Saturday, August 30, 2025

PAT METHENY contempla la luna con una guitarra barítono en mano


 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy traemos a colación el más reciente álbum del maestro estadounidense PAT METHENY, titulado “MoonDial” y publicado a fines del mes de julio del pasado año 2024 por BMG en asociación con Metheny Group Productions, tanto en CD como en doble vinilo. Citando la información escrita en la contraportada del disco en cuestión, se trata de una obra de guitarra única donde METHENY toca “una guitarra barítono de nailon Linda Manzer con un Ribbon AEA R88 con un pickup Go Acoustic Audio”. El material contenido en este disco que dura más de 61 minutos fue grabado en su estudio High Rocks en diciembre de 2023, siendo así que el buen PAT también se hizo cargo de la producción. Pete Karam realizó las labores de mezcla, mientras que Ted jensen hizo lo propio con la masterización. Echemos ahora un vistazo al repertorio contenido en “MoonDial”. 


La pieza titular dura poco menos de 6 ½ minutos y se encarga de abrir el repertorio con una innegablemente exquisita aureola de fulgores cristalinos que se explayan con oportuna serenidad. En efecto, ‘MoonDial’ aprovecha el swing de cierto talante de bossa nova sobre el que se sostiene para asentar su sedoso desarrollo temático. ‘La Crosse’ sigue a continuación para establecer una dinámica renovadora respecto a las vibraciones contemplativas vertidas en la pieza inicial. Aunque su delicadeza expresiva es muy semejante a la del tema inicial, el sendero temático que elabora tiene una dosis un poco mayor de extroversión. Un cénit del álbum. El tercer tema es un clásico de la fase pre-eléctrica de RETURN TO FOREVER, a la sazón, ‘You’re Everything’. El buen PAT respeta la cualidad etérea del núcleo central de la composición original para enfatizar las texturas esenciales de la misma con la ventaja que ofrece el mecanismo mismo de la guitarra. Luego sigue otra gema de autoría ajena: la hermosa balada de THE BEATLES ‘Here, There And Everywhere’, compuesta por McCartney en el año 1966. Tratándose de una pieza que, además de contener una belleza cautivadora, juega con ingeniosos juegos de acordes, es de prever que METHENY aproveche la situación para dar a esas ingeniosas ilaciones de escalas unas florituras renovadoras. Los ornamentos nuevos se mantienen dentro de unos parámetros melódicos bien definidos. Cuando llega el turno de ‘We Can’t See It, But It’s There’, la guitarra de METHENY explora las facetas más ceremoniosas de su magia expresiva. Hay un aura grave en el modo en que esta pieza va exhibiendo su encanto sustancial: dice mucho en su espacio de menos de 3 minutos. ‘Falcon Love’ es la pieza individual más extensa del álbum con sus casi 7 ¼ minutos de duración. Su principal función es la de remodelar la sobria exuberancia del tema #2 mientras recoge algunos ecos de la flotante luminosidad que signó al meditabundo tema #1. El popurrí de ‘Everything Happens To Me’ y ‘Somewhere’ (temas compuestos por Tom Adair y Stephen Sondheim, respectivamente) dura un par de segundos menos que ‘Falcon Love’. El factor contemplativo persiste a paso firme mientras proyecta, en esta ocasión, un esquema sonoro un poco más esparcido. Las bases armónicas prácticamente señalan el camino a seguir durante los desarrollos melódicos. 
 
 
Una cálida versión de la canción tradicional ‘Londonderry Air’ permite a METHENY darle un nuevo giro de tuerca a su particular visión del lirismo dentro del lenguaje del jazz-fusion, y como ésta es una ocasión muy dada a lo introspectivo, las ilaciones de notas para el tema central y sus derivaciones se dan con una sutileza muy meticulosa. Una belleza intemporal que este guitarrista sabe incorporar a su ideario con debido ingenio. ‘This Belongs To You’ es una composición de METHENY que data del año 2012 y que él concibió para la UNITY BAND. Tras una primera sección marcada por un sigilo estilizado, llega luego otra donde la guitarra de PAT vira hacia un esbozo temático más reconocible. Cuando llega el turno de ‘Shõga’, nos topamos con una celebración del fulgor de mediodía con una actitud jovial. Los rasgueos gestan el armazón musical con suma elegancia mientras ponen en claro su intención refulgente. ‘My Love And I’ vuelve de lleno a lo introspectivo y se inserta en sus recovecos con una dulzura envolvente: habla por sí solo su hermoso foco melódico. Durando poco menos de 7 minutos, ‘Angel Eyes’ empieza con una sección que recuerda la magia evocadora de la composición precedente, ostentando un hálito aún más etéreo. Luego llega una segunda sección un poco más animada donde el maestro juega liberalmente con el discurso de fusión exuberante que le ha caracterizado a lo largo de toda su carrera hasta ahora. Poco a poco, el ambiente general va girando hacia algo un poco más contenido bajo un manto crepuscular: la nota final es categórica a la hora de cerrar el viaje del momento, el cual supuso el culmen decisivo del disco. Todavía queda algo más, ‘MoonDial (Epilogue)’, y se trata justamente de eso, un final que retoma una de las secciones más serenas de la pieza homónima. Este viaje solitario del maestro PAT METHENY ha plasmado en “MoonDial” un testimonio de la persistente inquietud creativa que sostiene a sus imparables ganas de seguir ahondando en su faceta más contemplativa. Contemplar la luna mientras graba música hermosa de diversas fuentes. Desde el año pasado, el buen PAT se encuentra inmerso en una gira donde se destaca esa faceta de su multivalente personalidad musical: él sabe mantenerse vigente tanto en los registros fonográficos como sobre los escenarios. ¡Que así sea por mucho más tiempo!
 

Wednesday, August 27, 2025

La nueva mitología rockera del cuarteto argentino DÁNAE



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy tenemos el placer de hablar sobre el cuarteto argentino DÁNAE so pretexto de la reciente publicación de su tercer álbum “Mitologías” el pasado 18 de agosto por vía del sello Viajero Inmóvil, solamente como descarga digital. Este grupo rosarino conformado por los guitarristas Marcelo López y Pablo López, el bajista Willi Torres y el baterista Roberto “Tato” Ferraris sigue firme en su senda del hard rock progresivo con un sistemático énfasis en la agilidad sofisticada, equiparando, a grandes rasgos, influencias de RUSH, YES, WISHBONE ASH, DEEP PURPLE e INVISIBLE, además de incorporar algunas estructuras estandarizadas del prog-metal. Se ha hecho esperar mucho este disco, teniendo en cuenta que el trabajo anterior de DÁNAE, “Medusa”, data del año 2013. El cuarteto ha contado con la labor cómplice de Palmo Addario de forma masiva: él se encargó de la ingeniería de sonido y la mezcla para las sesiones de grabación de los siete temas contenidos en “Mitologías”, justamente en su estudio Palmo Records. El diseño gráfico es de la autoría de Sergio Rébori. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio mismo.

