Una nueva cima en la senda eclécticamente progresiva de los noruegos SEVEN IMPALE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Nos llegan buenas noticias desde la escena progresiva noruega, pues el grupo SEVEN IMPALE ha publicado el pasado 26 de mayo su nuevo trabajo fonográfico, el cual se titula “Summit”. 9 años después de su disco debut “City Of The Sun” y 7 después del sucesor de éste, llamado “Contrapasso”, este colectivo conformado por Stian Økland [voz y guitarras], Erlend Vottvik Olsen [guitarras], Håkon Vinje [teclados y voz], Benjamin Mekki Widerøe [saxofón tenor, flauta y voz], Tormod Fosso [bajo y cello] y Fredrik Mekki Widerøe [batería, percusión, guitarras y voz] vuelve a lucir su intensa mezcla de psicodelia retro-progresiva, space-rock, hard rock clásico y jazz-prog, la misma que le valió una gran cantidad de merecidos elogios por lo reflejado en los dos discos anteriores que acabamos de mencionar. “Summit” fue publicado por el sello Karisma Records tanto en CD como en vinilo. Iver Sandøy se encargó de la producción, la mezcla y la masterización del álbum que aquí reseñamos; además, aportó algo de percusión.

 
Los dos primeros temas del álbum coinciden en durar poco más de 10 ½ minutos: se llaman ‘Hunter’ y ‘Hydra’. El primero de ellos comienza con unas ceremoniosas y relativamente parcas escalas de piano que suscitan una inicial atmósfera expectante, la misma que se torna poderosa y explosiva cuando el ensamble íntegro entra en acción para terminar de redondear el pasaje prologar. La orquestación implosiona dentro de una parsimonia psicodélica que se sitúa dentro de un enclave crepuscular y sobre un groove misteriosamente lento. A poco de pasada la frontera del cuarto minuto y medio, las cosas se intensifican para trazar un breve puente cuyas confluencias con el paradigma histórico de VAN DER GRAAF GENERATOR serán vitales para determinar el resto del ambicioso desarrollo temático. Otros pasajes aguerridos se acercan al patrón del prog-metal sin dejar desvalido el núcleo psicodélico de donde brotó todo. Tras una última sección cantada, la coda instrumental se centra en una extravagante espiritualidad festiva que todavía arrastra varios ecos oscurantistas de lo hecho en varios momentos precedentes. En cuanto a ‘Hydra’, su discurso está mayoritariamente apoyado en el estándar tradicional del prog sinfónico con varios acentos retro que han sido tan recurrentes en las más recientes generaciones progresivos desde los 90s (especialmente, en Escandinavia). El vitalismo de esta pieza, resolutamente enérgico y sobriamente colorido, apela tanto a aquellos tiempos de GENESIS y GNIDROLOG como a los tiempos de ANEKDOTEN, LANDBERK, GARGAMEL, THE TANGENT y BRIGHTEYE BRISON. En la última instancia de la primera mitad, entran a tallar algunos quiebres rítmicos con el fin de impulsar recursos de sofisticación en los que siembran las semillas de una segunda mitad diseñada para explorar los aspectos más fastuosos del ideario musical de SEVEN IMPALE. Es aquí que la soltura expresiva de la banda se tona más versátil y el vigor rockero adquiere una particular aura señorial; de hecho, dentro de esta renovada serie de recovecos sónicos, se destaca tanto el rol del órgano Hammond como la restauración de aparejos sofisticados que ya apreciamos en la pieza inicial del álbum. El tenor pausado del epílogo asume unas breves vibraciones oníricas acentuadas por los elegantes punteos enmarañados de las dos guitarras.

‘Ikaros’ abre la segunda mitad del repertorio con una determinación expresionista bastante incendiaria, algo así como si un colectivo hermanado de VAN DER GRAAF GENERATOR y BLACK SABBATH estuviera recreando una pieza perdida de los HAWKWIND de la etapa 1972-74 y le añadiera trucos propios del avant-metal (MESHUGGAH, MAUDLIN OF THE WELL) y de los KING CRIMSON de la etapa 1973-74. Hay obvias intenciones de crear una turbulencia muscular e imponentes, pero es aún más obvio el derroche de inteligencia musical que invierte la banda en el desarrollo de los motifs centrales y sus ornamentos aunados. También cabe destacar la presencia de ciertos pasajes deconstructivos que parecen delatar la influencia del RIO continental de fines de los 70s e inicios de los 80s (UNIVERS ZERO, ART ZOYD). El pasaje epilogar tiene varios aires de familia con el de ‘Hydra’, pero, claramente, tiene un mayor ímpetu rockero. Es tal vez nuestra canción favorita de todo el disco. La última pieza del álbum es la más extensa del mismo con sus poco más de 13 ¼ minutos de duración y porta el título de ‘Sisyphus’. Su estratega general consiste en generar una cruza entre la inquietud ceremoniosa del tema #1 y la agilidad persistente y versátil del tema #2, además de enfilarse hacia los procesos más refinados del esquema sonoro grupal. No es una canción particularmente oscurantista, pero su fulgor parece estar sostenido sobre una base de tensión y tirantez que, a veces, sale a plena luz con inapelable prestancia. El saxofón tiene campo de acción en algún momento para realizar sus mejores solos de todo el disco. También se nota que el colectivo se da más espacio para elaborar trucos jazz-rockeros que se insertan fluidamente en varios de los motivos mutuamente hilados, lo cual le permite mostrar su faz más cristalina. En fin, he aquí una nueva cima que se eleva dentro de la senda eclécticamente creativa de los noruegos SEVEN IMPALE: “Summit” es una muy gratificante sorpresa dentro de la producción progresiva mundial en este segundo tercio del año 2023.

 
 
Muestras de “Summit”.-
Hunter: https://sevenimpale.bandcamp.com/track/hunter
Ikaros: https://sevenimpale.bandcamp.com/track/ikaros 

ARTEFACTRON: un tiempo y un espacio para la nueva generación del rock progresivo mexicano

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy viajamos a México y nos topamos con el grupo ARTEFACTRON y su disco homónimo de debut, el mismo que fue publicado de forma independiente (y con ulterior ayuda distributiva de parte del sello Azafrán Media) a inicios del mes de abril del pasado año 2022 (llega un poco tarde esta reseña, es verdad). El personal que grabó el material de “ArtefacTron” consta de Axel Margalli [guitarras y voz], Álvaro Zenil [bajo y voz], Eduardo García Orozco [teclados y coros], Héctor Aveleyra [teclados, guitarra y voz] y Mauricio González [batería y voz], y su enfoque musical está situado en el prog sinfónico de vieja escuela, con amplias referencias estilísticas a los paradigmas de YES, EMERSON, LAKE & PALMER y GENESIS, además de sus ilustres compatriotas de ICONOCLASTA (dos primeros discos) y también algunos vínculos con la primera etapa de otros legendarios, PREMIATA FORNERIA MARCONI. Los orígenes del grupo se remontan al año 2018 cuando, tras disfrutar de un concierto de los insignes suecos THE FLOWER KINGS, García Orozco y Zenil (integrantes de otras bandas) decidieron unir fuerzas y formar un grupo de rock progresivo que, a la vez, rindiera claro homenaje a las figuras legendarias del género y tuviese un sonido contemporáneo. Algo fastuoso y fresco a la vez. Una vez completado el quinteto, el proceso de composición de material comenzó bastante rápido, pero su compleción y su correspondiente grabación se ralentizaron por causa del distanciamiento social sistemático provocado por la pandemia. Para ser más específicos, el material de “ArtefacTron” se grabo entre los años 2020 y 2021 en el estudio Fábrica de Ideas, estando Eduardo Marine a cargo de la mezcla y la masterización. Fernando Garrido se hizo cargo de larte pictórico mientras que Abelardo Culebro hizo lo propio con el diseño gráfico. Pero bueno, llegó el año 2022 en su momento y el grupo pudo concretar el lanzamiento de este disco homónimo de debut: veamos ahora los detalles de su repertorio. 

