KOTEBEL nos brinda un fabuloso Concerto progresivo... ¡y mucho más!

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Hoy tenemos la privilegiada ocasión de hablar del ensamble hispano-venezolano KOTEBEL y su nueva obra magna titulada “Concerto For Piano And Electric Ensemble”. Post-producido y editado durante los últimos meses de 2011 pero recién lanzado al público a inicios de 2012, este disco prosigue por la senda de expansión melódica y riqueza cromática desarrollada a través de la genial tríada de “Fragments Of Light”, “Omphalos” y “Ouroboros”, a la vez que explora nuevos matices y recursos de boato musical; es decir, encontramos en “Concerto For Piano And Electric Ensemble” tanto una conexión con un sello reconocible dentro del rock sinfónico del nuevo milenio como una vía hacia nuevos senderos sonoros. Esta compleja obra fue grabada a partir de tomas en vivo en los Estudios Infinity de Madrid, en los días 17 y 18 de setiembre de 2011. Exige toda una disciplina mental y toda una intuición emocional el tener en la mente, con total claridad y distinción, todas las ideas melódicas, atmósferas y esquemas rítmicos de composiciones tan prolijas y sofisticadas como éstas: pero tal como se muestra en el fáctum de este álbum, no es imposible. Hay que tener en cuenta que el ‘Concerto’ del título no es el único concepto musical del disco; también hay otro titulado ‘The Flight Of The Hippogriff’, además de un tema que se cuela en medio de las dos partes de este segundo concepto, y un bonus track registrado en noviembre de 2009. Al igual que en “Ouroboros”, la formación de la banda es como quinteto instrumental: Carlos Franco Vivas (batería y percusión), César García Forero (guitarras eléctricas, acústica y española), Jaime Pascual Summers (bajo), Adriana Nathalie Plaza Engelke (piano de cola) y Carlos Plaza Vega (teclados electrónicos).



El ‘Concerto’ del título ocupa los primeros 43 minutos del álbum en una secuencia de cuatro partes. El ‘Adagio Maestoso’ pone en funcionamiento las cosas comenzando con una ceremoniosa serie de capas de sintetizador desde donde emerge, tras un tentativo “preludio dentro del preludio”, un excitante cuerpo en 7/8 en el que el grupo desarrolla una arquitectura ágil y rica en matices. A continuación, la pieza vira hacia un pasaje lento que porta una alucinante magia evocativa: en algún momento, la dupla rítmica se focaliza en un swing de orientación jazzera, lo cual aporta una interesante variante en este pasaje particular. Poco antes de pasar la barrera del sexto minuto y medio, el grupo se dispone a regresar a la aureola expansiva, esta vez alimentada con ciertos aires fusionescos: transitando por momentos extrovertidos y otros introvertidos, hilando aventuras a través de pasajes de tendencia disonante y otros más líricos, la banda se da bastante maña para completar el cuadro sonoro del ‘Adagio’ con una exhibición de esplendor progresivo en su más pura expresión esencial. El tono sereno que adopta el ensamble en el pasaje final se siente como el sobrio aterrizaje que concluye un vuelo intenso y multicolor. La siguiente sección del ‘Concerto’, ‘Lento Cantabile’, se concentra inicialmente en un aura reflexiva, basada principalmente en las interacciones cristalinas entre piano y guitarra acústica más la adición de delicadas texturas de sintetizador. Pero a medida que avanza la sección, el temple se fortalece y la fuerza expresiva del colorido patente de la composición sale a relucir con un dinamismo exquisito, tremendamente exquisito, tal vez emparentado con los legados de HAPPY THE MAN y del KEITH EMERSON más introvertido. La coda redondea la faena con una retoma de los parajes introspectivos iniciales. ‘Vivo Scherzando’, la tercera sección, se explaya en atmósferas extrovertidas desde el punto de arranque, siendo así que los desarrollos atonales de los teclados y el tenso lirismo de la guitarra eléctrica aportan una dinámica inquieta, la cual ostenta su espiritualidad arrolladora sin que el grupo pierda una molécula de su sentido de la elegancia. Esto parece chamber-rock Univers-Zeriense “retorcido” hasta volverse sinfónico (en paralelo con lo que actualmente hacen bandas como SKE), y contaminado con razonables cuotas de ornamentos fusionecos en algunos puntos. El calmado interludio de piano deriva la pieza hacia una renovadora dimensión reflexiva, lo cual permite a la banda íntegra sopesar la creación de un ceremonioso clímax que incluye un reprise del primer motivo central. La cuarta y última sección, ‘Allegro Moderato’, es la más larga, con sus casi 14 minutos y medio de duración. Su función es la de redondear el concepto del ‘Concerto’ con una elaboración urgente de la elegancia explosiva que KOTEBEL convierte en su “marca registrada” dentro del lenguaje progresivo. En efecto, varias de las secciones más extrovertidas son las que contienen las mayores dosis de punche rockero, mas también hay otros momentos introspectivos que retrotraen nuestras mentes hacia atmósferas antes encontradas en el ‘Lento Cantabile’. El clímax cerca del final también merece una mención notable, pues nos impulsa a seguir estimulando la imaginación desde nuestra posición de oyentes una vez que advertimos que todavía falta que se desarrolle un pasaje lento para que llegue la verdadera conclusión.

‘The Flight Of The Hipogriff’ es un concepto que llega en dos partes. La idea integral es lúcidamente compleja a través de una consistente articulación. La primera de estas dos partes refleja una estilizada combinación de arquitecturas Gentle-Giantianas, retazos aguerridamente sombríos de corte chamber-rock y densas atmósferas jazz-rockeras. Los torturados fraseos de la guitarra son manejados con infinita elegancia mientras los teclados completan un minucioso cuadro de orquestaciones bizarras. La segunda parte adopta una actitud más contenida, siendo así que el factor jazzero que entra a tallar como faceta dominante en su cuerpo central permite que se instale una calidez absorbente y cautivante en el bloque sonoro grupal. En medio de estas dos partes de ‘The Flight Of The Hipogriff’ se sitúa ‘Dance Of Shiva’, una pieza que porta varias confluencias con las propuestas de RIO modernizado ofrecidas por YUGEN y SKE: desarrollos armónicos inauditos, momentos cargados de inquietante misterio, parajes percusivos de orientación fusionesca, todo esto y más encontramos en esta magnífica composición. El disco se termina con el bonus track ‘The Infant’ que mencionamos en el primer párrafo: el tema ejemplifica esa multidimensionalidad que KOTEBEL domina con tanta solvencia a la hora de renovar la tradición sinfónica, insertando cadencias jazz-rockeras y matices vanguardistas al meticulosamente calculado desarrollo melódico de turno. La presencia del saxo a cargo del invitado Fran Mangas ayuda a realzar las texturas y adornos del sintetizador. Por alguna razón, el esquema sonoro general de esta pieza nos remite al encuadre global del álbum “Omphalos”.

No acaba con el disco la experiencia de “Concerto For Piano And Electric Ensemble” en sí, sino que también viene acompañado de un DVD donde aparece el quinteto en pleno ejecutando la suite dentro del entorno controlado de un estudio: es una delicia ver a la banda en acción, dando muestras en sus rostros y lenguajes corporales de la vivacidad y concentración mental ejercidas por cada miembro del grupo.