Con la díada inicial de ‘Acrisio y Claroscuro, buena parte de las cartas rockeras del grupo ya están puestas sobre la mesa. El primero de estos temas mencionados se enfila por una sofisticada ingeniería rockera donde los motivos en curso se explayan sobre una arquitectura rítmica razonablemente exigente. Una vez que las guitarras dialogantes han animado el norte melódico, el bajo goza de un espacio de lucimiento. Gran inicio del repertorio. En lo referente a Claroscuro, su enfoque expresivo se orienta inicialmente por una senda mucho más serena, apelando a un groove etéreo de tenor jazz-progresivo mientras el bajo va anticipando las proyecciones temáticas que pronto habrán de asumir las dos guitarras. Es en este momento que el tema se torna más dinámico, incluso más majestuoso, apuntando a una elevación magnífica. La garra exhibida es aristocrática, dueña de una aureola distinguida. Dos cénit consecutivos para el inicio del album: ¡un acto valiente! Siendo la pieza más extensa del álbum con su duración de casi 7 minutos, Gorgonas prosigue un camino expresivo semejante al del tema predecesor. El cuarteto decide darle una catadura más grácil a este nuevo ejercicio de mezcla de hard prog y jazz-rock. La labor de la batería es particularmente  sólida a la hora de sustentar las elegantes vibraciones hermanadas de los instrumentos de cuerda. esa elegancia rockera revestida de sólida musculatura es algo que habitualmente asociamos a las obras más gloriosas de los legendarios RUSH. Cuando llega el turno de Sol, idóneamente se nos revela un renovador fulgor en el lenguaje del arte del sonido. Altivez contemplativa y claridad melódica operan eficazmente en un primer entramado musical que fluye a lo largo de las variantes de compás que se van armando. En un momento posterior, el ambiente y el groove tornan un poco más musculares, tratándose en realidad de un puente hacia el reprise conclusivo del primer cuerpo central; dicho reprise ostenta un vitalismo muy efectivo a la hora de irradiar un auténtico brío remodelado con estilizado fulgor.

‘Enlaces’ combina sabiamente el factor incandescente de los dobles guitarreos y el tenor imponente de los excelsos grooves organizados por la dupla rítmica, los cuales navegan de lo moderado a lo poderoso y viceversa. Lo que suena aquí se parece un poco a BOZZIO LEVIN STEVENS en su faceta más contundente. Mientras avanza la pieza, el trío va incrementando sus vibraciones pesadas hasta llegar a un epílogo rotundamente vivaz, cerrando a lo grande un viaje que fue complejo a su propia convincente manera. En Cronos’, el cuarteto remodela en buena medida las texturas más señoriales del ideario musical de la banda para gestar un nuevo ejercicio de fluidas mezcolanzas entre lo incendiario y lo elegante. La banda exhibe muy pronto los ecos de la pieza anterior, pero es de notar que el enfoque adoptado en los arreglos se emparenta con el vigor cautivador y señorial de los temas #1 y #2, dejando que el gancho rockero hable por sí solo mientras el cuarteto maneja oportunos despliegues progresivos con mesura. Se nota que hay un refuerzo de lo fusionesco en temas como estos. Artemisa trae consigo el cierre del repertorio y lo hace con el despliegue de un punche que ya nos resulta bastante familiar. Prácticamente, lo que opera aquí es una síntesis de las ambiciosas espiritualidades rockeras plasmadas en los tres primeros temas del álbum. Se puede notar en el último tercio un imperio de la solemnidad antes de que la sección epilogar saque a colación un último momento de exhaustiva explosividad. Todo esto es lo que se nos brindó con “Mitologías”, estupenda tercera obra fonográfica de los veteranos DÁNAE que sale al público para insuflar una energía auténtica y totalizante a la actual escena del rock artístico argentino. He aquí un catálogo de mitos rockeros que recomendamos para cualquier buena fonoteca al 400% (un ciento por cada músico).



Sunday, August 24, 2025

Rumores sobre la octava maravilla jazz-progresiva de los noruegos PANZERPAPPA


HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
¡Albricias! Resulta que tenemos que celebrar lo nuevo del grupo noruego PANZERPAPPA, el cual fue publicado por el pasado 22 de agosto – hace muy poco – por el sello Apollon Records, tanto en CD como en vinilo verde.* “Landsbysladder” es el título del disco en cuestión. El ensamble conformado por Steinar Børve [saxofones soprano, alto y barítono, EWI, flauta y sintetizador], Trond Gjellum [batería, glockenspiel, otras percusiones y sintetizador], Anders K. Krabberød [bajos de 5 y 6 cuerdas, y sintetizador], Jarle G. Storløkken [guitarras eléctrica y acústica] y Torgeir Wergeland Sørbye [teclados] nos ha brindado un excelso trabajo que sucede por seis años a “Summarisk Suite”, una de sus obras más aclamadas. El material aquí contenido fue grabado entre los años 2022 y 2025. Permítasenos adelantar que “Landsbysladder” amenaza con merecer igual cantidad de elogios y hasta erigirse como una de las obras progresivas más notables del presente año 2025. Se trata del octavo trabajo de estudio de esta banda que, desde fines de los 90, se caracteriza por cultivar una modalidad jazz-progresiva marcada por una soberbia claridad melódica, arreglos sistemáticamente complejos, grooves ricos y un vitalismo expresionista que muchas veces apela a lo humorístico desde el área avant-progresiva. El quinteto contó con las ocasionales colaboraciones de Rannveig Djønne (acordeón), Håkon Børve (clarinete alto), Silje Hveem Lofthus (flautas soprano y pícolo) y Håkon Stenne (vibráfono y marimba). No sólo eso, Ståle Storløkken, de ELEPHANT9, aporta un solo de sintetizador en el primer  tema del disco. El proceso de mezcla estuvo en manos del baterista Gjellum; el de masterización fue realizado por Kjetil Bergseth.
 

“Landbysladder” significa chismes de pueblo en español y justamente se trata de un álbum conceptual sobre los procesos de susurro, distorsión y remodelación de las anécdotas que conforman los rumores y chismes de un pueblo que, finalmente, se convierten en grandes narrativas que, a su vez, se integran en la historia no oficial de la comunidad. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de este disco que hoy nos convoca. Todo comienza con ‘Ah, Nyhetspamp’, pieza que ya muestra esas confluencias de colorido y fluidez que se les dan tan bien a la gente de PANZERPAPPA desde siempre. Apoyándose en un medio tiempo enfilado sobre un compás inusual, el bloque instrumental se mueve cadenciosamente bajo las bien delineadas pautas melódicas. El embrujo emanado de los sucesivos solos de saxofón y de sintetizador refuerza el encantamiento musical en curso. Más adelante, el ensamble va ornamentando la ingeniería sónica para concretar un clímax tan convincente como meticulosamente elegante. Luego sigue el turno de ‘Kuldeskrik’, tema que dura 9 ¾ minutos para erigirse como el ítem individualizado más extenso del álbum. Ya desde los primeros golpes advertimos que se tratavde una extravagantemente exquisita aventura. Tras unas escalinatas de arpegios que exhiben una versión distorsionada de barroquismo, a poco de llegar a la frontera del tercer minuto, la banda gesta una sección ágil y tensa que suena a una cruza entre UNIVERS ZERO, los SAMLA MAMMAS MANNA de fines de los 70 y el ZAPPA de 1972. El siguiente pasaje está en clave de jazz-rock sereno con el saxofón y la guitarra compartiendo el mando del nuevo esquema musical; a partir de ahí, se prepara el terreno para un epílogo intenso donde confluyen lo aguerrido y lo tenebroso con la fineza que naturalmente emerge de los muy cuidadosos entramados entre los músicos de la banda y sus invitados de turno. A fin de cuentas, lo que se concreta íntegramente es un primer culmen del disco. 
 

