La majestad musical de COUNTER-WORLD EXPERIENCE

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da el momento de hablar sobre un trío residente en Berlín y formado en Hannover en 2002: COUNTER-WORLD EXPERIENCE. Este ensamble se originó con la alineación de Benjamin Schwenen (a las guitarras), Thorsten Harnitz (a la batería) y H.D. Lorenz (al bajo). El grupo siempre tuvo un norte fijado en el equilibrio entre el swing sofisticado del jazz-rock y la agresiva fineza del prog-metal, aunque su primer material estuvo más centrado en la primera de estas coordenadas. A partir del segundo disco “Fraktal”, el sonido del grupo se endureció de manera muy sólida e incorporó ornamentos sintéticos bastante relevantes, y es así como se convirtió en un referente bastante serio de la experimentación prog-metalera europea de los últimos años. Portando afinidades con LIQUID TENSION EXPERIMENT, PLANET X, CAB, TRIBAL TECH y SCALE THE SUMMIT, el trío continuamente da amplias muestras de su habilidad técnica y su gusto por el ingenio compositivo en un sentido bastante meticuloso. Esto los pone en una línea de trabajo semejante a la de sus compatriotas de RELOCATOR. El año 2012 nos trae un nuevo álbum de COUNTER-WORLD EXPERIENCE, “Music For Kings” (el quinto para ser más exactos), el mismo que sirve para reafirmar el posicionamiento de su línea de trabajo, además de fortalecer el lugar del bajista Sebastian Hoffman (en la banda desde el año 2009). Repasemos ahora el repertorio de “Music For Kings” con mayor detalle.    

 

 
‘Overture – The Coronation’ abre el disco con un breve preludio de órgano de fuelles (sintetizado, claro está), con una dinámica estilizadamente sostenida que prepara el camino para ‘Trinity’, pieza que exhibe una arquitectura lo suficientemente grácil como para permitir que el trío elabore mecanismos rockeros rotundos y acuciantes. La inserción de pasajes más constreñidos en el ínterin ayuda oportunamente a crear matices progresivos en el desarrollo temático. Con ‘Trois Filles Du Roi’, tema que incluye efectos de corales femeninas, se nos muestra al grupo trabajando con dosis más medidas de su vitamínica energía rockera, aunque la sofisticación estructural de la pieza le permite seguir exhibiendo su muscularidad de manera genuina. ‘Priamos’ se inicia con un preludio de guitarra clásica cuya función central es la de instaurar el motivo central, para que así, una vez entrado el ensamble completo, se den variaciones y repasos del mismo, con sus consecuentes explayamientos: podemos decir con plena certeza que ‘Priamos’ encarna la
dimensión lírica del ideario musical de COUNTER-WORLD EXPERIENCE. Por su parte, ‘Gilgamesh – King Of Uruk’ explora elementos estandarizados de thrash metal a través de su sólido tránsito por sus pulidamente organizadas variaciones de ambientes y pautas rítmicas. Las influencias del lado más “Metallicense” del DREAM THEATER 2001-2009 son fáciles de notar en este tema, así como su absoluta ausencia en ‘David’, tema donde el grupo refresca su bloque sonoro en el oasis del jazz-rock moderno: una pieza relajante que se inspira en la moderadamente grandilocuente serenidad de TRIBAL TECH y VITAL INFORMATION en sus momentos más intimistas. Pareciera como si en este tema, en vez de reflejar a un David reinante y triunfante, se quisiera plasmar su soledad en el poder a través de la paleta de sonidos. Iniciado con un solemne preludio, ‘Tiger Of Qin’ nos devuelve al decisivo punche rockero de la banda con una actitud inspirada parcialmente en ‘Trois Filles Du Roi’, aunque cabe notar también que el trío recibe el impulso de la aventura jazz-rockera expuesta inmediatamente antes. Lo mismo sucede en ‘Karl The Great’, una reestructuración del nervio prog-metalero bajo unas imponentes coordenadas jazz-rockeras, incluso focalizada en un manejo más asertivo de texturas a través de un prístinamente articulado desarrollo temático. Así las cosas, es evidente que el grupo está dispuesto a explorar consistente y concienzudamente su faceta lírica: semejanzas hay con los patrones de AT WAR WITH SELF, y tal vez también algo de GORDIAN KNOT. ‘Beowulf’ cierra el álbum con una impresionante aura de exquisitez que hereda bastante de los legados de YES y DREAM THEATER. La inserción de pasajes donde dobletean la guitarra acústica y la mandolina aporta estupendos recursos de colorido sónico al asunto.        
 