Concluyendo, “Concerto For Piano And Electric Ensemble” es una resplandeciente joya musical de primerísimo nivel, rebosante de imponentes niveles de inspiración y vigor. KOTEBEL confirma por enésima vez su enorme valía dentro del mundillo progresivo persistente en el nuevo milenio, tanto a nivel español como mundial. ¿Evaluación final para esta nueva obra maestra de KOTEBEL? Matrícula de honor, y como tal es recomendada, ¡¡recomendadísima!!, como ítem progresivo en cualquier buena colección. 
                                                         

 Muestras de “Concerto For Piano And Electric Ensemble”.-

Vivo Scherzando [Sección III del Concerto For Piano And Electric Ensemble]: http://www.youtube.com/watch?v=YCYEyC1nw3c  

The Flight Of The Hippogriff (Part II): http://www.youtube.com/watch?v=fl4bPa48h4s  

ATTILION: rock prog indonesio desde 2011 a 2012

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Hoy es ocasión de sacar a colación al power-trío instrumental indonesio llamado ATTILION, el cual se dedica a cultivar un estilo progresivo ricamente alimentado de sonoridades psicodélicas, grooves de tendencia jazzera, expresiones de fuerza hard-rockera y un dinamismo introspectivo cercano al post-rock. Formado en noviembre de 2006 bajo la iniciativa del guitarrista Bowo C con la intención de crear una modalidad experimental y refrescante de rock inspirada en KING CRIMSON, MAHAVISHNU ORCHESTRA, PINK FLOYD y LED ZEPPELIN, la banda es muy proclive a crear pequeñas armazones compositiva para, a partir de ellas, elaborar, asentar y rearmar climas en un ambiente de libertad donde confluyen el flujo orgánico del jazz y la robustez propia del rock, incluyendo varios elementos adicionales en beneficio de la expansión de la paleta sonora de la banda. Los compañeros de viaje de Bowo C son ek baterista Agung Raintung y el bajista Giancarlo Indita Thory Burnama. Su disco debut “It Must Be” fue publicado en la segunda mitad de 2011, y lo pasamos a reseñar a continuación.

‘Allowances’ abre el álbum con un inconfundible aire de distinción, una sobriedad tan cautivante como envolvente que, con todo, deja espacios dentro de su esquema para la expresión de genuina energía: los fraseos Holdsworth-Beckianos de la guitarra se acomodan grácilmente sobre las cadencias elaboradas por la dupla rítmica. ‘Rex’ nos lleva hacia los linderos más intimistas del legado de MAHAVISHNU ORCHESTRA de los primeros tiempos, con lo cual logra pintar un retrato cósmico etéreo donde los colores están conformados por sonidos. Eso sí, cuando hace presencia el solo de guitarra, se concretiza un recurso de intensidad bastante llamativo, relevante para generar oportunos destellos de vitalidad en medio de motivo en curso. ‘Noon’ y ‘Europa’ logran sucesivamente completar el cuadro sonoro de la banda con claridad y solvencia. El primero de estos temas es un ejercicio de psicodelia misteriosa y reposada donde la dupla rítmica se focaliza mayormente en sustentar un espartano compás marcial, mientras que la guitarra veces opera como voz acompañante y otras veces va a contrapelo con filudos solos que desarrollan fumarolas grisáceas; por su parte, el segundo se sostiene sobre una base post-rockera recurrente, dejando que su cuerpo central derive fluidamente hacia mecanismos progresivos que van entre lo Crimsoniano y el estándar de AGITATION FREE. ‘Saturn Fill’ regresa al aura intimista de ‘Rex’, ahondando en sus exploraciones hasta llevarnos hacia una dimensión donde lo introvertido se hace textura, al modo de un jardín de potenciales sonidos que se deja regar por las aguas de un manantial de matices bajo una suave bruma de silencio. Con ‘Mr. Gallagher’s Exotic Farm’ llega un interesante contraste de extroversión y dinamismo: jazz-rock ágil, alimentado con matices de sofisticación típicamente progresiva. ‘Unexpected Appearances’ prosigue por este sendero de extroversión, pero esta vez, más en consonancia con los grooves que había sido predominantes en el tema de entrada. ‘Rotten Melon Blues’ es precisamente un blues, elaborado con solidez en base a una cadencia jazzera bien lograda, ejecutada con notable pulcritud.

ATTILION ha entrado por la puerta grande en la escena progresiva contemporánea con este disco “It Must Be”, y de hecho, no está dormido en sus laureles hoy en día, sino que sigue componiendo material y registrándolo en su blog de Bandcamp: en el enlace  http://attilion.bandcamp.com/album/it-must-be podemos ver dos temas nuevos subidos en enero de este año. ‘Last Promenade’, uno de ellos, exhibe una densa garra contenida equilibradamente articulada pajo las coordenadas del post-rock estandarizado y la psicodelia estilizadamente evocativa de raigambre Floydiana. La simpleza del motivo central es manejada con un sutil toque de sofisticación. Otro titulado ‘Mission 1079’, el cual dura casi 8 ¾ minutos, sigue por la senda del jazz-rock introspectivo revestido de etéreos ropajes progresivos que el grupo ya desarrolló solventemente en algunos ítems de “It Must Be”. Como balance final de nuestro repaso del disco de 2011 y los dos nuevos temas de 2012, hacemos la recomendación de seguir la pista a ATTILION, pues puede seguir dando que hablar en los circuitos internautas progresivos en tiempos venideros.

Muestras de la música de ATTILION.-

Allowances (sesión de ensayo): http://www.youtube.com/watch?v=Ru0c4v_3i7Y
Rex (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=17AfNzLJbL0   
Mr. Gallagher’s Exotic Farm: http://attilion.bandcamp.com/track/mr-gallaghers-exotic-farm
Last Promenade: http://attilion.bandcamp.com/track/last-promenade

AUSTIN TV - caballeros del rock instrumental mexicano

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Hoy es el turno de hablar de una de las más notables bandas de rock instrumental ecléctico  de la actual vanguardia mexicana: fue formada en octubre de 2001 y se llama AUSTIN TV. Este quinteto ha venido cautivando a un público de culto a lo largo de estos años, logrando que cada uno de sus discos reciba elogios notorios en páginas web nacionales y extranjeras. Incluso ha llegado a compartir cartel con nombres magníficos del post-rock mundial como INCUBUS y MOGWAI, entre otros; situaciones como ésta, junto con el carácter predominantemente atmosférico de sus composiciones vertidas en sus dos primeros discos, les han hecho ser catalogados como grupo del género post-rock en varias fuentes informativas y difusoras del rock, pero el grupo insiste en que no es un grupo de post-rock en el sentido estricto de la palabra. Una peculiaridad que hay que mencionar sobre AUSTIN TV es que a los miembros de la banda les gusta disfrazarse sobre el escenario, así como en sus sesiones fotográficas oficiales: esta actitud modernista se condice bastante con el empeño que pone la banda en hacer de la exploración y la aventura sus directrices esenciales para la creación y los arreglos de sus temas. Los cinco miembros de la banda son Totore (guitarra), Chiosan (sintetizadores), Fando (guitarra), Rata (bajo) y Xnayer (batería).

 

“Caballeros Del Albedrío”es el título de su tercer trabajo fonográfico, editado en 2011. Se trata de una obra muy especial que ostenta la peculiaridad de experimentar con la distinción bien delineada entre la faceta de agresiva expresividad y la de ensoñador ensimismamiento en sendos volúmenes con títulos autónomos: “Séeb” es el volumen con “canciones provocadoras y agresivas”; el segundo volumen, “Hán”, contiene“sonidos introspectivos y tranquilos”. En el primero de estos volúmenes, el grupo se concentra en mantener su formato rockero con una frontalmente decidida preservación del esquema sonoro creado por la dupla guitarrera, el teclado y la base rítmica. De hecho, el grupo se centra en coloridos y ambientes vívidos y potentes que entran en áreas como el post-metal, el math-rock, el stoner y el space-rock. El grupo se focaliza en la estrategia de explotar su dinámica vigorosa esencial, haciendo un manejo sofisticado de su electrizante vitalidad. Por su parte, el segundo volumen abre espacios para sonoridades más ricas y variadas, dentro de la habitual esencia post-rockera del grupo: no solo sale a relucir la versatilidad performativa los miembros del quinteto en sí (el baterista Xnayer también toca percusiones de cocina, guitarra y requinto, Chiosan añade melódica, melodión y metalófono a sus labores usuales de teclista, Rata aporta intervenciones al contrabajo y al sintetizador, Fando también hace aportes al sintetizador, Totore incorpora la mandolina y las percusiones a su aresenal), sino también los aportes de invitados en percusiones extra, corno francés, vibráfono, armonio y otros ítems sónicos organizados como retazos y colores de un auténtico cuadro musical. Un experimento interesante dentro de la continua renovación de la esencia estética de AUSTIN TV, sin duda – vayamos ahora paso por paso a través del repertorio de este álbum doble.