Los primeros 8 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Tiempo Y Espacio’, una canción que se mueve plácida y orgánicamente a través de un suntuoso lirismo que da sus primeros pasos bajo un ropaje un tanto ceremonioso, para luego abrirse camino hacia un groove más grácil donde el esquema sonoro se da abasto para ostentar un genuino fulgor. Los vuelos instrumentales que se desarrollan en este momento exultante son manejados con un calculado manejo de la intensidad expresiva, siendo así que las orquestaciones de los teclados sirven de base unitaria para todos los ítems particulares. Los solos de guitarra portan una fuerza de carácter muy particular. Acto seguido llega el turno de ‘Nave Al Infinito’, una canción que recoge los ecos de la ceremoniosidad estructural de la precedente y la lleva hacia una instancia de agilidad incrementada. El swing jazz-rockero imprimido por la batería y reforzado por la guitarra permite a la banda estructurar un renovador recurso de vitalidad sinfónica que se siente, a fin de cuentas, bastante moderna. No se da aquí una sofisticación melódica tan grandilocuente como en la primera canción, pero sí hay una mayor expansión en los diálogos performativos entre los instrumentos actuantes. El sintetizador tiene una presencia más robusta dentro de la maraña sónica, lo cual le permite establecer un oportuno contrapeso a la guitarra, la cual gesta un grandioso solo cerca del final. ‘Doble Propósito’ tiene la misión de regresar a la senda de señorío prog-sinfónico que marcó antes a ‘Tiempo Y Espacio’, aunque esta vez con un esquema expresivo un poco más insistente en la exploración de matices y grooves complejos a partir de los índices melódicos creados para la ocasión. Un gran instrumental, sin duda. Cuando llega el turno de ‘Har Megiddo’, el grupo explora una faceta dramática que asienta un productivo precedente para la suite que vendrá más adelante. Centrándonos en este tema en particular, su groove en base de blues-rock es explorado con buen pulso a través de un preciosismo simultáneamente basado en una confluencia entre los paradigmas de GENESIS (etapa 73-78) y el del STEVE HACKETT del nuevo milenio. Por su parte, algunas intervenciones del órgano Hammond están más en línea con los patrones de UK y ELP. El fatalismo apocalíptico de la letra fluye diáfanamente a través de los estilizados y macizos pasadizos instrumentales.

‘Ayer Y Hoy’ nos muestra la faceta más intimista del cosmos musical de ARTEFACTRON. Se trata de una balada en 3/4 que comienza en clave bucólica y pronto se deja arropar por un atuendo bluesero. Poco a poco, la canción va cogiendo garra en base de la creciente presencia de la guitarra eléctrica así como de la de los ornamentos de los teclados. Dicho sea de paso, la guitarra nos brinda otro genial solo en algún lugar del medio. La miniatura ‘Redención’ sirve como antesala a la suite de casi 18 ¾ minutos ‘Hijo Pródigo’ que cierra el repertorio: la miniatura en cuestión se explaya en una atmósfera cósmica ornamentada con modismos sinfónicos de teclado, lo cual se prosigue cabalmente con los primeros instantes de la antes mencionada suite. A lo largo de su ambiciosa extensión, ‘Hijo Pródigo’ incluye dos secciones autónomamente tituladas ‘Inferno’ y ‘La Carta’; su esquema de trabajo general se centra en tender puentes entre los paradigmas clásicos de GENESIS y YES. Las diversas ilaciones melódicas cubren unos espectros refinados y estilizados que anclan los explayamientos dramáticos de las partes cantadas. Más que nunca, la labor de los teclados encauza la armonización de todos los instrumentos actuantes dentro del expresionismo comunitario: es muy significativo que sea el sintetizador quien dirija el camino del primer clímax y también lo es el que sea el piano quien esté a cargo de iniciar el rumbo de la segunda parte. A partir de aquí, el grupo de rienda suelta a la expansión de motivos inspirados en el romanticismo y el barroco, siempre centrada en una claridad melódica bastante cristalina. El ímpetu contundente de la coda es un cierre muy efectivo para la suite y el álbum a la vez. Bueno, todo esto es lo que se nos brindó en “ArtefacTron” desde los cuarteles de ARTEFACTRON, un muy interesante testimonio de lo que se gesta en el tiempo de la nueva generación del rock progresivo mexicano para deleite de los fans del género a lo largo y ancho del mundo.

Muestras de “ArtefacTron”.-

Tiempo Y Espacio: https://artefactron.bandcamp.com/track/tiempo-y-espacio
Doble Propósito: https://artefactron.bandcamp.com/track/doble-prop-sito-2
Har Megiddo: https://artefactron.bandcamp.com/track/har-megiddo-2

ANTILABÉ: fuerza anímica para la escena jazz-progresiva italiana

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy viajamos a Italia y nos topamos con el grupo ANTILABÉ y su álbum “Animi Motus”, el cual fue publicado a inicios del pasado mes de mayo. Tal como parece indicarse en su título, el disco al cual nos referimos hoy es un gesto bastante creativo de fuerza anímica para la persistencia del ideal jazz-progresivo en nuestros tiempos: se trata del cuarto disco de esta banda. El colectivo de ANTILABÉ está conformado por Carla Sossai [voz y coros], Marino Vettoretti [guitarras, percusión y teclados], Adolfo Silvestri [bajos con y sin trastes, y handpan Rav Vast], Alessandro Leo [saxos barítono y soprano], Luca Crepet [batería, glockenspiel, marimba, vibráfono, tímpanos y otras percusiones], Loris Sovernigo [piano Steinway y teclados] y Luca Tozzato [batería y percusiones]. Como vemos, el grupo cuenta con un generoso arsenal sonoro, pero, a lo largo del repertorio contenido en “Animi Motus”, todavía se dio el lujo de contar con los aportes de varios invitados ocasionales: Giuseppe Bepi De Bortoli (flauta alto), Arrigo Pietrobon (oboe), Magister Espresso Orchestra (ensamble de cuerdas), Enzo Giraldo (narración) y (narración). Veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Animi Motus”.

 

Durando poco más de 5 minutos, ‘Labirinti Della Mente’ inaugura el repertorio y lo hace con cristalina gracia, iniciándose todo con una base armónica de percusión tonal desde la cual se prepara el terreno para la orquestación global y el canto. Todo se mantiene dentro de un enclave de serena extroversión, afín al paradigma de HAPPY THE MAN con algunos matices añadidos de SHADOWFAX y ciertas confluencias colaterales con WEATHER REPORT. En la delicadeza inherente a la ingeniería melódica diseñada para la ocasión se apoya integralmente el modo en el que los músicos organizan su entramado comunitario. La dupla de ‘Metalleia’ y ‘Dubitar’ permite al grupo explorar otros matices de su ideario musical. El primero de estos temas tiene un groove similar pero un aire un poco más ágil, una dosis extra de soltura que permite la intervención notoria de ornamentos de sintetizador junto a una labor más determinante de las percusiones tonales para acentuar las bases de piano y los ornamentos del saxo. Se trata de una pieza tan atractiva que sus poco menos de 3 minutos de duración se sienten muy pequeños. ‘Dubitar’, por su parte, elabora una exploración fusionesca que exuda una cálida gracilidad por todos lados, estando ésta envuelta en una atmósfera razonablemente etérea. Las intervenciones del ensamble del vientos y de las percusiones étnicas son las columnas que sustentan el delicado lirismo que opera como la esencia misma de esta particularmente hermosa pieza. ‘Timor Panico’ resulta ser el tema más ágil de todos los que han venido sonando hasta ahora, realizando una ingeniosa cruza entre el FRANK ZAPPA más amable y el estándar más sedoso de los legendarios HATFIELD AND THE NORTH. Todo fluye con una gentil resolución donde los parajes más sofisticados están ubicados en lugares estratégicos. Un cénit del álbum, sin duda. Cuando llega el turno de ‘Segregatione’, el ensamble se dispone a trabajar con su aspecto más experimental, siendo así que el ensamble acoge inicialmente un enfoque minimalista (tal vez afín al paradigma de PHILIP GLASS) para asentar la columna vertebral del núcleo temático. Una vez hecho esto, a mitad de camino, el asunto se desarrolla con un nuevo ejercicio de agilidad jazz-progresiva donde el saxo soprano se erige como guía del esquema instrumental.

‘De Animi Solitudine’ es una exhibición solitaria del piano, el cual navega plácidamente por aguas impresionistas donde las ondas fluyen reposadas o un poco agitadas mientras pasan los cautivadores segundos. Definitivamente, se nota aquí la influencia de KEITH JARRETT. Con su espacio de 7 minutos, ‘Resilienza’ es el tema más extenso dentro del repertorio. Todo comienza con unas ceremoniosas y flotantes capas de sintetizador que reciben sutiles ornamentaciones percusivas. Una vez instalado el cuerpo central, opera una cruza entre HAPPY THE MAN y el estándar de ROBERT WYATT de la fase 1991-97, añadiéndose algunos sobrios colores del legado de los inicios acústicos de RETURN TO FOREVER. El ingreso de un pasaje mesuradamente  vitalista alrededor de la frontera del tercer minuto y medio sirve para que el fulgor potencial de la canción brote con convincente esplendor. Así las cosas, la controlada sofisticación a la que nos tiene acostumbrados el grupo puede dejar otro testimonio de genuina patencia. Las gallardas puntuaciones de la guitarra en el último tercio añaden majestuosidad a algo que ya era de por sí bastante señorial, bordándose la faena con un elegante solo de sintetizador que, a fin de cuentas, impulsa los postreros ornamentos de los vientos. ‘Una Luce Nuova’ concluye el repertorio con un ingenioso ejercicio experimental. La primera parte consiste en la gestación de climas cinematográficos marcados por capas espaciales de sintetizador y percusiones tribales, siendo así que un ceremonioso soliloquio sale al primer plano. La segunda parte consiste en una canción moderadamente ágil donde lo sinfónico prevalece a la hora de concretar los arreglos del desarrollo temático. Todo esto es lo que está encapsulado en “Animi Motus” desde la fábrica de hacer bella música del ensamble italiano ANTILABÉ. Totalmente recomendable para cualquier buena fonoteca progresiva.