Los cuatro siguientes temas se integran dentro del concepto unitario que da título al disco: sus títulos respectivos son ‘Landsbysladder Petty Four’, ‘Landsby Intermezzo’, ‘Landsbysladder Pas De Deux’ y ‘Landsbyminiatyr’. Comenzamos con ‘Landsbysladder Petty Four’, cálida y gozosa composición con aires circenses que está muy compenetrada con el espíritu de los legendarios SAMLA MAMMAS MANNA mientras añade una dosis extra de vigor rockero al asunto. Ya para su último tercio, el grupo aumenta ligeramente sus agitaciones a fin de insuflar un mayor júbilo a la ya existente fiesta sónica. El ‘Intermezzo’ es un peculiar e inspirado ejercicio de enclaves disonantes con una actitud impresionista. Situándose entre lo misterioso y lo inescrutable, la confluencia de los múltiples teclados porta un señorío especial, pero hay un giro extrovertido en las intancias finales que nos toma por sorpresa en el mejor de los sentidos. Una composición muy traviesa, en verdad: a pesar de la masiva predominancia de sintetizadores, su núcleo melódico se siente muy cordial. El tercer tema de la serie ostenta una gracilidad refrescante que nos remite a los paradigmas de HATFIELD AND THE NORTH y NATIONAL HEALTH  en lo referente al manejo de recovecos y contrapuntos temáticos en un contexto de satinada complejidad, además de algunos trazos Zappianos en cuestiones de contrapuntos aventureros. Las sedosas líneas gestadas por los vientos, la guitarra y los teclados se articulan con impoluta fluidez sobre una arquitectura rítmica signada por una intrincada prestancia. ‘Landsbyminiatyr’ es más breve y delicada, prodigando sus vibraciones sobrias dentro de un enclave prog-folk alimentado por algunas señas de SAMLA MAMMAS MANNA. ‘På Jolla, Til Nordafjell’ ocupa los últimos 8 minutos y pico del repertorio y es la pieza más luminosa del disco. Sin igualar la vivacidad del tema #2, refleja una genuina calidez a lo largo y ancho de su desarrollo temático. De hecho, el tema asume un incremento de musculatura en su segunda mitad, lo cual ayuda a reforzar su gancho intrínseco. Otro momento culminante para el cierre de todo. 


Todo esto fue “Landsbysladder”, el formidable nuevo disco de PANZERPAPPA, una auténtica octava maravilla fonográfica dentro de su trayectoria de más de dos décadas. El grupo no pierde su agudeza ni su creatividad después de todos estos años de andanzas dentro de las esferas más osadas del panorama progresivo europeo del nuevo milenio. La verdad que este disco, tal como lo anunciábamos en el primer párrafo de este texto, amenaza muy seriamente con convertirse en una de las obras máximas de la vanguardia progresiva de este año 2025. ¡¡Recomendable al 500%!! (Un ciento por cada músico involucrado.)
 
 
Muestras de “Landsbysladder”.-
Kuldeskrik: https://panzerpappa.bandcamp.com/track/kuldeskrik
Landsbysladder Pas De Deux: https://panzerpappa.bandcamp.com/track/landsbysladder-pas-de-deux
På Jolla, Til Nordafjell: https://panzerpappa.bandcamp.com/track/p-jolla-til-nordafjell


* También hay una edición digital deluxe que incluye una versión en vivo de ‘Landsbyminiatyr’ como bonus track.

Friday, August 22, 2025

OTTMAR SOULIER / STEVEN LEAK: posibilidades y realidades del ambient progresivo



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
A mediados del pasado mes de julio se publicó 
“Possibilities”, el cuarto trabajo fonográfico del dúo conformado por el sintetista canadiense STEVEN LEAK y el multiinstrumentista neerlandés OTTMAR SOULIER. SOULIER se hace cargo de las guitarras eléctricas, los bajos, los pianos, los sintetizadores, las percusiones acústicas y electrónicas, el dulcémele, los secuenciadores, la trompeta filtrada con efectos de consola y recursos atmosféricos; LEAK se encarga de los sintetizadores Arturia Minifreak y Microfrak. Este dúo ya tiene un campo bien andado dentro de la experimentación electrónica dentro del estilo ambient progresivo. Lo registrado aquí fue grabado en los respectivos estudios domésticos de ambos músicos en un tándem a distancia entre los Países Bajos y Canadá. SOULIER fue quien se hizo cargo de las labores de mezcla y masterización. En líneas generales, esto que nos ofrece hoy el dúo es una eficiente muestra de dinamismo convincente dentro de las áreas electrónicas donde se mueven. La estrategia empleada aquí consistió en que el primer paso lo daba LEAK con el envío de siete soundscapes a SOULIER para que éste, con ansoluta carta blanca, remodelara lo que quisiera y añadiera su propia instrumentación según lo creyera pertinente. Repasemos ahora el resultado plasmado en el repertorio mismo.

Durando poco más de 6 ¾ minutos, ‘There’s This Side’ da el rumbo inicial a las cosas con un masivo despliegue de atmósferas y vibraciones misteriosas que se explayan a paso firme bajo un ropaje marcado por una nocturnidad. Hay una genuina fuerza de carácter latiendo en los sustentos de los recursos sonoros que se van sucediendo. Con la presencia de algunos arpegios de guitarra entran algunos elementos de sereno lirismo dentro de un flujo instrumental que va ganando en fulgor mientras pasan los minutos. ‘Chances’ sigue a continuación para abrir camino a un ejercicio de cruza entre lo cibernético y lo místico. La amalgama de secuencias sintetizadas (muy a lo JARRE) arma un groove llamativo con un claro talante futurista, el cual reclama una fuerte reivindicación de lo tecnológico como algo mágico a su manera; mientras tanto, las capas sintetizadas exhiben una serie de esplendores ensoñadores que apelan a una espiritualidad trascendente, una evocación de contemplaciones de lo que está más allá de las experiencias concretas cotidianas. Una pieza que está en las antípodas de la que abrió el álbum. Tras un preludio marcado por ruidos oficinescos, ‘Dreamed The Impossible’ despliega su esquema minimalista bajo una atmósfera flotante. ‘Choices We Make’ comienza explayándose por ambientes muy similares a los que conformaron el núcleo central de la pieza precedente, para luego virar hacia una expansión de vibraciones neuróticas merced a la irrupción de una intensa secuencia rítmica. Para el último minuto y medio, las cosas se ponen un poco más filudas como si se diera un acercamiento al patrón del space-rock. Cuando llega el turno de ‘Sea Of Possible Changes’, el dúo regresa a su estrategia de armado de capas minimalistas de tenor cósmico. La ulterior incorporación de un ritmo electrónico tribalmente cadencioso motiva un razonable incremento de densidad en esas capas, así como el ingreso de sugestivas armonías de teclado. Dos momentos culminantes del repertorio que han sido situados el uno tras el otro.

