El Mar’ se proyecta desde este clímax hacia un intimismo crepuscular. ‘Una Casa De Té En Gaiman’ nos devuelve a momentos de relajante placidez con la estructura pastoral en la que se desarrolla su hermosísimo motivo central. ‘La Lluvia Habla’ cumple con la fascinante misión de hacerse eco de la densidad de algunas de las piezas anteriores bajo un esquema netamente pastoral: los aportes del cello y los etéreos ornamentos de teclado ayudan crucialmente a concretizar esta visión, mientras que ‘La Cumbre, Un Pueblo Entre Sierras’ cierra el álbum con un color sinfónico bien sustentado sobre un motivo inicialmente instalado en una sencillez bucólica. Un hermoso cierre para un hermoso álbum que nos muestra a un ALDO PINELLI siempre dispuesto a abrir nuevos horizontes

 

 

Muestra de “Temporada de Lluvias”.-
Arroyos Desbordados: Los Techos De Las Casas De Los Pobres: https://soundcloud.com/#pinelli/arroyos-desbordados-los-techos

AMAROK: retrospectiva desde Gouveia Art Rock 2005

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca hablar de AMAROK… ¡AMAROK!, esa inolvidable banda dirigida por el multi-instrumentista oriundo de Venezuela Robert Santamaría (luciéndose aquí a los teclados, la guitarra acústica de 12 cuerdas y el saz) que se instaló en tierras catalanas a inicios de los 90s para rehacer su visión musical, pasando de una inicial exploración de híbrido de folk-rock y new age hacia una robusta y ambiciosa propuesta progresivamente ecléctica donde el sinfonismo, la World Music, el jazz-fusión y la experimentación vanguardista se conjugaban en sonoridades inmensamente ricas y exóticamente enérgicas. AMAROK está fuera de actividad desde hace varios años, siendo “Sol de Medianoche” su último trabajo de estudio, pero su legado es vital para entender el empuje de la sección española del revival progresivo de los 90s y el nuevo milenio. Fue durante la gira de promoción del disco anterior a “Sol De Medianoche”, “Quentadharkën”, que el Santamaría y sus “secuaces” (Alain Chehab al bajo y oud; Mireia Sisquella a los saxos soprano y alto y teclados adicionales; Pablo Tato a la guitarra eléctrica y coros; Marta Segura a la voz y percusiones; Manel Mayol a la flauta, flautín, didgeridoo, percusiones y coros; y Renato Di Prinzio a la batería, tabla y derbouka) ofrecieron la impresionante actuación en la edición 2005 del festival de art-rock en la localidad portuguesa de Gouveia que aparece registrada en este disco llamado simplemente “Gouveia 2005” (aunque en la portada aparece un horrible error de tipografía en el nombre de la susodicha ciudad portuguesa), publicado en tándem por Azafrán Media y Musea Records en 2012. Originalmente planificado como un DVD que documentara abiertamente a la banda en su mejor momento, al final la logística mandó que solo fuese posible su edición en estricto formato de audio… pero está bien, pues lo que se experimenta aquí es simple y llanamente genial.

 

 

Como es natural, el material de “Quentadharkën” es predominante en el repertorio seleccionado para esta ocasión, tal vez “demasiado” predominante en desmedro de ítems del también fabuloso disco “Mujer Luna” que le precedió. Pero como sea, es con ‘M’Goun’, pieza original del disco “Tierra De Especias” (disco del año 2000 que fue con el que Marta Segura ingresó al grupo) que comienza el disco, instalando una vibración energética muy oportuna, empapada de exóticos colores mozárabes y vuelos psicodélicos que inundan grácilmente el pletórico esquema sonoro perpetrado por el ensamble. ‘El Mestre De La Caverna’ (original de “Gibra’ara”) hace lo propio, haciendo que el sortilegio sónico se intensifique en exuberancia a la par que se vuelve un poco más ensoñadora: menciones especiales van a las alternancias de flauta y saxo a la hora de complementar y expandir los delirios melódicos de las partes cantadas en el desarrollo de la coda. El entonces nuevo disco empieza a hacer acto de presencia con 3/5 de la suite homónima, y es aquí donde AMAROK desata los caballos de la dimensión épica de su propuesta musical, haciéndolos correr por organizadas praderas caleidoscópicas donde las melodías, texturas y cadencias arman cautivadores recursos de fastuosidad. Pablo Tato, alquimista de PSICOTROPIA, permite a su guitarra amalgamarse de forma muy consistente al ideario de AMAROK. Una buena decisión es que ‘Hsieh’ sea la pieza que sigue a continuación, pues al fungir como perfecto ejemplo del modo en que la banda concretizó una mezcla progresiva de rock y jazz para capitalizar sus diversas investigaciones modernizadas en el folk y la World Music, conserva el momentum de intensidad y solemnidad iniciado por ‘Quentadharkën’. De paso, reiteramos cuán bien se integra Tato al bloque sonoro integral.

