Monday, February 27, 2023

Un nuevo cartel para la leyenda inmortal de MAGMA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Llega un poco postergada pero llega, como debe ser, está humilde reseña sobre el más reciente lanzamiento fonográfico del legendario grupo francés MAGMA. “Kãrtëhl” es el título de este disco publicado por el sello Seventh Records el pasado año 2022, tanto en CD (30 de setiembre) como en vinilo (7 de octubre). La alineación de MAGMA para este disco está comandada, como es natural, por su líder fundador Christian Vander, maestro de la batería y la percusión, además del canto. El resto del grupo está conformado por Stella Vander [voz y coros], Hervé Aknin [voz y coros], Isabelle Feuillebois [coros], Sylvie Fisichella [coros], Caroline Indjein [coros], Laura Guarrato [coros], Rudy Blas [guitarra], Thierry Eliez [pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, y sintetizadores], Simon Goubert [pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, y sintetizadores] y Jimmy Top [bajo]. La propuesta Zeuhl de este grupo siempre ha sido idiosincrática y siempre se ha ceñido a sus propias reglas y pasiones para evolucionando o reciclándose con nuevas energías en cada ocasión. En el caso de “Kãrtëhl”, el enfoque sonoro de la banda se basa mucho en una retoma de la senda fusionesca plasmada a fines de los 70s en “Attahk” (1978), añadiéndose una sólida dosis de lirismo similar al que hallamos unos años atrás en “Félicité Thösz” (2012).Es muy pertinente que mencionemos a ese disco de 1978 porque en esa época, el vientista y cantante René Garber era integrante de la banda en aquel entonces, y dado que falleció en agosto de 2015, este nuevo álbum está dedicado a su memoria. Otro guiño al pasado de la banda es la actual presencia del bajista Jimmy Top, hijo de Jannick Top, quien tocó el bajo y el cello en varios discos esenciales del universo Koabïano de MAGMA. Las composiciones del repertorio de Kãrtëhl” están repartidas entre Vander, Aknin, Aliez y Goubert.  El disco fue grabado y mezclado en el Studio UNIW̄ERÏA ZEKT, mientras que la masterización se realizó en Greasy Records de la mano de Marcus Linon. Antes de pasar a la revisión del material contenido en Kãrtëhl”, permítasenos citar algunas de las últimas frases de la elegía que escribió Vander a Garber: “Siempre estuviste allí, cerca de mí, respirando energía, inspiración y espíritu para mí... Y para cada barra de la música de MAGMA. Y así como esta música, sé que siempre estarás ahí. Para la vida, la muerte y más allá... Estas notas  pasadas, presentes y futuras  son para ti.”


Ocupando un espacio de casi 7 ¼ minutos, ‘Hakëhn Deïs’ abre el disco a lo grande. La soltura vertida en el groove central desde el primer instante nos lleva por una senda de coloridos sobrios y gráciles que se articulan en torno a la triangulación entre batería, piano eléctrico y bajo. Este paisaje sonoro es el trasfondo perfecto para los celebratorios cánticos que continuamente emergen para concretar a cabalidad el fulgor celebratorio emanado desde el esquema melódico. Estamos muy lejos del fatalismo osado y bélico de la pentalogía inicial de la banda, este personal de MAGMA transmite himnos al gozo de vivir. Varias veces ocurre que las virguerías del bajo llenan espacios dejados por los arreglos corales. En el pasaje epilogar, se refleja una espiritualidad ceremoniosa con talante magnífico. A continuación, la dupla de ‘Do Rïn Ïlï Üss’ e ‘Irena Balladina’ se encarga de añadir mágicos matices a los recursos de sólido fulgor del optimismo predominante en el esquema sonoro grupal. El primero de estos temas mencionados comienza con tonalidades sobrias, pero muy pronto se enfila por una nueva expresión celebratoria, esta vez con un swing un poco más complejo que permite acentuar las titilaciones jazz-fusionescas que, por lo pronto, ya establecen una dirección bien definida para el ensamble. Es como si una idea original planeada para el primer álbum de ESKATON hubiese estado perdida y la gente de ZAO la hubiese recuperado y formulado para su tercer álbum para decidir volver a la fuente originaria de MAGMA. ‘Irena Balladina’, por su parte, ahonda en las tonalidades de jazz-fusion y se dedica a explorar paisajes etéreos y envolventes que, hasta cierto punto, se emparentan con el legado de los dos primeros álbumes de RETURN TO FOREVER. Aquí opera una resolución contemplativa tras las vivaces agudezas plasmadas en los dos temas precedentes. Así concluye la primera parte del álbum y, consecuentemente, llega el turno de ‘Walömëhnd Ëm Warreï’ para dar inicio a la segunda. Este cuarto tema del álbum cumple con la misión de hacer patentes los elementos de densa fastuosidad que, de alguna manera, operaron en el primer tema del álbum, y así remodelar el aura celebratoria con un talante más solemne. Superando el contraste entre lo luminoso y lo tenso, el matrimonio del bloque instrumental y el ensamble vocal funde esos dos factores en una sola fuerza expresiva, la misma que, en su estructuración dentro de una compleja ingeniería multitemática, elabora lo más exultante del presente álbum. La expectativa de catarsis permanentemente guía cada fuente de sonido. ¡Qué tema tan excelso! ¡Y aún quedan más! 
 

De muchas maneras, ‘Wiï Mëlëhn Tü’ – que es la pieza más extensa del repertorio con sus casi 9 minutos de duración – cumple con la misión de perpetuar las vibraciones señoriales del tema precedente, pero con un enfoque aún más fastuoso en la estructura compositiva, a la par que mantiene un pulso más cuidado en el despliegue de los recursos de energía expresiva cuando la ocasión lo amerita. Comenzando con dadaístas vocalizaciones que oscilan entre lo salvaje y lo jovial, no tarda mucho en instaurarse un primer cuerpo central donde ya predominan aires claroscuros. A mitad de camino, algunos juegos vocales viran hacia algo más fraternal y, de hecho, el groove armado por la dupla rítmica vira hacia un juego de vibraciones cordiales, las mismas que también se transmiten a la espiritualidad colectiva del ensamble vocal. Los ornamentos de la guitarra ayudan mucho en la compleción del colorido grupal, así como en el armado del clímax conclusivo. Pensamos que en esta secuencia de los temas #4 y #5 está el clímax decisivo del álbum, pero que conste que todavía queda el hermoso tema titulado ‘Dëhndë’ para cerrarlo como es debido. Esta canción está bien enfocada en el jazz-prog de talante funky, revelando patentemente su origen en la segunda mitad de los 70s. De hecho, si se quería culminar el disco con una actitud de contemplativa satisfacción, esta canción es el cierra perfecto. De todas maneras, tras el fin del repertorio oficial de este álbum nos llegan dos bonus tracks, los cuales son maquetas de Hakëhn Deïs’ y ‘Dëhndë’: datando las dos del año 1978, en la segunda de ellas canta y toca el piano el homenajeado René Garber. Todo esto, a fin de cuentas, es lo que se nos brindó en “Kãrtëhl” desde los cuarteles del legendario ensamble francés MAGMA, una entidad que desde hace muchísimos años puede presumir de tener un legado inmortal dentro del rock vanguardista de los dos últimos siglos, pero que todavía tiene nuevas obras que ofrecer al mundo. “Kãrtëhl” es un discazo que mantiene vivo a MAGMA como un organismo creativo: totalmente recomendable.
 