Siendo la pieza más larga del disco con sus 7 ¾ minutos de duración, ‘Roll The Dice’. Se trata de una excursión por los más suntuosos parajes del bosque psicodélico en su variante electrónica. Tras un breve prólogo expectante, una serie de secuencias va asentando el armazón del cuerpo central. Dentro de un esquema sonoro que suena como una cruza entre TANGERINE DREAM y VANGELIS, el señorío inherente al esquema musical reinante se enriquece con sobrios ornamentos de piano y un sugerente solo de guitarra. La sección final trastoca la suntuosidad cósmica en curso para erigirla en una evocación aristocrática. He aquí el cénit definitivo del álbum. ‘And There’s The Other Side’ se centra en el groove tribal para encauzar su núcleo central, el cual incorpora elegantes fraseos del dulcémele. ‘A Whole World Of Possibilities’ se encarga de cerrar el repertorio elaborando una síntesis de los matices y atmósferas que sustentaron los temas #1 y #5, situándose más cerca del primero, a fin de cuentas. Toda esta es la realidad concreta de “Possibilities”, el más reciente fruto de la regular colaboración entre OTTMAR SOULIER y STEVEN LEAK. Estos dos músicos provenientes de países tan distintos tienen en común una genuina preocupación por dignificar el potencial estético del ambient progresivo y se ponen a trabajar en ello con tesón, consistencia y talento creativo. Anticipamos que este proyecto todavía dará lugar a más discos en los años por venir. Por lo pronto, es muy recomendable esta obra, la verdad que sí. 


Muestras de “Possibilities”.-  

Wednesday, August 20, 2025

GUADALQUIVIR por partida doble



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Desde el pasado año 2024 tenemos novedades por partida doble desde los cuarteles de los legendarios y aún vigentes GUADALQUIVIR, campeones eternos del jazz-prog con raíces andaluzas. La primera de ellas consiste en el rescate del registro de un concierto que el grupo dio en Bilbao en el año 1980, dentro del contexto de la gira promocional del segundo álbum del grupo “Camino Del Concierto”. La segunda es un disco de estudio de reciente gestación que es un homenaje al maestro inmortal Chick Corea. La iniciativa de ambas publicaciones corría a cargo del sello 5 Lunas. El primero de estos discos tiene el obvio título de “Live Bilbao 1980”, mientras que el segundo ostenta el también obvio título de “Ole Corea! – Homenaje A Chick Corea. Ambos ítems fueron publicados por el sello 5 Lunas, el primero en el mismo inicio del año 2024, el otro, el 15 de marzo siguiente. Haciendo un poco de historia, GUADALQUIVIR comenzó sus días en Madrid en 1977 como el quinteto de Luis Cobo “Manglis” [guitarras], Andrés Olaegui [guitarras], Pedro Ontiveros [saxofones y flauta], Jaime Casado [bajo] y Larry Martin [batería] como una propuesta del entonces mánager de TRIANA José Varela. Esto se tradujo en una participación en un festival en el Polideportivo de Móstoles (Madrid) donde el recién nacido grupo compartió cartel con TRIANA, STORM e IMÁN CALIFATO INDEPENDIENTE. Olaegui y El Manglis, amigos de años que ya habían sido colegas en el grupo MANANTIAL, se repartieron las composiciones vertidas en los dos primeros discos, el debut homónimo de 1978 y el antes mencionado “Camino Del Concierto” de dos años después. Ellos fueron publicados por la multinacional EMI a través del sello Harvest. Remitiéndonos al disco que ahora nos ocupa, el sonido directo plasmado en “Live Bilbao 1980” estuvo dirigido por Carmelo Casado y Pablo Sánchez, mientras que Manglis se hizo cargo de la mezcla en su estudio doméstico. La ulterior masterización estuvo en manos de Jesús Arispont en los Masterispont Studios de Sevilla. Salvador Vélez hizo el diseño gráfico.* El disco está dedicado a la memoria de Larry Martin, quien partió al más allá el 9 de marzo de 2013. Vayamos ahora al repertorio mismo.


Todo empieza con la pieza denominada como el mismo grupo. ‘Guadalquivir’ exhibe su grácil solemnidad a través de su encantador desarrollo temático, el cual pone al saxo en el centro protagónico mientras la dupla rítmica elabora grooves razonablemente complejos y la triangulación de las dos guitarras y el bajo añaden recursos de musculatura jazz-rockera. Así las cosas, el viaje grupal afianza su señorío colectivo a lo largo del camino: cómo no, el resultado es que ‘Guadalquivir’ es la apertura perfecta para el ritual sobre el escenario de Bilbao. La ulterior tríada de ‘Noche De Verbena’, ‘Cartuja’ y ‘Ostalinda’ incrementa el aliento de algarabía y jaleo dentro de las coordenadas estéticas del quinteto. El primero de estos temas mencionados conjuga la cabal jovialidad del baile con la intensidad vivaz del calor, creando un embrujador paisaje musical de la disposición a la alegría que siempre se asocia a la dimensión festiva del espíritu flamenco. También hay algunos tintes cuasi-caribeños en el swing principal que avivan eficazmente la expresividad de la pieza. ‘Cartuja’, por su parte, exhibe aires de bulerías con una espiritualidad un poco más grave, pero igualmente abierta a la soltura extrovertida sin reservas. El entramado de las dos guitarra y el saxo afianzan el centro melódico mientras el bajo aporta unos ingeniosos ornamentos al asunto. La soberbia labor de Martin a la batería mantiene todo bien encuadrado mientras la soltura sigue luciendo su gracia esencial. ‘Ostalinda’ eleva los aires de jaleo hacia un fulgor llamativo y candoroso que ya apreciamos en ‘Noche De Verbena’. Las líneas de la flauta despliegan su coquetería con extrema pulcritud performativa para enriquecer el colorido intrínseco al motif central.  Ocupando un espacio de cerca de 10 ½ minutos, ‘La Danza De Los Tigres’, hace gala de su exuberancia melódica sobre un encuadre rítmico intenso y sumamente ágil, el cual se muestra muy nutrido de grooves plenos y pletóricamente vivaces: la batería es un punto de referencia muy destacado dentro del armazón grupal, incluso gozando de un breve solo en medio de la persistente ingeniería rítmica. Aquí está uno de los mejores solos de saxo de todo el concierto, y de paso, también uno de los solos más electrizantes de guitarra.  

  

Los dos siguientes temas son nuevas composiciones de Olaegui de ese tiempo: ‘El Funki Del Verano’ y ‘Campos De Olivo’. El primero de ellos hace honor a su nombre dentro de un enclave claramente definido dentro del estándar del jazz-fusion clásico: ostenta influencias de los RETURN TO FOREVER de 1975 y los WEATHER REPORT de 1978. El swing es muy vitalista y la manera tan elegante de manejarlo permite que el despliegue melódico concebido para la ocasión se elabore con una aureola envolvente mientras se abre espacios oportunos para solos de guitarra y de saxo. En algún momento, el groove de la batería se torna más rockero, haciendo que el desarrollo temático adquiera una densidad extra. En cuanto a ‘Campos De Olivo’, se trata de una composición donde el grupo quiere asentar una cruza entre el jazz-funk ya trabajado en la pieza precedente con el jaleo aflamencado que es tan común en el ideario estético de GUADALQUIVIR. A poco de pasada la frontera del tercer minuto, emerge un solo de batería que aterriza en un jam jazz-progresivo muy lleno de marcha. Otro momento de notable musculatura de parte de este genial quinteto que, finalmente, redondea la faena con un breve reprise del motivo inicial. Todo termina con el popurrí de ‘El Manglis / Baila Gitana’, tal vez los dos temas más populares del primer álbum. De hecho, ambos son muy representativos de la apuesta de GUADALQUIVIR por complementar claridad melódica con agitaciones libres jazz-progresivas dentro de un marco expresivo signado por la fusión de raíces aflamencadas. Los ornamentos y los desarrollos rítmicos corren fluidamente a través de los bien amalgamados diálogos entre los músicos, haciendo que los pasajes más complejos y los inteligentes juegos de síncopas se sientan totalmente naturales. Una mención especial va para el estupendo solo de bajo que engalana el refuerzo del cuerpo central de ‘Baila Gitana’ antes de que éste llegue a su apoteosis. “Bueno, Bilbao... ¡Muchas gracias!, ¡muchas gracias!” es el afectuoso saludo al público de parte del Manglis antes de presentar a la banda y acometer este broche de oro. 