“Music For Kings” es un disco bastante bueno y bastante enérgico, un pretexto suficiente para empezar a indagar en la obra de esta banda: COUNTER-WORLD EXPERIENCE tiene un estilo bastante atractivo para el amante promedio del estándar progresivo y del patrón del prog-metal, a la par que suena fresco y vital. Dura menos de ¾ de hora pero goza de suficiente muscularidad como para llenar de motivación y buenas vibraciones al espíritu del oyente.  
 

Muestras de “Music For Kings”.-

Gilgamesh – King Of Uruk: http://www.youtube.com/watch?v=i6g6TpxBr7s
Beowulf: http://www.youtube.com/watch?v=i6g6TpxBr7s

CTHULHU RISE: el nuevo rostro de la movida progresiva ucraniana

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Hoy es el turno de hablar de uno de los grupos nuevos más interesantes que han surgido en la escena progresiva europea: se trata del cuarteto instrumental procedente de Ucrania CTHULHU RISE. El grupo se fundó en 2008 con un formato de quinteto que incluía a un vocalista, grabando un par de demos con esta formación: tras la partida del vocalista, el grupo decidió seguir adelante como ensamble puramente instrumental, contando acutalmente con la alineación de Ivan “S_D” Serdyuk (guitarras), Stanislav “Beaver” Bobritsky (teclados), Yury Demirskiy (bajo) y Andy “Gone” Prischenko (batería). Su bloque sonoro se sostiene en una confluencia de prog-metal, mathcore y jazz-rock dentro de un esquema progresivo que es, a la vez, rico en colorido sonoro y desafiante en su uso de la fuerza como esencia del lenguaje rockero. Su disco debut “42”, terminado de grabar a fines del año pasado después de que se postergaran los primeros planes de grabarlo en la segunda mitad de 2010, fue finalmente publicado por Musea en junio de este año: pasamos a reseñarlo a continuación.

‘Opus 24’ abre el disco con un contundente despliegue de vigor que se enmarca fehacientemente dentro de un aura de pulcra musicalidad. ‘Opus 22’ y ‘Opus 23’ refuerzan el proceso de consolidación de la voz musical de la banda, siendo así que aquél otorga cierto espacio de lucimiento al aporte del bajo a través del entramado grupal, mientras que éste aumenta la dosis de polenta en aras de robustecer aún más la de por sí electrizante dinámica sonora de la banda, acercándolo al paradigma de PLANET X. Esta misma descripción podrá ser válida para ‘Opus 12’. Mientras tanto, ‘Opus 26’ da un cierto relieve especial al elemento jazzero en la mayor parte de las cadencias rítmicas que se desarrollan en él, dentro de la omnipresente explosividad rockera, al modo de una cruza entre CAB y CYNIC; esto es algo que reencontraremos pletóricamente en ‘Opus 28’. Por su parte ‘Opus 27’ se vuelve a sostener sobre un balance bien cuidado entre lo metalero y lo jazz-rockero, portando un swing muy parecido al de ‘Opus 22’ (y de paso, creando espacios confluyente con lo hecho por otras talentosas entidades jazz-prog-metaleras como SPECIAL PROVIDENCE y COUNTER-WORLD EXPERIENCE). ‘Opus 19’ regresa a la sofisticación más versátil que antes hallamos en ‘Opus 26’, logrando crear coloridos y bien reguladas variaciones de ambientes a través del obviamente articulado desarrollo temático. ‘Opus 29’ es una pieza donde el sintetizador ocupa especial protagonismo en la amalgama instrumental, luciendo un extenso solo de intensos ribetes psicodélicos que se impone como una ráfaga de truenos en medio de la aparatosa tormenta sónica gestada por los demás instrumentos. ‘Opus 31’ porta bastantes herencias de las atmósferas inagotablemente incendiarias de ‘Opus 23’ y ‘Opus 12’. Ocupando los últimos 7 minutos del álbum, ‘Opus 32’, que resulta ser el tema menos apabullante del álbum. De hecho, la estructura fluida de su claridad melódica y el manejo que se hace de su inherente expresividad ubica a la banda en una especie de encrucijada entre los paradigmas de KENSO y TRIBAL TECH: así pues, para el momento de la despedida, el ensamble decide lucir la faceta más sinfónica de su perennemente vibrante visión musical.