     
Muestras de “Kãrtëhl”.-
Hakëhn Deïs: https://seventhrecordsmagma.bandcamp.com/track/hak-hn-de-s
Wiï Mëlëhn Tü: https://www.youtube.com/watch?v=puRpuUNBQq4
Walömëhnd Ëm Warreï [en vivo en el Montreux Jazz Festival 2022]: https://www.youtube.com/watch?v=hESllwEqUGw

Saturday, February 25, 2023

Inspecciones desde la visión prog-sinfónica de los italianos PHOENIX AGAIN

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos un poco (o más que un poco) tardíamente el disco de la banda progresiva italiana PHOENIX AGAIN titulado “Vision”, el mismo que fue publicado el 28 de agosto del pasado año 2022 a través del sello Ma.Ra.Cash Records. El sexteto conformado por Sergio Lorandi [guitarras eléctrica y acústica, y voz], Antonio Lorandi [bajos eléctrico y acústico, y voz], Silvano Silva [batería y percusión], Andrea Piccinelli [teclados y piano], Marco Lorandi [guitarras eléctrica y acústica, y voz] y Giorgio Lorandi [percusión] contó en esta ocasion con las ocasionales colaboraciones de Daris Trinca (glockenspiel), Annibale Molinari (corno), Lorenzo Poletti (trombón), Erika Marca (trompeta) y el ensamble coral de Giovanni Lorandi, Karin Pilipp, Simona Cecilia Vitali y Alessandra Lorandi. “Vision” fue grabado en el Phoenix Studio y allí mismo se encargó Emilio Rossi del proceso de mezcla. 
 

La pieza apropiadamente titulada ‘Ouverture’ abre el repertorio con su despliegue de estilizaciones melódicas que se asientan ágilmente en aires de familia con el señorío de IL CASTELLO DI ATLANTE, pero con una dosis extra de energía expresiva que parece surgir de una inusitada combinación del patrón de los YES de la etapa 71-72 y los dos primeros discos de FINISTERRE. Los aportes instrumentales se amalgaman dentro de una orquestación impecable. A partir de aquí emerge la pieza más extensa del álbum, ‘Moments Of Life’, la cual dura casi 10 ½ minutos. Desde el punto de partida se nota que el grupo quiere hacer una declaración de principios sobre el vigor y la intensidad hacia los que apuntan a lo largo del desarrollo temático, creando una sofisticada ilación entre los pasajes reposadamente líricos y los más suntuosamente extrovertidos. Esta pieza no pierde un ápice de su encanto inherente a través del largo espacio que ocupa. Hay varios acercamientos al paradigma prog-sinfónico común a GENESIS y CAMEL mientras los arreglos se encargan de brindar unas vibraciones modernas al bloque sonoro (especialmente en las atmósferas sintetizadas que recubren buena parte de las orquestaciones centrales de los teclados). En la sección final se da una interesante transición desde una breve tentativa de bosquejos pastorales hacia un despliegue de dramático dinamismo sinfónico que ostenta diversos esquemas rítmicos. Un cénit indudablemente fastuoso del álbum. ‘Triptych’ sigue a continuación para focalizarse fehacientemente en la faceta más aguerrida de la línea musical de la banda, lo cual permite a las guitarras eléctricas apoderarse de buena parte del centro protagónico con impacto decisivo en los armazones temáticos y los grooves. Esto obliga al solo de sintetizador que emerge en algún momento a exhibir vibraciones fieras en medio de su preciosismo sinfónico, no exento de matices jazz-rockeros. Otro cénit decisivo del disco. ‘Air’ permite al grupo ahondar en su ingenio lírico con un cálido ejercicio de musicalidades folk-progresivas que se deja ornamentar por ocasionales y sorpresivos interludios tenebrosos. Algunos fraseos de guitarra y armonías de piano reflejan una confraternidad perfecta. Al llegar el turno de ‘Psycho’, la banda se dispone a gestar una síntesis de las atmósferas de los temas #1 y #3 con una dosis aumentada de neurosis expresiva, lo cual incluye la presencia de uno de los mejores solos de sintetizador de todo el álbum. Una exhibición esplendorosamente arrolladora de sinfonismo moderno. 
 
‘La Fenice Alla Corte Del Re’ reitera el dinamismo señorial del primer tema del álbum con una ceremoniosidad más pronunciada. Algunas armonías extravagantes a lo GENTLE GIANT y la articulación de algunos grooves rítmicamente complejos aportan un vigor especial a un desarrollo temático que mayormente apuesta por un candor directo. Ciertas sutiles alusiones a los YES de 1971 y los EMERSON, LAKE & PALMER de 1972 nos revelan el talante retro que la banda invierte en la articulación de los arreglos de esta estupenda pieza. La dupla de ‘Propulsione’ y ‘Mamma RAI’ sirve para que el ensamble explore más colores de su paleta sonora. El primero de estos temas mencionados comienza con una apuesta por jugar con el estándar del neo-prog con un talante agresivo, casi al modo de lo que actualmente hace la gente de ARENA (o hasta hace poco hacían GALAHAD). El arreglo coral que entra a tallar más tarde (la única presencia vocal en todo el disco) reorienta el espíritu de la pieza hacia un recurso de fastuosidad muy apegado a la tradición de los 70s. En cuanto al segundo de ellos, sirve para que el ensamble se encauce inicialmente por un enfoque cinematográfico en base al protagonismo de los teclados, para luego virar hacia una ambientación céltica al modo de MIKE OLDFIELD. Ésta es la estructura general de los arreglos, los cuales culminan con una simpática cita de la sintonía de la RAI (como indica el título del tema mismo). La relativamente breve pieza ‘Threefour’ cierra el álbum. Tras un breve prólogo aleatorio, el grupo arma un cuerpo central de claro tenor pastoral a ritmo de vals, sustentándolo sobre un swing jazzero y ornamentándolo con unos también jazzeros fraseos cristalinos de parte de la guitarra eléctrica. Como dato curioso, este tema de cierre tiene el mismo título que el álbum debut de la banda, el cual data del año 2011. Como balance final, “Vision” es el testimonio verídico de la reforzada visión prog-sinfónica de PHOENIX AGAIN a lo largo de una trayectoria consistente que, desde hace varios años, ocupa un lugar privilegiado dentro de la vertiente prog-sinfónica de Italia.
 
 
Muestras de “Vision”.-
Moments Of Life: https://phoenixagain.bandcamp.com/track/moments-of-life
Triptych: https://phoenixagain.bandcamp.com/track/triptych
La Fenice Alla Corte Del Re: https://phoenixagain.bandcamp.com/track/la-fenice-alla-corte-del-re

Wednesday, February 22, 2023

THE LOST VISION OF THE CHANDOO PRIEST, un interesante proyecto italiano

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos en nuestras manos un disco muy especial: el debut fonográfico de un dúo de músicos italianos llamado THE LOST VISION OF THE CHANDOO PRIEST. El disco se llama igual que el susodicho grupo y fue publicado por el sello AMS Records el 21 de octubre del pasado año 2022. Los componentes de este ensamble asentado en Milán son Francesca Zanetta y Niccolò Gallani, quienes son colegas en el grupo QUEL CHE DISSE IL TUONO; antes de eso, ella se dio a conocer como integrante de UNREAL CITY. En este proyecto específico al cual prestamos atención ahora, el dúo explora diálogos e improvisaciones psicodélicas dentro de un encuadre genuinamente progresivo con un centro operativo de tendencia vintage. Zanetta está a cargo de la guitarra eléctrica, el bajo y los sintetizadores Eminent Solina, Moog Voyager, Logan String Melody 2 y Elka Rhapsody 490; por su parte, Gallani toca la batería, el bajo, la guitarra eléctrica, el piano eléctrico Fender Rhodes, el órgano Hammond, el mellotrón, el sintetizador Elka Soloist 505 y la flauta. Este arsenal variado permite a ambos músicos crear y articular diversos enfoques para los motivos y atmósferas de las diez composiciones contenidas en “The Lost Vision Of The Chandoo Priest”. La gestación de este álbum se dio durante el encierro correlativo al distanciamiento social sistemático que tuvo lugar durante la pandemia, lo cual permitió al dúo contar con abundante tiempo para componer y grabar lo que ahora conocemos de este disco. En las sesiones de grabación fungieron como ingenieros de sonido Larsen Premoli y Loris Bersan. El proceso de mezcla fue realizado por Pietro Pellegrini y las ulteriores labores de masterización estuvieron a cargo de Marco Lacchini. Bueno, vayamos ya a los detalles del repertorio de “The Lost Vision Of The Chandoo Priest”.