Repasemos ahora
 Ole Corea! – Homenaje A Chick Corea”, firmado por GUADALQUIVIR & FRIENDS. De hecho, aquí opera GUADALQUIVIR con el núcleo triádico de los guitarristas Luis Cobo y Andrés Olaegui, junto a Pedro Ontiveros al saxo soprano, haciéndose acompañar por una enorme cantidad de amigos en la serie de nueve temas elegidos y grabados para el disco. Algunas intervenciones a los teclados son hechas por El Manglis, pero la mayoría fue hecha por invitados.** Poco días después de la triste partida de Chick Corea (que ocurrió el 9 de febrero de 2021). los tres maestros tuvieron la idea de rendirle un tributo musical. El Manglis dirigió los procesos de grabación y mezcla en su estudio doméstico con la asistencia de Luis Cobo Machuca, mientras que la masterización volvió a estar en manos de Jesús Arispont. Tiene sentido narrar una vieja anécdota que involucra al Manglis con el buen Chick. Resulta que allá por el año 1979, Juan Miguel Ramirez de Cartagena, uno de los ejecutivos de EMI España, envió al maestro homenajeado un ejemplar del álbum debut de GUADALQUIVIR y éste lo agradeció con una carta donde reconoce que escuchar el disco le pone muy feliz. Y no sólo eso. En el tema que cierre su álbum del año siguiente “Tap Step”, el cual se llama ‘Flamenco’, Corea cita un pasaje de ‘Baila Gitana’. Vayamos ahora al repertorio del disco. El embrujador y contagioso fervor invertido en ‘Hymn Of The Seventh Galaxy’ lo convierte en el tema idóneo para dar el puntapié inicial a las cosas, pues es justamente éste el que anunció al mundo el arribo de la etapa eléctrica de RETURN TO FOREVER. En esta versión, el impacto continuo del armazón de batería, bajo y palmeo garantiza que el swing refleje toneladas de esplendorosa alegría, la misma que realza el colorido inherente a la composición. ‘Captain Senor Mouse’ sigue a continuación para remodelar esta senda expresiva con una mayor dosis de plenitud jazz-rockera. El dinamismo es, en efecto, más potente. ‘500 Miles High’ vira hacia una solemnidad elegante y envolvente donde el piano eléctrico ocupa el centro protagónico de la ciudadela instrumental. El colectivo actuante respeta fielmente el aura sensual de la pieza original mientras añade un vigor nuevo al asunto. Los sucesivos solos de guitarra y saxo que emergen en el intermedio son muy eficaces para eso. 
 

‘Nite Sprite’ retoma  la magia sonora de cálidos desarrollos melódicos y grooves aún más cálidos, dejándose llevar por su propia agilidad. Las intensas bases percusivas muestran mil y una maneras de traducir el multivalente vocabulario de Chick a la narrativa de las síncopas fusionescas con raíces flamencas. Por supuesto que no puede faltar ‘Spain’ con esa cita inicial del Concierto de Aranjuez de JOAQUÍN RODRIGO que instaura el ambiente general del cuerpo central que el ensamble actuante después reitera. Esa cita aparece, de hecho, dos veces en medio de la orfebrería de algarabía sonora que los músicos gestan en una asociación perfectamente pulcra de irradiaciones confluyentes. El hecho de que el swing esté un poco más calmado en la presente versión permite a los músicos explorar matices dentro del muy famoso esquema melódico en cursi. ‘King Cockroach’ recibe alegremente el impulso de extroversión ya desarrollado en las dos piezas precedentes y regresa al garbo jazz-rockero que antes percibimos en la versión de ‘Captain Senor Mouse’. Hay un solo de sintetizador simplemente portentoso que, por sí mismo, brinda una importante vivacidad al bloque sónico integral; sus vibraciones se dejan sentir en el solo de saxo que viene después. El clásico Coreano de 1978 ‘Humpty Dumpty’ es presentado con un swing más grácil, lo cual permite al complejo esquema rítmico explayarse con solvente fluidez. Los ornamentos del bajo y las líneas del saxo dirigen al alimón el desarrollo temático; y qué decir del fabuloso solo de piano, vital para el reforzamiento del cuerpo central. ‘Love Castle’ exhibe una gracilidad muy semejante, aunque con un despliegue menos fastuoso de elementos sonoros. La belleza de la composición habla por sí misma. ‘Armando’s Rhumba’ tampoco puede faltar, siendo uno de los temas de ese legendario disco “My Spanish Heart. Las efervescencias de garbo caleidoscópico están bien controladas a pesar de que la extroversión en curso parece que está a punto de desbordarse. Pero no, no puede ser, los músicos comparten una inconfundible complicidad donde la inteligencia ingenieril está al servicio de la frescura de las emociones inspiradoras de esta cruza entre lo flamenco y lo latino-caribeño. Gran final del disco, como debía ser.


Todo esto es lo que hemos apreciado de “Live Bilbao 1980” y “Ole Corea! – Homenaje A Chick Corea” desde el cuartel del pasado de GUADALQUIVIR y su fortín presente, respectivamente. Las enormes dosis de belleza y vivacidad que se dejan percibir en estas dos ediciones de 5 Lunas son indicios innegables de que la magia y la creatividad de GUADALQUIVIR son, al fin y al cabo, atemporales, atraviesan varios momentos del tiempo sin quedar reducidos al flujo del mismo. ¡¡Recomendables y aún más allá, imperdibles!!


Muestras de “Live Bilbao 1980”.-

Muestras de “Ole Corea! – Homenaje A Chick Corea”.- 


* Tal como nos informa Juan Antonio Vergara Soto, el jefe de 5 Lunas“los diseños de la portada se han realizado basándose en fotografías de estudio en b/n y el concepto que el grupo tenía para su próximo disco de estudio.

** La lista completa de colaboradores es: Emilio Fernández de los Santos “Caracafé” (guitarra flamenca), Pedro Sierra (guitarra flamenca), Rafael Marinelli (piano eléctrico y sintetizadores), David Sancho (piano eléctrico y sintetizadores), Jesús Pardo (teclados), Jesús Lavilla (piano eléctrico y sintetizadores), Xavier Capella (piano eléctrico y sintetizador Moog), Josep Max “Kitflus” (piano y sintetizadores), Javier Mora (piano y sintetizadores), Dani García (piano), Chechu Sierra del Pino (bajo), Jesús Arispont (bajo), Tony Cuenca (bajo), Carlos Benavent (bajo), Manolo Toro (bajo), Manuel Reina (batería). Antonio Calero (batería), Manuel Sutil (batería), Antonio Moreno “Tacita” (batería), Chicharo de Jerez (batería), Salvador Niebla (batería), José Vázquez “Roper” (batería), Paco García (batería), Luis Abela (batería), Juan Reina (palmas y jaleos), Pedro Ruiz Blas (voz), Francis Posé (contrabajo), Manolo Calleja (contrabajo), Juan Cerro (guitarra), Javier Paxariño (bansuri), Nantha Kumir (tabla, dolak y kanjira), Tato Macías (congas, cajón, claves y shekere), Jorge Pardo (flauta), Vladimir Dimitrienco (violín y viola), Kike Perdomo (saxo tenor), Juan Moro (saxo tenor), Paco Ibáñez (trompeta), Toni Pallarés (trombón) e Irene Miranda (canto). Sí, aquí hay legendarios integrantes de ICEBERG, ALAMEDA y MANTRA, además del reemplazante de Ontiveros para el tercer disco de GUADALQUIVIR.