“42” es un disco potente e intenso, prácticamente no concede descanso en cuanto a despliegue de energía y aparatosa vitalidad, pero también saca a relucir continuamente su candor melódico. CTHULHU RISE se luce como uno de los debutantes más llamativos dentro del escenario progresivo de 2012. Cabe añadir como punto final que el grupo se mantiene en un momentum creativo único, grabando y pre-produciendo nuevo material para un pronto segundo disco mientras articula su agenda de conciertos.

Muestras de “42”.-
Opus 24: http://www.youtube.com/watch?v=ITHfDeTeqwk
Opus 28 [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=Dmi7vdIpeM8
Opus 31 [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=9-oqiP8Pj9A

SCHERZOO y su segunda arremetida avant-progresiva

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos nuestra atención a François Thollot y de Zeuhl remozado SCHERZOO, con su nuevo disco titulado “02”. Un año después de su estupendo disco “01”, Thollot y compañía retoman en “02” los recursos de vigor y colorido que ya han quedado instaurados como signos esenciales de su visión musical. El grupo muestra un progreso más marcado hacia la facilidad para desarrollas estrategias expresionistas en el manejo de su propia fuerza esencial dentro de los siempre desafiantes patrones de la vertiente avant-progresiva: artesanía osada y exquisitez rabiosa, dos factores que se conjugan ágilmente en el esquema sónico que Scherzoo impone con inacabable soltura. Lejos de las atmósferas cósmicas a las que suelen aspirar otras entidades avant-progresivas del entorno francófono contemporáneo como NEOM y SETNA, SCHERZOO apuesta por un esquema sónico crudamente robusto pertrechado de muchas aristas rudas. Los músicos involucrados en esta aventura son, aparte de François Thollot a la batería, Anthony Béard al bajo, François Mignot a la guitarra, Jérémy Van Quackebeke a los teclados y Guillaume Lagache al saxofón.

 

Vamos ahora al repertorio mismo del disco. Durando poco más de 7 minutos y medio, ‘Yin/Yang’ abre el disco como una declaración de principios, poniendo buena parte de la carne en el asador a punta de una mágica confluencia que mayormente se basa en atmósferas bien cuidadas y cadencias sujetas a una ingeniería vitalmente orgánica, pero dejando también espacios para la expansión de imponentes pasajes neuróticos: en estos últimos, la banda explora una desafiante cruza de HENRY COW y KING CRIMSON. Acto seguido llega ‘02’, tema que establece una peculiar confluencia de los estándares de ZAO, EIDER STELLAIRE y UNIVERS ZERO: la sofisticación en la estructuración del afiatamiento grupal es evidente, así como lo es el carácter incendiario de la combustión interna del quinteto. ‘M.A. Suite’ sigue a continuación con la finalidad de inspeccionar otras áreas más contenidas del ideario musical de la banda, enfatizando el aspecto jazzero y jugando con elementos más líricos sin dejar realmente de lado la polenta neurótica a la hora de instalar y dinamizar el motivo central. Llega la hora de replantear el momentum iniciado por los dos primeros temas con ‘Six Feet Under’, aunque lo hace resaltando la faceta tanática del mismo, jugando traviesa y perversamente con climas y ambientes mortuorios al modo de la segunda generación del RIO francófono con afinidades free-jazzeras (NEO MUSEUM, HELLEBORE, PATAPHONIE).