“Séeb”comienza a todo dar con la muscular y sofisticadamente ágil pieza homónima, cuyo preludio consiste en un monólogo extraído del clásico de Buñuel “Los Olvidados”. El quinteto se complace en desarrollar una dinámica propia del post-metal (parcialmente semejante a ISIS) con inconfundibles guiños al space-rock y al math-rock. ‘Lago De Tierra’ sigue adelante con esta dinámica de exultante extroversión, con los pluses de que los aportes del teclado se hacen notar más y que la labor del baterista capitaliza su vitalista variedad de recursos rítmicos. ‘Quedarse Es Morir’ es una especie de encuadre math-rockero de cadencias y atmósferas que transitan entre el stoner y el pseudo-reggae con toques agresivos. ‘KK vs MM’ es un electrizante interludio en 5/4 en el que el grupo da rienda suelta a su extroversión con la urgencia provocada por las restricciones de espacio – el tema solo dura un minuto. ‘Dick Laurent Está Muerto’ sigue a continuación para darle un giro ocasionalmente más sutil a la inevitablemente persistente vibración frenética de la que el grupo ha hecho desde el primer instante del primer tema, y de hecho, sus ambientaciones nucleares portan ciertos aires de familia con las de ‘Lago De Tierra’. Por su parte, ‘Hombre Pánico’, se contagia directamente del vigor neurótico de ‘KK vs MM’ y saca buen provecho de su mayor espacio de expansión: las confluencias con HELLA y OXES son patentes. ‘La Criatura (Que Se Comió Al Monstruo)’ va enfatizando sólidamente la compacta visión de fiereza sofisticada designada para “Séeb”, aunque con el detalle adicional de que asume ciertas sonoridades tenebrosas en algunos pasajes de la primera mitad. La completitud llega con ‘Nosotros Le Pusimos Radio’, tema que rescata las aristas más incendiarias del repertorio precedente, estableciendo así una síntesis de la faceta frenética del grupo: un breve interludio de tenor industrial ayuda a darle un momento de ligereza a la contundente pesadez reinante.

La dupla de ‘Buscando Al Ejército’ y ‘Despierta Wendy’ da inicio al volumen “Hán” con un clima perpetuamente ensoñador, envuelto en una espiritualidad otoñal donde la melancolía y la vulnerabilidad se juntan bajo un común ropaje de dulce misterio. La estrategia es algo así como un  chamber-rock empapado de sonoridades acid-folk domesticadas sobre una dinámica cuasi-jazzera, y está plasmada con una pulcra fluidez que produce la impresión en el oyente de estar escuchando un único tema, aunque todavía se pueda advertir ciertas diferencias específicas: el primero es más tenue mientras preserva un carácter imponente sobre su cadencia semi-marcial sutilmente hilada, mientras que el segundo se explaya de forma más consistente, adueñándose del aire como si fabricara cósmicas rejas de luz boreal en la atmósfera. ‘Cuando Cerraste Los Ojos’ ofrece un obvio viraje hacia el estándar del post-rock en su dimensión reflexiva, inundada por una calidez envolvente que a veces abre espacios para minúsculos riffs agresivos. El efímero interludio cósmico que sirve como puente a ‘(Aunque Mis Labios No Se Muevan) Mi Cerebro Sonríe’ incluye un monólogo que refleja la angustia de la incompletitud a viva voz sin gritar, y cuando se instala ‘(Aunque Mis Labios No Se Muevan) Mi Cerebro Sonríe’, el grupo se muestra dispuesto a restablecer recursos de fuerza de carácter bajo las persistentes pautas del post-rock patentemente heredadas de MOGWAI y EXPLOSIONS IN THE SKY. ‘Llena De Mañanas Tristes’, lejos de lo que pueda intuirse a partir del título, es una pieza movida por una frenética soltura rítmica que engloba y dinamiza los riffs y desarrollos armónicas de una manera crucial: eso sí, no es realmente una pieza que exude atmósferas alegres y optimistas, sino más bien una neurosis post-metalera (bastante cercana a los estándares de los primeros discos de PELICAN) en plena ebullición cuyo nivel de ardor está peligrosamente cercano a la hoguera de la locura. ‘This Is Maya’ vuelve a atmósferas reposadas mientras recibe fuertemente el eco de la angustia que signó la pieza anterior: ahora recibimos en nuestros cerebros el impacto de una confluencia entre el mecanicismo del rock industrial y la nebulosidad misteriosa del space-rock. Los últimos 7 minutos de este segundo volumen están ocupados por ‘Cisne De Pan’, una pieza armada en un compás de 3/4 que profundiza fehacientemente en los climas introspectivos diseñados en los temas precedentes, remozándolos esta vez con un aura magnífica que nos recuerda tanto a la estilización sistemática de GRAILS como al refinamiento épico de MONO. Este cierre plasma una majestuosidad etérea a la esencia de la melancolía.

 

Tenemos,  pues, una obra estupenda de ingeniería rockera en “Caballeros Del Albedrío”, un disco que coloca a AUSTIN TV en un lugar digno de extrema importancia para la vanguardia rockera creada en el área hispanoamericana, y por qué no, en el escenario mundial. Disco altamente recomendado a quienes exploran incansablemente los diversos recovecos del rock experimental que existen en el planeta.  

Muestras del volumen “Séeb”.-

Caballeros Del Albedrío: http://www.youtube.com/watch?v=HQWDOJKanPo
Hombre Pánico: http://www.youtube.com/watch?v=4tCc8TVYe84

Muestras del volumen “Hán”.-

Cuando Cerraste Los Ojos: http://www.youtube.com/watch?v=eG_MjMcZ1mw
Cisne De Pan: http://www.youtube.com/watch?v=KNMFOlUNExU

[Dedico con infinito agradecimiento esta reseña a mi hermano progresivo Jesús Díaz Garaygordobil]

Música bizarra para monstruos y dinosaurios de la mano de LA MUJER BARBUDA

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La banda que sacamos a colación en esta ocasión es una de las más llamativas de la siempre fructífera y sorprendente escena progresiva vanguardista de Argentina: LA MUJER BARBUDA. Fundado por el talentoso y siempre ocupado bajista Franco Fontanarrosa (también está en RESISTENCIA CHACO, además de estar metido en proyectos teatrales), este cuarteto dueño de una inspirada sonoridad experimental y poderosa cuya riqueza interna se sostiene en una magnífica confluencia de jazz-rock, psicodelia, avant-prog y estrategias de formas libres, amén de ciertos coqueteos con algunas pautas habituales del rock-in-opposition. LA MUJER BARBUDA concretizó su debut fonográfico con “Música Para Cuando Aparece Un Monstruo” en 2008, sucediéndole tres años más tarde con “Lagartos Terribles”. El grupo está conformado por: Sergio Álvarez (guitarra, efectos y objetos), Franco Fontanarrosa (bajo, efectos, montajes y objetos, además de ser el compositor principal), Lulo Isod (batería y objetos) y Martín Pantyrer (saxofones, clarinetes y objetos).