‘Floating Down The Valley’ abre el repertorio con una actitud contemplativa que nos remite tanto a los PINK FLOYD de la etapa 69-71 como a la faceta jazz-progresiva del krautrock (AGITATION FREE, GILA). El cuerpo central no tarda mucho en instaurarse, y una vez hecho eso, la atmósfera resultante concreta una delicada dinámica melódica. ‘Chasing Time In Opposite Direction (Pt. I)’ se encarga de remodelar y expandir la atmósfera central del tema de apertura a fin de elevarla hacia un nivel un poco más intenso de densidad sónica, una noción que el dúo desarrolla con el empleo de grooves post-rockeros en el esquema rítmico y la expansión de la presencia protagónica de la guitarra solista. El aspecto progresivo se inspira en el sinfonismo tenebroso de unos GOBLIN, particularmente, en el intermedio, el cual traza el camino para la última sección. Con la dupla de ‘Entering The Void’ y ‘The White Toad Majesty’, la banda comienza a explorar y desarrollar variadas modalidades de climas reposados. El primero de estos temas mencionados se centra en una ambientación nebulosa donde el retorno de lo Floydiano queda reforzado con el apuntalamiento brindado desde la dimensión más introspectiva del estándar del space-rock. Hay, definitivamente, una aureola de majestuosidad que arropa a la muscular parsimonia que conforma la esencia de esta pieza, especialmente en lo referente al empleo de los múltiples teclados actuantes. Por su parte, ‘The White Toad Majesty’ se encamina hacia la musculatura rockera de manera más directa, aunque haciendo un uso contenido de la garra a fin de mantener sólidamente el trayecto progresivo sobrio diseñado para estas ocasiones. ‘Droplets’ ahonda fehacientemente en esta persistente dimensión introspectiva para concretar atmósferas místicas en cuyo seno prevalece un talante ensoñador. El encuadre de las bases del piano eléctrico y los ornamentos provistos por lo sintetizadores es simple y llanamente mágico. ‘Chasing Time In Opposite Direction (Pt. II)’ toma algo del enfoque presente en la Parte I y lo remodela drásticamente dentro de un extremo viraje a grooves ágiles y un ambiente extrovertido. Ahora hay un tenor jovial en la amalgama de guitarra y teclados mientras el esquema rítmico instala una razonablemente sofisticada vivacidad.


Cuando llega el turno de ‘Getting Nowhere’, el dúo se dedica a recoger los ecos extrovertidos de la pieza precedente y explorar más a fondo la faceta space-rockera de su visión musical. La complicidad entre bajo y guitarra sirve de fuerza catalizadora para la dinámica expresiva de los demás instrumentos. Suena aquí algo que podríamos describir como una versión suavizada de los jams del HAWKWIND de la fase 1971-73. Como si estuviésemos observando una reacción en cadena, ‘London Underground’ prosigue por este sendero expresionista y vivaz, esta vez al modo de un blues-rock progresivo donde confluyen sonoridades de eso que solemos llamar proto-progresivo (como ATOMIC ROOSTER) y psicodelia progresiva clásica (como los ELOY de los tres primeros discos). ‘Farewell, Dog’ establece una especie de síntesis de los dos temas precedentes con una dosis extra de soltura en su groove y otro tanto de punche en los riffs de guitarra. En este sentido, hay aires de familia con bandas contemporáneas como COSARARA y MOTORPSYCHO. Para la última sección, la banda le da un giro señorial al swing general de la pieza para armar un epílogo fulguroso. El final del repertorio llega de la mano de ‘Dunans Castle’, otro tema de línea Floydiana que también incluye alusiones al esquema sonoro de los GENESIS de la fase 1970-71. La mezcla de calidez y solemnidad que emana de las hermosas líneas de guitarra resultan esenciales para la edificación de una atmósfera imponentemente majestuosa, la cual, por sí misma. funciona como un cierre adecuado para esta obra integral. Todo esto es lo que tenemos con el disco “The Lost Vision Of The Chandoo Priest” y el grupo THE LOST VISION OF THE CHANDOO PRIEST que lo gestó; nos ha complacido bastante esta interesante serie de escenas musicales que han brotado con una personalidad abundante en manos de una logística relativamente concisa. Es una joya muy peculiar de la música progresiva hecha en Italia en la fase final del pasado año 2022 y que no debe pasar desapercibida en ninguna buena fonoteca dedicada al rock artístico.


Muestras de “The Lost Vision Of The Chandoo Priest”.-
Chasing Time In Opposite Direction (Pt. I)

Sunday, February 19, 2023

Las murmuraciones progresivas de EYELESS OWL

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos una novedad bastante interesante: el disco “Murmurations” del grupo estadounidense EYELESS OWL, el cual fue publicado el pasado 27 de enero en una coalición entre la misma banda y el sello Mogul Intermissions. Se trata de la segunda obra fonográfica de este grupo que actualmente opera como el dúo de los hermanos Quinn Coniguliaro y Ben Coniguliaro. Siendo ambos solventes y ávidos multiinstrumentistas, Quinn se hace cargo de los bajos con y sin trastes, las guitarras eléctrica, acústica y de 12 cuerdas, el piano, el sintetizador, otros teclados, el vibráfono, el glockenspiel y el steel drum; por su parte, Ben toca la batería, diversas percusiones, también las guitarra eléctrica y acústica, el piano, el vibráfono y el glockenspiel, además del banjo y la melódica. Ambos resultan ser también compañeros en los grupos SUN COLORED CHAIR y WYXZ. De hecho, Quinn es un señor bastante prolífico que también tiene su propia trayectoria solista en diversas áreas del amplio espectro de la música contemporánea. Para este disco que ahora reseñamos, el dúo recibió las respectivas colaboraciones de Zachary Detrick (piano y melódica), Elizabeth Smiland (flauta), Sonia Susi (violín), Joey Lavarias (fagot), Max Barnes (saxofón), Thomas Lei (flauta), McKenzie Squires (udu, doumbek, cajón y gong), A.J. Hudson (marimba), Diego Zavaleta (marimba) y Matt Stober (guitarra eléctrica). Como dijimos más arriba, éste es el segundo lanzamiento de EYELESS OWL, siendo el primero el disco homónimo que data de octubre del año 2020. Por aquel entonces, el grupo era un cuarteto que también incluía en sus filas al antes mencionado Matt Stober y al guitarrista-teclista Alex Verbickas. Hoy por hoy, los dos hermanos Coniguliaro parecen bastarse para concretar en su sala de grabación neoyorquina su propuesta progresiva ecléctica que congrega fluidamente diversos elementos del Canterbury, el sinfonismo, el chamber rock, el jazz-rock contemporáneo y el math-rock. Bueno, veamos ahora los detalles de este disco. 