 
 
Muestras de “Animi Motus”.-
Labirinti Della Mente: https://antilabe.bandcamp.com/track/labirinti-della-mente
Timor Panico: https://antilabe.bandcamp.com/track/timor-panico 

Resilienza: https://antilabe.bandcamp.com/track/resilienza

Segunda serie de eclécticos viajes musicales del maestro DARRYL WAY

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Con un poco de tardanza hacemos esta nueva visita al mundo musical del maestro violinista y compositor inglés DARRYL WAY, quien entró al parnaso histórico del rock progresivo por su membrecía en CURVED AIR y su posterior proyecto DARRYL WAY’S WOLF. También tiene una larga discografía con su nombre solista (que realmente es RICHARD DARRYL WAY, dicho sea de paso) y su más reciente lanzamiento fonográfico es “Destinations 2”, que data del 28 de mayo de 2021. Este disco publicado por el sello Spirit Of Unicorn Music es el sucesor de “Destinations” (del año 2019) y trabaja con la misma premisa conceptual: todas las piezas son paisajes musicales de los lugares aludidos en sus respectivos títulos, asociando diversas historias y estampas vivenciales a dichos lugares. Para ser más precisos, además de violinista, WAY es un curtido ejecutante de los teclados y las guitarras, y además, canta ocasionalmente en el presente disco. Sus compañeros de viaje son el bajista Richard Mead, el baterista Pete Skinner y la cantante Juliet Way (su esposa). Básicamente, tenemos aquí un disco donde conviven los discursos del rock prog-sinfónico y el jazz-fusion, siendo así que la actitud ecléctica comanda la ilación de las diversas proyecciones melódicas y grooves que conforman el repertorio de 12 piezas. Siendo un disco concebido durante el tiempo de distanciamiento sistemático en medio de la terrible pandemia, logra hacer viajar a la mente del oyente a diferentes destinos sucesivos. El material contenido en “Destinations 2” fue grabado en los Venturi Studios de Dervon con el propio WAY como productor. Veamos ahora los detalles de su contenido.
 

Los primeros 5 ¾ minutos del repertorio están ocupados por ‘Alhambra Knights’, una pieza que está plenamente encauzada por la combinación de exóticos arreglos sintetizados de cuerdas y ágiles ritmos programados de corte afro-arábigo. A partir de allí, las líneas melódicas del violín y el ocasional solo de guitarra española forjan el desarrollo temático con la suficiente dosis de matices aflamencados como para explotar cabalmente el inherente embrujo del mismo. Un inicio con mucho gancho en clave de sinfonismo con ciertos elementos que usualmente describimos como World Music. Luego sigue ‘Mother Earth’, que es el tema más extenso del repertorio con sus poco más de 7 ½ minutos de duración. Ceremoniosa en el núcleo mismo de su ingeniería sónica, esta pieza transita de una atmósfera serena y solitaria a otra más suntuosa donde parece que el propio WAY exorciza sus afinidades con los universos de CAMEL y PINK FLOYD. La claridad melódica es sólida y diáfana, y siendo así que porta un señorío envolvente, se destaca como un cénit decisivo del álbum. ‘Banquet Of The Vanities’ ya apunta hacia un rock estilizado donde el punche de los riffs de guitarra se sienten tan relevantes como el esquema melódico diseñado para la ocasión. Con los ribetes híbridos entre lo romántico y lo folk-rokero en su armazón temático y el uso de un medio tiempo, el asunto suena bastante cercano al paradigma histórico de CURVED AIR, añadiéndose leves conexiones con el de JETHRO TULL. He aquí la cuota de musculatura para el repertorio. La dupla de ‘Café De Paris’ y ‘Colombian Gold’ sirve para que se nos sigan revelando más facetas de la visión musical organizada para el disco. El primero de estos temas mencionados regresa a una ceremoniosidad cercana a la que signó al tema #2, pero brota en él una gracilidad especial, más cálida, y con una bien articulada base jazzera sobre la que se asientan cómodamente los aires fusionescos en clave parisina. De este modo, entra a tallar una fastuosidad propia del lenguaje progresivo. En cuanto a ‘Colombian Gold’ (que se inspira en el cultivo y el tráfico de coca, no de oro), se trata de una exploración en alegres ritmos caribeños a través de la óptica del Latin-jazz con su apropiada cuota de estilización progresiva. Lo que suena aquí también podría haber caído bien en algún disco de JEAN-LUC PONTY de la segunda mitad de los 70, y por qué no, en el primer disco de DARRYL WAY’S WOLF. Hay un intermedio sereno de talante cinematográfico que añade un oportuno recurso de variedad al asunto.

‘Ocean Blues’ es una gentil exhibición de contemplativa serenidad que se deja llevar suavemente por la sobria belleza del desarrollo temático. Todo sonido parece flotar en el aire dentro de una atractiva congregación arquitectónica. Por su parte, ‘Choctaw Ridge’ despliega una genuina vitalidad que está debidamente controlada por el swing jazz-rockero utilizado para la ocasión. Al igual que con ‘Ocean Blues’, el armazón instrumental tiene una ingeniería centrada en dejar que el atractivo del enfoque melódico y sus arreglos se muestre por sí mismo; en el caso específico de ‘Choctaw Ridge’, esto significa que debe reinar la extroversión con variados niveles de soltura. La sección intrépida que engloba al excelente solo de violín es simplemente electrizante, portadora de una contagiosa jovialidad. Los aires de familia con PONTY vuelven a brotar. Cuando llega el turno de la pieza titulada ‘Rio Grande’, WAY y sus compañeros de viaje vuelven a la senda de la claridad melódica con una bien perfilada fuerza evocadora impulsada por los arreglos sinfónicos. Hay una placidez reinante en el modo en que el esquema melódico se va instalando y reforzando mientras pasan los segundos. ‘Vegas’ se caracteriza por centrarse en aires celebratorios pletóricamente enfocados en esbozos del así denominado Latin jazz; las guitarras ocupan el rol protagónico dentro del desarrollo temático, pasando de la calidez de las acústicas al talante aristocrático de la eléctrica, y a veces, conjugando ambas dentro de su conmovedor encuadre melódico. Algunos resabios sombríos entran en juego durante algún pasaje intermedio a fin de reflejar el aspecto peligroso de la gran ciudad. ‘Fiesta Mexicana’ trabaja con la misma lógica de ‘Colombian Gold’: una excursión en el estereotipo de la alegría expresionista del variopinto folklore latinoamericano para darle algunas variantes progresivas a los esquemas melódicos creados para la ocasión. Todo comienza con unos aires de corrido donde se explota cabalmente el carácter evocador emanado de la asociación entre guitarra acústica y percusión, sirviendo ella de base para la instrumentación global. El interludio establece una estilizada muestra de ambientación densa que tiene algo de misterioso, un paraje muy atractivo que, tal vez, ameritaba un arreglo más expansivo. Con la retoma del motif inicial, el violín ingresa para realzarlo e impulsar su esplendor final. 

‘Hungarian Rhapsody’ dura poco más de 7 minutos y está diseñada para instaurar un clímax expresivo definitivo para el álbum; de hecho, es la apoteosis prog-sinfónica que se enraíza dentro de la historia particular del propio WAY dentro de la eterna tradición del rock artístico británico. La primera sección es lenta y ceremoniosa, portadora de un embrujo arcano propio de la luz del lento amanecer en un lugar hasta hace poco cubierto de neblina. Poco a poco, se asienta un esquema rítmico bien enmarcado que ayuda a realzar la magia del centro melódico. La segunda sección es rápida, ostentando unas vibraciones celebratorias donde el fulgor del sol llena todos los espacios gestados desde el suntuoso entramado sonoro. El epílogo del disco es ‘Across A River Wide (The Immigrant Song)’, un himno de esperanza y fuerza de voluntad para quienes se aventuran a cruzar el Mediterráneo para buscar un destino mejor en otras tierras. Se trata de una balada sencilla que retoma el esquema melódico de ‘Rio Grande’ para brindarle un refinado preciosismo evocador, el mismo que es realzado por el canto dual de WAY y su esposa Janet, autora de la letra: “Carry me across the water, to that far off shore. / Let me safely cross that border, free for ever more, free for ever more.” Todo esto fue lo que se nos dio con “Destinations 2”, un hermoso y versátil disco del maestro DARRYL WAY, un nuevo repaso ecléctico de diversas moradas terrenales que existen en nuestro planeta. Lamentamos haber conocido este disco con dos años y pico de demora, pero ahora que lo hemos hecho, lo recomendamos totalmente para cualquier buena fonoteca de música progresiva.