 

 

La dupla de ‘Invasion’ y ‘Breaking Bad’ emerge como una vía de expansión para el refuerzo de otros elementos propios de SCHERZOO: el primero pone énfasis en síncopas y esquemas rítmicos entrecortados dentro de un discurso jazz-rockero bien amalgamado a la esencia progresiva de la banda, mientras que el segundo explora los aspectos menos oscurantistas de dicha esencia progresiva en la ilación de gráciles motivos de tonalidad preferentemente alegre. ‘Vingt-Trois’ se hace parcialmente eco de la grácil extroversión de la pieza precedente mientras la retuerce lo suficientemente como para acomodarla en una mezcla con la filuda neurosis antes presente en ‘Yin/Yang’. El camino hacia el tortuoso y torturado clímax de cierre emite una poderosa aura de monumental fatalidad. Finalmente, ‘18h09’ cierra el álbum comenzando con una convincente exploración en áreas introvertidas, aunque los recursos de neurosis y misterio sórdido no tardan mucho en emerger para brindar al oyente un nuevo ejercicio de imponente inquietud sonora.  

Como balance conclusivo de esta reseña, hay que aseverar sin reservas de ningún tipo que “02” es una de las obras más rotundas y contundentes de este año, una muestra cabal de cómo la actual escena avant-progresiva francófona viene resultando una genial heredera de sus precursores de los 70s-80s, una escena que debería ser imperdible en cualquier buena colección de rock artístico y otras variantes experimentales de rock. La visión musical de SCHERZOO está bien asentada en su actual cima creativa.

Muestra de “02”.-

02 [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=xC_jDXH9Kd8

TOE, presente y futuro de la vanguardia rockera japonesa

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno para hablar de TOE, banda japonesa que lleva bastantes años en el mundo del rock underground de su país, ganándose una buena reputación como ensamble de rock instrumental que sabe mostrar energía y sutileza con igual sensibilidad, como moviéndose a medio camino entre el post-rock y el math-rock, entrando en cualquiera de ambas áreas y apropiándose de algunas de sus pautas con solvencia e inteligencia. Formado en el año 2000, TOE ya tiene en su haber dos discos de larga duración y varios EPs, y su acto de presencia en el presente año 2012 es con un nuevo EP: “The Future Is Now”. La formación de este grupo es: Kashikura Takashi (batería y percusión), Mino Takaaki (guitarras), Yamane Satoshi (bajo) y Yamazaki Hirokazu (guitarras).
 
‘Run For Word’ abre el disco con una vitalidad electrizante que es manejada con sumo refinamiento, al modo de HELLA en su faceta más sofisticada, y también en consonancia con sus compatriotas de LITE. ‘Tsuki Kake’ vira hacia un registro distinto, que es de rock-fusión con tendencia bossanova: el etéreo canto de la invitada Aco ayuda a realzar el rol protagónico de la guitarra acústica, mientras que la aparición esporádica de capas de sintetizador funcionan como ornamentación que realza el carácter centralmente etéreo de la composición. ‘Ordinary Days’ se hace eco en buena medida del espíritu de la pieza precedente y la lleva a una dimensión más introspectiva, aunque conserva convenientes dosis de gracilidad en su armazón instrumental: es como post-rock remodelado sobre una cadencia jazzera. En nuestra humilde opinión, estos dos temas daban perfectamente para un desarrollo temático más extenso, pero así son las cosas en el concepto de cada uno de ellos en las mentes y manos de sus autores. La pieza homónima de encarga de cerrar el disco con una dinamismo mágico cubierto por las ágiles escalas de guitarras acústicas duales y sostenido por un esquema rítmico estilizadamente entusiasta. La inserción de gráciles ornamentos cibernéticos en el camino nos hace recordar un poco a GRAILS.

En conclusión, “The Future Is Now” es un muestrario interesante de lo que TOE sigue aportando productivamente a la vanguardia rockera de nuestros días: es una pena que este nuevo disco sea solo un EP cuya duración sobrepasa apenas el cuarto de hora, pero sin duda el material contenido en él es garantía de una experiencia melómana agradable.