El disco empieza con ‘Rip Of Roost’, un tema vibrante que se instala sobre un groove ágil cuyo esquema rítmico es moderadamente complejo. Los versátiles armazones de los riffs guitarreros conforman buena parte del cuerpo central, pero también hay un interludio dirigido por el piano que añade variedad al asunto. Para las instancias finales, el esquema sonoro adopta una garra incrementada. Acto seguido llega el turno de ‘Bird Tunnels’, el cual se enfila por un juego de delicados laberintos disonantes acordes con el paradigma de GENTLE GIANT, los cuales se transportan a una suerte de cruza entre BUBBLEMATH y JAGA JAZZIST. Dice muchas cosas en su espacio de menos de 2 ½ minutos. ‘Stone Ponies’ vira inicialmente hacia una suavidad ensoñadora que nos hace recordar los pasajes más cristalinos del legado de HAPPY THE MAN con algunos toques añadidos de NATIONAL HEALTH. La ingeniería de los múltiples teclados sustenta sólidamente al bloque instrumental global, lo cual permite que se dé un ingenioso crescendo a lo largo del foco temático y el groove sobre el que éste se sostiene. Con la emergencia de ‘The Big Goldeneye’ en conexión con los últimos pasajes de ‘Stone Ponies’, el dúo y sus colaboradores de turno siguen expandiendo su paleta sonora incorporando no solo una mayor musculatura rockera, sino también abriendo campo a un breve interludio abstracto y una coda saltarinamente extravagante. Usando una presencia mayoritaria de instrumentos acústicos, la misión de ‘Outmind’ consiste en elaborar recursos de envolvente lirismo en un contexto fusionesco. Hay algunos aires de familia con RASCAL REPORTERS y A TRIGGERING MYTH, aunque sin llegar a abordar la militancia dadaísta de los primeros. Durando poco menos de 8 minutos, ‘Wingtip Vortices’ se erige como la pieza más extensa del repertorio. Después de todo lo que ha estado sonando anteriormente, este sexto tema del álbum se orienta claramente hacia unas exploraciones jazz-progresivas muy inspiradas, las mismas que se organizan a través de una alternancia entre pasajes fulgurosos y otros más gentiles. Tenemos aquí ecos de RETURN TO FOREVER, SHADOWFAX y HAPPY THE MAN, además de algunos traqueteos ocasionales ligados al estándar del math-rock. Hay también un interludio otoñal que permite al bloque instrumental dejarse llevar por un mágico reposo antes de que llegue el momento de un nuevo despliegue de colores sonoros que se centran en tonalidades bucólicas y preciosismos sinfónicos. Todo un cénit del disco.

Coincidiendo en durar ambas poco más de 1 minutos, ‘Red Knot’ y ‘Clean Dinner’ son piezas primas hermanas. La primera de ellas realiza una peculiar y efectiva mezcla de jazz-rock y math-rock para encapsular un motif que parece sacado del universo de GENTLE GIANT; la segunda, si bien se instala sobre un groove menos intrépido, prosigue por esa misma senda de extroversión traviesa y luminosa, enfatizando lo jazz-rockero bajo la guía de los refinados fraseos de las guitarras. ‘House Finch’ cambia radicalmente de dirección hacia un ejercicio de chamber-rock a lo UNIVERS ZERO remodelado por un osado dinamismo caleidoscópico al modo Zappiano mientras se tiende puentes al cosmos de SKE. Inquietud sin desasosiego, retorcimientos deconstructivos sin oscurantismo. ‘Osprey Outcry’ regresa al terreno del sinfonismo con base bucólica mientras conserva unos pocos recursos de densidad expresiva heredados de la pieza precedente. El piano, la guitarra acústica y la percusión tonal crean una maraña común donde compiten continuamente por el protagonismo exclusivo. ‘Rookery’ es otra pieza destacada dentro del disco, siendo su estrategia la de reavivar muchos de los mecanismos expresivos más agresivos del ideario de EYELESS OWL para elevarlos hacia una majestuosidad semejante a la de ‘Wingtip Vortices’. Prácticamente, se trata de una síntesis de los cuatro primeros temas del álbum. La inclusión de arreglos orquestales en algunos pasajes permite al ensamble insertar matices evocadores dentro de esta rutilante ingeniería sónica; esto es, de hecho, lo que define el sendero de la sección epilogar. Otro momento culminante del álbum. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Tinfoil Firehat’, una pieza que nos agita con su nervio machacante desde el punto de partida, como si se tratara de una partitura perdida de ALAMAAILMAN VASARAT que fue descubierta y remodelada por un colectivo de músicos de MIRTHKON y de INNER EAR BRIGADE. Los pasajes más contenidos que arman el clímax final sirven para realzar los aires de jolgorio folclórico que siempre han estado presentes en la estructura melódica. La más delirante explosión musical se reservó para el final.

Todo esto fue lo que se nos brindó desde los cuarteles de EYELESS OWL con “Murmurations”, un disco que nos ha sorprendido sobremanera y que auguramos que será apreciado como una parte muy importante de lo mejor del rock progresivo estadounidense para este año 2023. Tanto es nuestro agrado que aseguramos que quien piense como nosotros también sentirá una urgente necesidad de conocer el disco de debut. A fin de cuentas, este nuevo disco de la banda resulta recomendable al 200% (un ciento por cada hermano Coniguliaro) como parte de una mínimamente buena fonoteca de música progresiva. 

Thursday, February 16, 2023

La primera estación del colectivo noruego WIZRD

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la alegría de presentar al colectivo noruego WIZRD, el cual es un supergrupo conformado por integrantes de KROKOFANT, SOFT FFOG, WOODLAND, SPIDERGAWD, MEGALODON COLLECTIVE, SPACEMUSIC ENSEMBLE y una miríada de otros proyectos. Coordinando sus ocupadas agendas, de alguna manera, los músicos Hallvard Gaardløs [bajo y voz], Axel Skalstad [batería], Karl Haugland Bjorå [guitarras y coros] y Vegard Lien Berkjan [teclados y coros] lograron coordinar sus ocupadas agendas y reunirse para crear un repertorio para lo que ahora conocemos como el álbum “Seasons”. Éste fue publicado por el sello connacional Karisma Records en CD y en vinilo magenta transparente, durante la segunda mitad de octubre del pasado año 2022. La producción de este disco estuvo a cargo de Martin Horntveth, músico conocido por su membrecía en JAGA JAZZIST; otro integrante de JAGA JAZZIST, Marcus Forsgren, dirigió junto a Horntveth las sesiones de grabación, las mismas que tuvieron lugar en el Studio Paradiso de Oslo. El ulterior proceso de mezcla estuvo en manos de Matias Tellez en el Skogen Studio. La propuesta de WIZRD consiste en un enfoque de rock progresivo ecléctico que incluye elementos de psicodelia, jazz-rock y sinfonismo, además de algunas excursiones en el rock cañero tradicional. Hay evidentes factores retro en el esquema sonoro fabricado por el cuarteto, pero ese aspecto retro no conforma realmente el núcleo esencial de dicho esquema; hay varios aspectos del eclecticismo inherente al estilo grupal que permite a los WIZRD sonar frescos y contemporáneos. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Seasons”.
 

