Top 20 Albums de Rock Progresivo en el 2006

A continuacion la lista de mis albumes favoritos de rock progresivo del año 2006, en ningun orden premeditado. Entre lo mas relevante estan The Mars Volta, White Willow, Pure Reason Revolution, Agalloch, Green Carnation, Nebelnest, Thinking Plague y La Maschera di Cera.

Fue un año interesante, con la emergencia de nuevos grupos jovenes inspirandose en el rock progresivo como Pure Reason Revolution , con una fuerte presencia mediatica del prog metalico con grupos como Van Den Plas y Agalloch, asi como la maduracion de grupos RIO de altisima complejidad como Thinking Plague.

Prog Metalico:
Green Carnation – Acoustic Verses
Agalloch – Ashes Against The Grain
Van Den Plas -- Christ.0
Zero Hour - Specs Of Images Burnt Beyond
Derek Sherinian - Blood Of the Snake

Finalistas: OSI – Free, Devin Townsend – Synchestra, Andromeda - Chimera


Prog Comercial:
David Gilmour -- On An Island
Tool -- 10,000 Days
The Mars Volta - Amputechture
Pure Reason Revolution - The Dark Third
Muse - Black Holes And Revelations


Finalistas: Thom Yorke – The Eraser, Rocket Scientists - Revolution Road


Prog Sinfonico:
Flor De Loto - Flor De Loto
Areknames - Love Hate Round Trip
White Willow - Signal To Noise
La Maschera di Cera - Lux Ade
Hackett, Steve - Wild Orchids

Finalistas: The Flower Kings – Paradox Hotel, The Tangent: A Place In The Queue, Magenta - Home/NY Suite, Sylvan – Posthumous Silence, Frost - Milliontown


Avant/RIO:
Thinking Plague – A History Of Madness
Hamster Theater – The Public Execution Of Mr. Personality/Quasi Day Room
Kayo Dot – Dowsing Anemone With Copper Tongue
Nebelnest - ZePTO
Univers Zero - Live

Finalistas: Unexpect – In A Flesh Aquarium

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Bambie animado por el ingenio de Spastic Ink

“Ink Compatible”, lanzado hace un par de años, fue el segundo album de la banda de rock progresivo metalico estadounidense Spastic Ink. Se trata de un increible viaje al extremo de la virtuosidad instrumental. Ron Jarzombek (ex-Watchtower) es simplemente, y sin lugar a dudas, el guitarrista tecnico mas –inserta aqui los correspondientes superlativos- virtuoso en el planeta. Como en su primer album, “Ink Complete”, la banda esta formada por Ron Jarzombek en la guitarra, Bobby Jarzombek en la bataca, y Pete Perez en el bajo.

Su primer album, “Ink Complete” fue un ejemplo inusual de rock progresivo instrumental ya que contiene una interpretacion de la partitura musical de la pelicula Bambie, de Disney. Pero la banda no solo interpreta la musica sino que tambien traduce el dialogo de los personajes al lenguaje musical.

Aqui incluyo el video que diseñaron para demostrar que la musica esta perfectamente sincronizada con la pelicula. Disfrutenlo, es simplemente fantastico.



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Brian Eno y sus 77 Millones de Pinturas Aleatorias

Brian Eno demuestra porque es uno de los artistas vivos mas visionarios e imaginativos del mundo, no solo musicalmente sino tambien visualmente. Parece que Brian Eno acaba de inventar una formula para ir desplegando lentamente 77 millones de permutaciones de “Pinturas Luminosas” por medio de un software, que ademas combina al azar rolas ambientales de manera que tampoco se repitan.



Lo mejor claro esta, es que (en un futuro) uno podra colocar un LCD plano en una pared de la casa y nunca aburrirse de tener que ver la misma pintura todos los dias (no se si sea posible acostumbrarse a oir la musica ambiental de Eno de forma permanente, pero afortunadamente eso en cambio se puede arreglar muy facilmente desconectando los speakers).

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Steve Roach - Kairos

Las noches en las que se me atraviesa el estres y el insomnio suelo distraerme y relajarme completamente gracias a la fidelidad de mis audifonos Sennheiser y la musica ambiental de Steve Roach.

Hace unos dias obtuve su nuevo DVD, “Kairos: The Meeting of Time and Destiny” (el trailer puede ser visto aqui), un caleidoscopio visuosonoro de luz, paisajes, animaciones y patrones digitales hechos por computadora, donde la musica sigue a la imagen, y la imagen sigue la complejidad de la naturaleza. La musica no se acerca a la shamanidad tribalistica del "Earth Island", ni a la primitiva sonoridad prehispanica de mi preferida "Forgotten Gods" (Roach, Saiz y Reyes, tambien llamados Suspended Memories), o al fabuloso "Dreamtime Return" con Roach en el Didjeridu, pero la intensidad visual es magnifica y compensa la destemplada tesitura musical de este album.

Contemplar este DVD me recordo el lema de mi blog, la realidad autopoietica:


“Why do emergent selves, virtual identities, pop up all over the place creating worlds, whether at the mind/body level, the cellular level, or the transorganism level?


El fenomeno Autopoietico es algo tan productivo que no cesa de crear realidades totalmente nuevas: vida, mentes, sociedades.

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Ozric Tentacles y la Psicodelia Post-Progresiva

Ozric Tentacles representa talvez la historia de exito mas interesante de entre las bandas de rock progresivo mas activas en los 80s y 90s. La banda emergio del circuito de festivales psicodelicos Britanico de a mediados de los 80s, y se le recuerda sobretodo por sus tocadas en el festival de Stonehenge (festival por cierto famosamente clausurado por la policia para prevenir que el Solsticio de Verano se convirtiera en dia feriado), compartiendo escenario con Hawkwind, The Orb, The Levellers y Zion Train, entre otros.

Ozric Tentacles se inspiro en la fusion psicodelica de Gong de los años 70, introduciendo al rock progresivo elementos como experimentacion electronica, minimalismo, y varios estilos etnicos, siguiendo los pasos de la revolucion post-progresiva iniciada con el album Discipline de King Crimson. El periodico Sun Times de Chicago los llama de manera reduccionista el eslabon perdido entre Grateful Dead y Moby.

Se puede observar un fuerte paralelo entre la orientacion de Ozric Tentacles y cualquiera de las bandas psicodelicas de finales de los 60s en un numero de niveles. En ambos casos, las bandas sirvieron entre un nexo de la cultura psicodelica dedicada a la expansion de la conciencia; ellas dependian economicamente de un pequeño numero de clubs que les daban cobijo y de la presentacion de “jams” informalmente organizados; y sobre todo, ambas creaban musica en directo para la subcultura de la que eran parte, y en ningun caso para las masas manipuladas por la industria discografica.

La dependencia de la banda a la industria era tan minima que de hecho sus primeros seis albumes fueron cassettes grabados y vendidos por ellos mismos en sus conciertos: “Erpsongs” (1985), “Tantric Obstacles”, “Live Ethereal Cereal”, y “There is Nothing” (todos en 1986), “Sliding Gliding World” (1988), y “The Bits Between The Bits” (1989). Por cierto, lo mejor de este material esta disponible en el doble CD “Afterwish” editado pro Dovetail Records en 1991.

Su primer album formal fue “Pungent Effulgent”, publicado por Dovetail Records, seguido por “Erpland”, “Strangeitude” y “Live Underslunky”. En 1993 Ozric Tentacles logro con “Jurassic Shift” su primer album con una distribuidora de renombre (IRS), que fue seguido por “Arborescence” (1994) y “Become The Other” (1996).

Ozric Tentacles ha estado conformada en varios momentos por dos guitarristas (simultaneos), dos tecladistas, dos percusionistas, y un bajista. Sin embargo, el corazon de la banda lo formaron los hermanos Wynne, Ed (guitarra) y Roly (bajo), y el tecladista Joie Hinton, a quien conocieron en el festival de Stonehenge en 1983. Los tres compartian un especial interes en la musica etnica de otros paises del mundo, especialmente la Asiatica. Hinton visito la India en 1983, y Ed Wynne recorrio Tailandia durante los tres mas calurosos meses del año 1987.

La musica etnica (i.e. no-europea) ha sido un factor vital y constante en la musica de Ozric Tentacles. La influencia oriental se nota en el uso de instrumentos de cuerda asiaticos y en la permanente percusion quasitribal, asi como cuando usan el sintetizador para sugerir el sonido metaloide de los tambores Javaneses. Sin embargo, a pesar del sabor fuertemente etnico de la musica de Ozric Tentacles, la banda esta solidamente fundamentada en el estilo psicodelico/acido del jazz-rock de finales de los 60s y principios de los 70s a la usanza de Gong, y en ocasiones Soft Machine.

Si la musica de Djam Karet representa una extension del minimalismo atmosferico de Fripp y Eno, entonces la musica de Ozric Tentacles sugiere la extension de un minimalismo lineal ritmicamente energizado de la escuela de Reich/Riley/Glass, si bien mediado por el rock psicodelico de Canterbury.