Lo que nos trae el trío alemán SPROINGG para este año 2023

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Estamos de plácemes hoy porque presentamos lo nuevo del grupo alemán SPROINGG, grupo de música progresiva enérgica y ecléctica cuya alineación está integrada por Predi Bruschgo [guitarra, guitarra barítono y primera voz], Erik Feder [batería, percusión y voces] y Johannes Korn [Chapman Sticks, violín eléctrico, guitarra sin trastes, sintetizador Mushroom Moog y voces]. El disco en cuestión se llama “Hirnkäse” y fue publicado el pasado 5 de mayo, sucediendo por 3 años y 8 meses a su ilustre antecesor “Clam”. En líneas generales, el esquema de trabajo musical plasmado en “Hirnkäse” resulta un poco más adusto y árido que el disco precedente, aunque también notamos en este nuevo álbum una reafirmación de muchos modismos propios de la esencia estética de SPROINGG. Este disco en cuestión fue grabado en agosto del año 2022 en el estudio Sproingg Central, siendo así que Feder y Korn se hicieron cargo del ulterior proceso de mezcla. Bueno, veamos ahora los detalles de cada uno de los temas incluidos en este álbum.*
 

La miniatura ‘Ggnipiors 2’ inicia las cosas con un ceremoniosamente teatralizado soliloquio. De esta forma, se abre camino ‘Abababa’, un tema ameno y ágil que nos remite al estándar Zappiano de fines de los 70s y a los PRIMUS de la etapa 1991-95. Queda claro que el grupo quiere asentar su primera manifestación colectiva dentro de un groove relativamente sencillo que, a lo largo del camino, irá impulsando sus propios mesurados recursos de sofisticación. Luego sigue ‘For Whom The Bellch Tolls’, pieza que hace un viraje más serio a la persistente aureola de refinado surrealismo que usualmente marca a los esquemas temáticos que utiliza el trío; de hecho, el swing empleado aquí se sitúa en una cruza entre el jazz-rock  y el math-rock, logrando gestar un interesante híbrido entre los STICK MEN, FOREVER EINSTEIN y los inolvidables DON CABALLERO. ‘Antetonkel’ permite al trío jugar con sus espectros Crimsonianos bajo un ropaje de punzante bruma, la cual permite al grupo desarrollar el jam dentro de una atmósfera refinadamente oscurantista. Eso sí, se nota una cierta liberación cuando el swing se aviva tenaz y firmemente en las instancias finales. La dinámica compartida por el violín y la batería permite al bloque instrumental, como un todo, forjar un talante afiladamente tenso. El quinto tema porta el simpático título ‘And Her Name Was “Jo-Jo, The Dog-Faced Boy”, Part 2’ (y ya hubo una Parte 1 en el álbum precedente), y por eso, no nos debe sorprender la gracilidad farsesca que conforma su núcleo temático. Esta pieza se sitúa dentro de un contexto humorístico de claro carácter surrealista, usando recursos vocales muy deconstructivo mientras el esquema instrumental se focaliza en una continuación del patrón de los STICK MEN (nuevamente). ‘Hirnkäse’ es justamente el nombre del sexto tema del álbum. Lo primero que entra a tallar en el esquema sonoro y el groove es una atmósfera intrigante, y en cierto modo, envolventemente onírica. Los cinco primeros minutos establecen nexos estilísticos con BURNT BELIEF, pasando posteriormente (tras un breve puente vocal que emula burlonamente a las corales gregorianas) a una exhibición de heavy prog con expansivas connotaciones Crimsonianas (muy en línea con su esquema de trabajo de los 90s e inicios del nuevo milenio). La señorial soltura que ostenta este enclave de incrementado robustecimiento rockero se impone contundentemente mientras la batería arma ingeniosos recovecos para un swing que reclama ser ornamentado con absorbente gracilidad. 

‘Tschuwak Tschubak’ es un deleite sublime de psicodelia progresiva con tintes pesados, ubicando su motif de corte oriental en un terreno cercano al de ese legendario proyecto que fue GORDIAN KNOT; se añaden nexos con los cimientos del jazz-rock espacial cultivado en los tiempos del krautrock de los 70s (DZYAN, AGITATION FREE) y con el desparpajo surrealista del paradigma Zappiano en las intervenciones vocales. La dupla de ‘High Up On Mushroom Hill’ y ‘Ridge Of Peas, Nation Of Peace’ es la de las dos piezas más extensas del repertorio, durando la primera poco más de 9 minutos y la otra, poco más de 8 minutos. El primero de estos temas mencionados comienza orientado hacia una gracilidad engañosamente establecida sobre un bosquejo  compositivo sutilmente sofisticado que comienza con un talante atmosférico y contemplativo. La irrupción de ceremoniosas bases armónicas de la percusión tonal anuncia el inicio del encuadre de la ingeniería temática diseñada para la ocasión; ella se apoya crucialmente en las etéreas amalgamas de guitarra y Chapman Stick, las cuales perpetran una solemne evocación de paisajes exóticos y ensoñaciones cósmicas en clave de fusión contemporánea alimentada por un empuje fusionesco. Tal vez late aquí una conexión con GILA y THIRD EAR BAND a través del filtro de los soundscapes Frippianos. En cuanto a ‘Ridge Of Peas, Nation Of Peace’, se trata, en cierta medida, de un regreso a los grooves predominantes en los temas #3 y #4, pero con un talante más otoñal y un empleo más comedido de la arquitectura rockera. Hay una gravedad patente en la manera en que los instrumentos interactúan dentro de su bien perfilada maraña comunitaria. En todo caso, los momentos de frescura provienen de las dadaístas intervenciones vocales: coros, letanías, parlamentos aparentemente belicosos. El último pasaje instrumental, sin embargo, parece traer consigo una actitud celebratoria, aterrizando todo en una coda sincopadamente aguerrida que casi suena a una versión avant-metalera del paradigma Zappiano. Todo se cierra con la miniatura irónicamente titulada ‘Ggnipiors 1’ (algo tan irónico como que el disco comience con ‘Ggnipiors 2’): igual que al inicio del álbum, se trata de un soliloquio teatralizado, esta vez, con la incorporación de ecos y pistas invertidas. Se realza la última palabra al revés, que es justamente el nombre del grupo (y el título de estos soliloquios de apertura y clausura).**
 

Esto es lo que trae consigo “Hirnkäse” desde los cuarteles de SPROINGG para el presente año 2023: en síntesis, se trata de un estupenda obra de rock progresivo eclécticamente experimental donde el ingenio extravagante y el vigor expresivo se dan la mano en diversas formas, todas ellas dueñas de un encanto muy particular. SPROINGG realmente es una fuerza importante dentro de la vanguardia musical alemana (e internacional) de nuestros tiempos. Recomendable al 300% (un 100% por cada integrante). 

 
 
Muestras de “Hirnkäse”.-
Antetonkel: https://sproingg.bandcamp.com/track/antetonkel
Hirnkäse: https://sproingg.bandcamp.com/track/hirnka-se
High Up On Mushroom Hill: https://sproingg.bandcamp.com/track/high-up-on-mushroom-hill

* En una exhibición de humor dadaísta, el grupo señala que los temas de este álbum se hayan bajo Copywrong.

** El soliloquio reza así: “Bruba-tschige-ding / Bruba-tschige-dong / Subagedschi bageschi bageschi / Ding dong dabang dabong würzül / Gnid-eschig-aburb gnod-eschig-aburb / Ischdechab ischdechab ischdechabus / Gnid gnod gabar gnabad gnabad lüzrüw / Sproingg”. Suena como una versión dadaísta-futurista del Zeuhl, al menos, eso nos parece.

DARÍO ÍSCARO Y LUCAS ALVES DE LIMA: moviendo las cuerdas musicales de la IA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
El pasado 10 de mayo se publicó un peculiar y aventurero trabajo musical que es producto de la asociación del guitarrista DARÍO ÍSCARO y el ingeniero de sonido LUCAS ALVES DE LIMA. El fruto de esta colaboración es un EP titulado “Artefacto Con Cuerdas”, el cual consta de 7 piezas cuyas duraciones oscilan entre poco menos de 1 minutos y 5 minutos y pico.
 