La dupla inicial de ‘Lessons’ y ‘Free Will’ pone bien en claro cuál es el tenor general de la línea de trabajo del colectivo. La pieza de apertura se explaya sobre un groove bastante vitalista situado sobre una ingeniería rítmica sobriamente complicada mientras los arreglos vocales se sitúan a medio camino entre los patrones de YES y CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG. ‘Free Will’, por su parte, despliega un nivel bastante incrementado de energía expresiva tanto en lo referente al fuego rockero emergido de las interacciones entre los instrumentos como en lo referente a la complejidad de la estructura musical. De esta manera, el grupo empieza a adentrarse de manera muy convincente en los recovecos típicamente progresivos que se espera de él. Lo que suena se sitúa en una cruza entre MOTORPSYCHO, CHROME HOOF y REGAL WORM, lo cual se traduce en un fulgor inquietante que despliega, por partes iguales, vivacidad y neurosis. Un fragor fantástico que instala un primer cénit para el álbum. Cuando llega el turno de ‘Spitfire’, este vigor es remodelado con un tenor más cáustico y un talante más machacón, muy al estilo del space-rock (aunque con algunos ocasionales matices jazz-rockeros que entran a tallar en algún interludio estratégico). Teniendo además un gancho patente, esta pieza parece la prima más feroz de la que inició el disco; además, contiene uno de los mejores solos de órgano del álbum. ‘All Is As It Should Be’, que con sus 8 minutos y pico de duración es el tema más extenso del repertorio, nos muestra a la banda totalmente dispuesta a dejarse llevar por su faceta más sofisticada. Aquí opera una equilibrada e intensa combinación de incandescencias propias del discurso prog-psicodélico y refinados grooves propios del paradigma jazz-progresivo, lo cual vuelve a traer a colación las referencias a MOTORPSYCHO, además de otras a ELEPHANT9, ASTRA y NEEDLEPOINT. También hay algunos retazos de una versión hiperbólica del paradigma de STEVE HILLAGE (en sus inicios). La imperiosa robustez de la dupla rítmica se basta para dar cobijo y dirección a los enérgicos aportes de la guitarra y los teclados, tanto en sus solos respectivos como en sus armonizaciones compartidas. Otro cénit del álbum, sin duda. 

‘Show Me What You Got’ es la segunda canción más larga del disco con sus casi 7 ¾ minutos de duración. De manera extraña pero con innegable eficacia, el grupo logra aquí enmarañar y conjugar la señorial garra de la canción precedente, el colorido extrovertido de la canción #1 y la fiera sofisticación de la canción #2. De paso, también nos brinda un excelso solo de sintetizador en algún lugar del medio. La sección final es ceremoniosa en base a un enfoque retro que  nos remite a los tiempos de RARE BIRD y ARGENT, cerrándose todo con una breve coda que retoma el vigor inicial. ‘Fire & Water’ suena como un híbrido de ATOMIC ROOSTER y EARTH & FIRE con elementos añadidos de NEEDLEPOINT y WOBBLER. Una vez más, los teclados asumen el rol más destacado a la hora de enfilar y completar los preciosistas ornamentos progresivos exigidos para la ocasión. ‘Divine’ es algo así como la balada del disco, una canción serena asentada sobre un swing moderadamente contenido, un esquema melódico cargado de una espiritualidad vulnerable, unos excelentes arreglos jazzeros en la labor de la batería y en los guitarreos, unos arreglos vocales bastante pulcros. Engarzándose con los instantes finales de ‘Divine’, ‘When You Call’ trae el cierre del álbum con un despliegue de vibraciones misteriosas y un tanto introspectivas bajo un encuadre jazz-progresivo que guarda, a veces de manera sutil y otras con una musculatura explícita, algunos elementos de acidez psicodélica. Acercándose a los paradigmas de RED KITE y MOTORPSYCHO en partes iguales y al unísono, el cuarteto se mueve grácilmente entre un rutilante expresionismo y un ensoñador impresionismo. El mantra repetitivo con el que el grupo llega al fade-out crea una especie de magia musical para el efectivo final de la pieza... que es también el de “Seasons”. Lo que se nos ofrece en este álbum debut de WIZRD es un estupendo catálogo de piezas progresivas donde predominan la extroversión y la vitalidad dentro de un contexto retro. El sano eclecticismo que se manifiesta a lo largo y ancho del repertorio de este disco habla muy  bien de este grupo al cual vale la pena seguir la pista con miras a lo que pueda brindarnos en el futuro próximo.



Monday, February 13, 2023

El nuevo dominio del dúo anglo-italiano ZOPP


 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy se da el turno de presentar el nuevo álbum del colectivo anglo-italiano ZOPP, el cual se titula “Dominion” y fue publicado el día 3 del presente mes de febrero por el sello Flat Circle Records (perteneciente al propio grupo). Se trata del segundo disco realizado por este dúo conformado por el multifacético Ryan W. Stevenson [órgano Hammond, mellotrón, piano de cola, pianet Hohner, pianos eléctricos, guitarras eléctrica y acústica, bajo, sintetizadores, flauta, percusión, grabaciones de campo y voz] el baterista Andrea Moneta. En esta ocasión, el dúo contó con las colaboraciones ocasionales de Sally Minnear (voz), Caroline Joy Clarke (voz), Mike Benson (saxo tenor), Rob Milne (flauta y saxo tenor), Tomás Figueiredo (trombón), Jørgen Munkeby (saxo tenor y flauta) y Joe Burns (gong y platillos). “Dominion” sucede al homónimo disco debut que se publicó en abril del año 2020 para convertirse en una de las obras más celebradas de ese año y erigir a los propios ZOPP como una brillante promesa para el rock progresivo de nuestros días. Adelantamos que, con lo bueno que es este nuevo disco, podemos afirmar que los Sres. Stevenson y Moreta han reforzado su dominio dentro de la inmensa campiña progresiva con ingeniosa eficacia. Casi todo lo que suena en este nuevo álbum fue grabado y mezclado a partir de diversas sesiones que tuvieron lugar desde el año 2021 en el estudio doméstico de Stevenson, quien es también el compositor de todo este material; la excepción está en las partes de batería, que fueron grabadas y mezcladas por Moneta (quien es también miembro de LEVIATHAN). Las ilustraciones son de Tom Adams mientras que el propio Stevenson se hizo cargo del diseño gráfico. Bueno, ya es hora de repasar los detalles del repertorio contenido en “Dominion”.

 
‘Amor Fati’ abre el álbum al modo de un prólogo para la segunda pieza del álbum, la cual ostenta el lacónico título de ‘You’ y dura poco menos de 11 minutos. 
‘Amor Fati’ comienza con un talante lánguido marcado por las escalas de piano eléctrico y poco a poco se torna en algo envolventemente solemne mientras el esquema instrumental gana en capas. La emergencia de ‘You’ se da a partir de las escalas de piano con las que termina el susodicho prólogo, siendo así que, a partir de allí, elabora unos climas majestuosos donde conviven grácilmente el preciosismo del sinfonismo (YES) y la vitalidad sofisticada del jazz-prog (LOST CROWNS). El fulgor de las orquestaciones de los múltiples teclados y los precisos delineamientos de los vientos conforman el núcleo central del efectivo desarrollo temático. Mientras tanto, la batería arma un swing versátil con iguales dosis de elegancia y punche, encontrando en el bajo el cómplice perfecto para el embellecimiento de las pautas melódicas en curso. Un gran tema cuyo sucesor es ‘Bushnell Keeler’, un instrumental signado por atmósferas ampulosas que se insertan cómodamente sobre los grooves sobriamente ágiles y razonablemente complejos armados para la ocasión. Esto suena como una pieza perdida de los primeros años de NATIONAL HEALTH que ha sido remodelada por HOMUNCULUS RES. A pesar de la patente complejidad de las bases armónicas y la diversa arquitectura rítmica, el tema preserva una calidez muy especial. Sin duda, se trata de un cénit decisivo del repertorio. ‘Uppmärksamhet’ vira drásticamente hacia una ambientación introspectiva con matices bucólicos en base a la comunión entre la guitarra acústica y el órgano, cuyas cadencias sutiles y mágicas pronto se dejan ornamentar por aportes de la guitarra y el mellotrón. Suena aquí una cruza entre el MIKE OLDFIELD de 1974 y los JADE WARRIOR de 1975. ‘Reality Tunnels’, por su parte, se erige como la expresión más muscular del ideario de ZOPP y lo hace desde el primer instante. Los complejos y vivaces grooves armados por la batería y los contundentes armazones sonoros gestados por la asociación de los teclados y la guitarra hacen que esta pieza concrete todo su potencial de garra y luminosidad. Es como si THE WINSTONS y HOMUNCULUS RES se hubiesen fusionado en una sola fuerza musical que es remodelada por una coalición de músicos de EGG y HATFIELD AND THE NORTH. Otro pasaje culminante del álbum.