Lo que uno oye generalmente son patrones musicales en hipertempo (i.e. tiempos hiperacelerados), que tipicamente se repiten del principio al fin de la rola, ocasionalmente interrumpidos por preludios y postludios arritmicos del sintetizador. A esto se le añade una capa de patrones muy sincopados de bajo muy amplificado, una bataca en acelere y muchas percusiones, y por supuesto, la guitarra de Ed Wynne, que guarda estrecha semejanza a la de Steve Hillage, guitarrista de Gong a mediados de los 70s. La variedad la crean al introducir y luego quitar diversos instrumentos, por ejemplo un segundo teclado o guitarra, o añadiendo una percusion adicional, flautas, sonidos de animales y otros efectos sonoros, asi como solos instrumentales en diversas partes de las piezas.

Incluso en sus ultimos dos albumes, “Spirals in Hyperspace” y “The Floor’s Too Far Away” hacen uso extensivo de sonidos tecno-electronicos modernos para inducir a sus audiencias al psicotrance. Y hay una especie de conexion inconsciente entre la banda, su audiencia y la gente neo-bohemia que suele frecuentar los cafes de cuaquier ciudad. La musica de Ozric Tentacles atrae a un publico disperso, intelectual y curioso, aquel que esta en busqueda del abandono y la trascendencia espiritual que solo puede darles una tocada de los Ozric sentados en un comodisimo sofa. Y desde ahi, la hipnotica banda nos llevara de la mano por una larga caminata espacial.

Ozric Tentacles representa de manera especial a ese pequeño grupo de bandas de rock post-progresivo que han logrado fusionar exitosamente fuentes minimalistas, etnicas y electronicas dentro de un contexto de “acid” rock progresivo, apuntando hacia lo que talvez sera el rock progresivo del siglo XXI.

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El Punk no ha muerto (o casi)

El cierre este fin de Octubre del legendario club CBGB que dio los primeros aires de vida al punk en emergencia y dio oportunidad a un sin numero de bandas seminales de los 80s y los 90s me motiva a reflexionar sobre la llegada al fondo (o a la cumbre, como se quiera ver) del ciclo rockero. El famoso recinto llevaba el inocente nombre de CBGB & OMFUG, o “Country, BlueGrass, Blues and Other Music For Uplifting Gormandizers”. Aqui fueron bautizados los Ramones, Talking Heads, Television, los B-52s, Velvet Underground y Blondie (Deborah Harry, quien por cierto ha sido invitada junto a Patti Smith a dar la extremauncion), quienes dejaron huella memoriosa de la musica underground que fue creada aqui y que dieron reconocimiento a este escenario.

Segun cuentan quienes lo vivieron a principios de los 80s, el ambiente rockero que se respiraba en el CBGB era innegablemente de la peor calaña (mala iluminacion, muebles dilapidados, muchedumbre claustrofobica y usualmente violenta, un apretado escenario, dos baños, el de hombres con un mingitorio de miedo y no me meo), pero tambien dicen que se experimentaba un sonido increiblemente excepcional (tanto en el escenario como para captarlo en grabaciones), y por supuesto la adrenalinica ansiedad anticipatoria de que en cualquier momento se estaria viviendo la propia historia musical del siglo. Las tribus que lo frecuentaban incluian tanto a los Mohawks, cabezas rapadas, rastafaris, y demas fauna pelo-identificable, como a vecinos y turistas que no necesariamente compartian los mismos ideales politicos, ya sean anarquistas, neoracistas, o simplemente los la clase obrera, pero todos juntos unidos y brincando a cabezaso batiente cuando la potencia cruda de los Black Flag, 247 Spies, Bad Religion, Rest In Pieces, Fugazi, The Dictators, The Stooges, MC5, o los Dead Boys retumbaba en las paredes cubiertas de graffiti del minusculo club newyorkino.

La casi siempre argumentada dicotomia excluyente entre el punk y lo progresivo nunca fue tan simple como algunos criticos o fans quisieron verlo.
El punk prefiere las rolas estructuralmente simples, los musicos sin escuela, y las letras politizadas. El prog tiende hacia las composiciones extendidas de complejidad, los musicos altamente entrenados y de plano virtuosones, y los enfoques liricos preminentemente metaforicos. En el mejor de los casos, ambos lados fueron serios tanto en su filiacion a temas filosoficos y sociales como en su fe en el poder emancipatorio de la musica.

Se asume comunmente que el movimiento punk era musicalmente manco, primitivo y carente de innovacion, dada la vasta evidencia de que muchos punks tocaban sus intrumentos pobremente. Rascandole un poco, los punk rockers de ranking eran mejores musicos de lo que pensamos, y los diversos estilos de la practica “punkera” no son tan facilmente adquiribles como seguramente lo asumiria el tipico musico progresista que domina su instrumento (pude constatarlo al presenciar la variedad de bandas que aparecen en el fabuloso documental de Susan Dinner “Punk’s not Dead”, recientemente presentado en el festival de SilverDocs, Maryland). Ademas de que el argumento peyorativo tambien se debilita, cambiando el contexto por un momento, si consideramos que nadie discutiria la musica de Bob Dylan en terminos de sus habilidades como guitarrista o como “instrumentista” de la armonica.

En el contexto de la Guerra Fria, el punk (i.e. lo mejor del punk, que quede claro) compartia con el rock progresivo la idea de que habia cosas importantes que se podian decir a traves de la musica, pero fue mas directo y contundente que este, al menos en terminos publicitarios. Claramente, el rock progresivo a final de los setentas carecio de la urgencia y desesperacion necesarias para decir abiertamente lo que tenia que decir.

Por otro lado, el alarido punk carecio de cualquier concepcion multidimensional, y muy especialmente, de introspeccion redentoria. La negatividad radical del punk dio paso al cinismo, tan unidimensional como efimero, que su propuesta no dio pie a ningun cambio del sistema social. De la misma manera, la expansiva positividad radical del prog solo ofrecio un mesianismo utopico inutil, demasiadas flores y poco entendimiento de como funciona y se estructura la tensionante dinamica del poder.

En resumen, ya con la distancia de los años, se transparenta el que en realidad no habia una dicotomia ni una oposicion entre estas dos variantes musicales, sino una dialectica evolucionante muy productiva, un dialogo de extremos reflejando el espiritu de los tiempos.

Recordemos ahora mismo que el rock progresivo se recupera y energiza en creciente, y el punk se comoditiza y cae asfixiado por los afanosos avances del Hip Hop y del Regaetton como formula de entretenimiento de la clase trabajadora, que este preciso momento historico que vivimos es solo una instancia del incesante ciclo creativo e incierto del rock, arte al fin y al cabo que participa de las distintas percepciones de lo que significa vivir en este mundo.

Nadie puede predecir cuales seran los lenguajes y discursos del pasado que continuaran acompañandonos, pero es dificil para mi imaginar que el punk y el prog seguiran siendo los extremos en (aparente) discordia, y mas bien habra mas puntos de convergencia. Muchas variantes musicales estan siendo experimentadas ahora mismo, por ejemplo la interesante combinacion del hardcore, el jazz y el prog (i.e. The Mars Volta), y habra que ver que traeran los jovenes mas romanticos de la generacion YouTube que aprecian el Math Rock (eg. Don Caballero), el Garage Rock (eg. The White Stripes), el punk-prog (The Cardiacs), el Emo Rock (eg. Coheed and Cambria), o cualquiera otros subterfugios post-rockeros de miedos y pasiones, especialmente ahora que la globali-complejizante realidad de inicios del siglo 21 multiplica por cero las aspiraciones de la clase media (al menos en la parte “occidental” del mundo).

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Induccion a una estrujante realidad

Hace algunos meses hice un posteo aqui sobre Riverside, el grupo polaco de prog metalico que mas estuvo sonando el año pasado. Ahora toca el turno de presentar a Indukti, otra banda polaca de altura, de quien se habla bastante por estos dias, sobre todo porque fue invitada a participar en los proximos festivales NearFest 2007 y Baja Prog 2007. Con tantas expectativas compre su album debut hara unos cuatro meses, y debo confesar que no me ha decepcionado, si no que al contrario, se ha convertido en uno de mis grupos preferidos y mas escuchados, por encima de Tool, TMV y Dream Theater.

La razon es que la musica de Indukti es verdaderamente hipnotizante, transportandonos a una dimension imaginaria de tension y suspenso insospechados. Si alguna vez has visto Solaris, la deslumbrante pelicula de ciencia ficcion de Tarkovsky basada en la novela de Stanislaw Lem, pensarias que esta musica describe exactamente lo que se sentiria al entrar al misterioso ambiente de ese planeta que mantiene una inteligencia mistica con propositos ocultos e ininteligibles.

El talento de este grupo instrumental es impresionante, pero preparate un momento a solas, pues mientras dura es un viaje estrujante, no apto para cobardes. Las rolas son largas, bien estructuradas y habilmente arregladas, talvez vez con toques del “Vermod” de Anekdoten intermezclados con los brillantes riffs al mejor estilo de Tool y el King Crimson de "Red" y "Thrak". Los instrumentos son tocados a la perfeccion, dominando sobretodo las guitarras y el fabuloso violin psicodelico. Un arpa mistica proporciona el color emocional y el tono esperanzador en la desquiciada busqueda de la salida para escapar de este laberinto.