Comenzamos con el primer disco “Música Para Cuando Aparece Un Monstruo”, grabado, mezclado y masterizado a lo largo de los tres primeros meses de 2008. El inicio del disco es con el breve preludio ‘La Venganza Del Plomero Líquido’, una escalada de juguetes percusivos que levanta una tarima para la exhibición del fabuloso tema ‘Hipopótamo Amarillo’, el cual despliega un ambiente de furiosa neurosis arropado bajo ritmos y riffs extrovertidamente coloridos, además de insertar un breve interludio caótico por ahí. Con ‘Técnico Superior En Plásticos Y Elastómeros’, la banda sigue explorando estas ambientaciones de neurosis celebratoria y los lleva una más contundente expansión expresiva. La guitarra de Álvarez se luce de forma particularmente notable, estableciendo nexos entre la fiereza Hendrixiana y el vigor iconoclasta de un Fred Frith. Cuando llega el turno de ‘La Rana’, el grupo se relaja un poco para disponerse a explorar cadencias de corte fusionesco. El rol ocasionalmente destacado del clarinete y los sonidos de percusiones concretas que enriquecen la base rítmica capitalizan la gestación de una estructura sónica grácil, lo cual permite que en alguna ocasión pueda el bajo lucirse en un primer plano sin hacer mucho aspaviento. ‘El Plomero Líquido Ataca De Nuevo’ es otra breve pieza, esta vez armada con el ensamble grupal en pleno que se dedica a reelaborar la cadencia mecanicista del primer mini-tema, pero su función consiste esencialmente en prepararnos para la experiencia de ‘Enano De Jardín’, pieza donde la banda elabora motivos y matices explotando las aristas más intrincadas de su misión musical; la rica variedad de atmósferas y esquemas rítmicos y la pulcramente hilada progresión temática la convierten en un cénit indiscutible del álbum. ‘Coccix’ recibe el impulso de la peculiar magia del tema precedente con un grupo motivado a seguir jugando con los límites de sus propias ambiciones estéticas: el empleo de trucos de free-jazz y la inmersión en misteriosas interacciones deconstructivas refuerzan el sentido de aventura. De este modo, el grupo expone confluencias con las directrices de otras bandas especializadas en el jazz-rock contemporáneo como GUTBUCKET y LED BIB.

Con sus 7 ¾ minutos de duración, ‘Montaña Que Revienta’ se proyecta hacia una de las estrategias más filudas del álbum. En parte, recibe el impulso de ‘Técnico Superior En Plásticos Y Elastómeros’ y ‘Coccix’, con lo cual el ensamble tiene la ocasión de explorar de nuevo las dimensiones más agresivas de su arquitectura vibrante musical. ‘Montaña Que Revienta’ es una pieza imponente, dueña de una fuerza de carácter inapelable y un swing magnético: se trata, sin duda, de otro cénit decisivo del álbum. ‘El Plomero Líquido Insiste’ es un nuevo ejercicio grupal de minúsculas cadencias mecanizadas, y como es natural, su función es la de abrir la puerta al siguiente tema, ‘Pixel’. Éste nos devuelve a la dimensión más relajada del cuarteto, bien asentada en matices y cadencias jazzeras: el saxo ocupa un relevante lugar central a la hora de manejar y reciclar las potencialidades expresivas del cuerpo central de la pieza. Esta misma predominancia de lo jazzero se reitera acto seguido en ‘Axel, El Axolote’, pero se nota aquí que el espíritu experimental está más despierto. Los últimos 5 ½  minutos del álbum están ocupados por ‘Hombre Gangoso’, tema que condensa solventemente la dinámica del jazz vanguardista, la prestancia progresiva y las aristas psicodélicas que han venido ocupando lugares predominantes a lo largo del repertorio.

Pasamos ahora al segundo disco “Lagartos Terribles”, el mismo que nos muestra a una banda que ha evolucionado, desde su intrínseca esencia, a través del afinamiento de los notorios recursos de sofisticación musical que ya se habían hecho presentes en el disco debut. De esta manera, el grupo se adentra en las forestas y campiñas del avant-prog para generar un enriquecimiento crucial de su esquema sonoro. El repertorio de este disco, como corresponde a su título, gira en torno al concepto de los dinosaurios, elaborado en una secuencia de tres secciones: ‘Saurios Pequeños’ (con tres temas), ‘Saurios Medianos’ (también con tres temas) y ‘Saurios Grandes’ (con cuatro). En el blog de Myspace de la banda (http://www.myspace.com/mujerbarbuda) hay detalles específicos sobre las estrategias compositivas y sonoras creadas y encuadradas para cada una de estas tres secciones: “Los pequeños tienen un sonido de baja calidad y las composiciones son bastante abstractas. Los medianos suenan de una forma orgánica y sus temas son de una contextura creativa más ordenada. Mientras que los grandes saurios tienen una tímbrica filosa y agresiva junto con un lenguaje musical distorsionado y predador.” Por nuestra parte, haremos un repaso tema por tema según cómo vayamos intuyendo la dirección por la que se desarrolla la ilación del repertorio de este disco en cuestión.

‘Un Kronosaurus Viene De Lejos’ empieza con un extravagante efecto de guitarra que jocosamente emula un gruñido… y luego, un silencio enorme que anticipa la emergencia de una irrupción sónica contundente y filudamente dinámica, siniestra y grácil a la vez. ‘Trilobite’ da inicio a la secuencia de ‘Saurios Pequeños’ con un ejercicio de grisácea agilidad, precedido por una introducción caótica para ser posteriormente redondeado con una conclusión neuróticamente inquietante donde la tensión solo revienta parcialmente. ‘Longisquama’ se retuerce en su propio encuadre cubista de sonoridades entrecortadas de juguetes, riffs y quiebres rítmicos, un encuadre donde a veces se asienta un jam en el que se conjugan un esquema rítmico “motorik” y osados ornamentos de corte avant-jazz. ‘Microceratops’ ejecuta un ejercicio de caos controlado donde la energía inherente a las interacciones entre los instrumentos está sabiamente reciclada a través del patentemente descoyuntado desarrollo temático. Con ‘Dimetrodón’ se inicia la serie de ‘Saurios Medianos’: es un tema signado por una interesante diversidad temática a través de variadas atmósferas que van de lo juguetón a lo misterioso, y de allí a una etérea densidad. Siendo el factor jazz-rockero el predominante en esta pieza, se nota también la presencia de trucos sonoros confluyentes con el chamber-rock francófono de segunda generación (N.E.O. MUSEUM, HELLEBORE). En comparación con ‘Dimetrodón’, ‘Alvarezsaurus’ porta un aura más reposada y una armazón más arisca, dentro de una estrategia creativa que porta muchos aires de familia compartidos. ‘Pachycephalosaurus’ empieza con un solo de clarinete que, en muchos sentidos, se constituye en el primer momento de genuino lirismo de parte de este ensamble, aunque tal lirismo esté hidalgamente fundamentado en disonancias. A poco de pasada la mitad del tema, el grupo prepara gradualmente el camino para que emerja una avasalladora conclusión donde lo espectral y lo delirante forjan una avalancha sónica dispuesta a sembrar angustia y desolación a un ritmo ceremonioso. ¡PRESENT a la n-potencia!   