Todo empieza con ‘Objeto Enterrado’, una pieza que se explaya mayormente en marañas y escalas de guitarreos en clave Crimsoniana con diversos matices de jazz-rock experimental metidos en el esquema sonoro. Las variaciones de intensidad en el groove gestan un fulgor interior crucial para las pautas expresivas diseñadas para la ocasión. Una gran apertura del repertorio que más suena como un objeto desenterrado que se complace en disfrutar de una renacida exposición bajo un gentil sol. ‘Dirección Equivocada’ es una miniatura de tenor futurista que sabe transmitir un clamor entusiasta a través de su meticulosa arquitectura. Como una especie de contraparte, ‘Amor Fungible’, el tema que sigue a continuación, exhibe, en su mayor parte, recursos de calidez a través de su parquedad estructural; su tenor musical se sitúa en el jazz-rock contemporáneo bajo un bien delineado enfoque lírico, aunque también incorpora trucos vanguardistas en varios pasajes de la segunda mitad. ‘Sense Not Fluent’ ahonda en la faceta abstracta del álbum jugando con alternancias entre varias secuencias repetitivas. ‘Bubu En La Lluvia’ es la pieza más extensa del repertorio con su espacio de poco más de 5 ¼ minutos, siendo así que las vibraciones reflexivas son las más relevantes a la hora de trazar los índices temáticos y la atmósfera que envuelve a éstos. Hay excursiones fusionescas y otras asentadas en un discurso prog-psicodélico, alternándose dentro del paisaje etéreo capitalizado por el hecho de que la guitarra es el único instrumentos actuante. La dupla de ‘Sueño Intermitente’ y ‘Núcleos Combinables’ cierra el repertorio con bastante prestancia. La primera  de estas piezas mencionadas es una miniatura que lleva hasta sus últimas consecuencias deconstructivas el empuje modernista que ya perfiló a las otras miniaturas precedentes. Por su parte, ‘Núcleos Combinables’ exhibe un nuevo ejercicio de lirismo que a fluyendo cómodamente dentro de una cruza experimental de jazz contemporáneo y bosquejos progresivos. Definitivamente, se nota aquí una relativa recapitulación del espíritu de tema #3. Una estupenda manera de concluir las cosas. 

Todo esto fue lo que se nos brindó en “Artefacto Con Cuerdas”, poco o mucho, tal vez tendiendo a poco cuantitativamente hablando, pero en lo que se refiere a la proyección estética, su cualidad se impone contundentemente ante los oídos y espíritus de los oyentes empáticos. El dúo de DARÍO ÍSCARO y LUCAS ALVES DE LIMA ha gestado un ítem fonográfico sumamente interesante.

 
 
Muestras de “Artefacto Con Cuerdas”.-
Objeto Enterrado: https://darioiscaro.bandcamp.com/track/objeto-enterrado

Amor Fungible: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/amor-fungible
Núcleos Combinables: https://darioiscaro.bandcamp.com/track/n-cleos-combinables-2

PULSÓNICA: el eco recurrente de la escena jazz-progresiva argentina

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Mirando a la escena jazz-progresiva argentina del momento nos hallamos con la gratísima sorpresa de que el genial y creativo colectivo PULSÓNICA ha grabado y publicado un nuevo álbum, el cual se titula “Eco Infinito” y fue publicado por el sello connacional Viajero Inmóvil en la tercera semana de mayo pasado, solamente como descarga digital. También aparece en el blog de Bandcamp del grupo mismo. PULSÓNICA llega a éste, su quinto disco, con un vigor renovado bajo el perpetuo mando del genial Jorge González [batería, marimba y Ovni Drum]. Los otros genios que completan la alineación del grupo son Marcelo Tubio [guitarras eléctricas y acústicas], Nahuén Manzano [congas y otras percusiones] y Jonathan Crevatín [bajo]. Además, en algunas piezas del álbum aparecen los aportes de Mariano Toziano al órgano Hammond, Juan “Pollo” Raffo al sintetizador, Tomás Silvadón a las congas y Lucio Perrella al canto. El material de “Eco Infinito” fue grabado en los Estudios Orion de Buenos Aires, siendo los técnicos de grabación Pablo Rabinovich y Tomás Lobov. Los procesos posteriores de mezcla y masterización estuvieron a cargo del primero. Bueno, veamos ahora los detalles de este disco.

 
La pieza homónima es la más larga del disco con sus 6 minutos y pico de duración, y también es la encargada de abrirlo. ‘Eco Infinito’ se caracteriza por ostentar una serenidad luminosa, portando aires de un relajado atardecer que aún puede proyectar un envolvente fulgor. El swing armado para la ocasión es muy elegante, siendo así que el ensamble navega con suma pulcritud las diversas sonoridades del desarrollo temático, algo que se cumple con particular brillantez en la labor del bajo. ‘Danza Estelar’ sigue a continuación con la misión de agitar un poco las cosas, creando un groove sofisticado con el empleo de tempos inusuales en algunos pasajes (11/8, para ser más exactos) para que el lirismo inherente al motif central adquiera una magia gentilmente saltarina. El solo de guitarra que emerge cerca del final porta un aura cautivadora que permite al antes mencionado lirismo capturar una tersura moderadamente ensoñadora. Tenemos ya desde estos pasajes iniciales dos cénit decisivos del álbum. El tercer tema es una versión del clásico del son de TITO PUENTE ‘Oye Cómo Va’, que el propio SANTANA convirtió en un hit rockero en su momento. El grupo se mantiene bastante fiel al esquema Santanesco, aunque refuerza las vibraciones jazz-rockeras a su propia manera; más allá del evidente protagonismo de la guitarra a la hora de asentar el célebre motif, parece que el bloque sonoro se articula en base a la triangulación de órgano, batería y percusión latina. Con la dupla de ‘Kimba’ y ‘Duwende’, el ensamble sigue explorando varios matices de su vivacidad estructural. El primero de estos temas mencionados se explaya en un ejercicio de señoriales grooves afro-latinos que ostentan una gracilidad celebratoria, la misma que nunca se escapa de las manos y mantiene unas vibraciones majestuosas entrañables. El momento del breve solo de batería que se arma sobre unos golpes precisos focalizados por el resto de los instrumentos apuntala un fulgor especial al asunto, el mismo que se reitera en el diálogo percusivo del final. En lo referente a ‘Duwende’, el grupo sigue trabajando con un swing muy similar, pero esta vez se nota que opera un punche rockero más afilado. La conexión entre batería y percusión es integralmente compacta a la hora de transitar por las oportunamente comedidas variantes de groove que tienen lugar a lo largo del camino.
 
‘FunKing’ hace honor a su título dándole un convincente y bien pulido funky a la dimensión más extrovertida del estándar del jazz-rock. Con la soltura de la guitarra (igualmente esparcida en el ritmo y los solos) y el vigor de las percusiones latinas, el sonido grupal puede contar con certeros cimientos para la expresividad enérgica diseñada para la ocasión. ‘En Círculos’ se refuerza aún más ese vitalismo fusionesco esencial de la banda por vía de un ejercicio de soltura refinada que sabe dónde abrir espacios para el lucimiento de la percusión tonal. Mientras tanto, hay excelsas florituras para el motif central de parte de la guitarra y síncopas del bajo que brindan un aura señorial al esquema sonoro colectivo. ‘Descarga’ nos regala casi 3 minutos de perpetuación de esta frescura expresionista, abriendo nuevos espacios de lucimiento para el matrimonio de batería y percusión. También cabe destacar el modo en que la guitarra y la percusión tonal comparten los contornos del motif central. ‘Madre Tierra’ se explaya por una zona telúrica evocadora que, en cierto modo, nos remite al esquema de trabajo del anterior disco de la banda “Entre Mundos”. La combinación de envolvente lirismo en el patrón melódico y cristalinas cadencias rítmicas establece los fundamentos para la cautivadora magia musical  aquí plasmada. Es el tema titulado ‘Desde El Comienzo’ el que irónicamente marca el final del repertorio de este excelente disco; también marca el referente de ser el primer tema cantado que aparece en un álbum de PULSÓNICA, tratándose de una versión de la balada originalmente incluida en el álbum de EMERSON, LAKE & PALMER “Trilogy” bajo la autoría del legendario GREG LAKE. En manos del grupo, esta canción se remodela como una bossa nova en clave fusionesca, algo que permite al grupo explorar una dimensión gentilmente lírica; la belleza de las intervenciones de la guitarra es igualada por la del solo de sintetizador final, ejecutado por el maestro Juan “Pollo” Raffo dentro de una equiparación entre el patrón original de Emerson y ciertas cadencias jazzeras que son de su propia cosecha. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Eco Infinito” desde los cuarteles de PULSÓNICA, una ya veterana y eternamente refulgente entidad argentina que honra inmensamente la escena jazz-progresiva de su país. Totalmente recomendable. 