Indukti esta formado por cinco musicos de conservatorio de amplia experiencia en el circuito progresista polaco, comandados por Wawrzyniec Dramowicz. En sus tres años de existencia, se ha dado a conocer en conciertos en festivales de su natal Polonia, en Alemania y en Inglaterra.

Su primer album, S.U.S.A.R. demuestra que son una banda hiper-moderna con un estilo original y potencia que recuerdan al mejor Tool, Meshuggah y en partes a King Crimson.

La mayoria de las siete rolas de S.U.S.A.R. son instrumentales. El violin se escucha junto sino es que encima de las guitarras y la tremenda bataca. La dinamica normalmente es iniciada por el arpa o el violin, continuando por el trabajo en duo de guitarras, el bajo riffeante y una dinamica bataca que construyen una barrera sonora que culmina estrujantemente en un largo climax sonoro que termina postrandonos ya vencidos y atosigados.

En “Freder”, la primera rola instrumental que inicia y termina con el arpa el ciclo climatico antes descrito, con acompañamiento en la mitad del arreglo de las maravillosas vocalizaciones del invitado Mariusz Duda, el conocido vocalista de Riverside. La rola demuestra la calidad tecnica y virtuosismo de los musicos asi como la excelencia en la composicion. La segunda pieza, “Cold Inside…I” introduce la extraordinaria voz del cantante de Riverside, que siempre ofrece un tono tranquilizante al compas de guitarras, arpa y violin, a medida que se eleva el vaiven de la miriada de olas sonora que experimentaremos a lo largo del disco.

“No. 11812” es un instrumental en creciente, nos encontranos navegando en un rio fluyente hacia un destino misterioso, el violin alertando sobre peligros escondidos en una zona de rapidas y violentas aguas rompientes sobre grandes rocas, una tras otra por casi siete minutos, urgiendonos desesperandamente a una salida.

Esta viene en la siguiente rola, “Shade”, basicamente un falso remanso de calma construido con la bella voz de Duda, quien nos consuela diciendonos “you can, there’s nothing I can do, but if I know enough to turn your fate, I will try”.

Esta parte, como alguien ha ya comentado, suena tan emocional como el “Judgement” de Anathema, pero a diferencia de ese album, cuyas rolas son mas estables y condescendientes, la tension precipitante en S.U.S.A.R. nunca cede, seguimos en la montaña rusa (o mejor, polaca!) agarrados prensilmente de nuestros asientos porque el viaje sigue y sigue. La sombra del espíritu y el temblor del paisaje son mas exasperantes que el que debe haber vivido Ulises en su Odisea.

“'Uluru” es una pieza instrumental muy metalica, con ligeros tonos goticos y sonidos que semejan a un Didjeridu australiano, una combinacion pesada de guitarras martilleantes y tambores tribales imparables muy al estilo Javanesco del compadre Danny Carey (Tool), acompañados por grandes dosis del brillante violin paganinesco de Ewa Jablonska.

La sexta rola, “no. 11811” es otro instrumental Crimsoniano con un brillante y paroxistico trabajo de violin, donde la banda inicia con la que talvez sea la melodia mas encantadora y down tempo de todo el album, talvez una metafora de que ya se vislumbra el final del camino, aunque es solo un espejismo, pues aun no exentamos del estrujante vaiven del terreno.

S.U.S.A.R. termina con “And Weak…II”, la rola mas larga de casi 10 minutos de duracion, que es continuacion de la segunda rola “Cold Inside…I”. Abre con arpa y siguiendo la misma pauta en creciente, da entrada al excelente trabajo del bajo, la pared de sonido estrujante que finalmente se desvanece hacia el minuto 7, ya en aguas tranquilas (casi una poza, nos dicen las magica notas del arpa de Anna Faber), en un largo descanso muy mercedor.

En pocas palabras, S.U.S.A.R. es una obra maestra dificil de igualar. Esperamos con ansia el segundo album, que debera brillar como una bengala de escala universal para superar este album. Es un fabuloso debut para una banda que recomendamos ampliamente a todos los seguidores del prog metalico (en especial los de Tool), a los amantes del rock eclectico complejizante tipo Anekdoten/K. Crimson y del rock psicodelico/espacial creador de paisajes imaginarios de alta tension.

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La Romantica Isla de David Gilmour

Decia Krishnamurti que la madurez solo se manifiesta cuando se logra un amplio y profundo conocimiento de uno mismo, deviniendo en seriedad.

“On The Island”, el tercer album en solitario de David Gilmour, me parece esa fruta que maduro todo el verano, sufriendo lluvia, sol, tormentas, dias nublados y frios, y que despues de sondear estas adversidades ya esta lista para caer el proximo otoño.

El año pasado tuve ya ese presentimiento mientras escuchaba sus etereos solos de guitarra en “Return To Tunguska” en el album de Alan Parsons “A Valid Path”, un disco de musica electronica lleno de tambores polirritmicos (y en donde por cierto figura el Colectivo Nortec con la maravillosa rola “Tijuaniac”).


En su anterior album solista “About Face”, aparecido hace ya 22 años, Gilmour develaba ya una profunda confusion personal, siendo este una mezcolanza de estilos y sabores que, que incluia un par de rolas destiladas directamente de “The Wall”, una balada predecible (“Out of The Blue”), una mas bien acustica (“Cruise”), una mas que haria bailar a Travolta (“Blue Light”), y otra (“Let’s Get Metaphysical”) donde el solo de Gilmour es acompañado por una enorme orquestra sinfonica.

La propuesta de “On The Island” es naturalmente otra, mostrandonos a un hombre que esta contento con su vida. Escrita junto con su esposa Polly, la lirica es una meditacion muy personal concentrada en los aspectos realmente importantes de la vida – el amor, la familia, la satisfaccion – nada que tenga que ver con el exito en terminos financieros. De hecho en “This Heaven”, Gilmour nota que "life is much more than money buys, when I see the faith in my children's eyes...".

El trabajo de guitarra en “On The Island” es evocativamente transportante, con varias capas que se van revelando en unas pocas escuchas, acompañada de efectos, sonidos y vocalizaciones muy delicadas.

El album se va construyendo gradualmente empezando con “Castellorizon”, una brevisima metafora del arribo a la isla, sonidos de olas, gaviotas chillando sobre nuestras cabezas, el solo de Gilmour poniendo enseguida el tono que seguira el resto del album.

El segundo track, “On an Island” se siente y se disfruta como la relajante brisa fresca en una mañana de otoño, fluyendo como la marea casi sin darnos cuenta, el Hammond de Richard Wright y las suaves voces de fondo de David Crosby y Graham Nash acompañan la excelente guitarra. “The Blue” es una rola tan romantica como soporifera, que deja abierto el puente para “Take A Breath”, la mas fuerte y energetica del album.

“Red Sky At Night” es una corta pero muy dulce rola instrumental donde Gilmour muestra sus magnificos dotes como saxofonista, realmente recomendable.

“This Heaven” es una bluseante rola donde Gilmour se regodea con las bendiciones que le ha dado la vida, cantando a viva voz su alegria, una segunda guitarra haciendo la melodia y el Hammond al contrapunto.

La rola instrumental que sigue “Then I Close My Eyes”, es estructuralmente simple pero con una calidad de matices que nos transportan a reconditas profundidades emocionales. Acompaña Robert Wyatt en la trompeta.

El antepenultimo track, “Smile” una baladita suavecita con guitarra acustica es seguido por “A Pocketful of Songs” una melodica rola donde la mano del compositor Zbigniew Preisner en las etereas orquestaciones llevan la voz de Gilmour a flotar efectivamente por los aires.

El album termina con una cancion a su esposa Polly, probablemente la rola mas romantica que haya escrito jamas en su carrera.

Esta es una obra madura y bella, brotante de sentimiento y sin una pizca de angustia. Un trabajo de calidad no apto para exclusivistas del rock progresivo metalico que definitivamente sella el lugar historico de Gilmour como el integrante de Pink Floyd con la mejor estetica.

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La Resurgencia del Rock Progresivo Metalico en el Siglo XXI

El rock progresivo metalico surgio a finales de los 80s (Queensryche, Fates Warning) y crecio en la primera mitad de los 90s, con bandas como Anathema, Threshold y Dream Theater. Sin embargo, apenas es en esta decada cuando este genero se ha convertido en el favorito de la nueva generacion progresiva.

Si ya has oido a alguna de estas bandas, entonces ya debes estar familiarizado con el rock progresivo metalico (o metal-progresivo). El rock progresivo metalico combina elementos del “heavy metal” como un sonido centrado en guitarra distorsionada muy amplificada y bateria, ritmos complejos y solos exhuberantes con elementos “progresivos” como teclados “sinfonicos”, compases irregulares y composiciones tematicas extendidas. Cada uno de los grupos arriba mencionados usa estos elementos a su manera, pero si en algo se parecen es en que los musicos suelen ser muy virtuosones, las composiciones son muy melodicas acompañadas frecuentemente con sintetizador en contrapunto, y la constante presencia de largos pasajes instrumentales que casi siempre incluyen solos de guitarra que hubieran asombrado a Don Andres Segovia. Aun asi, debido a que el rock progresivo metalico siempre esta “buscando” un nuevo sonido y simultaneamente lo esta incorporando al tocarlo, suele ser un tanto dificil compararlo o describirlo.