 

Muestra de “The Future Is Now”.-

Run For Word: http://www.youtube.com/watch?v=nvJ1-UijnQo

SH.TG.N o el rock vanguardista como metralla

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy es el turno de hablar de SH.TG.N, una congregación de seis músicos belgas que provienen de diversas experiencias dentro de la vanguardia de su país: jazz, cámara contemporánea y rock experimental. Formado en febrero de 2009 por iniciativa del teclista Antoine Guenet (también miembro de THE WRONG OBJECT) con la intención de desarrollar una modalidad de rock ecléctico que fuese divertida y enérgica, el resultado se concretizó como un híbrido de avant-jazz-metal (al modo de SHINING), rock experimental (en una suerte de hermanamiento entre CYNIC, PAK, FANTOMAS y KING CRIMSON) y los aspectos más áridos del estándar del rock in opposition contemporáneo (DOCTOR NERVE, SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM). El núcleo central originario de SH.TG.N consistía en un cuarteto de teclado-bajo-batería-vibráfono a cargo de Guenet. Dries Geusens,  Simon Segers y Wim Segers, pero poco antes de su debut en los escenarios, el guitarrista Yannick De Pauw se integró al ensamble, lo cual sirvió para que éste adquiriera mayores dosis de potencia y polenta en su esquema sonoro. Con el ulterior ingreso del vocalista Fulco Ottervanger, el punche rockero se incrementó en proporción geométrica, lo cual hizo que se añadiera un elemento de airadas ansiedades y dementes descontentos en el repertorio del álbum homónimo que ahora, en 2012, publica MoonJune Records.   

La dupla de ‘Dead Baby’ y ‘Deejays Should Have Low Self-Esteem’ da inicio al álbum con fuego rimbombante y una energía atemorizadoramente contundente: el primero de estos temas juega con cadencias contenidas en aras de potencializar el ambiente siniestro en curso, mientras que el segundo exhibe una vitalidad más directa y fresca, ostentando un vigor convincente a través de su sofisticación estructural. La dupla de ‘Eyjafjallajokull’ y ‘Shitgun’ sucede al clímax desarrollado en ‘Deejays Should Have Low Self-Esteem’ con una armazón sonora donde la fuerza de carácter y la elegancia se articulan fluidamente dentro de un impulso rockero tan electrizante como ecléctico. La densa oscuridad del jazz-metal, la estilizada pomposidad del prog-metal y la actitud deconstructiva del R.I.O. son las coordenadas desde donde se triangulan los hilos temáticos y las interacciones entre los miembros del ensamble. Durando 6 ¼ minutos, ‘Camera Obscura’ elabora un clima opresivamente neurótico donde la ansiedad y la desazón se encapsulan en una ingeniería rockera incandescentemente furiosa: la armazón de la impetuosidad genera un ascenso feroz y arrollador, el mismo que se perpetúa acto seguido en esa agresiva viñeta thrash-progresiva que es ‘Save Us From Bloody Women’ (tras un engañoso preludio de piano). En medio de ambas piezas se sitúa ‘Shotgun (Afraid Of)’, pieza que traza una síntesis entre los aspectos más ceremoniosos y los más ansiosos del ideario musical que la banda ha venido mostrando hasta ahora.

‘Erase Her Dad’ y ‘A Glimpse Into Eternity’ vuelven a los terrenos de ‘Eyjafjallajokull’ y ‘Deejays Should Have Low Self-Esteem’, haciendo que sus esquemas filudos y sofisticados instauren nuevos cúlmenes dentro del repertorio del álbum. Con el radical título en español ‘Esta Mierda No Es Democracia’, el décimo tema del disco nos remite a los terrenos antes explorados por ‘Shitgun’ y ‘Camera Obscura’. ‘J33 (I Don't Wanna See)’ nos muestra a una banda que matiza más notoriamente su fuerza interior y su vitalidad tan expansiva, y lo hace apelando a una acentuación de los elementos jazzeros de su ideario musical. Así las cosas, ‘Black Beetle’, el tema que ocupa los últimos casi ocho minutos del disco, se apresta a elaborar una ágil mezcla de jazz-rock, psicodelia y avant-metal mientras recoge el empuje de la dinámica en torno a la cual se había armado la canción precedente. Con todo ello, se garantiza una conclusión elegantemente desafiante para la garra electrizante y enervante  de “SH.TG.N”, un disco particularmente rotundo dentro de la música progresiva de avanzada que se ha venid haciendo en lo que va de 2012. SH.TG.N emergió instantáneamente como un nombre importante dentro de la más reciente hornada de bandas progresivas belgas, dejándonos ahora con la impresión de estar en posición de instaurar nuevas osadas estrategias sónicas en próximos trabajos fonográficos – ¡estamos a la espera!   