El clímax conclusivo de ‘Pachycephalosaurus’ es lo suficientemente poderoso como para asentar una piedra angular dentro del repertorio del disco. Así pues, ‘Carbono 14’ hila capas de guitarra en conexión con el clímax antes mencionado para abrir la puerta a las electrizantes vibraciones de ‘Dilophosaurus’, tema que inicia la secuencia de ‘Saurios Grandes’. ‘Dilophosaurus’ se desarrolla mayormente sobre un compás de 5/4, transitando entre ambientes saltarines y ambientes recargados de tensión rockera al rojo vivo. ‘Quetzalcoatlus’, por su parte, establece un vitalista eclecticismo entre jazz-rock experimental y noise con abundantes espacios para incandescentes efluvios psicodélicos, haciendo uso mayormente del compás de 7/8. Con sus poco más de 11 minutos de duración, ‘Baryonyx’ se erige en la pieza más extensa del álbum. El tema comienza con cuerpo central patentemente vigoroso aunque no radicalmente frenético, más bien porta una muscularidad estilizada a través de un encuadre armado sobre un swing razonablemente sofisticado. Llega un momento en que el grupo se detiene para dejar paso a un inquietante solo de capas densamente lisérgicas de guitarra. Una vez que el bloque global se reintegra a la acción, el grupo elabora un motivo final focalizado sobre un cadencioso esquema rítmico de tenor jazz-rockero, generando una atmósfera más sutil sin renunciar a la extroversión. ‘Nahuelito’ se encarga de clausurar el colorido sónico específico de las tres piezas precedentes y el álbum en general, y lo hace comenzando con un extenso prólogo que transita por venturosos senderos de jazz experimental free-form; una vez instalado el cuerpo central, el ensamble gesta un lento motivo crepuscular donde la esquemática dejadez de la superficie deja entrever un aura de oscuro misterio que abiertamente coquetea con las aristas oscurantistas de la tradición del R.I.O. La coda electrizantemente caótica funciona como un oportuno recurso de extravagancia.

Nuestro balance general sobre la obra que ha venido desarrollando LA MUJER BARBUDA hasta ahora tiene que ser absolutamente positivo a la luz del derroche de vigor e ingenio que se exhiben en los discos “Música Para Cuando Aparece Un Monstruo” y “Lagartos Terribles”. LA MUJER BARBUDA es un referente indiscutible e ineludible de las expresiones más excelsas de la vanguardia rockera argentina que se ha venido expandiendo en lo que va del nuevo milenio.

Muestras de “Música Para Cuando Aparece Un Monstruo”.-

Hipopótamo Amarillo: http://www.myspace.com/mujerbarbuda/music/songs/hipopotamo-amarillo-9071749
Enano De Jardín: http://www.youtube.com/watch?v=wA5fD3wLspM
La Rana: http://www.myspace.com/mujerbarbuda/music/songs/la-rana-9167723

Muestras de “Lagartos Terribles”.-
Quetzalcoatlus: http://www.youtube.com/watch?v=4XGXsVvBk6M
Pachycephalosautus: http://soundcloud.com/marcelomorera/la-mujer-barbuda-lagartos

VÉLOOO - un nuevo volcán musical desde la vanguardia francesa

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Hoy llega la ocasión de sacar a colación al grupo francés VÉLOOO, uno de los grupos más interesantes que han emergido del underground rockero francés para aportar nueva vitalidad y genuina frescura a las vertientes más filudas del diverso lenguaje progresivo: el prog-metal, el avant-metal y el stoner son las coordenadas bajo las cuales se dibujan y diseñan las pautas sónica del grupo. Formado en la localidad sudoccidental de Pau, VÉLOOO debutó fonográficamente en 2008 con un disco homónimo de menos de media hora de duración, siendo entonces un cuarteto de dos guitarristas (Yoan Puisségur y Jean Philippe Straebler) y la dupla rítmica de Julien Lacoma y Féderico Acosta. Cuatro años más tarde, la segunda oferta “Même Pas Mal” nos muestra a un trío sin Straebler. El sonido grupal es contundente, siempre incandescente a nivel volcánico, casi siempre brutal, pero nunca, absolutamente nunca carente de disciplina en cuanto al desarrollo de los motivos de cada tema se refiere. De hecho, el estilo del grupo es propio de una maquinaria bien aceitada donde cada riff, cadencia y cambio de ritmo está perfectamente integrado dentro de un ethos tremendamente afiatado.



Abriendo el disco de una forma electrizantemente incendiaria, ‘Armagnac’ llena de lava el entorno sónico de tal manera que todas las áreas relajantes del espíritu quedan calcinadas, dejando nada más que ruinas donde las rocas oscuras reflejan inquietudes oscurantistas y furia robusta. El breve interludio psicodélicamente caótico que emerge antes del tercer minuto funciona eficientemente como impulso para la sección final. ‘Tachycardie’ sigue a continuación consolidando el clima de fiereza establecido por la pieza de apertura, aunque esta vez se nota que el despliegue de energía está un poco más matizado merced a un trabajo más meticuloso del swing y la arquitectura de los riffs. La dupla de ‘Moustache En Cuir’ y ‘Postiche Liebe Dich’ vuelve de lleno a la dinámica arrolladora y apabullante del primer tema, enfatizando de tal manera el elemento metalero hasta llevarlo a una delirantemente contundente esquematización encuadrada bajo la flameante vibración de los riffs guitarreros y la vitalidad punzante de la dupla rítmica: es como una serie de partituras perdidas del MOTORHEAD clásico que han sido remodeladas por un combo de músicos de BEHOLD… THE ARCTOPUS y DON CABALLERO. Con ‘Verniverge’, el trio se decide por reencauzar su paradigma de brutal inteligencia a través de un incremento de la sofisticación progresiva: BEHOLD… THE ARCTOPUS y MESHUGGAH se hacen notar como referentes inevitables para motivar de esta mole sonora, tan cerebral y tan rabiosa a la vez. Los últimos 8 minutos del álbum están ocupados por ‘Mamitraillette’, pieza que en su primera sección se focaliza primordialmente en retomar la lógica de sórdida visceralidad antes desarrollada en ‘Armagnac’ y ‘Postiche Liebe Dich’. Un posterior viraje temático lleva a un despliegue de mecánica explosiva cuyo rutinario esquema de base sirve terminar de descargar la tensión acumulada y reforzada en la primera mitad, y en general, a lo largo de todo el repertorio. Un estupendo final para un disco desafiante y vigoroso, sin duda.

VÉLOOO es un grupo al cual cabe prestar suma atención desde la óptica de quienes aman el ideal de un rock experimental que sea radicalmente filudo e innegociablemente agresivo pero además, con clase y fineza performativa. “Même Pas Mal” es un vívido testimonio de esquemas y temas rockeros que exhiben liberalmente la fiereza esencial de su lenguaje mientras dicha fiereza queda
estructurada dentro de una ingeniería musical inteligente.


Muestras de “Même Pas Mal”.-
Tachycardie: http://atantreverduroi.bandcamp.com/track/tachycardie-2
Mamitraillette: http://atantreverduroi.bandcamp.com/track/mamitraillette

El perenne colorido progresivo de TAYLOR'S UNIVERSE

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Hoy es el turno de hablar de TAYLOR’S UNIVERSE, grupo de estudio formado en Dinamarca en 1994 en base a las iniciativas conjuntas del guitarrista/teclista Robin Taylor y el saxonista Jan Marsfeldt. TAYOR’S UNIVERSE cuenta ya en la perspectiva de estos primeros años del segundo decenio del tercer milenio con una carrera fonográfica muy prolífica: 11 en total hasta ahora, siendo el más reciente el que reseñaremos a continuación – “Kind Of Red”. Robin Taylor es el
único integrante original que queda del núcleo triádico inicial (completado en su momento por el baterista Mads Hansen), pero es fácil advertir una inspirada confluencia de consistencia y evolución a lo largo de su discografía. La alineación involucrada en la grabación de “Kind Of Red” es, junto a Robin Taylor, quien se hizo cargo de las guitarras, el bajo, los teclados analógicos y la percusión adicional: Jakob Mygind (saxos), Hugh Steinmetz (trompeta, fiscorno) y Klaus Thrane (batería, percusión). La magia poderosamente destilada a lo largo del repertorio de “Kind Of Red” tiene varios aires de familia con algunos ítems pasados como “Terra Nova” y “Artificial Joy”, aunque es justo recalcar que este nuevo disco se defiende por sí solo en tanto obra progresiva de nuestros tiempos. Repasemos los detalles a continuación.