Rush es sin lugar a dudas el progenitor del rock progresivo metalico, por haber combinado elementos progresivos de Yes y ELP directamente con elementos del hard rock. No sorprende entonces que practicamente todas estas bandas citen a Rush como su influencia mas importante. Rush empezo a tocar a mitad de los 70s un rock “progresante” (“Caress of Steel”) y unos años mas tarde cambiaron a un estilo netamente progresivo (“Hemispheres”), para despues en los 80s decantar hacia un sonido “progresivo pesado” en los albumes “Permanent Waves” y “Signals”, que fue el sonido basico que tomaron los grupos que les siguieron. Otras bandas notables que seguramente influyeron en el genero fueron Uriah Heep, Rainbow, Deep Purple y Judas Priest.

El rock progresivo metalico aparecio primero en Seattle, cuando presionados por la emergencia del Grunge, Queensryche incorpora elementos progresivos para dar a luz “Operation:Mindcrime” en 1988, un album conceptual muy bien escrito. El mismo año, Fates Warning logro un nivel de abstraccion aun mas alto con “No Exit” y el año siguiente con “Perfect Symmetry”, donde el vocalista Ray Alder ilustra a viva voz los infiernos psicopaticos. Varias bandas americanas como Magellan y Shadow Gallery surgieron en 1991 impulsadas por la distribuidora Magna Carta, que despues se covertiria en un fuerte pilar para esta corriente.

Casi diez años despues de Rush en el 92’, Dream Theater, la banda americana de musicos prodigiosos saco el album “Images and Words”, que se convirtio en la punta de lanza del “nuevo” rock progresivo metalico, que arranco la “tercera ola” progresiva de los noventas. Dream Theater cimento su nombre en los anales de la musica progresiva con “Scenes From a Memory”, la primera obra maestra conceptual del genero, que le ha permitido vender millones de discos ya en este milenio.

Con la inercia del exito de Dream Theater, varias bandas americanas empezaron a experimentar con variantes mas tecnicas del rock metalico como las creadas por los insanos orates de Watchtower. Otros grupos como los suecos Pain of Salvation y Opeth, los ingleses Anathema y Threshold, los americanos Symphony X y Spastic Ink, y el holandes Ayreon son algunos de los brillantes exponentes del genero que no han parado de expandir las fronteras musicales desde los 90s.

Sin embargo, debido a asuntos legaloide-economicos con las distribuidoras, la “resurgencia” del rock progresivo via la variante metalica en los 90s se dio con mayor fuerza en Europa y Japon, donde existen una impresionante variedad de bandas, y es apenas en esta decada que nuevas bandas empiezan a ser consideradas y demandadas en los Estados Unidos.

Un ejemplo de lo anterior es el gran exito comercial que ha tenido Tool, talvez la banda de rock progresivo metalico mas importante en los EEUU en lo que va de esta decada, que ha vendido millones de ejemplares a pesar de una produccion raquitica (3 albumes en 10 años). “Lateralus” es una de las ultimas obras maestras innovadoras del genero, tan cerca de la perfeccion como pueda uno imaginarse, con influencias del Grunge y usando compases irregulares y asimetricos kingcrimsonianos, ritmos tribales y mantricos, guitarra, bajo y bataca sublimemente articulados en una sucesion de acordes armonicos y sus correspondientes compases contrapuntisticos siguiendo una paroxistica secuencia de Fibonacci.


Hoy por hoy, los musicos amateurs tienen mas esperanza de encontrar el exito y reconocimiento comercial - sin comprometer su integridad artistica - en el rock progresivo metalico que en ningun otro estilo progresivo. El reciente incremento en ventas (i.e. la distribuidora alemana InsideOut por fin abrio una oficina en EEUU -New Jersey) y la emergencia de las bandas polacas Riverside e Indukti, demuestran que el genero esta experimentando un “segundo aire”, principalmente debido a que el mercado mainstream ya “entiende” esta musica. Tambien preguntele a Steve Wilson el porque de la gradual “metalizacion” de su banda Porcupine Tree!


Sin embargo, aunque el rock progresivo metalico sea el medio principal a traves del cual se esta dando a conocer la musica progresiva en estos dias, el oleaje de otras variantes de rock progresivo sigue en pleno flujo transformante y en su momento pueden aparecer abruptamente en escena e impulsar nuevos rumbos insospechados.




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Pulso en la Otra Cara de la Luna

Discutia recientemente con un amigo el muy nuevo DVD de Pink Floyd "Pulse", que incluye el extraordinario concierto en Earls Court de "The Dark Side of The Moon" en 1994. Coincidimos en que este show podria ser catalogado como la presentacion en escena mejor lograda de la historia, tan perfecta como una joya exquisita: las luces apantallantes al compas, la evocativa pelicula que corre en la pantalla circular y la musica metodica y magistral, sincronizadas elegantemente con los ocasionales rompimientos de la guitarra de Dave Gilmour o de Tim Renwick, o el sintetizador de Wright.

El principal motivo para comprar el doble DVD es que el segundo disco trae la unica grabacion completa de una presentacion en vivo de "Dark Side of The Moon" mas aparte varias peliculas [cortos], bootlegs, efectos, fotos y demas parafernalia del grupo. Pero tambien vale mucho la pena disfrutar del brillante trabajo en luces de Mark Brickman, imaginativas y llenas de color, contemplar a las fabulosas coristas y recordar al esplendoroso saxo del setenton Dick Parry, asi como para sorprendernos cuando cruce por el cielo del escenario el centelleante bombardero de la Segunda Guerra Mundial.

Reserva: Aunque a Pluton lo descalificaron abruptamente de las ligas mayores, para mi seguira siendo mas misterioso que "la cara oscura de la luna", una sensacion que talvez solo el "Planets" de Eloy puede demostrar....

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Sieges Even y El Arte de Navegar las Estrellas

Ocho años despues de haberse “retirado” de la escena musical, la banda alemana Sieges Even regresa al mercado de rock progresivo con el talvez mejor logrado de todos sus discos. Sieges Even fue una banda prog trash de finales de los 80s y durante los 90s, cuyos primeros dos albumes generaron comparaciones con el prog metal tecnico de Watchtower, y su tercero y mas pesado album, “A Sense Of Change” sonaba como una continuacion refinada de Rush. Los hermanos Holzwarth disolvieron la banda en 1997 poco despues de dar a luz su quinto album “Uneven”. Circunstancias economicas positivas en el mercado Aleman favorecieron la inclusion de dos nuevos integrantes al elenco. Sieges Even tuvo su primer y exitosa vuelta al escenario en un festival en Holanda en el 2004, estrenando a Arno Menses como nuevo vocalista, un holandes de Rotterdam que como el flautista de Hamelin, seguramente atraera a muchisimos seguidores con su magica y armonica voz.

“The Art of Navigating by the Stars” es una -impresionantemente suave y melodica- rola prog-metalesca de 63 minutos dividida en ocho “secuencias” mas un breve intro que le da nombre al album. Varios pasajes comunes se repiten a lo largo del album, dandole cohesion y sentido de unidad. No hay teclados esta vez, pero el virtuosismo y complejidad ritmica del combo guitarra-bajo-bataca los hacen innecesarios.

"Unbreakable" es talvez la rola mas completa por su poderoso caracter progresivo y su emotividad. Al principio, la guitarra acustica transcurre con un fondo de rompientes olas marinas y el bajo polirritmico de Oliver Holzwarth para luego ser acompañada por la voz y coros de Arne Menses. Una ruptura instrumental al medio tiempo muestra el sobresaliente trabajo en los timbales de Alex Holzwarth al compas que marca un furioso bajo seguido de un intenso solo de Markus Steffen. La guitarra clasica de Markus Steffen explora elementos jazz-fusionantes contrapunteandose en perfecta armonia con el bajo riffeante de Oliver Holzwarth y la bateria de su hermano Alex. Steffen tiene esa rara facilidad para tocar tranquilizates arpegios circulares y hacer transiciones efectivas, una señal de su buena seleccion de tonos dominantes y su buena quimica con el resto de la banda. Los apremiantes expertos que compararon a Sieges Even con Rush en previas entregas, ahora deberan considerar que los tranquilizantes arpegios de guitarra tambien tienen evidentes similitudes con el King Crimson de los 90's.

Alex en la bataca es tan dinamico como lo es Oliver en el bajo, creando paisajes sonoros de gran apertura y belleza. Las voces de Arno Menses le dan fuerte profundidad emocional a las melodias que logran tocarme las fibras mas nostalgicas de la memoria, dandole significado al titulo del album.