‘Wetiko Approaching’ cumple la misma función que la pieza inicial del álbum: ser un preámbulo a un tema particularmente extenso (de hecho, el más extenso del álbum). Lo peculiar de ‘Wetiko Approaching’ es que tiene una inicial expresividad onírica mientras el canto porta un talante evocativo; más adelante, emergen unos retazos abstractos y misteriosos de connotaciones minimalistas, casi a lo krautrock (los primeros años de CLUSTER). De esta manera se abre camino a ‘Toxicity’, que no solo cierra el disco sino que también es, como dijimos unas líneas más arriba, el tema más largo del mismo, ocupando un espacio de poco más de 14 ¼ minutos. El enfoque general del vitalismo que atraviesa a este tema a lo largo de sus diversas ilaciones temáticas se orienta claramente hacia el predominio de lo sinfónico, tanto de ayer como de hoy. Notamos influencias de YES, GENTLE GIANT y CAMEL, así como confluencias con THE TANGENT, ADVENT y THIEVES’ KITCHEN. En general, el órgano se erige como el instrumento líder dentro del desarrollo musical mientras el canto se muestra más extrovertido que en cualquiera de los temas cantados precedentes. Las estratégicamente ubicadas florituras del bajo y los ocasionales solos de flauta y saxofón ayudan bastante a mantener las persistentemente caleidoscópicas agitaciones elaboradas por el bloque instrumental en nombre del dinamismo inherente al esquema multitemático. El disco termina con su máxima expresión de luminosidad sónica. En fin, todo esto fue “Dominion”, el nuevo testimonio de grandeza progresiva de parte del dúo anglo-italiano ZOPP: nos parece superior a su estupendo álbum de debut, y eso es decir mucho. Un disco así es totalmente recomendable dentro de una buena fonoteca progresivo debido a la mezcla de agilidad y colorido que aporta para la sana preservación del género en lo que va de este (no tan) nuevo milenio.

Saturday, February 11, 2023

FONDERIA, un dínamo del jazz-prog moderno desde Italia



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Estamos de plácemes porque en estos próximos días saldrá al mercado el nuevo disco del grupo italiano FONDERIA, el cual se titula “Dinamo”. La fecha que este colectivo jazz-progresivo asentado en Roma y conformado por Emanuele Bultrini [guitarras eléctricas y acústicas], Paolo Pecorelli [bajo], Federico Nespola [batería] y Stefano Vicarelli [piano eléctrico Fender Rhodes, sintetizadores Minimoog, Moog One, Moog Grandmother, Yamaha DX7, Emulator II, Korg MS20 y Prophet 12, y mellotrón] es el próximo 17 de febrero... dentro de muy pocos días. Siendo el cuarto trabajo de estudio de la banda, “Dinamo” sucede a su predecesor “My Grandmother’s Space Suit” por 13 años, siendo así que por aquel entonces, la alineación cuatripartita de la banda operaba con su usual logística de guitarra, batería, teclados y trompeta. Con la actual estructura grupal, el sonido de FONDERIA se permite evolucionar hacia un explayamiento más suntuoso de los teclados y una ingeniería rítmica más llena; de este modo, el ensamble cuatripartito acoge una renovada energía expresiva desde la cual se sostienen los arreglos de estas nuevas composiciones. Cuatro de éstas son de Bultrini, cinco son de los cuatro integrantes y una es de Pecorelli. El material recogido en “Dinamo” fue grabado en el estudio romano Studiosette, el mismo lugar donde el bajista Pecorelli realizó las labores de mezcla y, a su vez, Alessandro Cavallo se encargó de la masterización. Haciendo un poco de historia, FONDERIA se fundó en el mes de diciembre del año 1994 para crear una propuesta ecléctica centrada en una mezcla de jazz-fusion y nu-jazz, la cual fue ampliando sus matices progresivos en la secuencia de sus discos segundo y tercero (“Re>>enter” y el antes mencionado “My Grandmother’s Space Suit”). Nos complace mucho que el grupo haya sabido remodelarse con la frescura expresiva expuesta en “Dinamo”, un disco que, en verdad, es un testimonio de resurrección. Veamos ahora los detalles de su repertorio.


El disco se inicia con la dupla de ‘Spike’ y ‘Mojo Wire’. El primero de estos temas comienza con una secuencia sintetizada que traza el groove entusiasta sobre el cual se ha de instaurar la dinámica de la interacción entre los instrumentos. Combinando los aires futuristas del space-rock con el sobrio refinamiento del prog cinemático, el ensamble crea una delicada armonización colectiva donde los recursos extrovertidos saben cuándo elevarse y cuándo mantenerse en una instancia contenida. En cuanto al segundo, éste se proyecta hacia un jazz-prog con talante nu-jazz y una gran sensibilidad electrónica; esta última se orienta hacia una versión funky del house, y ante ella se sitúan los riffs de guitarra como un contrapeso expresivo. Cuando llega el turno de ‘Alcor’, el cuarteto elabora un recurso de relativamente sereno lirismo dentro de este ejercicio de remodelación space-rockera de lo que, en esencia, es una composición prog-sinfónica. ¿Cómo sonarían los CAMEL de fines de los 70s traducidos al lenguaje de HIDRIA SPACEFOLK? ‘Alcor’ es la respuesta a esta pregunta. ‘Cookie Shop’ se enfila hacia un ejercicio de jazz-funky con una fuerte presencia de ornamentos electrónicos que aportan amables retazos psicodélicos a la jovialidad explícita de la pieza. Es casi como si volviéramos a los tiempos del HERBIE HANCOCK de la primera mitas de los 80s, pero con añadidos bosquejos preciosistas que usualmente vinculamos a la faceta más estilizada de la electrónica. ‘Uncle Planck’, al igual que el tema #3, se sostiene sobre un enfoque progresivo que, a fin de cuentas, se remodela a través de un filtro space-rockero. De hecho, en esta ocasión, este filtro ostenta una mayor dosis de músculo, lo cual permite a la banda capitalizar el factor extrovertido que ya se hizo notar con creces en los dos primeros temas del disco. ‘Beat Dome’ opera prácticamente como una síntesis entre ‘Cookie Shop’ y ‘Mojo Wire’, aplicando la novedad de climas más densos y un swing más trepidante. Las florituras del bajo aportan notables complementos a los quirúrgicamente precisos fraseos rítmicos de la guitarra, los cuales se conectan con el groove directo de la batería mientras los teclados arropan el bloque sonoro con sobrio señorío. 