Muestras de “SH.T.G.N”.-
Black Beetle [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=JmM5ZeMf_40
Camera Obscura [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=uWbvlRgRArI

El luminoso planeta sonoro de TOHPATI ETHNOMISSION

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión volvemos al mundo musical de Tohpati, el joven híbrido indonesio de HOLDSWORTH y McLAUGHLIN en el contexto de la avanzada jazz-fusion indonesia, esta vez como líder del quinteto de fusión jazz-progresiva TOHPATI ETHNOMISSION. Aquí publicamos una reseña del disco “Riot” de TOHPATI BERTIGA, ahora enfocamos nuestros oídos al disco de TOHPATI ETHNOMISSION “Save The Planet” [“Selamatkan Bumi” en indonesio], que data de 2010. El posicionamiento de este ensamble está en una encrucijada entre las sólidas dosis de colorido folklórico al estilo de SIMAK DIALOG (otro grupo donde participa Tohpati) y el vigor electrizante de TOHPATI BERTIGA. En sí mismo, TE resulta una valiosa manifestación de jazz-fusion dentro de las innumerables posibilidades que se abren a partir de la actitud de replantear los matices y ritmos de la tradición folklórica en un lenguaje y dinámica modernos. La integración de las percusiones étnicas en la armazón rítmica de los viajes instrumentales y el inventivo uso de maderas étnicas  como interlocutoras de la virtuosa guitarra de Tohpati garantizan una amalgama bien armada a través de su fuerza expresiva. Los compañeros de viaje musical de Tohpati son Indro Hardjodikoro (al bajo), Diki Suwarjiki (al suling y los soundscapes), Endang Ramdan (al kendang, gong, kenong y otras percusiones indonesias) y  Demas Narawangsa (a la batería, rebana y kempluk).
 

La pieza homónima abre el disco con un esplendor vibrantemente optimista donde se hilan los detalles del motivo central con impecable pulcritud; así, se genera un clima perfectamente idóneo para la inserción de un extenso interludio marcado por una estilizada tensión psicodélica. ‘Bedhaya Ketawang’ sigue a continuación para virar hacia contenidos climas introvertidos donde el lirismo se torna melancólico y misterioso. El canto de la invitada Lestari ayuda a reforzar la magia folclórica del asunto. La dupla de ‘Drama’ y ‘Ethno Funk’ es simplemente electrizante: ‘Drama’ funge como preludio Mahavishnu-Crimsoniano a la exquisita exhibición de extroversión y dinamismo que se encapsula en ‘Ethno Funk’. Esta pieza porta un gancho inmenso, prácticamente infinito, lo cual le permite extenderse por más de ocho minutos y medio sin hastiar al oyente. Los aires modernos a lo TRIBAL TECH que TE insufla a esta excursión musical se sienten robustamente asentados en los brillantes solos de guitarra así como en las interacciones entre el baterista y el percusionista. ‘Gegunungan’ es un breve ejercicio de reposo contemplativo dirigido por la percusión, un momento de serenidad antes de que ‘Hutan Hujan’ instaure una ágil síntesis de la vibración vitalista de ‘Selamatkan Bumi’ y la luminosidad extrovertida de ‘Ethno Funk’ con una dosis incrementada de fuerza expresiva: esto último es resultado de la inserción de adornos y matices prog-psicodélicos a varias intervenciones de la guitarra. ‘Biarkan Burung Bernyanyi’ e ‘Inspirasi Baru’ muestran facetas más contenidas de la extroversión esencial de TE: el primero de estos temas da espacio para que la flauta indonesia ocupe un rol protagónico relevante para la atmósfera general de la composición, mientras que el segundo se explaya en recursos de grácil colorido alternados por los encuadres protagónicos de cada músico en momentos sucesivos. ‘Perang Tanding’ regresa a la vitalidad frontal que ha venido marcando los momentos más llamativamente resaltantes del disco, aunque retomando los aires cálidos insuflados en las dos piezas anteriores, lo cual permite a la banda crear un nuevo momento sintético, un clímax particular dentro del repertorio. ‘Pesta Rakyat’ se revela más fiel a la tradición jazz-fusion de MAHAVISHNU ORCHESTRA: su duración menos expandida que ‘Ethno Funk’ o ‘Hutan Hujan’ obliga al ensamble a manejar el núcleo compositivo de la pieza con un especial sentido de urgencia. El epílogo del disco viene con un ejercicio de jazz-rock Holdsworth-Hendrixiano donde Tohpati se desdobla en la guitarra eléctrica y la sintetizada: un peculiar cierre para un gran álbum.
 