"The Weight", la rola mas larga con 10 minutos, es tambien la mas pesada. La fluidez y dinamismo de esta rola es impecable. Oliver Holzwarth demuestra ser un singular bajista tecnico, por ser capaz de hacer veloces pero imperceptibles cambios ritmicos entre las partes pesadas y las mas tranquilas sin inmutarse. Los coros en "Stigmata" estan compuestos de varias capas superpuestas sobre un recurrente y pegajoso tema de la guitarra de Steffen y una seccion ritmica con un bajo GeddyLeeano que recuerda al Presto de Rush. "The Lonely Views of Condors", una rola originalmente predestinada para incluirse en el efimero trabajo de Valparaiso, esta construida en base a paisajes melodicos basados en la guitarra de Steffen que hacen superflua la necesidad de un tecladista, y en una serie de fantasticos coros y vocalizaciones de Menses que con soltura disuelven la hiperdensidad del pesado bajo que da sustrato a la pieza. Markus Steffen es un compositor y ejecutante de primer nivel, solo hay que escuchar los temas de guitarra clasica en “Blue Wide Open" y en “Lighthouse” para apreciar la excelsitud musical que puede lograr.

Este album es una obra maestra de principio a fin, con excelentes melodias, complejidad y calidad en su seccion ritmica, virtuosismo en la ejecucion, vocales y armonias de primera (al estilo del primer Yes), todo esto envuelto para regalo por una produccion extraordinaria (un sonido mas puro que el cristal de Bohemia) que rivaliza con lo mejor que ha hecho Steve Wilson de Porcupine Tree. Mas aun, la asociacion con la distribuidora InsideOut solo puede ser positiva en terminos de mercadotecnia y alcance para este fascinante prog caido del cielo.

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La Oficina de Influencia Estrategica

La Oficina de Influencia Estrategica (OSI, por sus siglas en ingles) fue un departamento creado el Departamento de Defensa de EEUU en el 2001, con el proposito de crear propaganda desinformativa hacia fuerzas enemigas y a las poblaciones civiles correspondientes. Talvez debido a que esta unidad Orwelliana murio prematuramente una vez se hizo publico su controversial proposito (aunque tras bambalinas seguramente sobrevive), se le ocurrio celebrarlo a Jim Matheos, guitarrista de Fates Warning, creando una banda con un poder de influencia similar (aunque a todas luces de indole constructivista) con sus amigos Mike Portnoy, baterista de Dream Theater, y Kevin Moore, ex-tecladista de Dream Theater y musico lider de Chroma Key.

Su primer disco "OSI", es un deleite para cualquier fan del rock progresivo soft-metalico (lease Porcupine Tree), el Space Rock al estilo de Hawkwind y los amantes de la estetica "X-Files". Kevin Moore, quien tambien es vocalista lider, se lleva las palmas por haber compuesto la casi totalidad del album y por incorporar mucho del sonido Indie contemporaneo que nos gusta. Moore usa el teclado para crear melodias y una infinita variedad de sonidos y texturas que superpuestas con conversaciones de espias y percusiones militares logran una atmosfera de tensa logistica y pesadez industrial como salidas de la serie Mision Imposible. Y por cierto, "Hello, Helicopter" es una de las mejores rolas que escuchado ultimamente del subgenero, impresionandome cuando el Shaman Portnoy suena como salido del Amazonas para rematar Moore con el insuperable Fender Rhodes y toques de sintetizador. La colaboracion de Steve Wilson en "Shutdown", tambien una excelente y fascinante rola, le añade el cache suplementario al trabajo, por lo que no sorprende que la productora InsideOut reporte ventas sobresalientes del album.

Su segundo disco "Free" es mas relajado y emocional que el primero, con mas vocales y ambientes electronicos que metales y bajos. La guitarra de Matheos se desenvuelve virtuosamente eslabonando contrapuntos al melodico teclado de Moore, que domina con paisajes dark contemporaneos y complejos (que recuerdan a Riverside). El personaje en este album es sin duda la voz de Moore, nostalgica e hipnotica a la vez, que funciona casi como un instrumento adicional las mas de las veces.

The Office of Strategic Influence ha creado ya dos albumes con relevancia progresiva y espacial, pronosticando que mayores trabajos de "espionaje" estan por venir. Enhorabuena!

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Muse - El hoyo negro del Alt-prog

El nuevo disco del trio Britanico Muse, Black Holes and Revelations, nos ofrece una vision extrovertida al “OK Computer” de Radiohead, con abundancia de guitarras coloreadas con trompetas de mariachi, pianos epicos e incluso metales y coros a la Glam-rock, rindiendo homenaje tanto al Queen de Freddie Mercury en “Soldiers Poem”, como a Prince en la rola super-funky "Supermassive Black Hole". Parte de la razon es que Muse es mucho mas ambicioso en terminos mercadotecnicos que los humildes de Thom Yorke y compañia (no obstante a que sus dos primeros albumes fueron producidos por John Leckie, quien produjo “The Bends”, el primer disco de Radiohead), pareciendoce mas a la maquina mercadosaturante de U2. Ahora el productor es Rich Cosey, conocido por su trabajo en Rage Against The Machine. Al igual que The Mars Volta, Storm Thorgeson fue el encargado del diseño de portada, un paisaje marciano con cuatro calvos sentados en una mesa de madera coronada por cuatro caballitos en miniatura (i.e. los cuatro jinetes del apocalipsis…).

Les ayuda ademas que Matthew Bellamy, el cantante, pianista y guitarrista de Muse, sea conocido por su falsetto al estilo de Jeff Buckley y sus dinamica presencia en el escenario que llevo a la banda a ganar el Brit Award de 2005 como el “Mejor Acto en Vivo”.

El lloriqueo melancolico-desesperante de Bellamy en “Assasin” esta superpuesto sobre un ritmo persecutorio muy parecido al del “Avispon Verde” (i.e. la serie de TV de los 60s donde salia Bruce Lee, tambien usado por Pure Reason Revolution en “The Dark Third”), creando un efecto psicotizante. “Exo-politics” habla de teorias conspiratorias que encierran secretos inmemoriables que pronto seran revelados (invasiones extraterrestres talvez?).

“City of Delusion” es una balada psicotico-energizante de space-rock flamenco que inicia con unos excelentes arpegios españolizantes de guitarras acusticas y se soporta instrumentalmente por el color de trompetas pamploneras y una orquesta de violines tocando una melodia de tonos medio-orientales en irremediable crescendo. “Hoodo” empieza con guitarras flamencas y continua con una suave balada muy latina, cerrando con piano en fortizzimo, violines y la sollozante voz romantica de Bellamy. “Invincible” es otra baladita con un fondo de tambores militares retumbantes, que culmina con guitarras ritmicas al estilo irlandes de U2. “Map of the Problematique” es una pieza tecno-atmosferica a la Depeche Mode pero en esteroides, si bien un tanto repetitiva.

“Supermassive Black Hole” esta destinada a ser la rola popera mas funky, disfrutable y discutida del año, directamente derivativa del “Purple Rain” de Prince, con la voz falsetto de Bellamy, el pesado bajo ochentero y el beat cadencioso con un coro de voces muy pegajoso.

Pero talvez el climax del album sean los 6 parodiantes minutos de "Knights of Cydonia”, una mezcla humoristica de Spaghetti Western a la Enio Morricone, Radiohead y un toquecin del Pink Floyd de la epoca de “Atom Heart Mother”. La rola empieza con los tambores al ritmo galopeante de unos caballos (seguramente estamos en el Oeste Norteamericano…), para seguir con un corito Queenesco que abre una larga secuencia ritmica de sintetizadores como salidos de un Nintendo, interrumpida por el coro digitalizado de multiples Bellamys declamando a cappella, "No one's going to take me alive!/Time has come to make things right!" el cual es seguido por galopantes cadencias de guitarras distorsionantes ya en plena escapada por las llanuras norteamericanas. Imaginen!

Es precisamente la aglutinante composicion (o mas bien digamos, el ensamblaje?) musical lo que demuestra que Muse es un trio de alt-roqueros con un talento de primer orden, atrayendo en su polifacetico trayecto a algunos fans de rock progresivo. Por cierto, no por nada el multi-instrumentalista Mauro Pagani de reconocida fama en Premiata Forneria Marconi, hizo los arreglos de cuerda para “City of Delusion“.

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Radiohead y la filosofia Unibomber

Radiohead fue la banda de los 90s que mas influyo en toda esa generacion de bandas britanicas (Coldplay, Keane, Muse, Travis, Doves et al, agrupadas ahora en las tiendas de discos bajo la etiqueta de Rock Alternativo/Pop.) Cuando su tercer album “OK Computer” salio al mercado en 1997, le dio al mundo una sorpresa (=desvirgino) a una masa de oyentes pop, al cambiar la idea de lo que deberia de ser un album de rock moderno, utilizando una variado y complejo ensamble de sonidos, tocando desde elementos progresivos de los 70s hasta el free-jazz y musica tecno-electronica experimental, y fortaleciendolo con un excelente trabajo de produccion.