Sunday, August 17, 2025

DISCIPLINE: un aria progresiva para el año 2025



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

El pasado 1 de agosto se dio algo estupendo en la escena progresiva estadounidense: la publicación del nuevo disco de DISCIPLINE, el cuarteto actualmente conformado por Matthew Parmenter [voz, teclados, violín, guitarras y pandereta], Chris Herin [guitarras], Matthew Kennedy [bajo] y Henry Parmenter, hijo de Mstthew [batería]. Breadcrumbs es el título de esta nueva obra fonográfcia, la cual fue publicada por el sello ProgRock.com's Essentials. Para esta banda formada en Detroit a fines de los 80, se trata del quinto trabajo de estudio oficial, aunque también publicó un casete independiente a poco de formarse. El buen Matthew Parmenter, compositor y frontman perpetuo de la banda, se hizo cargo de la producción de este disco, el cual fue mezclado por el aclamado Terry Brown y ulteriormente masterizado por Ray Montford. El no menos aclamado Hugh Syme es el autor de la imagen de la portada. 

La pieza homónima ocupa un espacio de casi 17 minutos y es precisamente la encargada de abrir el repertorio. ‘Breadcrumbs cumple cabalmente la promesa de  grandilocuencia inspirada y dinamismo sofisticado desde el punto de partida cuando se instaura un llamativo groove en 7/8, siendo así que cuando entran a tallar la guitarra y la batería, se termina de concretar el motif inicial. El primer cuerpo central refleja una aureola de solemnidad que se deja engalanar por recursos de teatralidad burlesca. A mitad de camino, sobre el apoyo de una letanía de piano, la atmósfera se torna etérea con matices de flotante ensoñación, aunque se preserva lo esencial del colorido sonoro. El canto es persistente sin llegar a ser abrumador, contando la instrumentación con una previsión de enriquecido embrujo. En una segunda instancia, la canción se vuelve más vivaz, algo a lo que contribuye la emergencia de un mágico solo de guitarra. La extensa sección final vira hacia una ceremoniosidad estratégicamente lánguida donde el compás lento en 12/8 es aprovechado por los instrumentistas para gestar un ambiente señorial de tenor envolvente. Una vez más, tenemos a la guitarra luciendo una hermosa serie de líneas que logran plasmar una espiritualidad evocativa. ‘Keep The Change es la canción que viene a continuación y su misión consiste en explorar una dinámica más acústica, casi coqueteando con el country-rock. La parsimonia reinante permite a Matthew Parmenter enunciar la letra con una emotividad contemplativa que se siente muy a gusto expresándose a través del bloque melódico diseñado para la ocasión, hasta que a poco de pasado el ecuador, el esquema instrumental se desvía momentáneamente hacia un subterfugio de sutil densidad. Aunque es breve, funciona muy bien como mecanismo de momentánea tonificación rockera, la misma que es dirigida eficazmente por los fraseos de la guitarra eléctrica. En nuestro parecer, esta canción muestra ciertas cercanías con los paradigmas de las bandas compatriotas ECHOLYN y RESISTOR. 

‘When The Night Calls To Day inicia la segunda mitad del álbum con una recuperación de algunas de las atmósferas predominantes en la pieza homónima, pero esta vez, con una disposición un poco más grácil. Así las cosas, la batería tiene más espacios donde exhibir recursos de soltura a través del bien delineado desarrollo temático y el esquema rítmico inusual. El instrumental ‘Aloft’ se conecta con el sofisticado swing de ‘When The Night Calls To Day para dar rienda suelta a un jam que colorea eficientemente la paleta sonora de la banda con la inserción de solos de guitarra, violín y órgano sobre la sólida arquitectura armónica gestionada por el matrimonio de piano y bajo. Mientras tanto, la batería añade inteligentes ornamentos rítmicos a fin de animar consistentemente el esplendor elegantemente coqueto del swing en curso. Definitivamente, sólo se puede apreciar adecuadamente una pieza en compañía de la otra. Aria concluye las cosas con una nueva manifestación de inquietudes solemnes y ceremoniosos esquemas melódicos que juegan con lo parco revestido de sobria suntuosidad. Siendo el piano el instrumento protagónico que cuenta con la complicidad del órgano para el refuerzo de las bases armónicas, su aura aristocrática puede remitirnos al paradigma de PROCOL HARUM, algo que no es muy ajeno a lo que Parmenter hizo en sus discos solistas. También podemos rastrear algunas huellas de la faceta más intimista del legendario álbum de 1997 “Unfolded Like Staircase”, especialmente en lo referente a los retazos de espectral densidad e sofisticados recovecos melódicos que van surgiendo a lo largo del camino. Un lento swing cuasi-jazzero en 6/8 abre camino a un epílogo introspectivo donde la guitarra y el piano intercambian turnos en el armazón de tonalidades adicionales para el motif que va rumbo al fade-out. Todo esto fue lo que se nos brindó en Breadcrumbs” desde los cuarteles de DISCIPLINE, un disco muy refinado que sigue fielmente la senda estilística de los dos discos precedentes, tal vez con una aureola más grisácea y una soltura más grácil que el penúltimo disco. Como sea, se trata de un nuevo triunfo artístico para este grupo que tiene merecido un lugar privilegiado del rock progresivo de estas cuatro últimas décadas. ¡¡Muy recomendable!!


Muestras de Breadcrumbs”.-
When The Night Calls To Day: https://www.youtube.com/watch?v=WY9N7WC10KQ

Thursday, August 14, 2025

ANCHOR AND BURDEN: una flota alemana inexpugnable surca nuevamente los océanos del rock experimental


 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy estamos de plácemes porque se presenta el nuevo trabajo fonográfico del ensamble alemán ANCHOR AND BURDEN, el cual se titula “Sunken Fleet” y fue publicado porvía independiente el pasado 8 de agosto, hace muy poco. El cuarteto conformado por Markus Reuter [Touch Guitars AU8 y S8, y soundscapes], Alexander Paul Dowerk [Touch Guitars S8], Bernhard Wöstheinrich [teclados y artilugios electrónicos] y Asaf Sirkis [batería y percusión] vuelve a lucir sus galones de creatividad vanguardista dentro del rock progresivo contemporáneo. Eso sí, en esta ocasión, el grupo protagonista de hoy decide en esta ocasión explorar áreas más etéreas y otras más inclinadas hacia la avanzada free form con una particular insistencia, por lo que el nervio rockero plasmado en trabajo anteriores a través de robustas estrategias eclécticas aparece ahora de forma mucho más controlada. La autoría de todo el material aquí recogido se atribuye colectivamente a los cuatro integrantes de ANCHOR AND BURDEN. Las sesiones de grabación tuvieron lugarn en los Castle Studios de Röhrsdorf, Alemania, fungiendo Arno Jordan como ingeniero de sonido. La mezcla estuvo a cargo de Stefano Castagna en el Ritmo&Blu Studio, mientras que la masterización fue realizada por Erik Emil Eskildsen. Reuter y Dowerk fungieron como productores. mientras que el arte gráfica es de la autoría de Ruben Pang. Veamos ahora los detalles estrictamente musicales de “Sunken Fleet”.