Son más de 67 minutos de esplendorosa belleza fusionesca lo que nos brinda “Save The Planet” [o “Selamatkan Bumi”]: TOHPATI ETHNOMISSION es un nombre a poner en lugar prioritario en una agenda de futuras exploraciones jazzeras y progresivas.  

Muestras de “Save The Planet”.-

Selamatkan Bumi [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=hLgjMBg5Exo
Perang Tanding: http://www.youtube.com/watch?v=awXhHWlNt34
Hutan Hujan [en vivo]:  http://www.youtube.com/watch?v=vsO8f0_3OVI 

MANY ARMS: tres vigorosos viajes avant-progresivos

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

 

Hoy traemos a colación a MANY ARMS, uno de los más fieros power-tríos que han emergido en los últimos años en la vanguardia rockera estadounidense: formado en 2007 en Filadelfia, sus integrantes son Johnny DeBlase (al bajo, también de ZEVIOUS), Ricardo Lagomasino (a la batería) y Nick Millevoi (a las guitarras). El centro neurálgico de la creatividad musical de MANY ARMS consiste en una intensamente neurótica amalgama de psicodelia free-form, free-jazz, noise, jazz-rock, Crimsonismo y math-rock dentro de una armazón avant-progresiva tan robusta como incandescente, y es justamente la modalidad preeminente de esta incandescencia que permite a MANY ARMS establecer nexos estilísticos con otras entidades aventureras como SCORCH TRIO, ZS y KOREKYOJINN. Tras dos discos de larga duración (“Palabras Malas” y “Missing Time”) y un EP (“Ocean Of Snakes”), Many Arms vuelve a plasmar un registro fonográfico para este año 2012 con el nombre de la banda. “Many Arms” es un catálogo de tres largos viajes genialmente espeluznantes trazados y recorridos según reglas que, traviesa y mórbidamente, desafían las reglas de la música misma: vayamos ahora a los detalles.

  

Durando casi 16 minutos, ‘Beyond Territories’ abre el disco como un incendio sonoro que arrasa con todas las convenciones de la estructura musical en aras de celebrar el caos y la perturbación: áreas sónicas se van armando y entrecruzando con pulso firme y radical liberalidad, conjugándose en la manifestación de una fuerza surrealista donde todo es aventura, un despliegue de inteligencias egocéntricas que se buscan y desencuentran continuamente. La ilación de motivos cacofónicos con otros aleatoriamente expansivos está fabulosamente armada a través de la imparable ráfaga de racionalidad posmoderna que el trío refleja en su propuesta. A continuación sigue ‘In Dealing With The Laws Of Physics On Planet Earth’, pieza que dura casi 16 minutos y medio nos confronta ante un escenario muy distinto, minimalista y solipsista, basado en el manejo delicado de lentas escalas de guitarra cuya sobriedad externa no oculta la latente densidad emocional que subyace a la armazón sonora que el trío elabora con lúcido sigilo. Tratándose de una composición del baterista, resulta curioso que se trata de una composición mayormente focalizada en atmósferas y no en el ritmo o la simple y llana demostración de vigor rockero, pero eso no quiere decir que no haya una buena dosis de polenta en esta pieza. De hecho, poco antes de llegar a la barrera del décimo minuto y medio, el grupo elabora un crescendo monocorde que se deriva a un epílogo robusto y cadencioso cuya vibración opresiva bebe intensamente del estándar Crimsoniano. Los últimos 13 minutos del álbum están ocupados por ‘Rising Artifacts In A Five-Point Field’, un alucinado vuelo musical donde el grupo enfatiza la inescrutable expansión expresiva de sus preocupaciones más caóticas. La inserción de un solo de batería ayuda a canalizar el inconmensurable dinamismo incandescente que transcurre en un feroz continuum, un momento de focalización de la energía antes de volver a la lógica de búsquedas y desencuentros mutuos entre los tres músicos dentro de una aventura común: en el caso específico de la última sección de esta pieza, el trío se divide entre una bien armonizada dupla de guitarra-bajo y una batería que sigue proyectándose en las vías abiertas por el solo precedente.