Su influencia sonica sigue vigente, incluso en el sustrato de varias bandas britanicas nuevo-progresistas (New Prog) que estan emergiendo con fuerza ultimamente (e.g. O.S.I y Pure Reason Revolution). Le damos por tanto a Radiohead un breve reconocimiento en esta reseña.

Sin embargo, Radiohead no solo es reconocida por introducir una sintesis moderna de influencias y generos musicales pasados, sino tambien por la lirica futurista de Thom York, que contrapuntea la condicion del ser humano frente a la tecnologia, la globalizacion y los temas ambientales desde una concepcion socio-artistica.

Sin embargo, en este contexto, Radiohead mantiene una relacion extraña y ambivalente con la tecnologia. Veamos porque. Su obra maestra “OK Computer” retrata la vida moderna como automatizante y sin alma, una especie de contragolpe alternativo contra la tecno-utopia progresista proclamada por Kraftwerk y Tangerine Dream en los 70s.

“OK Computer” es un album artistico, oscuro, siniestro, post-moderno con elementos muy progresistas, muy diferente a la musica de los 80s, esa decada de excesos que le quito el valor artistico a la musica de los 70s. “OK Computer” tambien es el “Dark Side of the Moon” de Radiohead, ya sea por la perfecta unificacion del concepto, el tiempo en 7/4, o por la riqueza de texturas espaciales. No le creas a nadie que diga que no hay talento musical aqui – este tipo de comentarios lo hacen quienes no entienden que el rock verdaderamente "progresivo" viene en distintos empaques, sabores y colores – esta musica es pura, imaginativa, llena de creatividad y talento.

Lirica y sonicamente la musica se siente desconectada de la epoca de los 90s. Las estructuras musicales son frecuentemente atonales y disonantes, con paisajes repletos de ruiditos, loops, muestreos y voces computarizadas añadidas para incomodar al escucha. Los arreglos estan claramente diseñados por un neurastenico.


En este sentido, “OK Computer” es un album infectado de Ludismo a la Unibomber. Sentimos estar inmersos en una ciudad donde los humanos y los androides trabajan y colaboran juntos, un mundo donde los robots, como en el “Blade Runner” de Ridley Scott [1982], sienten emociones, y los humanos, en cruel competencia, quisieran no poseerlas. Mientras Kraftwerk eulogiaba a los robots como “seres super humanos” y se expresaba paroxisticamente de las bondades del transporte masivo, Radiohead en contraste imagina un mundo repleto de androides paranoicos y carreteras congestionadas.

“In a fast German car/I’m amazed that I survived/An airbag saved my life”, canta el vocalista Tom York en la rola “Airbag”, como si hubiera sufrido una experiencia al borde la muerte en el “Autobahn” de Kraftwerk. La panacea progresista propuesta por la banda alemana se convierte en un mundo naufragante cuyos restos son laminas metalicas retorcidas y guitarras distorsionantes. Por lo menos, funcionaron las bolsas de aire.

Ya en el primer album de Radiohead, "Pablo Honey”, la rola post-grunge pop “Creep” le da voz a todo aquel que se siente desconectado, alienado, o “geeky”. Pero “OK Computer” va mas alla en acusar la enajenacion desde esta misma linea: hay una calidad visceral que satura al oyente, la sensacion de alguien que esta siendo atosigado por demasiadas exigencias. La monotonia de aviones despegando, trenes, carreteras, radios fuera de sintonia, monoxido de carbono, antibioticos, camiones de basura, encima de todo el estres del trabajo diario es absurdamente abominable. El subtexto es: este mundo esta destruyendo lo que somos. La banda toca el punto medular y unico de nuestra condicion pos-moderna, enfatizando el significado de vivir en la era tecnologizante, una caotica realidad con demandas inagotables e aparentemente inevitables a la psique humana.

Como se acepta la entrada en la era de computatizacion masiva sin perder el sentido de lo que significa ser humano? A lo largo del album, el narrador se hace esta pregunta. Sus miedos son palpables pues continuamente clama y ruega por algo humano y vivo que le de consuelo o esperanza:

Please could you stop the noise, I’m trying to get some rest
From all the unborn chicken voices in my head
What’s that...? (I may be paranoid, but not an android)
What’s that...? (I may be paranoid, but not an android)…."Paranoid Android"
Shell smashed, juices flowing
wings twitch, legs are going,
don’t get sentimental, it always ends up drivel.
One day, I’m gonna grow wings,
a chemical reaction,
hysterical and useless
hysterical and
let down and hanging around,
crushed like a bug in the ground. you’ll know where you are …."Let Down”

Es como si la primera funcion del arte sea recordarnos la diferencia entre libertad y represion, que el cambio es real y lo posible es posible.

Despues de “OK Computer”, Radiohead fue criticada por las revistas poperas, describiendola como una banda perversa y traicionera [por no seguir siendo un grupo pop, un producto mas del mercado]. Pero por supuesto, en su momento Radiohead defendio a viva voz su libertad de hacer arte como mas les placiera y su derecho a no dejarse comprar, una ironica locura en su momento en el unico contexto en el que no era posible expresar este intento sin el apoyo de las mega-distribuidoras ("Fuck Corporate Rock!").

El problema sin embargo es que la estrategia independentista de crear esta “separacion” un tanto cuanto artificial de la ubre corporativa funciona por un rato pero inevitablemente tu “producto” termina sucumbiendo en el cementerio de las demas mercancias.

Para lograrlo, imitaron a Kurt Cobain y Nirvana, comoditizando su disentimiento en un mercado tecno-totalizado, respondiendo a sus demandas en una forma que se adecue a lo que el artista quiere: la necesidad de ser autentico, la espontaneidad de la autonomia, y por minima que sea, una separacion entre si mismos y la vida en el mundo corporativo. Si “OK Computer” fue la vision infernal de una vida ordenada por la maquinaria, la trilogia que le siguio intento negociar un contrato con la tecnologia que les ofreciera una mayor recompensa.

Eso fue exactamente lo que paso con Radiohead. En su album subsecuente “Kid A” (2000), Radiohead decidio asimilarse – o mas bien acomodarse- a las corrientes tecnologizantes. Las inusuales guitarras disonantes y tambores se redujeron un tanto, contrapesadas con un incremento proporcional en ritmos computarizados contenidos y el zumbido desenmembrado de la musica electronica. Como los Budistas arguyen, en principio no hay nada inherentemente diabolico en las maquinas (hasta las Computadoras estan OK), es la Mente que habita la maquina la que puede ser maligna (como dice Pink Floyd, "the luunatic is-in your heaaddd"). Obvio que el experimento fue demasiado brusco para muchos fans, quienes los acusaron de traicion, pero no tan obvio lo fue el que sus dos siguientes albumes, “Amnesiac” y “Hail to The Thief” trataran de encontrar un punto medio entre el dinamismo roquero de canciones bien estructuradas y la infinita paleta de sonidos ofrecido por la electronica.

Lo relevante, sin embargo, es que la musica de Radiohead logra el enorme proposito de encontrar lo humano en lo inhumanizante, la libertad dentro de lo esclavizante, en un solo instante. Lo maravilloso de ese instante es todo lo que podemos pedirles.

Los miembros de Radiohead, son revolucionarios tan solo por virtud de su arte. Talvez no sean Luditas al estilo Siglo XIX, pero acaso sean los profetas que sonaron la alarma para despertar en el nuevo siglo con una cultura en peligro de ser aniquilada.

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Tool opina sobre el New-prog

Acabo de checar la entrevista con Tool en la edicion de Julio 2006 de “Classic Rock Magazine” (UK), donde Tool discute una serie de temas incluyendo el topico del "New-prog".

Unos parrafos de muestra:

Q:Tool, more than any other band, have been responsible for inspiring a new wave of hard rock that isn't ashamed to call itself progressive. The term "prog" still elicits sneers and lame jokes about wizards and elves. Yet the most important bands around at the moment are all, arguably, neo prog bands. The range of new prog is immense and very diverse: from the emotional Mahavishnu Orchestra-plays-bossa-nova thrills of The Mars Volta to the snarling polar intensity of Opeth, they all, to some extent, owe something to Tool. There are also hundreds of Tool impersonators, bands such as Mudvayne who seem to lurk in their wake, providing vaguely acid-tinged metal with a touch of the enigmatic and esoteric when Tool are in one of their now-frequent retreats.

A:"I don't hear that," says Justin Chancellor. "All the time I'm told that this band or that band are inspired by Tool but as one of the biggest fans of this band, I have to say that I don't get any of the emotional feel from them that I get from Tool."

Q: They all agree, however, that they are big fans of The Mars Volta. Regardless of whether or not you actually hear the direct influence of Tool in these bands, they probably wouldn't exist if Tool hadn't been there first.

A:"I disagree. I think that they would still be doing what they are doing without us," says Maynard. "You listen to At The Drive-In [the original band that featured Mars Volta members Cedric Bixler and Omar Rodriguez] and they were setting themselves up for the next thing, that whole Santana jam thing."

Q:But you could argue that without Tool there wouldn't be a mass audience for what they do.