‘Sunken Caravan’ da el rumbo inicial a las cosas comenzando con un prólogo sigiloso con cierto talante cibernético, siendo así que los sumamente ingeniosos polirritmos de la batería entran a tallar muy pronto con la misión de instalar las bases para un ritual psicodélico de corte minimalista. El swing tribal del momento se expande como un mantra de aristocráticas agitaciones motivadas por un inteligente juego de síncopas insistentes, y mientras tanto, los demás instrumentos se asocian sistémicamente en la organización de una serie cubista de figuras sónicas donde lo aguerrido se expresa de forma contenida. Los ecos de los paradigmas de los STICK MEN y de los KING CRIMSON de la etapa 1981-84 son muy fáciles de advertir, así como los correlatos ocasionales con las facetas más experimentales de TOOL y ATTENTION DEFICIT. Tras esta sugerente exhibición de vibraciones misteriosas articuladas con estricto rigor matemático, ‘Dagger Dances’ sigue a continuación para proponer un viraje hacia una dimensión más fulgurosa sobre la base de una ingeniería rítmica bastante compleja, siendo así que la combinación de jazz-prog y psicodelia progresiva de corte Crimsoniano está muy bien amalgamada. De todas maneras, el grupo se toma su tiempo para manifestar el foco mismo de la composición; de hecho, se pasa más de 4 minutos elaborando un elegante crescendo antes de llegar a la cima del núcleo central. Una vez delineado éste, la gracilidad conclusiva es totalmente majestuosa. ‘Abandoned Vessel’ es prácticamente un ejercicio de free jazz filtrado a través de una vitalismo prog-psicodélico que no funciona como un armazón sino como un punto de referencia para una sucesión infinita de ascensos y descensos. Los fraseos misteriosamente cautivadores de las Touch Guitars y los ornamentos flotantes de los teclados buscan continuamente el desencuentro a través de diálogos líquidos mientras que la batería se centra en la búsqueda de ese punto de encuentro tan evasivo. Pero sí, sí se llega allí, poco antes de atravesar la frontera del séptimo minuto, y una vez que se dio esa comunión reconocible, la batería dejó la escena para que los otros instrumentos dibujen un epílogo cósmico con ciertos ribetes filudos. 
 
Durando poco más de 13 ½ minutos, ‘Floating Wreckage’ se erige como la pieza más extensa del repertorio. Su instancias iniciales recogen los ecos rotundamente deconstructivos de la pieza precedente, aunque su aureola es notoriamente más envolvente, incluso más reposada: incluso los golpes de batería se usan más como impulsadores de matices que como recursos de fuerza. Poco a poco, las Touch Guitars van armando unas tortuosas marañas sobre el trasfondo de los delicados desarrollos armónicos de los teclados, y cómo no, la batería empieza a ganar nervio y vivacidad mientras va avanzando la labor comunitaria. A poco de llegar a la frontera del noveno minuto, las cosas llegan un pináculo que genera su propio detenimiento a fin de preparara el terreno para un nuevo viaje. A diferencia del primero, que era como un viaje hacia un paraje de luz, esta vez se trata de una expedición por bosques y prados bajo un manto otoñal. Los músicos saben que están pisando terrenos razonablemente seguros y ahora la cuestión es cómo concretar la manera más inteligente de completar la inspección deseada. La compleción se sella con una nota permanente que se extiende por un atmosférico fade-out. Con ‘Pendulum’ llega el cierre del álbum y su manera de enfocarse en una ambientación crepuscular. La serenidad que signa a esta composición llega a niveles de languidez y ceremoniosidad introvertida, algo así como una exploración en una oscuridad que, en lugar de ser sórdida y amenazante, es tranquilizadora mientras señala suavemente una senda hacia la niebla mística. El ostensiblemente calmado swing de la batería realza los fraseos mínimos con los que las Touch Guitars arman el centro temático. Hay algo de exaltación en el modo en que los fraseos se tornan un poco más filudos cerca del final, pero estamos, como se acaba de decir, en el imperio de lo místico. A fin de cuentas, “Sunken Fleet” se destaca como una nueva demostración del tipo de vigor creativo que siempre se puede esperar de un colectivo tan particularmente aventurerovcomo ANCHOR AND BURDEN. Una vez más, tenemos una obra recomendable al 400% (un ciento por cada integrante) para cualquier buena fonoteca dedicada al rock experimental de hoy, ayer y siempre.
 
 
Muestras de “Sunken Fleet”.-
Dagger Dances: https://anchorandburden.bandcamp.com/track/dagger-dances
Floating Wreckage: https://anchorandburden.bandcamp.com/track/floating-wreckage
 

Monday, August 11, 2025

MEZQUITA: hecho en Bornos y Montilla, España



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy estamos con un disco muy especial de MEZQUITA, una de las bandas señeras y más potentes de la primera generación de rock progresivo español con raíces andaluzas. Nos referimos a “Made In Spain”, un ítem fonográfico que encapsula el testimonio de su gira de reunión que tuvo lugar entre los años 2009 y 2010 para celebrar el trigésimo aniversario de su álbum debut “Recuerdos De Mi Tierra”. De hecho, este álbum recoge partes de dos conciertos, uno en el Festival Lago de Bornos (Bornos, Cádiz) del 6 de junio de 2009, el otro, en La Abuela Rock (Montilla, Córdoba) del 3 de marzo de 2010. En lo referente a “Recuerdos De Mi Tierra”, se trata de uno de los más notables y poderosos discos del movimiento del rock andaluz que se expandió en la escena musical española a partir de la segunda mitad de los 70: su publicación se dio el 24 de noviembre de 1979. Un par de años después, en 1981, los MEZQUITA sacaron al mercado Califas Del Rock”, un trabajo un poco menos logrado en comparación, mas no por ello carente de momentos ingeniosos. Ambos ítems fueron producidos por el sello Chapa Discos. Mientras el grupo estaba preparando las maquetas de un tercer disco, el grupo se separó. Los orígenes de la banda se remontan a los tiempos del grupo EXPRESIÓN, el cual cultivaba un hard rock melódico inspirado principalmente en DEEP PURPLE y IRON BUTTERFLY, con algunos matices progresivos por aquí y por allá.* El cuarteto siempre conformado por José Rafael García Roso [guitarras, voz y coros], Francisco López Castillo “Roscka [teclados y coros], Fernando López RojasRandy [bajo, percusión, voz y coros] y Rafael Zorrilla Santiago [batería, percusión y coros] decidió virar hacia un esquema de trabajo que incorporara masivamente elementos de la tradición andalusí con un enclave progresivo mucho más pronunciado, lo cual prácticamente obligó al grupo a rebautizarse. Y el resto es historia, al menos, durante el periodo en que los MEZQUITA gestaron los dos discos antes mencionados. Y como también se dijo más arriba, la gira de reunión para el 30mo. aniversario de “Recuerdos De Mi Tierra”, José Rafael García, Roscka y Randy López se juntaron con Eduardo Viñolo, quien reemplazaba a un Rafael Zorrilla que ya no está entre nosotros desde 2002. El CD “30º Aniversario "En Directo"” vio la luz en el año 2011 por vía independiente, incluyendo dos bonus tracks de estudio; pasando los años, con una remasterización y más bonus tracks de estudio, el sello 5 Lunas convirtió a este documento en “Made In Spain” el último 24 de julio. La edición de CD tiene 5 bonus tracks de estudio y la de doble vinilo, 6. Rafa Tardío estuvo a cargo del diseño gráfico.