 

 

Con la alegría vitalista de ‘Mujer Luna’ y el colorido travieso de ‘The Last Of The Lasts’, se respiran aires de fiesta y jolgorio donde la espiritualidad lúdica se combina con la sencilla sensualidad del “joie de vivre”. Como anécdota, esta última pieza es un adelanto del siguiente disco “Sol De Medianoche”. ‘La Espiral’ es un delicioso homenaje a los aires y especias de las tierras arábigas, curtido con refinados aires fusionescos que finalmente conducen a un clímax inapelable; por su parte, ‘La Útima Expedición’ encarna una de las manifestaciones rockeras más decisivas de toda la historia de AMAROK, un motivo ideal para combinar las influencias de GENESIS, GENTLE GIANT y EMERSON, LAKE & PALMER dentro de un esquema de trabajo perfectamente reconocible como peculiar de la banda en sí. Sin duda que ‘La Última Expedición’ es una pieza muy efectiva para crear un cierre explosivo, pero todavía nos queda ‘Laberintos De Piedra’ (original de “Gibra’ara” y retomada en “Quentadharkën”) para cerrar el evento con un fulgor exquisito y un swing contagioso.

 

 

 

Cerramos nuestra reseña confesando que no podemos agradecer lo suficiente a la asociación de Azafrán Media y Musea Records por rescatar este trascendente testimonio fonográfico de lo que significaba AMAROK como fuerza de energía musical. El legado de Robert Santamaría y sus “secuaces” nunca morirá mientras guardemos espacios en nuestras agendas audiófilas para disfrutar de sus varios trabajos de estudio y de “Gouveia 2005”.

Muestras de “Gouveia 2005”.-

M’Goun: http://www.youtube.com/watch?v=aP1O41Kn32U
El Mestre De La Caverna [extracto]: http://www.youtube.com/watch?v=ghsaJxIcLlw

Los nuevos conjuros progresivos de HERD OF INSTINCT

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de hablar sobre el grupo estadounidense HERD OF INSTINCT, que acaba de publicar su segundo disco “Conjure” para que suceda al esplendoroso disco debut homónimo de hace un par de años. La asociación de HERD OF INSTINCT con la leyenda viviente del rock experimental estadounidense DJAM KARET no se limita solamente al hecho de que el sello de éstos, Firepool Records, produce y edita sus álbumes: resulta que ahora se une como miembro permanente Gayle Ellett tocando el mellotrón, el sintetizador Moog el piano eléctrico Fender Rhodes, el órgano Hammond y la dilruba (un instrumento de cuerda de la India) a los originales Jason Spradlin [batería y programaciones], Mike Davison [guitarras eléctricas, acústica de 12 cuerdas y sintetizada] y Mark Cook [guitarra Warr, guitarra eléctrica, bajo sin trastes y programaciones].   