A:"Yeah, but I think that when Radiohead in the 90s started doing these long introspective pieces, that also set the stage for The Mars Volta and for a lot of bands like them," nods Keenan sagely.>>

Por un lado, lo que implica el entrevistador, que afirma que sin Tool, The Mars Volta no tendria el inmenso mercado que tiene ahora es muy exagerado y deshonesto. Es claro que Tool es el principal responsable reciente del revival (1# album en el Billboard) de estructuras progresivas de larga duracion en el mainstream, pero no creo 100% en eso de que el mercado de TMV no seria tan grande si no fuera por Tool. TMV ya traia una base considerable de fans desde sus epocas de At The Drive in, muchos de los cuales jamas comprarian musica de Tool. Aunque tanto Tool como The Mars Volta son bandas de rock progresivo, son muy diferentes entre si y nos costaria trabajo compararlas bajo algun marco de referencia (fuera de las obvias influencias comunes de King Crimson).

Por otro lado, si estoy de acuerdo con que Radiohead abrio un sonido “prog” mas vendible para el publico masivo (i.e. el mercado alt-pop) que por ejemplo, el del metalico operatico a la Dream Theater o el del soft prog metal a la Porcupine Tree o que el de cualquiera de los neo-progs. Y en el contexto de los mercados anglosajones, veo que mas fans de TMV e incluso de Tool han llegado por esta vertiente que por ninguna otra.

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Frusciante, Flea y Omar

Un jamming de guitarras hiper-progresivo antecedente de Amputechture (ya oiste "Viscera Eyes" alrededor del minuto 6:22?)

Djam Karet y la contemplacion camaleonica

Regreso con nuevos brios despues de disfrutar de 9 magnificos dias en el Caribe mexicano. Afortunadamente ningun huracan interrumpio el flujo perezoso del tropico, pero si lo hizo una furiosa y refrescante tormenta que me impidio disfrutar de mas minutos de contemplacion camaleonica desde la piramide Maya mas alta de la peninsula de Yucatan (en Coba).

La foto muestra la vista desde el cuarto de hotel, y la hamaca donde pude escuchar por largos trechos una multitud de CDs de rock progresivo. En ese estado de purificacion mental, la musica que mas me atrapo fue la de “Recollection Harvest”, la ultima entrega del grupo californiano Djam Karet (“Tiempo Elastico” en Indonesio). De hecho, el CD contiene un segundo album llamado “Indian Summer”.

Mi impresion es que se trata del trabajo mejor logrado hasta ahora del grupo, mas composicion, mejor orquestrado, y que demuestra la evolucion de su sonido progresivo en base a una vision mas energetica y expansionante de la realidad. Como ejemplo de la primera mitad del album, la rola “Dr. Money” usa generosamente sintetizadores analogicos y mellotrones, la guitarra acusticas, dos bajos y paisajes sonicos de fondo para recrear la alegre y melodica persecucion de Don Dinero. Hay hasta melodias este-europeas que han sido primero sometidas al tratamiento floydiano a la “Wish you were here” para luego romperlas eclecticamente a la usanza del mejor “Red” Crimsoniano, y despues terminar con un tercio de funk-fusionante.

La segunda mitad, “Indian Summer”, es mas espiritual y mistica, una reflexion metafisica del shamanismo indigena en su integracion cosmico-liberalizante, donde Djam Karet explora percusiones instrumentales, mucho sinte, guitarras ritmicas y acusticas, sonidos espaciales pinkfloydianos y voces de fondo al estilo Apache. Como ejemplo, la rola “The Great Plains of North Dakota” nos transporta a los llanos Dakotianos a bordo de un brioso corcel salvaje e ingobernable que recorre la indómita frontera norteamericana.

Esta si que es una buena noticia para aquellos que hemos seguido a este grupo y a su complejidad King Crimsoniana-Pink Floydiana desde “Burning The Hard City” y aquel otro discazo “The Devouring”, enhorabuena!

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Syd Barret se une definitivamente al cosmos

Ha muerto a los 60 años Syd Barret, el incomparable genio que co-fundo Pink Floyd y escribio muchas de las primeras rolas de la banda psicodelica mas famosa de la historia del rock.

Barret practicamente escribio solo el deslumbrante album “The Piper at the Gates of Dawn", uno de los primeros hits de la banda, entre ellos el inolvidable “Interstellar Overdrive”.
Syd se destrozo las neuronas por abusar excesivamente del LSD y dejo el grupo en 1968, tras ser removido por la banda y reemplazado por la guitarra de David Gilmour, varios años antes de que se hiciera "Dark Side of the Moon". Barrett logro componer un par de albums solo: "The Madcap Laughs" y "Barrett", antes de desaparecer por completo en la campiña inglesa.

Solo nos queda decirle: "Shine on, Shine on you Crazy Diamond..."

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Pure Reason Revolution - The Dark Third

Durante un descanso del NEARfest tuve oportunidad de conversar brevemente con Rob deLuca, coordinador del evento, y otros participantes ahi presentes, sobre algunos de los grupos de "prog" modernos, y fuera de las bandas que ya he comentado hasta el hartazgo, particularmente coincidimos en que "Pure Reason Revolution" (de quienes acaba de salir su ultimo disco) era una potencial "estrella" en el firmamento prog (Rob ya habia escuchado su ultimo disco y lo considera "sobresaliente"). Incluso, otra persona presente (presumiblemente britanico) comentaba que despues de escuchar a PRR, el ya habia dejado de considerar a Porcupine Tree como el gran grupo prog del futuro (!!!). OSI fue el otro grupo que se menciono bastante (mas de este grupo en una posterior misiva).

Poco despues, en las mesas de LaserEdge, finalmente adquiri el primer disco de estudio (version importada) de Pure Reason Revolution, el CD conceptual llamado "The Dark Third", que despues de haberlo escuchado un par de veces me parece estar muy bien compuesto, ademas de que a mi gusto es muy inteligente, esto ultimo por ser buen material para encandilar a un mercado mas amplio (p.e. que el ya "ampliado" del "prog-metal" ingles a la Porcupine Tree/Blackfield) y mas mainstream. En una primera impresion, me parece que el climax en este album se da con la pieza de 7 minutos llamada “Twyncyn”...

PRR se fundamenta en varios grupos britanicos alt-post-prog como Radiohead, Muse, Oceansize mas algo de psicodelia y muchos ecos de Pink Floyd.

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El Mercadito de Rock Progresivo

Como se podran dar cuenta en mis previos posteos, disfrute mucho este NEARfest, pero no solo por la musica y la buena vibra de la comunidad prog sino tambien por la interaccion abierta con todo tipo de personas en la cadena de valor de esta industria. Tuve oportunidad de percibir -en las tiendas montadas en el centro Zoellner- que es lo viene en la segunda parte del año, que es lo que mas esta sonando y se esta comprando hoy por hoy, y tambien un poco de lo que ya tristemente se fue, si me doy a entender....aquello que ya perdio todo significado.

En los mercaditos habia de todo un poco: gente que sigue en la nostalgia de las dos (o tres) decadas pasadas (e.g. neoprog, zeuhl, krautrock) preguntando por grupos raros de un solo disco; otros en la busqueda de la novedad y otros descubriendo prog de otras latitudes (e.g. no anglo, no europeo), prog japones, latino, africano, prog etnico, ambient, minimalismo, math-rock, etc.). Vamos, imaginen la cacofonia de un mercado microcosmico prototipico.

Tuve chance de hablar con el duenio de Cuneiform Records y Wayside Music, Steve Feigembaum, sobre los nuevos grupos prog (e.g. TMV) y de los que intentan volverse prog (i.e. Coheed y Cambria), y esta muy entusiasmado, sobretodo por que ve muchos musicos jovenes inspirandose en esos grupos, agarrando influencias "prog" (como Pure Reason Revolution, que ya empieza a sonar en USA), distintas del prog-metal, del jazz-fusion, mas eclecticas y un tanto alejadas del sinfonico, con combinaciones interesantes. Le pregunte si habia encontrado otros como TMV y me dijo textualmente "no hombre, ya quisiera ver otros grupos como ellos, pero aun no se ha dado todavia....").

Es claro que las distribuidoras de musica progresiva necesitan vender mas discos y por eso Steve se entusiasma con la resurgencia del interes en los jovenes por variantes progresivas. Steve es conocido por su arriesgue y vision, no cualquiera se atreve a apostarle a la musica de Univers Zero, o a bandas intentando variantes dificiles como los Ahleuchatistas, un grupo de Math Rock, genero poco accesible pero con cierto jale entre la juventud en algunos circuitos.

Tambien hable con los editores de revistas y con otros distribuidores (e.g. LaserEdge, Magna Carta, InsideOut) sobre lo que se esta vendiendo o promocionando, y pues en definitiva, comparativamente de entre lo nuevo aun jalan mucho mas los grupos escandinavos en todas sus variantes y de los subgeneros, el prog-metal. Los distribuidores de nicho vendiendo lo suyo (en este evento convergen compradores de ECM, ReR, MUSEA, Poseidon, MIO Records, Carbon 7, etc.) pero los que mas me llamaron la atencion fueron los que ofrecen rarezas (lo que ahora se llama "The Long Tail" y que p.e ofrecen discos prog del resto del mundo aparecidos desde los 70s), que por lo que pude observar, venden muchisisimo. Debe ser que mucha gente ya se canso de comer la misma sopa de siempre, pero sigue pidiendo consome.