Bueno, antes de ir al repertorio del disco que hoy nos convoca, hablamos del elefante en la habitación: la portada de “Made In Spain”, junto a su nombre mismo, es un homenaje al legendario álbum doble en directo “Made In Japan de los legendarios DEEP PURPLE. Para la gente de MEZQUITA, lo que hizo este grupo no es sólo una inspiración particular, sino que también significa el surgir del ideal progresivo del rock (junto al rock duro).** Ahora sí, vamos al repertorio. Tras una introducción organizada con minúsculas muestras de canciones de la banda, el grupo acomete las dos canciones de temática amatoria de su álbum debut: Ara Buza (Dame Un Beso) y Desde Que Somos Dos. Ambas canciones tienen en común que operan con dos índices temáticos distintos que se engarzan fluidamente en base a inteligentes arreglos en las bases armónicas. La primera comienza con un groove muy vitalista y continúa con otro donde impera un swing más marcadamente tribal, sumándose a éste un aire de jaleo. La segunda canción tiene un primer motif exuberante y frenético que exhibe una oportuna dosis de sofisticación. En su segunda mitad, el giro temático se arropa con un embrujo grácil y luminoso. Mucho más adelante, notamos que la canción homónima del primer disco de estudio también se realiza con este enfoque, siendo así que la banda explora las expansiones más épicas de esta estrategia. En efecto, ‘Recuerdos De Mi Tierra’ (nuestra canción favorita de todo el catálogo de MEZQUITA) comienza con un primer motif agitado y colorido tras un prólogo expectante, para luego pasar a otro más parimonioso que proyecta una majestuosidad contundente. La parte final es cantada y encarna eficazmente ese embrujo propio de lo arábigo-aflamencado a través del relato de un eclipse lunar. Retomando la secuencia de los temas, ‘El Bizco De Los Patios’ se centra en un asunto de la picaresca popular para seguir dando rienda suelta a una expansión de efluvios melódicos marcadamente arábigos con una fluida mezcla de nervio y vivacidad. El solo de guitarra que emerge cerca del final es simplemente fenomenal. ‘Aguas Del Guadalquivir’ y ‘Así Soy Yo’ son dos temas muy destacados del segundo álbum. El primero de ellos se encamina por una senda cañera y llamativa que permite a los MEZQUITA acercarse bastante a lo que era EXPRESIÓN: la estructura sónica de la canción es muy afín a los paradigmas de DEEP PURPLE y RAINBOW mientras establece confluencias con la banda amiga MEDINA AZAHARA. 


Por su parte, ‘Así Soy Yo’ remodela el fuego emanado de la canción precedente para llevarlo por una manifestación un poco más ágil, siendo así que los arreglos rítmicos ostentan un dinamismo un poco más complejo en algunos pasajes estratégicos. También es de destacar la intensificación de los aires andalusíes en el desarrollo melódico, un detalle crucial para el despliegue de las habilidades técnicas de los músicos individuales y del enclave grupal íntegro. Siendo hora de volver al primer álbum, llega el turno de ‘Suicidio’, y sólo una canción tan intensa y meticulosa en lo que se refiere a un expresividad puede resultar una oportunidad idónea para que el ensamble mantenga fresca la fuerza de carácter ya establecida por la ilación de los dos temas precedentes. La primera sección se basa en un jam bastante cañero que realza eficazmente la dramática espiritualidad de las partes cantadas, un vuelo urgente que motiva la irrupción de otro excelso solo de guitarra. La segunda sección es un poco más reposada, fungiendo como el epitafio rockero para los que se perdieron en el suicidio masivo. A través de la aureola arábiga del motif, el sintetizador insufla unas vibraciones etéreas a un bloque instrumental que coquetea abiertamente con lo Floydiano. El posterior solo de guitarra atenúa un poco la niebla trágica para invocar a una melancolía crepuscular, rumbo a la fanfarria conclusiva. La dupla de ‘Mente De Mi Subconsciente’ y ‘La Montaña, La Ciudad’ signa el regreso a las evocaciones del segundo disco de MEZQUITA‘Mente De Mi Subconsciente’ se caracteriza por establecer una eficaz cruza entre el rock duro clásico y la new wave con una creativa vitalidad que suena a celebración del sol, una fiesta de la iluminación en clave de rock en su sentido más frontalmente puro. Otro solo de guitarra rotundo y electrizante. ‘La Montaña, La Ciudad’ vira hacia un señorío progresivo con inapelable magnificencia. Tras un prólogo flotante que mucho tiene de ensoñador, el cuerpo central se enfoca en una extroversión ceremoniosa cuya longitud hace que los índices melódicos puedan explayarse con firmeza y buen pulso. ‘Resaca Del Amanecer’ es el momento final de la fiesta en vivo y es justamente lo festivo lo que se realza en el dinamismo de esta canción. 


Pasamos a las canciones de estudio, revisamos las cinco que aparecen en la edición de CD: cuatro de ellas se registraron en una sala de ensayos, mientras que otra se grabó en los Estudios Box de Madrid. En todas ellas, el cuarto contó con la colaboración del percusionista Ramón González. Lo principal en ‘La Calle Que No Recorrí’ es su frenesí, algo que activa solventemente el filo rockero de una composición cercana al pop-rock. La pesadez de la guitarra opera como núcleo central. ‘Puertas Abiertas’ y ‘Esclavo De Su Harén’ se orientan directamente hacia el rock fusión en clave celebratoria, lo cual permite al enclave rítmico jugar con síncopas exóticas y sofisticadas. ‘Noche Sin Luna’ asume un talante más ceremonioso y estilizado mientras acoge los ecos de la elegante vivacidad fusionesca que signó a las dos canciones precedentes. En fin, ‘Eso Es Vivir’ completa la faena con una nueva inspección de la fusión andalusí que se empapa de una exhaustiva algarabía. Todo esto es lo que se nos brinda en “Made In Spain”, un testimonio definitivo del legado de MEZQUITA para la historia del rock español. Hace poco, más exactamente, el pasado 29 de junio, el grupo que hoy nos ocupa recibió un premio a su trayectoria en la ceremonia del evento IV Premios Punto de Referencia.*** Algo muy merecido; este disco en vivo de MEZQUITA también merece elogios de parte de los rock-melómanos de todo el mundo. 


Muestras de “Made In Spain”.- 


* Hay un registro del material de EXPRESIÓN titulado “El Eslabón Omeya”. el mismo que fue publicado por el sello Arabiand Rock en el año 2011.

** Aquí hay una entrevista al bajista Randy que es muy iluminadora sobre esta apreciación y otros detalles de la historia de MEZQUITA: https://cordopolis.eldiario.es/n-b/randy-lopez-musico-hubo-complot-acabar-rock-andaluz_128_12396500.html