‘Firestone’ abre el disco con un oportuno despliegue de energía que nunca se torna verdaderamente explosivo: el cuerpo central mantiene una estrategia relativamente contenida a través del desarrollo que tiene en su trayecto sobre un swing sólido y elegante. Si imaginamos el vigor colorido de unos FORGAS BAND PHENOMENA quirúrgicamente reacomodado por la elegancia lírica de unos HAPPY THE MAN y la magia estilizada enraizada en los aspectos más encuadrados de la tradición fusionesca, entonces nos podemos hacer una buena idea de la onda de este tema de entrada. Sigue a continuación ‘Jakriborg’ con la misión de permitir al ensamble explorar áreas más intimistas de su propuesta sonora. Los turnos sucesivos del saxo y el fiscorno se revelan como esenciales para reforzar los matices potenciales del esquema sonoro en curso, y los sutiles riffs guitarreros del final ayudan a redondear decisivamente el carácter de la pieza. ‘Crackpot Men’ instaura algo novedoso, un recurso de densidad que hace abiertas alusiones a los paradigmas de UNIVERS ZERO y el KING CRIMSON de los 70s, aunque bajo una aureola nublosa que permite mantener un interesante y extraño ropaje etéreo al esquema engañosamente caótico que impera en la sucesión de motivos. El último motivo porta una vibración más alegre, pero también arrastra algo de la densidad precedente. La pieza, como un todo, es un prodigio de cohesión interna a través de la diversidad. Por su parte, ‘Sunday Image’ establece un paisaje sonoro de colorido sencillo pero con un intenso poder evocativo: una estructura rítmica no muy complicada, un cuerpo central no muy complejo, una dinámica delicadamente armada entre los músicos inter-dialogantes para que el bien definido colorido de la composición no se pierda en ornamentos innecesarios ni contrastes distractores.

Siguiendo en parte la arquitectura dinámicamente delicada de la pieza precedente pero enriqueciéndola con aires jazzeros cercanos a una suerte de bossa nova-fusion, ‘Salon Bleu’ elabora un cálido y envolvente clima musical que hace de la sobriedad sónica un recurso efectivo de contagiosa expresividad. Para el último minuto, las aguas se agitan un poco a fin de añadir un poco de frivolidad al asunto: el saxo se luce de forma exquisita, no llegando a sobresaltos onanistas a pesar del amplio espacio que se le concede… y aún así, hay que lamentarse de que llegue el fade-out para dejarnos un poco con la miel en los labios. En fin, es la hora de que irrumpa la siguiente pieza ‘Terasso’: se trata de un breve ejercicio de jazz-progresivo sazonado con suaves especias Zappianas (etapa “Apostrophe”) que funge como preludio a ‘Tortugas’. Este tema está a cargo de recuperar las atmósferas y matices más densos que se pueden dar dentro del estándar de la banda, y de hecho, la sensación de misterio que se refleja aquí ostenta un aura más inquietante que el expuesto anteriormente en ‘Crackpot Men’, lo cual incluye goteos de space-rock al modo de una “Pollackización sonora”. El enfoque sonoro resultante permite a la banda sorprender a los oyentes con una revitalización peculiar de su esencial colorido musical, el cual ya se hace de alguna manera reconocible a quienes han venido escuchando el disco con la debida tención. ‘Lost in Jakriborg’ cierra el disco con un tenor crepuscular muy agradable, trabajado desde el seno mismo de la melancolía en su más pura manifestación, haciendo que el repetitivo motivo central trace surcos de dulce añoranza y grisáceo desasosiego. Cuando el fiscorno se adueña del rol central en medio de un calculado realce del restante esquema instrumental, la melancolía se convierte en un fuego espiritual de conmovedora envergadura. ¡¡Qué gran final para este disco!!

Como balance general, cabe resaltar que “Kind Of Red” es, ante todo, un disco bellísimo, dueño de un encanto único y arrollador, un modelo de cómo aventurarse a trabajar con elementos de varias de las vertientes más enfáticas del ideal progresivo sin hacerse iconoclasta ni desafiante. TAYLOR’S UNIVERSE ha vuelto a lucir solventemente la calidad creativa y la convincente energía performativa que antes le ha hecho recibir elogios por discos precedentes: cada uno de esos elogios debe reiterarse, cuando no multiplicarse al hablar de este disco. ¡¡Recomendado a ojos y oídos cerrados a todos los coleccionistas progresivos del mundo!!


Muestra de “Kind Of Red”.-
Tortugas: http://soundcloud.com/udi-koomran/sets/taylors-universe-kind-of-red/

RESISTENCIA CHACO: el rock progresivo como vigor y resistencia

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Hoy es el turno de RESISTENCIA CHACO, vigoroso y aventurero grupo argentino formado en 2009 y que, hoy por hoy, es uno de los más excitantes nuevos grupos que han emergido del underground rockero argentino en beneficio de la reactivación y vigorización del ideal progresivo. Los miembros fundantes fueron el baterista Augusto Urbini, el bajista Franco Fontanarrosa y los saxofonistas Ada Rave y Pablo Puntoriero, debutando con este formato sobre los escenarios en diciembre de 2009: meses más tarde se incorporó al grupo el guitarrista Mu Sánchez, completando así el bloque sonoro de la banda con la robustez exigida por las composiciones. Su disco debut “Una Puerta Roja En Algún Lugar De La República Checa”, recientemente editado por el sello Viajero Inmóvil, fue grabado en mayo de 2010. Ahora que se trata de un ítem fonográfico real, cabe decir que lo que ofrece RESISTENCIA CHACO es monstruosamente vivaz y decididamente osado, una aventura de deconstrucción y reconstrucción de nuevos ideales del arte del ruido. Los miembros del grupo no son novatos en esto de crear nuevas vías de experimentación en el rock de su país: PEZ, PANZA, LOS INI y LA MUJER BARBUDA son otras entidades a las cuales está asociado uno u otro miembro de este ensamble. Los fundamentos sónicos del quinteto beben de los legados de KING CRIMSON, las nuevas vertientes de free-jazz, el rock in opposition, el avant-metal y el sentido de perpetua sorpresa promovido por las teorías postmodernas de vanguardia musical. Las labores compositivas recaen principalmente en manos de Augusto Urbini. En líneas generales, la propuesta musical de RESISTENCIA CHACO se focaliza en expresar diversas maneras de agresividad, tensión, impacto, frenesí y demencia, logrando hacer de la música un retrato lúcido tanto del caos que nos rodea patentemente como del caos que nos subyuga internamente desde los rincones insospechados de la razón. ¿Cómo se traduce esto específicamente en cada tema del repertorio de este álbum? - ahora vamos a eso.