 
 

Muestras de “Eco Infinito”.-
Eco Infinito: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/eco-infinito
Danza Estelar: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/danza-estelar
Duwende: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/duwende
En Círculos: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/en-c-rculos

El sonido acertado de los franceses BEND THE FUTURE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy nos complace muchísimo presentar el nuevo disco del grupo francés BEND THE FUTURE, el cual se titula “Sounds So Wrong” y fue publicado el pasado 19 de mayo. Este colectivo integrado por Samy Chëbre [pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, y sintetizadores], Piel Pawlowski Rhodes [batería y percusiones], Rémi Pouchain [bajo y sintetizador bajo], Pierre-Jean Ménabé [saxofón alto], Nemo Pawlowski [saxofón soprano] y Can Yıldırım [guitarras, bajo y canto] se ha lucido a lo grande nuevamente tras su anterior disco de estudio “Without Notice”, que fue uno de los más notables a nivel mundial en el año 2021. Entre este álbum mencionado y el de este año 2023, el grupo ha publicado canciones sueltas y algún registro en vivo, lo cual da cabal muestra de que la gente de BEND THE FUTURE se ha dado maña para mantener su actividad a través de estos tiempos de pandemia y postpandemia. Para el disco que ahora nos ocupa, el grupo ha contado con las colaboraciones ocasionales de un cuarteto de cuerdas (formado por los violinistas Élodie Saumur y Maxime Le Tallec, el violista Pierre-Jean Ménabé y el cellista Rufus Lawrence) y la vocalista Claire Grunenberger. El material de “Sounds So Wrong” fue grabado en diciembre de 2021 en el Octavox Studio, ubicado en la localidad residencial del grupo de Grenoble. Después llegaron los respectivos procesos de mezcla y masterización, el primero, a cargo de Matthieu Budin y Can Yıldırım, y el segundo, a cargo del legendario Eroc (de GROBSCHNITT). El arte gráfica es de Egemen Kırkağaç. Este disco fue lanzado como descarga digital en el blog de Bandcamp de BEND THE FUTURE y también en una edición limitada de vinilo blanco; ya es hora de repasar el repertorio contenido en él.
 
La dupla de ‘Desert Eagle’ y ‘Jemlematür’ empieza poniendo las cartas sobre la mesa con fuerza de carácter. El tema de apertura despliega una inteligente confluencia de ceremoniosidad y agilidad dentro de un enclave prog-psicodélico fuertemente abastecido de grooves jazz-rockeros. La manera en que el sintetizador y el saxofón toman turnos para ornamentar el jam central competa eficazmente las elegantes florituras del bajo mientras, poco a poco, la batería va incrementando su energía expresiva. Esto último resulta muy útil para forjar el aguerrido epílogo. ‘Jemlematür’, por su parte, exhibe un colorido muy peculiar. Las iniciales secuencias cósmicas de sintetizador y el dinamismo grácilmente sincopado armado por el dúo rítmico ubica las cosas bajo los parámetros del space-rock progresivo con añadidas trazas de nu-jazz. La labor de la batería resulta crucial a la hora de sustentar la predominantemente mágica atmósfera. El arreglo de cuerdas que emerge en la sección epilogar acentúa el poder evocador de las últimas líneas de guitarra y de saxofón. ‘Fall Apart’ comienza a la manera de una continuación de la ingeniería sónica que signó a la pieza precedente, pero esta vez, añaden instancias inquietantes de cariz Crimsoniano que parecen también coquetear con el avant-metal. En una sección posterior, se vira hacia tonalidades al estilo del jazz-fusion con un croquis contemporáneo (algo que los acerca a JAGA JAZZIST y FONDERIA). Cuando llega el turno de ‘Somewhere Beneath’, el grupo elabora una muy inspirada mezcla de jazz-rock y post-rock bajo un ropaje progresivo. El razonablemente complejo swing permite al ensamble hacer gala de su habilidad para crear ambientaciones señoriales con una garra contenida. Para la sección final, las cosas se sueltan dramáticamente para que se instaure un vivaz ejercicio de space-rock con ribetes heavy, incluyendo uno de los mejores solos de saxo de todo el álbum. ‘Vast’ apela a una exploración particularmente meticulosa de las texturas más sedosas que laten dentro de la dimensión evocadora de BEND THE FUTURE; el motif mismo exuda un encanto exótico. Por ello, el despliegue de cálido lirismo que marca al desarrollo temático revela un candor majestuoso bajo la refinada guía del saxofón mientras el dúo rítmico persevera en un swing cristalino y relajante: estos pilares sustentan al encantador ambiente que invade al susodicho lirismo. Acabamos de disfrutar de dos cénit sucesivos del disco. 
 
‘Miniature II’ (tema que tiene su antecedente en un tema contenido en “Without Notice”) se explaya en un nuevo ejercicio de jazz-rock con patente predominio de exploraciones serenas y ensoñadoras de parte de la guitarra y el piano. El swing de la batería es donde reposa la mayor parte del vigor expresivo colectivo, y es justamente su golpe final el que decide que la parquedad sea el aspecto que cierra el viaje musical. Alban Lejeune es el responsable de aportar sonidos ambientales que forman parte de este tema. ‘Those Small Things’ vuelve a sondear influencias del nu-jazz dentro de un contexto donde se hermanan el space-rock y el jazz-prog. El atractivo motif central tiene un magnetismo extraño, el mismo que recibe envolventes capas de parte de los arreglos de cuerdas que entran a tallar cerca del final. No mucho cambiará cuando llegue el turno del hermoso tema ‘Not Even’, el cual se puede muy bien describir como una síntesis de los grooves y ambientes que marcaron a los dos temas precedentes. Durando poco menos de 8 ¼ minutos, ‘Now Is The Moment’ es la pieza más extensa del repertorio y también es la que lo cierra. Comienza explayándose en una de las vías de expresión más joviales dentro del repertorio, dando generosos espacios a recursos grandilocuentes de teclados y esquemas rítmicos muy alegres (algo afín a los OZRIC TENTACLES de la fase 1989-94). En una segunda instancia, cambia hacia una gama de comedidos parajes ensoñadores y mesuradamente exóticos que brindan un giro nuevo a la luminosidad predominante, además de gestar algunos subterfugios misteriosos. Como balance final, “Sounds So Wrong”, diga lo que diga su título, es un disco donde todo suena muy bien, pues presenta un esquema sonoro acertado bajo la forja particularmente ecléctica de BEND THE FUTURE, muy fiel al dinamismo polícromo del que siempre ha hecho gala este grupo francés. Una recomendación total para este disco que dignifica enormemente la grandiosa escena progresiva francesa de nuestros tiempos y un enorme agradecimiento a este colectivo de Grenoble por gestarlo. 

 
 
Muestras de “Sounds So Wrong”.-
Jemlematür: https://bendthefuture.bandcamp.com/track/jemlemat-r-2
Somewhere Beneath: https://bendthefuture.bandcamp.com/track/somewhere-beneath 

Vast: https://bendthefuture.bandcamp.com/track/vast

Now Is The Moment: https://bendthefuture.bandcamp.com/track/now-is-the-moment

Un nuevo momento de revolución progresiva para el maestro francés FRANÇOIS THOLLOT

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Nos llegan buenas nuevas desde los cuarteles del maestro lionés FRANÇOIS THOLLOT, el multiinstrumentista y compositor francés especializado en cultivar un híbrido de jazz-prog, Canterbury, RIO y Zeuhl fusionesco. La buena noticia tiene que ver, claro está, con un nuevo disco: éste se titula “Revolution” y fue publicado el pasado 4 de mayo. Como siempre, tras componer todo, él se encargó de los teclados, la guitarra, el bajo, la batería y las programaciones; después de eso, también realizó las labores de mezcla y masterización. Lo último que tuvimos de él fue el álbum de setiembre del 2022 “Soon The Apocalypse”, y eso que en ese año nos entregó un total de 3 discos (tomemos en cuenta que son 11 en total los discos que produjo entre octubre de 2020 y ahora, siendo el primero de este lote “05” de SCHERZOO). Veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Revolution”.
 