‘Basinsky’ se apoya sobre un groove solemne y una atmósfera space-rockera que vuelve a apelar a recursos del así llamado nu-jazz para edificar una atmósfera espacial en torno así. También hay en el esquema rítmico algunas sutilezas de reggae psicodélico al estilo de los legendarios OZRIC TENTACLES. ‘Mwanasayansi’ tiene una expresividad más pronunciada, la cual se traduce a una vitalidad jazz-progresiva que fluye naturalmente a través del sofisticado esquema rítmico creado para la ocasión. Los recursos electrónicos son mayormente funcionales a una ornamentación modernista para el groove fusionesco que signa a esta pieza, la cual termina con una eficaz aura fastuosa. Otro ítem particularmente notable dentro del repertorio. ‘Teja Stargate’ regresa a la dimensión más agresiva de la proyección grupal en lo referente a la interacción entre la guitarra y la dupla rítmica; por su parte, los teclados alternan entre lo psicodélico y lo sinfónico en el armado de sus capas y solos. El repertorio concluye con ‘Radio Burst’, una pieza donde el ensamble regresa de lleno a su faceta más sofisticada, creando una ágil y llamativa combinación de jazz-rock, prog y space-rock. El rol prominente de los teclados y la muy pulcra agilidad que usa la batería para manejar y sustentar los cambios de ritmo resultan cruciales a la hora de proveer de imperiosa majestuosidad a este tema que encarna la culminación definitiva del álbum como un todo. Bien aprovechados los 6 ½ minutos de espacio reservados para este tema, el más largo del disco. Todo esto fue lo que se nos brindó desde los cuarteles de FONDERIA con “Dinamo”, un muy esperado álbum de retorno y recambio para una banda que, en su momento, supo crear y mantener su propio nicho musical dentro de los ámbitos del jazz-rock y el prog de Italia. Nos causó una muy buena impresión este disco así como nos causó una gran alegría saber del regreso a la actividad musical de parte de la gente de FONDERIA.


Muestras de “Dinamo”.-

Thursday, February 09, 2023

La aventura solista del mexicano MANO GOREDA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos un hermoso disco emergido de la escena mexicana: nos referimos al álbum solista de MANO GOREDA titulado “Entre Pájaros Y Flechas”, el cual fue creado en el año 2020 como producción independiente, pero recién entró a tallar el esforzado y aventurero sello Azafrán Media para organizar su distribución  mundial en el último tercio del pasado año 2022. Músico independiente y con visión ecléctica que radica en la localidad de Santiago de Querétaro, GOREDA fue integrante del grupo SWEET FINGERS, cuyo disco homónimo y único del año 2011 nos sorprendió gratamente por su frescura y su maleabilidad. Fijándonos ahora en el presente, la oferta de “Entre Pájaros Y Flechas” se basa mayormente en una experimentación folk-rockera con ciertos tintes progresivos más algunas traviesas excursiones en ambientes electrónicos: a veces parece que estamos ante una cruza de 0.720 ALEACIÓN y los RADIOHEAD de la etapa 2000-03 bajo las alternadas supervisiones de VAN MORRRISON y NICK DRAKE. José Manuel González Pereda es el verdadero nombre de MANO GOREDA; originario de México D.F., él estudió composición en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Querétaro, tras lo cual participó en el antes mencionado grupo SWEET FINGERS. Desde el año 2017 está enfocado en su trayectoria solista y es su empuje creativo el que hizo nacer “Entre Pájaros Y Flechas”. Los espectáculos de promoción del material de este disco han estado diseñados para difundir la riqueza cultural del pueblo Otomí, su historia, sus mitos, su lengua y sus costumbres, homenajeando en todo momento la cultura hñahñú.* Como es natural, todas las composiciones contenidas en “Entre Pájaros Y Flechas” son de la autoría de GOREDA, y él se encarga de las guitarras, los teclados, las programaciones y el canto, además de producir el disco. La ingeniería de sonido estuvo a cargo de Ángel Ibis Ortiz en el estudio Cat House Records. Por su parte, la ilustración y el diseño gráfico corrieron a cargo de María Morquecho (esposa de MANO) y Gerardo Múzquiz. Ibis y Múzquiz fueron también miembros de SWEET FINGERS. Bueno, ya es hora de ir a los detalles mismos del repertorio de este álbum. 


Todo empieza con ‘Querido Y Cruel‘uee’, una canción vibrante que, desde su prístino esquema melódico, sabe sacar provecho al dinámico esquema melódico que subyace bajo la predominante guitarra acústica. Los ornamentos sintetizados que entran a tallar en ciertos pasajes estratégicos añaden un colorido muy sutil que, de todas maneras, se hace notar en su sobrio enriquecimiento del desarrollo temático. ‘Triángulo Simbólico’ para dar un impulso renovador al esquema sonoro introducido por la canción inicial. En efecto, el groove fusionesco cobra más fuerza dentro del esquema general mientras los expresionistas fraseos de las guitarras acústicas se asocian ágilmente con los ornamentos de teclados. Hay un sentido de urgencia patente pero controlado bajo una ambientación cinematográfica. La dupla de ‘Shi Ta Ta’ y ‘Macedonia Blas’ sirve para que GOREDA siga explorando matices renovadores dentro de sus coordenadas estéticas. La primera de estas canciones mencionadas ostenta una jovialidad de tenor festivo, aunque sin perder un ápice de la apasionada ceremoniosidad que estuvo presente en las dos canciones precedentes. Por su parte, ‘Macedonia Blas’ establece dosis moderadas de sofisticación folk-progresiva a través de la musicalidad ínsita a su desarrollo temático. Hasta cierto punto, nos remite a la faceta pastoral de un ANTHONY PHILLIPS por eso del candor un tanto señorial que se despliega en su esquema melódico. ‘La Fatalidad De Caer’, a pesar de lo que pudiera parecer por su título, no exhibe una atmósfera pesimista sino más bien grácil, incluso haciendo gala del carácter inherentemente llamativo de su estructura melódica. Su espiritualidad es muy afín a la de las canciones primera y tercera del álbum, aunque su arreglo general es más fulguroso al poner un acento especial en los grooves folklóricos de turno. ‘Cruces De Ánimas’ regresa a la dimensión más introvertida de la visión musical de GOREDA, aunque no faltan algunos oportunos ornamentos de teclados para decorar cautamente el esbozo melódico en curso.
 
‘Cinturón De Fuego’ es la pieza más peculiar del repertorio merced a sus mágicos juegos de pulsaciones y traqueteos cibernéticos. El electrizante nervio de KLAUS SHULZE y la robótica cirugía de KRAFTWERK se dan la mano en este alucinante despliegue de agitaciones cósmicas, las mismas que se dejan arropar por una flotante intensidad futurista. Si bien lo que suena aquí es un desvío radical de los senderos musicales transitados a lo largo de la secuencia de las piezas precedentes, se conserva una actitud contemplativa. Durando más de 5 ½ minutos, ‘Mak’ Ja Bok’ Ya’ es la pieza más extensa del álbum y también la que le da cierre. Con su pulcro candor, su claridad melódica y su espíritu vulnerable, esta canción básicamente encarna una síntesis de las atmósferas de las tres primeras canciones del disco. Es como si se quisiera cerrar el círculo trazado por el repertorio. A fin de cuentas, lo que se nos ha ofrecido en “Entre Pájaros Y Flechas” desde el cuartel de MANO GOREDA es una obra hermosa cuya magia tan propia envuelve al espíritu de cada oyente empático con esta línea de trabajo donde se fusionan las formas de la canción tradicional con raíces folclóricas y el modernismo de línea electrónica bajo un ropaje donde confluyen telas de lo fusionesco y nudos de lo progresivo. Descubrir esta obra nos ha supuesto una gratísima sorpresa e invitamos a todo el mundo a que se disponga a descubrirlo también. 
 