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NEARfest - Show del Domingo

El grupo avant-prog Guapo nos ofrecio una intensa vibra ritualistico-crimsoniana con jams largos y marchas seudo-tribales. Muy jovenes todos ellos, el baterista sobresaliendo de entre los instrumentistas, mientras el guitarrista prestado de The Cardiacs daba saltimbanquis muy punkeanos por el escenario y el tecladista martilleaba el Rhodes. En un momento dos integrantes de la banda caminaron por entre la audiencia tocando varios instrumentos de viento amplificados. Hay una mezcla interesante de elementos, con motivos Anglagard-eanos, riffs metalicos densos y maleficos, momentos calmos antes de la tormenta, con la tension gradualmente en creciente hasta deslizarse en una cacofonica articulacion de la era Red de Crimson.


El bajista Michael Manring fue realmente interesante de observar, sobretodo por que tenia un bajo hecho especialmente para el, con controles integrados que le permitian cambiar la afinacion de su bajo mientras lo iba tocando. Recibio una excelente respuesta de la audiencia.

El grupo frances Ange (en la foto abajo, Christian y Caroline) se entrego muy apasionadamente a demostrar por que siguen siendo la banda de “prog” mas popular en su pais, sobretodo por la carga teatral que se impone visualmente en varios niveles. Es una musica sinfonica, intensa, con toques mediterraneos y percusiones destacadas, con Christian echando a volar su potente voz al tiempo que Carolina hacia la danza de los siete velos alrededor del escenario. Tristan, el hijo de Christian y tecladista del grupo, sorprendio en la segunda mitad del espectaculo al tomar el microfono y cantar con valentia y calidad en un par de rolas.

La banda de jazz-fusion Niacin brindo un show impresionante, con un Dennis Chambers a la cabeza demostrando porque se le considera uno de los bateristas mas grandes del momento. Ademas, Billy Sheehan fue un monstruo absoluto, una especie de Paganini del bajo, con una tecnica increible. Novello mostro que domina el Hammond, aunque no impresiono gran cosa. No me entusiasma demasiado el estilo de musica que toca Niacin, pero creo que fueron una buena eleccion para una buena parte del auditorio. Es de resaltar la notable interpretacion que hicieron del Red de King Crimson y del King Kong de Zappa.

Y finalmente, para cerrar excelentemente esta velada de primer nivel, el maestro Keith Emerson. Mientras que desde la perspectiva de novedad en la composicion, mi banda favorita fue Guapo, Emerson y su banda fueron sin lugar a duda los mas experimentados y entretenidos. El guitarrista Marc Bonilla puso lo suyo con buenos riffs y vocales. Para un viejo de 60 veranos, Keith toco muy bien y se mantiene enterito. La banda traia muy buen ambiente y tocaron casi 3 horas, pues parecia que Keith intentaba complacer a su base “core” de fans, tocando una version muy disfrutable de “Tarkus” y aderezando el plato con anecdotas de su extensa carrera dentro del prog.

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NEARfest - Show del Sabado

La edicion del NEARfest de Junio 22-24 en el Centro Zoellner de las Artes de la Universidad Lehigh fue un ejemplo deslumbrante del compromiso del evento a la variedad y excelencia. Los grupos que se presentaron fueron de los mas variados subgeneros, desde la psicodelia de Ozric Tentacles hasta el eclectisismo zeuhl de Guapo.

El centro Zoellner es un lugar a todo dar, por lo que no importo que nos tocara una tormenta persistente durante el fin de semana, todo mundo se quedo dentro y funciono de maravilla. Mis felicitaciones a Rob DeLuca y Chad Hutchinson, coordinadores del evento, y a todas las demas personas que hicieron posible el show.

No pude presenciar el show del Viernes, asi que no puedo comentar sobre Tony Levin y Harthfield and The North. Empezamos el Sabado con KBB, una notable banda japonesa de fusion mezclada con otros elementos prog-sinfonicos y hasta con algo de influencia Celtica. Akira Tsuboy es un monstruo del violin. Musica muy hermosa, con buena quimica, un cuarteto que impresiona. La banda parecio enganchar a la audiencia de manera muy evidente.

Riverside, encabezados por su vocalista Mariusz Duda (en la foto), no decepcionaron y mostraron porque son una banda solida, a pesar de que muchos de los asistentes los consideren una mezcla de Coldplay y Pink Floyd. Duda pidio las palmas un par de veces, probablemente debido a su nerviosismo, lo cual no se sintio tan bien entre la concurrencia, que siguio a medias. Tocaron material de sus dos discos “Out of Myself” y “Second Life Syndrome”, ambos con tintes mas “Dark” que Porcupine Tree, con alguna vibra talvez del "A Pleasant Shade of Grey" de Fates Warning. Para mi es claro que este grupo va a ser mas conocido muy pronto. Duda demostro que puede tocar notas complejas en el bajo mientras canta melodias en contrapunto y la guitarra de Piotr Grudzinski es de nivel.

En terminos de la exuberancia del afan progresivo, Ozric Tentacles nos recordo como es que debe supuestamente debe ser la experiencia psicodelica, en un performance divertido, con un show de imagenes psicodelicas proyectadas sobre el escenario, aunque hacia el final quiza un tanto repetitivo. Ed y su esposa Brandy fueron las caras notables del durante las dos horas del espectaculo, aunque no puedo decir que aprecie las dotes de tecladista de Brandy, quien mas bien se dedico toda la noche a hacer efectos sonoros.

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NEARfest 2006

Mi caracteristica ansiedad me invade ya, a un par de dias antes de asistir al NEARfest (North East Art Rock Festival), festival que celebra cada año los avances del rock progresivo y la musica eclectica alrededor del mundo. El NEARfest, que se lleva a cabo en Bethlehem Pennsylvania, ha crecido a tal punto que ya es reconocido como el "festival de musica progresiva mas prestigioso del mundo", como leo en Wikipedia.

En esta ocasion, tenemos el dia Viernes la presencia de Hatfield and the North y la banda del bajista de fama Crimsoniana y Peter Gabrielana Tony Levin. Hatfield fue una banda experimental durante la primera mitad de los 70s, y por estos dias vive su tercera reencarnacion.

El Sabado por la mañana veremos y oiremos por una hora a KBB, el inventivo y virtuoso cuarteto instrumental japones con orientaciones Crimson-Luc Pontyanas aparecido en los 90s en el que figura un violin "progresivo", para despues disfrutar enormemente de la primera visita americana de Riverside, hoy por hoy la banda polaca mas conocida del planeta.

Por la tarde escucharemos al trio del innovativo guitarrista folk-prog Richard Leo Johnson, y a FM, la banda canadiense reconocida por su album debut "Black Noise" y su mandolina electrica, para cerrar la noche con broche de plata con dos tremendas horas de viajes psicodelicos guiados por la nave galactica de Ozric Tentacles.

El Domingo para digerir bien el desayuno, abre dialecticamente Guapo, un grupo ingles RIO cumpliendo este año su decimo aniversario, de quien se dice su performance en vivo es igual de formidable que sus discos de edicion limitada (promedio:250 copias). Ya les cuento.

Despues se presenta el virtuoso bajista Michael Manring, conocido por tocar dos o tres bajos simultaneamente, y por ser bajista de cabecera de la casa de Jazz/New Age Windham Hill Records. Al terminar Manring, viene Ange, la banda progresiva mas popular -y prolifica- en Francia (tambien de los 70s, ya en su segunda generacion), encabezada por los hermanos Decamps, y de quien recordamos "EL cementerio de los Arlequines", un drama cantado, recitado y gritado por un glamoroso Christian Decamps, mas actor de teatro burlesque que vocalista de rock.

Como penultimo numero, el trio de fusion jazzistica Niacin nos presenta su nuevo disco de fusion instrumental "Organik", haciendo lujo del sonido Hammond B-3 que otros grupos como ELP hicieron famoso pero nunca con tanto groove como el de John Novello, el bajo de Billy Sheehan, y la bataca funk de Dennis Chambers.


Para cerrar el festival con broche de oro, Keith Emerson, probablemente el tecladista mas famoso en la historia del prog, nos deleitara tecleando a dos manos piezas de Mussorsky y otros clasicos grandes en sus dos organos Hammond y talvez su sintetizador Moog (que toca de espaldas). Para no dejar pasar la ocasion, tratare de que me autografie un ejemplar de su libro "Pictures of an Exhibitionist".

Otro detalle que no olvidare sera encontrar y felicitar a Roger Dean, el famoso artista que ilustro las portadas de Yes y tantos otros grupos, quien estara de invitado especial, vendiendo sus obras.

Suena muy bien el programa del festival 2006, con buena mezcla internacional, muy diverso generacional y estilisticamente, mucha virtuosidad y buen performance, que les parece?

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