 ‘El Mal’ da inicio al disco con un arrebatador tono siniestro que suena a una especie de KING CRIMSON demonizado con destellos de crueldad iluminadora a lo PRESENT: la base rítmica es esencial a la hora de articular un bloque sónico tan deshumanizadamente arrollador. Al detenerse la dupla rítmica en algún momento intermedio, el grupo se apresta a virar hacia explayamientos caóticos de corte free-jazz, y el grupo sabe cómo crear una tensión de dimensiones cósmicas cuando deja que el tiempo fluya distorsionado a través del vendaval sónico en curso. Poco antes de llegar a la frontera del séptimo minuto y medio, la banda inicia un nuevo motivo cadencioso que porta un aura de sutil amenaza, aura que no tarda mucho en explotar radiantemente en un nuevo ejercicio de luminosidad destructiva. ‘Infantodemonio’ prosigue por la misma senda de electrizante densidad y terrorífica luminosidad. El filo metalero está más encuadrado, con menos espacios para exabruptos caóticos y una preocupación más pronunciada en preservar la arquitectura integral del grupo a través de las variantes de ambientes y cadencias que tienen lugar a lo largo de las muy bien amalgamadas ilaciones temáticas. Podemos encontrar ciertas afinidades con las facetas más densas de SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM. Cabe añadir que para este tema, el grupo cuenta con la participación invitada de Sergio Álvarez a la guitarra. ‘Gato Negro’ es un momento de lucimiento para los saxos duales, un interludio que porta una espiritualidad perdida en una abstracta bruma solipsista, y un momento de reposo antes de que ‘Resistencia Chaco’ retome el vigor imponente y apabullante de siempre, esta vez potencializado por los ambiciosos espacios otorgados a matices y retazos marcados por una vibración abstrusa: algo que ya encontramos en otras propuestas de jazz-rock de avanzada radical como ZS y COMBAT ASTRONOMY (y, cómo no, el paradigma de NAKED CITY), pero con menos cibernética y más visceralidad rockera envolviendo el clima de deconstrucción.


Al llegar el momento de ‘Sigfried’, se amplifica el caos que había sido recurrentemente prominente y para erigirse en algo letal, una vibración masiva proveniente de una dimensión sónica mortuoria que convierte a la putrefacción de la razón en una fuerza poderosa para exorcizar los fantasmas más destructivos del ser humano. El recurso ocasional de ritmos humorísticos y gráciles síncopas de saxo en algunos pasajes añade más torrentes de insana inconsistencia a este consistente imperio del dadaísmo. La secuencia de ‘Manfred Muere’ y ‘Un Muchacho En Problemas’ consiste en un preludio funk-rock seguido por un nuevo ejercicio de diversidad temática donde se suceden riffs marcados por un dinamismo contenido y espacios free-form (con especial destaque de la batería en esta ocasión), además de una conclusión surrealista donde se genera un alucinadamente alevoso desencuentro entre la armazón de guitarra-bajo-batería y la dupla de saxos. ‘La Miseria De Cada Día Me Está Aniquilando’ sigue por esta misma tónica, reforzando la voz esencial de la banda con contundencia y aplicando nuevos torniquetes de furia rockera postmoderna sobre la conciencia de nuestro tiempo. Finalmente, ‘Clotilde’ elabora una sonoridad ceremoniosa, al modo de los fulgores solemnemente agitados de una hoguera de psicosis existencial que está disfrutando de sus últimas incandescencias.



En conclusión, RESISTENCIA CHACO pone sobre el tapete todas sus energías y todas sus palpitaciones en la serie de 9 temas que conforman “Una Puerta Roja En Algún Lugar De La República Checa”, un disco recomendado a quienes ven en la apreciación musical un desafío que nos confronta ante lo inesperado, un disco que refleja las aristas más filudas y peligrosas de la vanguardia rockera argentina del momento, un disco no apto para cardiacos pero ampliamente recomendable a los que aman las repercusiones más radicales del concepto de aventura dentro del ideario multiforme del rock progresivo. Y sobre todo... una de las más notables joyas surgidas de la escena rockera argentina en el presente año 2012.

Muestras de “Una Puerta Roja En Algún Lugar De La República Checa”.-
El Mal: http://www.youtube.com/watch?v=5xO0WgvK7Aw
Clotilde: http://www.youtube.com/watch?v=KvnBBGDi_rM
Resistencia Chaco (versión de Myspace): http://www.myspace.com/resistenciachaco/music/songs/resistencia-chaco-79989659

CUCAMONGA o la combinación musical de travesura lúdica e inteligencia lúcida

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Hoy se da la ocasión de presentar “Alter Huevo”, disco grabado y producido a inicios de 2011, pero recién editado para el mercado en el presente año 2012 por vía del sello italiano AltRock. El disco e ncuestión es una joya de jazz-prog experimental, gestada por una banda argentina muy talentosa y energética: CUCAMONGA. Este quinteto adoptó su nombre a partir de la localidad californiana donde FRANK ZAPPA grabó varios de sus primeros discos, y de hecho, esta alusión no es una coincidencia porque las orquestaciones dadaístas y desarrollos temáticos surrealistas que forman parte del estándar Zappiano conforman una evidente influencia en el sonido nuclear de esta banda en cuestión. Pero también están las confluencias con el prog vanguardista de ayer (SAMLA MAMMAS MANNA) y hoy (ENSEMBLE NIMBUS), así como el impacto recibido por los legados del jazz-fusion de los 70s y la primera ola del R.I.O. La formación de CUCAMONGA consiste en: Bruno Rosado (saxofones tenor y soprano), Mauricio Bernal (piano eléctrico, sintetizador Casio, marimba, acordeón, percusión), Óscar “Frodo” Peralta (guitarra eléctrica), Adriano Demartini (bajo eléctrico, voces graciosas) y Julián Macedo (batería, vibráfono, marimba, glockenspiel, percusión). El quinteto cuenta con un ilustre colaborador ocasional a los
clarinetes: Eugenio Zeppa.


Vamos ahora al repertorio de “Alter Huevo”. ‘Tetascotch’ abre el álbum con una fuerza de carácter efectiva y electrizante, basada en una grácil combinación de humor bufonesco de raíz circense con el aura extrovertida del mejor legado del jazz-fusion 70ero. Imaginando una partitura perdida de Return To Forever remozada por ZAPPA en sus tiempos de “One Size Fits All” y arreglada por un combo de músicos de SAMLA MAMMAS MANNA y los BIRDSONSG OF THE MESOZOIC de los 90s, podremos anticipar lo que nos depara. En alguna instancia de la segunda mitad, se genera un interludio denso y oscuro influido por el HENRY COW de “In Praise In Learning”, interludio que habrá de definir la modalidad filuda con la cual el grupo retoma uno de los motivos precedentes para la coda. ‘El Dengue De La Laguna’ es un sucesor lógico de la impresionante pieza de entrada: realzando un poco más el aspecto jazz-rockero, el grupo no abandona para nada el elemento bufonesco. La dupla de ‘Tu Guaina’ y ‘Variaciones Sobre Tu Hermana’ sirve para que la banda siga ahondando en el refinamiento y la agudización de sus claramente definidos instintos vanguardistas. Ambos temas exploran atmósferas inquietas coloreadas por ornamentos bizarros y recursos deconstructivos razonablemente chocantes, siendo el primero intrigante y el segundo osadamente inescrutable.

‘Tillana’ empieza con un preludio multi-percusivo que suena a una maquinaria jocosa, para luego dar entrada a un estupendo cuerpo central cuyas referencias nucleares son WEATHER REPORT y el SOFT MACHINE post-Dean. La arquitectura melódica y los meticulosamente cuidados desarrollos armónicos del cuerpo central portan una aureola excelsa imposible de ignorar: tenemos aquí un cénit particular del álbum después del impacto absoluto generado por la secuencia de los dos primeros temas. Con ‘Cerrazón En El Teyú Cuaré’, el grupo replantea sus parámetros jazz-progresivos bajo un esquema misterioso, casi sombrío, pero mayormente contemplativo: una atmósfera crepuscular donde la banda explora matices grisáceos que sirven como trasfondo de reposo emocional después de la patente magnificencia de ‘Tillana’. Esta exploración de ambientaciones crepusculares nos trae a la mente, a modo de "paralelo causal". algunas de las sonoridades creadas por la banda italiana CALOMITO. Luego sigue la dupla de ‘Dominguillo’ y ‘Cletalandia’, donde el ensamble regresa a terrenos más extrovertidos, aunque manteniendo una estrategia de sigilosa contención para la evidente agilidad motivada por las ideas musicales. ‘Dominguillo’ es prácticamente un interludio sustentado sobre una inteligente secuencia disonante dirigida por el matrimonio entre el piano y el saxo soprano; ‘Cletalandia’, por su parte, es el vibrante cierre del álbum donde la banda recapitula varios ambientes similares a los que se hicieron notar en ‘El Dengue De La Laguna’ y ‘Tillana’… y además, incluye algunos simpáticos diálogos farsescos sobre los vaivenes de la sexualidad humana.