‘Praxis’ abre el disco con un aura mayormente relajada donde la conjunción de los esquemas estandarizados del ambient y el jazz-rock marcan la pauta de la sonoridad general de la pieza. Los momentos donde los niveles de energía expresiva aumentan están inteligentemente controlados a fin de que se mantenga la coherencia temática con suma pulcritud. Una anécdota interesante es la presencia del invitado especial al bajo sin trastes de Colin Edwin (de PORCUPINE TREE, una presencia que será después repetida en el undécimo tema ‘A Sense Of An Ending’). Otro detalle interesante es el solo de flauta a cargo de Bob Fisher, el cual llena de exótica magia el momento donde aparece. Acto seguido, con la dupla de ‘Dead Leaf Echo’ y ‘Brutality Of Fact’, el grupo explora colores y texturas más sólidamente rockeras: el primero establece un elegante viaje space-rockero bien articulado bajo una arquitectura reconocible que a veces coquetea con el prog-metal, mientras que el segundo se adentra convincentemente en territorios del KING CRIMSON 90ero y GORDIAN KNOT. Durando casi 6 minutos, ‘Alice Krige Pt. 1’ se proyecta hacia una vía sonora muy diferente: calmada, ensoñadora, como reflejando un pensamiento peregrino que no se logra focalizar del todo – más específicamente, el grupo desarrolla un jam fusionesco donde redefine los estándares del World Music bajo una pauta psicodélica de fuerte raigambre ambient. La participación de varios invitados – Bob Fisher a la flauta de nuevo, Joel Adair a la trompeta y Joe Blair a la guitarra lap steel – resulta crucial a la hora de enriquecer la paleta sonora a la par que se mantiene el equilibrio que la amalgama integral exige en un momento musical diseñado para la ensoñación. ‘Solitude One’ también tiene fuertes huellas de ambient y psicodelia flotante en su desarrollo, pero en vez de limitarse a replicar el espíritu general de la pieza precedente, lo que hace es proyectarse hacia un controlado crescendo rockero (al estilo de UPPER EXTREMITIES-con-GORDIAN KNOT) a medida que se va reforzando el motivo básico en su último minuto y cuarto. Los teclados adicionales de Lisa Lazo suponen un buen recurso para llenar espacios. Por su parte, ‘Ravenwood’ instaura una exhibición de refinamiento en su cuerpo central y el arreglo de sus atmósferas, ofreciendo una sonoridad que bien nos puede recordar al DJAM KARET del “Recollection Harvest”, aunque con un vigor más atenuado de acuerdo a las exigencias líricas de la composición en curso.

‘Mother Night’ es una pieza donde el mellotrón ocupa un lugar importante dentro de la instrumentación: denso y tal vez también tétrico a un nivel moderado (aunque sin llegar a los niveles de intensidad de unos MORTE MACABRE o unos ANEKDOTEN), ‘Mother Night’ hace justicia a su título al reflejar un aura de misteriosa nocturnidad en su desarrollo temático. Con la dupla de ‘Vargtimmen’ y ‘Malise’, HERD OF INSTINCT vuelve a generar refrescantes luminosidades sónicas, estando ambas piezas coincidentemente armadas en torno a vuelos psicodélicos de herencia Crimsoniana y dinamismos jazz-rockeros en las estructuras rítmicas: en todo caso, se nota que la primera tiene una tendencia más ceremoniosa en el armado de su cuerpo central, mientras que la segunda ostenta un filo más agresivo. Solo queda un cuarto de hora de disco y la magia progresiva aún tiene mucho combustible que quemar en su camino hacia el final: ‘New Lands’ es exultante (casi llegando a lo Yessiano en algunos pasajes) dentro de la arquitectura de su ágil vibración rockera; ‘A Sense Of An Ending’ enarbola un aura contemplativa que hermana a HERD OF INSTINCT con el DJAM KARET 2001-2005; finalmente, ‘The Secret Of Fire’ porta una calidez robusta en el fastuoso arreglo general del motivo central, concretizando un radiante cierre para el disco con una elegante coda lenta.

HERD OF INSTINCT nos ha demostrado con “Conjure” que tiene bien ganado un sitial dentro de la primera fila de la vanguardia rockera estadounidense del último lustro. La banda se muestra capaz de mantener una lucidez consistente en cuanto a la autocomprensión de su visión musical, a la par que se aventura a explorar y expandir nuevas texturas emergidas de ella, y ésa es la razón principal por la que recomendamos su presencia en toda colección de rock que se precie de buena.   

 

Muestra de “Conjure”.-

New Lands: http://www.youtube.com/watch?v=SWuo2sO1bTI