Abre el álbum ‘Ça Gaze?’, una pieza que comienza con un talante tremendamente ágil, el mismo que hace gala de su rutilante fulgor a través de los índices temáticos y oscilaciones armónicas marcados por los teclados y acentuados por el esquema rítmico. Más adelante, el asunto se torna más adusto mientras se instaura un intermedio lento, pero pronto se reaviva la llama inicial a fin de gestar una versión acrecentada de la agilidad original. Dentro de esta nueva situación, se añade un matiz grisáceo que permite la instalación de ciertos recursos de densidad. Sigue a continuación la dupla de ‘Shine One You Crazy Bastard’ y la pieza homónima (‘Revolution’ es también la más extensa del repertorio con sus casi 6 ¾ minutos de duración), diseñada como está para seguir expandiendo la paleta sonora que THOLLOT ha dispuesto para el álbum. ‘Shine One You Crazy Bastard’ exhibe ecos y resabios de la agilidad con la que empezó el álbum y le da una gracilidad renovadora donde se combinan aires de los paradigmas de HAPPY THE MAN, SAMLA MAMMAS MANNA y GENTLE GIANT. En la triangulación de teclados, bajo y batería opera una jovialidad misteriosa que parece esconder una inquietud tras sus explícitos ropajes sonoros. Nos parece bastante ingenioso que, en varios pasajes, la batería desarrolle una labor exuberante a fin de llenar los espacios vacíos que dejan los acordes del piano eléctrico. Los solos de sintetizador tienen una garbosa soltura disonante que realza el aura sutilmente misteriosa de la pieza. Por su parte, ‘Revolution’ ofrece una exaltación que tiene algo de surrealista dentro de un contexto jazz-progresivo con ribetes RIO (a medio camino entre el primer álbum de POTEMKINE y el patrón histórico de PRESENT). Hay amplios coqueteos con la estepa de lo tenebroso sin adentrarse realmente en ella, quedándose al borde de ella en un acto contemplativo; también hay un cierto protagonismo del bajo en los pasajes más vibrantes, lo cual obliga a los teclados a expresar un empuje especial en sus complejos arreglos armónicos y solos. Todo suena, en líneas generales, muy fastuoso en esta secuencia de los tres primeros temas del álbum. ‘Battre En Retraite’ comienza con un groove ceremonioso para luego pasar a un cuerpo central ampliamente vivaz. Eso sí, éste porta una espiritualidad grisácea que hace que los pasajes donde predominan oscilantes escalas de teclado tengan algo de amenazante. 

‘Tigre’ condensa las espiritualidades de los temas #2 y #3 para llevarlas hacia una síntesis señorial donde el estereotipo del avant-prog francófono (especialmente, el paradigma Magmiano) se reviste de un dinamismo diligente y contundente. Algunos ornamentos oscurantistas entran a tallar para instalar delicadamente algunos resabios inquietantes dentro de la paleta sonora empleada para la ocasión. Nos vamos acercando al final del álbum mientras llegamos a la dupla de dos temas que duran alrededor de 6 ¼ minutos: ‘Easy’ y ‘Whirlwind’. El primero de ellos retoma los pasos más suntuosos de los dos primeros temas y los eleva unos escalones más arriba dentro de una sólida ascensión hacia los estándares más majestuosos del discurso progresivo. El engranaje de todos los instrumentos actuantes se deja arropar por un brío orquestalmente incandescente, el cual resulta particularmente intenso cuando entran a tallar sonidos futuristas de teclado. En cuando al segundo, se trata de un electrizante ejercicio jazz-progresivo con sus oportunas dosis de cadencias y agitaciones propias de la trepidante esencia del RIO francófono. El rol del piano es crucial en tanto que éste es el núcleo central del desarrollo multitemático, mientras que la batería maneja hábilmente los imparables recovecos que emergen a lo largo de esta caminata musical. Lo más centrado en el jazz-rock de todo el disco. El cierre del álbum llega de la mano de ‘Fear’, cuya misión parece ser la misma que la de cualquiera de las piezas #5 y #6: retomar atmósferas que marcaron a otras anteriores del repertorio. En este caso particular, la estrategia es más ambiciosa, pues trabaja con una cruza entre el jazz-prog, el Zeuhl fusionesco y el sinfonismo polifónico a lo GENTLE GIANT. “Revolution” es, de forma íntegra, un nuevo momento de agitaciones progresivas dentro del ideario musical del maestro francés FRANÇOIS THOLLOT. Nos alegra enormemente advertir que su fuego creativo todavía tiene muchas llamas resplandecientemente encendidas que, aparentemente, nada puede apagar.
 
 
Muestras de “Revolution”.-
Shine One You Crazy Bastard: https://scherzoo.bandcamp.com/track/shine-one-you-crazy-bastard
Revolution: https://scherzoo.bandcamp.com/track/revolution Whirlwind: https://scherzoo.bandcamp.com/track/whirlwind

Los franceses ULTRA ZOOK vuelven a la carga

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El trío francés ULTRA ZOOK vuelve a la carga en este año 2023 con un nuevo disco, el cual se llama “Auvérgnication” y fue publicado por el sello connacional Gnougn Records el 5 de mayo pasado, tanto en CD como en vinilo. Este trío ya se hizo presente recientemente con la publicación del disco del colectivo multigrupal RAMDAM FATAL, y ahora es su momento específico para celebrar su decimotercer aniversario. En el transcurso del repertorio contenido en este disco, el colectivo conformado por Benjamin Bardiaux [teclados], Rémi Faraut [batería] y Emmanuel Siachoua [guitarra, bajo y flauta dulce] recibe las ocasionales asistencias de François Arbon (saxofón bajo y trombón), Flo Borojevic (percusión) e Ilya Faraut (voz). Se celebra el decimotercer aniversario de la formación de ULTRA ZOOK justamente con la compleción y la publicación de “Auvérgnication”. La ingeniería de sonido para las grabaciones y la ulterior mezcla estuvieron en manos de Manu Siachoua; más adelante, la masterización fue realizada por Theophane Bertuit en el Polyphone Studio. En cuanto a la intrigante y colorida portada, la ilustración es de la autoría de Matt Konture, mientras que el colorido estuvo a cargo de Florian Louriot y el diseño gráfico final, a cargo de Judith Saurel. Bueno, veamos ahora los detalles específicamente musicales de este álbum.*

  

Los seis primeros minutos del álbum están ocupados por ‘Oui Ben Oui Mais Non’, canción que empieza con un satírico arreglo vocal y que pronto abre campo a un ejercicio de burlescos dinamismos que se desarrollan bajo las guías múltiples y simultáneas del FRANK ZAPPA de la fase 1984-86, el paradigma avant-rockero de BATTLES y la faceta más jovial de unos ETRON FOU LELOUBLAN. Definitivamente, funciona una genialidad muy particular en el modo en que se arma una compleja ingeniería centrada en las interacciones milimetradas entre el teclado y el dúo rítmico: todo fluye muy ágilmente mientras preserva una rigurosa inteligencia matemática. Con la dupla de dos piezas que, respectivamente, duran poco menos y poco más de 2 ½ minutos, el trío sigue explorando los matices de su propuesta musical: sus títulos son ‘Cet Enfant-là’ y ‘Complètement Plètement’. El primero de estos temas mencionados se centra en unas vibraciones jazz-progresivas signadas por algunas confluencias con el patrón de AKSAK MABOUL más las recurrentes agitaciones burlescas de tenor Zappiano. En lo referente a ‘Complètement Plètement’, se sitúa en un camino de retorno al fulgor arquitectónico de la pieza de apertura, incorporando incrementados recursos surrealistas al muy complejo desarrollo temático. ‘Salut!’ contiene, a la vez, un punche más filudo que cualquiera de las tres piezas precedentes, y también, un vitalismo más exaltado que, a lo largo de su sofisticación estructural, sabe sonar también un poco tenso. Algo muy propio de THE RESIDENTS a través del filtro de AKSAK MABOUL con certeras afinidades con su scompatriotas de POIL. En las últimas instancias, el asunto vira hacia una ceremoniosidad enérgica, redondeando de manera sorpresiva una muy inspirada faena que, a la postre, logra erigir a esta canción como un momento culminante dentro del disco. Cuando llega el turno de ‘Rêve Avec Les Red Hots’, el trío aligera un poco las cosas sin dejar atrás su gusto por las síncopas exigentes y los grooves retorcidos.... Y mucho menos, por las gozosas corales. Se trata, más o menos, de una pieza diseñada para preservar las pautas estéticas del trío. 