 
Muestras de “Entre Pájaros Y Flechas”.-
Macedonia Blas: https://www.youtube.com/watch?v=2V_vx-0I1Pc
La Fatalidad De Caer: https://www.youtube.com/watch?v=GihjEKFKH6E
Cinturón de Fuego: https://www.youtube.com/watch?v=2jO_r4x-v0Y


* Hasta el día de hoy se sigue promocionando el espectáculo musical centrado en este disco, tal como se muestra en esta nota informativa cultural sobre un recital de MANO GOREDA programado para el próximo 26 de febrero:  https://festivales.cultura.gob.mx/raiz-mexico/actividades/detalle/265370/mano-goreda-entre-pajaros-y-flechas  

Monday, February 06, 2023

MANNA / MIRAGE: una excelsa autobiografía para bajar el telón

 
 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy tenemos la muy especial ocasión de presentar “Autobiographie”, el nuevo disco del ensamble estadounidense MANNA / MIRAGE. También se trata del disco definitivamente último pues su líder fundador Dave Newhouse ha decidido disolver a esta banda llamada como el disco debut de THE MUFFINS, el legendario grupo del cual formó parte Newhouse y cuyos orígenes se remontan hasta la primera mitad de los 70s. En “Autobiographie”, Newhouse, además de hacerse cargo de los saxofones, las flautas, los clarinetes, el órgano, los sintetizadores y el piano como siempre ha hecho, también incorpora la armónica, el acordeón, la kalimba, la radio de onda corta, algunas guitarras, algo de batería y algo de percusión a su arsenal. A lo largo del repertorio contenido en este álbum, aparecen las colaboraciones de Guy Segers (bajo), Jerry King (bajo y trombón), Sean Rickman (batería), Mark Stanley (guitarra), Michael Zentner (violín eléctrico), Farrest Fang (violín), Michael Bass (batería), Rich O’Meara (percusión tonal y campanas), Dereck Higgins (bajo) y Luciano Margorani (guitarra). Adelantamos que este disco nos parece uno de los más notables dentro de una discografía de MANNA / MIRAGE que siempr ese ha mantenido en un nivel impresionante de calidad musical. Todas las composiciones que aparecen aquí son de Newhouse, excepto una que es de autoría compartida con Segers y Rickman y otra con Margorani. “Autobiographie” fue mezclado y masterizado por Mike Potter en los Orion Studios de Batimore, Maryland; por su parte, la portada es un dibujo de Neil Doherty titulado Rabbit Philosopher. Veamos ahora los detalles estrictamente musicales de este disco. 

 
“Autobiographie” es el disco más extenso de todos los que ha hecho MANNA / MIRAGE, ocupando un espacio de más de tres cuartos de hora, y justamente son los dos primeros temas los más largos del mismo: ‘Phantosmia’ dura alrededor de 6 ½ minutos y ‘Rounded By Sleep’ dura poco más de 8 ½ minutos. El tema de apertura no adopta ninguna actitud tímida al elaborar un groove ágil y poderoso desde el primer instante, siendo así que el carácter pulsátil de la ingeniería rítmica se alimenta de un swing jazz-rockero bastante refinado. Los alternados momentos de protagonismo del ensamble de saxos y el violín son manejados con fluida soltura. Alrededor de la frontera del cuarto minuto irrumpe un interludio abstracto que vira el asunto radicalmente hacia una ambientación sombría y misteriosa, la cual nos remite a una cruza entre ART ZOYD y FAUST bajo un ropaje etéreo. En cuanto a ‘Rounded By Sleep’, Newhouse y sus compañeros de viaje comienzan con un ejercicio jazz-progresivo de línea Canterbury (al estilo de unos HATFIELD AND THE NORTH mezclados con los SOFT MACHINE de los discos sexto y séptimo) donde el preciosismo musical es más explícito; de hecho, el solo de guitarra inicial instaura una atmósfera razonablemente fulgurosa mientras se prepara el terreno para el desarrollo de un cuerpo central bastante fastuoso. Una vez reforzado éste, el ensamble termina de afinar su engranaje sonoro hasta que llega un momento donde se quedan dialogando los teclados y los vientos en una orquestación envolvente. La última sección se centra en una grisáceamente ensoñadora maraña de piano eléctrico y kalimba que suena como una deconstrucción del legado de PHILLIP GLASS en manos de unos AKSAK MABOUL. En fin, se trata de un cénit decisivo del disco. ‘Practicing Tonglin In A Time Of War’ ostenta un espíritu circense agitado delicadamente por aires cabareteros del periodo de entreguerras. El rol del acordeón es vital para dar vida al motif central mientras las percusiones ordenan el fundamento de cordial agilidad que exige la pieza. ‘Section W’ se centra en una secuencia repetitiva de connotaciones modernistas que se deja ornamentar por gráciles intervenciones de la guitarra, los vientos y el piano eléctrico. Un poco a lo krautrock, queda claro, pero está más vinculado al avant-jazz con ribetes psicodélicos. 

‘There Was A Time’ es una breve pieza que dura poco más de 2 ¼ minutos, exhibiendo mayormente un enfoque ceremonioso de las vibraciones jazz-progresivas que ya percibimos en los dos primeros temas del álbum. Así las cosas, emerge ‘Close The Sky’, un prodigioso deleite en clave avant-progresiva que comienza con un prólogo expectante para luego centrarse en grooves ágiles penetrados por una sofisticada vivacidad. Las ingeniosas líneas de bajo y los respectivos solos de marimba, guitarra y saxofón configuran soberbiamente el desarrollo temático. Si se unieran el mundo y el trasmundo para que FRANK ZAPPA pudiese tocar junto a un colectivo de integrantes de LED BIB y los HENRY COW del primer álbum, saldría algo como ‘Close The Sky’. Otro cénit del álbum. ‘Instant Cloud Effect’ es una pieza ágilmente etérea que se apoya en un lirismo envolvente, el mismo que es impulsado por el entramado de flautas y clarinetes. ‘Love Song For A Country’ es una serena pieza jazz-progresiva que se sitúa cómodamente en aquella área estilística donde THE MUFFINS recogían sus influencias Canterburyanas y las remodelaban a través de un filtro expresivo que resultaba llamativo y misterioso a la vez. Inicialmente, las bases de la percusión tonal asumen el protagonismo en el armazón melódico, pero más adelante, algunas florituras de los vientos y la guitarra salen al frente para enriquecer notablemente el motif central. Otro ejemplo de lirismo que funciona muy bien con la remodelación de una cirugía progresiva aventurera y, a la vez, sutil. ‘Hope’ cierra el álbum (y la discografía de MANNA / MIRAGE) con un espíritu introspectivo y elegíaco que se deja llevar por la brisa de un ensueño otoñal. Los retazos flotantes de la guitarra de Margorani elaboran una suave neblina crepuscular para que el saxo barítono de Newhouse revele los últimos indicios de iluminación solar y evoque la mágica luz de una luna pronta a salir de su guarida. El desenvolvimiento de la estrategia minimalista en curso exuda una emotividad asertiva, que no ostentosa: la emotividad contemplativa se frena un poco al ajustarse a sus raíces introspectivas. Hermoso cierre de este álbum y, como dijimos un poco más arriba, de la discografía de MANNA / MIRAGE. Gracias al maestro Dave Newhouse y a sus colaboradores por habernos brindado tantos trabajos tan exquisitos y tan eclécticamente creativos desde ese año 2015 que fue cuando se publicó el disco “Blue Dogs”; este nuevo disco no es una excepción en lo referente al hábito de este proyecto de gestar excelente música progresiva. 
 

Como reflexión final, “Autobiographie” traza el final del camino de MANNA / MIRAGE al modo de un excelso testimonio de la bajada del telón. ¡Estaremos atentos a los próximos proyectos donde participe Dave Newhouse!
 
 
Muestras de “Autobiographie”.-
Rounded By Sleep: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/rounded-by-sleep
Close To The Sky: https://davenewhouse.bandcamp.com/track/close-the-sky