“Alter Huevo” es una joya progresiva de nuestros días, y como tal, hace que CUCAMONGA merezca nuestra atención: debemos mantenernos siempre alerta ante los aportes a la vanguardia rockera que emergen incansablemente desde el área sudamericana.


Muestras de “Alter Huevo”.-
Cletalandia: http://www.myspace.com/thecucamongasound/music/songs/cletalandia-76648362
Tillana (en vivo): http://www.youtube.com/watch?v=kBMaTohsdpM

El nocturno lirismo progresivo de L'OMBRA DELLA SERA

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Hoy toca el turno de L’OMBRA DELLA SERA, un proyecto progresivo conformado por el trío
de Fabio Zuffanti, Agostino Macor y Mau Di Tollo: sí, estos incansables trabajólicos de la vanguardia rockera italiana (especialmente los dos primeros), colegas en LA MASCHERA DI CERA, RÖHMER, FINISTERRE, ZAAL, LA ZONA y otras empresas musicales diversas, vuelven a la carga con un nuevo ítem en sus respectivos currículos, a la sazón, un disco homónimo que recoge readaptaciones de temas de series televisivas italianas de los 70s. En efecto, el repertorio de este disco, titulado al igual que la banda, consiste en composiciones pertenecientes respectivamente a Enrico Simonetti (‘Gamma’), Riz Ortolani (‘Ritratto Di Donna Velatta’), Berto Pisano (‘La Traccia Verde’, ‘Ho Incontrato Un’Ombra’) y Romeo Grano (‘Il Segno Del Comando’), siendo así que el trío y sus diversos colaboradores de turno (incluyendo a sus compañeros de LA MASCHERA DI CERA) organizan sonoridades muy a lo retro-prog en torno a las composiciones originales. El grupo se ha concentrado en usar genuina instrumentación antigua: órgano Hammond, pianos eléctricos y de cola, sintetizadores analógicos… y cómo no, el infaltable mellotrón. De esta manera, el ensamble logra recrear muchos de los prototipos y trucos recurrentes en el revival prog 90ero (especialmente en las áreas itálica y escandinava), además de permitirse desarrollar varios experimentos sónicos de fuerte carga psicodélica en lugares estratégicos. Repasemos ahora este disco en cuestión para ver los detalles.

‘Gamma’ empieza con una atmósfera expectante que se revela como estilizadamente terrorífica, con lo cual el ensamble prepara el camino para un cuerpo central solemne. En un primer momento, los trazos del sintetizador a través del motivo central tienen músculo sin alterar su naturaleza romántica, casi cursi, llevando sobre sus hombros el núcleo rector del sonido grupal. A medida que avanza el tema, la instrumentación global empieza a llenar espacios con creciente entusiasmo mientras va afilando sus recursos de expresividad y enriqueciéndose con ornamentos space-rockeros apropiadamente recargados. El momento de ‘La Traccia Verde’ es uno de serenidad contemplativa: la placidez inherente al motivo musical adquiere una refrescante aureola de misterio merced a los matices brumosos derivados de los teclados antiguos (principalmente, el mellotrón). Con la secuencia de estos dos primeros temas, podemos ya estar seguros de afirmar que el sonido grupal tiene cierto parentesco con la gravidez grisácea que se hizo notar en los dos primeros álbumes de LA MASCHERA DI CERA, aunque también se notan afinidades con el estándar del revival prog escandinavo (LANDBERK o WHITE WILLOW, en sus momentos más explícitamente melancólicos). ‘Il Segno Del Comando (Cento Campane)’ desarrolla una vigorosa cadencia funky que permite al ensamble darle una agilidad peculiar y renovadora a su sonido, y de paso, brindar una vibración relajante a la melodía central y ulteriores improvisaciones del piano eléctrico y la flauta (por el invitado Andrea Monetti); se nota una agradable confluencia con el dinamismo ligero de BO HANSSON y el groove de unos IL BARICENTRO o unos GOBLIN. Por su parte, ‘Ritratti Di Donna Velatta’ se refugia en distantes atmósferas psicodélicas de raigambre post-rockera, donde el canto de Corvaglia aporta el único recurso de calidez.

La gema decisiva del disco está en ‘Ho Incontrato Un’Ombra’, tema que ocupa un espacio de casi 18 minutos para cancelar el disco con electrizantes despliegues de descarga emocional. Los primeros tres minutos de la pieza están marcados por un tenor delicadamente romántico, incluso ligeramente triste, al modo de una pesada melancolía que esparce su peso equilibradamente sobre los cimientos del corazón. Un segundo motivo emerge sostenidamente para virar hacia un área emocional totalmente distinta, signada por la tensión que atraviesa una oscuridad amenazante e imponente: el posicionamiento de las agresivamente omnívoras capas de mellotrón, los neuróticos fraseos del saxo y el swing agresivo de la dupla rítmica gritan a viva voz sus afinidades con los estándares de MORTE MACABRE y el primer ANEKDOTEN. Tras la conclusión de esta exquisitamente siniestra sección, sigue un motivo aleatorio impregnado de psicodelia free-form que usualmente se asocia a las facetas más caóticas del krautrock electrónico (pensemos en los primeros discos de CLUSTER y el estándar del “Atem” de TANGERINE DREAM) y el paradigma Crimsoniano. Este motivo se devela como un interludio preparatorio para otra sección siniestra, esta vez amalgamada bajo la lógica del Zeuhl con una actitud modernizada a lo GUAPO. La flauta desarrolla sus dibujos sónicos con cómoda agilidad a través de la machacona densidad establecida por la triangulación de teclado-bajo-batería, y una vez más, las capas de mellotrón entran en acción de manera arrolladora. No tarda mucho el ensamble en recurrir a trucos caóticos para evitar caer en el mecanicismo, lo cual ayuda esencialmente a realzar la de por sí poderosa densidad en curso, y no solo eso, sino que también resulta vital para brindar la suficiente intensidad sombría a la climática aventura sónica que antecede a la coda. Las intervenciones de los metales ayudan bastante a completar el cuadro sónico en su delirante intensidad e inquietante robustez. Como despidiendo el momento en que el cosmos mostró sus fauces ocultas, las delicadas últimas líneas de piano eléctrico nos devuelven a la triste calma inicial, aunque el oyente ya ha sido transformado después de lo que se le reveló, por lo que más parece el recuerdo de algo que ya no existe que un retorno a un lugar que sigue ahí.

En fin, tenemos en L’OMBRA DELLA SERA, junto con este disco homónimo, un sólido referente para seguir disfrutando de las estupendas ofertas progresivas que siguen surgiendo de Italia prácticamente sin parar: nuestras palabras de enhorabuena para los Sres. Di Tollo, Macor y Zuffanti por otra labor muy bien hecha en nombre de la preservación del género progresivo dentro de la actual realidad rockera.


Muestra de “L’Ombra Della Sera”.-
Il Segno Del Comando (Cento Campane): http://www.youtube.com/watch?v=QVUu-mf0d6s