‘Georges Gallamus’ se centra básicamente en puntualizar el potencial ritualístico de los juegos de saltarinas síncopas que consistentemente realiza el grupo. Si se le añade algunos matices grisáceos que suenan a humor negro a la atmósfera que envuelva al desarrollo temático, tenemos algo mágicamente neurótico ante nuestros oídos. Mágico como uno de los últimos retazos de luz de un atardecer primaveral, neurótico como una inquietud que persiste sin remedio. Nos parece un cénit del disco junto al cuarto tema. ‘L’aspi’ ostenta unos traqueteos cibernéticos que se alternan fluidamente con ciertos grooves avant-jazzeros que entran a tallar para darle una extravagante prestancia al esquema rítmico diseñado para la ocasión. Los juegos corales no suenan tan traviesos como en otras canciones precedentes; al menos, hay un tenor un poco más contenido dentro de su sistemático dadaísmo. El incremento del frenesí para la sección epilogar inserta elementos relativamente siniestros al asunto antes de llegar al cortante final. ‘J'ai l'Impression Qu’c’est Plus Ça’ establece una síntesis entre los espíritus de los temas #1, #4 y #6, concretando un nuevo ejemplo brillante de cómo expresar jovialidad con una sutil soltura alucinada y un elegante manejo de las tensiones rítmicas. Para la parte final, todo se torna oscuro y misterioso, lo cual añade más vibraciones retorcidas a la permanente jovialidad. Durando poco más de 6 ¾ minutos, ‘Apocalyptic Trobador’ es el tema más extenso del repertorio, y, de paso, es también el encargado de cerrarlo. La ingeniería musical que gesta y ordena los efluvios matemáticos de la compleja arquitectura sónica revela el que tal vez sea el pasaje compositivo más inspirado de todo el álbum. Con la incorporación de algunos ornamentos cuasi-góticos de teclado y otros que se sitúan más cercanos al paradigma del space-rock, el trío se deja llevar por las alas de su propio eclecticismo ordenado a través de un nuevo cielo progresivo por el cual surcar. El tercio conclusivo crea un clímax contundente y poderoso, un último cénit para cerrarlo todo de una buena vez. Esto fue lo que se nos brindó en “Auvérgnication” desde los cuarteles de ULTRA ZOOK; en menos de 40 minutos, el grupo ha gestado una estupenda muestra de música progresiva vanguardista y extrovertida, una muestra que bien vale la pena tener en una colección fonográfica actualizada con lo más notable de la experimentación rockera de nuestros tiempos. ¡Recomendado al 300%! (Un 100% por cada integrante de ULTRA ZOOK.)

 
 
Muestras de “Auvérgnication”.-

Salut!: https://ultrazook.bandcamp.com/track/salut

Georges Gallamus: https://ultrazook.bandcamp.com/track/georges-gallamus

Apocalyptic Trobador: https://ultrazook.bandcamp.com/track/apocalyptic-trobador 

* El mismo título del disco es una parodia de la popular Californicación de los RED HOT CHILI PEPPERS.

La imparable expansión vanguardista del trío estadounidense AHLEUCHATISTAS

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Llegamos un poco tarde a esta cita con el trabajo fonográfico más reciente del grupo avant-progresivo estadounidense AHLEUCHATISTAS, pero llegamos, al fin y al cabo: nos estamos refiriendo al disco “Expansion”, el cual fue publicado el 21 de octubre del pasado año 2022 por el sello Riverworm Records. La actual alineación triádica de AHLEUCHATISTAS está conformada por el guitarrista Shane Parish, el bajista Trevor Dunn y el baterista Danny Piechocki; todos ellos son autores conjuntos de cada uno de los diez temas contenidos en este disco. También estuvieron estos tres excelentes músicos a cargo de la ingeniería de sonido durante las sesiones de grabación, dejándose las labores de mezcla en manos de Piechocki y Aron Sanchez, y siendo este último quien realizó la masterización. Conocemos a Dunn por MR. BUNGLE y FANTÔMAS, además de sus diversos proyectos de avant-jazz. Piechocki también es integrante de TERMS. El ideario musical de AHLEUCHATISTAS sigue firme en su confluencia de math-rock, psicodelia Crimsoniana, brutal prog y jazz-rock experimental que ha llevado a sus obras fonográficas precedentes a ser notables ejemplos de la continua e imparable expansión de la escena vanguardista estadounidense del nuevo milenio. Formado en Nasheville, Carolina del Norte en el año 2002, y actualmente residente en Athens, Georgia, este grupo que ha operado como trío o dúo a lo largo de su existencia, tiene tras sí ocho discos (siendo el primero “On The Culture Industry”, del año 2003) y un puñado de EP. A través de la secuencia de los tres últimos discos (“Location Location”, “Heads Full Of Poison” y “Arrebato”, publicados entre 2011 y 2015), el esquema sonoro de la banda ha concreado un nuevo empuje aventurero, así que el tiempo de hiato entre el penúltimo disco y este nuevo que ahora reseñamos ha servido para reforzar esa nueva vitalidad con colores renovadores tras retomar su estructura triádica. Sarah Cavalieri hizo la portada y Sally Gates hizo el diseño gráfico. Vamos ahora a los detalles del material contenido en “Expansion”. 

Todo comienza con ‘Entering The Realms’, una pieza enérgica con una predisposición elegante a la hora de definir y asentar las bases armónicas y los complejos grooves diseñados para la ocasión. Haciendo malabares con los quiebres saltarines generados desde el esquema rítmico, el bloque sonoro se las arregla muy bien para manejar la fluidez propia del desarrollo temático. Acto seguido, llega la dupla de ‘The Curse That Keeps On Giving’ y ‘Megamegapolis’, la cual ocupa conjuntamente un espacio de casi 10 minutos y sirve para que el trío siga avanzando en su expansión sónica tras un gran inicio de álbum. El primero de estos temas mencionados elabora un ejercicio de empuje progresivamente sofisticado donde los aventureros encuadres rítmicos del math-rock y el señorío del jazz-rock se funden en un fulgor muy especial. Cerca del final, el trío genera un recurso de lirismo que aterriza en un ambiente medianamente crepuscular donde emergen algunos traqueteos misteriosos, los mismos que son ornamentados con trazos libres de la batería. En cuanto a ‘Megamegapolis’, se trata de un manifiesto de jovialidad que, en dos tiempos, nos remite muy cercanamente a los KING CRIMSON de los 80s y establece lazos de parentesco con la legendaria banda connacional DON CABALLERO. Es en esta última instancia que el fulgor reinante adopta algunos aires impetuosamente neuróticos. En general, esta ilación de estos tres últimos temas se unifica mediante la construcción de una luminosidad meticulosamente creciente. ‘End Times Careerism’ establece un nervio arquitectónico donde vuelven a brotar a toda caña los modismos Crimsonianos y math-rockeros que ya apreciamos anteriormente, sólo que esta ocasión está signada por una espiritualidad un poco más grave, tal vez más ceremoniosa, aunque todavía utilizando sistemáticamente grooves ágiles de diversa índole. ‘What’s Your Problem?’, con su duración de poco menos de 3 minutos, moldea una efectiva mezcla de dadaísmo travieso y neurosis galopante.  

‘Mirrorballs Neurons’ va por la senda de la hibridación entre los aires luminosamente joviales de los temas #2 y #3 y la actitud traviesamente vivaracha de la pieza precedente. Así las cosas, el colectivo de AHLECHAUTISTAS evidencia la plena determinación experimental que, a estas alturas del partido, ya da amplias muestras de tener un foco bien sustentado. Cabe destacar el acento épico que viene con la emergencia de la última sección, lo cual aporta un renovador aire majestuoso al asunto. Mientras el álbum se aproxima a su final, surge la secuencia de tres miniaturas respectivamente tituladas ‘RPG 4’, ‘RPG 5’ y ‘RPG 6’. Cada una de ellas porta una soltura reconocible, siendo así que la primera apela a un predominio de la expresividad tensa, hasta pesada, mientras que la última se regodea en su propia sofisticación estructural. El cierre del disco viene de la mano de la pieza homónima, la cual es también la más larga del mismo con sus 9 ½ minutos de duración. ‘Expansion’ se toma unos minutos para explorar un groove relativamente sereno sostenido por un dinamismo tribal a cargo de la batería, siendo así que el hermanamiento de guitarra y bajo impulsa un lirismo convincente. Tras un puente minimalista centrado en una escala repetitiva de guitarra y ornamentado con matices grisáceos, se prepara el terreno para la emergencia de un motif ágil y vigoroso una vez pasada la frontera del quinto minuto: mientras éste dura, la batería hace sentir su protagonismo dentro del bloque grupal. El asunto no tarda mucho en aterriza en una remodelación bizarramente deconstructiva del cuerpo inicial, la cual parece retratar algo que se desmorona de a pocos para terminar revelando sus dimensiones subyacentes bajo la luz de un inquieto mediodía. Un gran ejercicio de extravagancia progresiva que nunca llega a hacerse chocante a través de su bizarramente meticulosa ingeniería. Como balance final, lo que realizó el personal de AHLEUCHATISTAS en este disco, que es prácticamente un disco de retorno, es un motivo de gran dicha melómana. “Expansion” es, sin duda, un título apropiado para este manifiesto de expansiones experimentales dentro del rock artístico de nuestros tiempos: un gran homenaje que este grupo se hizo a sí mismo a dos décadas de su formación. Recomendable al 300%... Un 100% por cada integrante de AHLEUCHATISTAS.

Muestras de “Expansion”.-
The Curse That Keeps On Giving: https://ahleuchatistas.bandcamp.com/track/the-curse-that-keeps-on-giving
Megamegapolis: https://ahleuchatistas.bandcamp.com/track/megamegalopolis
Mirrorball Neurons: https://ahleuchatistas.bandcamp.com/track/mirrorball-neurons