Este disco es brutal, portador de una genialidad alucinada que se alimenta tanto de las brumosas llamas del infierno como de las electrizantes fuentes de energía del subconsciente, una peligrosa invitación a explorar esa temeraria luz que ostenta su tanático esplendor más allá de la razón: MANY ARMS utiliza magistralmente las artes de hacer música vanguardista para desarrollar un lúcido retrato sonoro de la demencia cósmica.

 

 

Muestra de “Many Arms”.-

Rising Artifacts In A Five-Point Field: http://www.youtube.com/watch?v=WpsyOFOXGRg

El brindis de despedida de VIAJE A 800

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento de mirar a Algeciras, ciudad de la provincia de Cádiz para prestar nuestros oídos y mentes al cuarteto español VIAJE A 800, el cual cancela su trayectoria musical con su disco “Coñac Oxigenado”. Este grupo se formó en 1996, y a lo largo de todo su proceso vital se han concretizado maquetas, grabaciones compartidas, muchas actividades sobre el escenario, algún que otro periodo de hibernación, cambios de formación, etc. El legado de VIAJE A 800 es una discografía consistente y admirable en términos de espíritu de aventura en el discurso del rock, aunque también ha sido bastante inconstante: “Diablo Roto De” (2001), “Estampida de Trombones” (2007), y finalmente, “Coñac Oxigenado”. La alineación que grabó este disco fue: Alberto Mota (bajo, teclado, Theremím y voz), Jess Carbone (batería y percusiones), Pol Elder (guitarras, mandolina, coros y percusiones) y Juan Adicto (guitarras y voz).

Durando poco menos de 12 ½ minutos, ‘Oculi  Omnium In Te Sperant Domine’ abre el disco a pura caña, exhibiendo en su primera sección una sólida mezcla de stoner, tradición Sabbathiana clásica y psicodelia ácida a lo GURU GURU (etapa 70-72) que fluye con una polenta sumamente electrizante, tanto en los pasajes explícitamente explosivos como en los interludios más constreñidos donde el grupo se recrea en ejercicios de lentitudes sincopadas. La segunda sección se focaliza en torno a la remodelación del riff central y el desarrollo de un extenso solo de batería sazonada con ornamentos percusivos y palmas de flamenco. ‘Ni Perdón Ni Olvido’ perpetúa la actitud de filudo vigor introducida por la primera pieza y aumentando un poco la dosis de frenesí. ‘Eterna Soledad’ cambia de registro con un viraje hacia actitudes introspectivas y una presencia dominante de la guitarra acústica: con una cercanía estructural al estándar del acid-folk y un manejo sobrio de escalas propias del folclore sureño y atmósferas europeo-orientales, el grupo maneja con buen nervio el permanente clima de expectación contemplativa, una actitud de entregarse a las visiones que se presentan ante los ojos y los matices vibrantes a través de los oídos. Cuando se afianza el momentum de intensidad rockera, los efluvios rockeros están signados por el paradigma stoner, tal vez coqueteando un poco con el factor post-metalero, asumiendo así una cierta afinidad con TOUNDRA y otras bandas de esa vertiente. También ayuda que J.M. Sagrista, uno delos encargados de la grabación del disco, aporte un solo de guitarra desde el rol de invitado especial. ‘Tagarnina Blues’ es un blues-rock remodelado bajo pautas psicodélicas cuya función principal parece ser la de contribuir un poco de garra adicional a la espiritualidad contemplativa que emergió desde la pieza precedente y que, de laguna manera, sigue haciéndose presente. Los ceremoniosos monólogos de Poti ayudan a reforzar esta sensación.

Los últimos 14 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘What’s Going On’, pieza marcada por una especie de oscura languidez que el cuarteto maneja con soltura y un bien cuidado juego de interacciones. Las huellas de AGITATION FREE, el PINK FLOYD de la etapa “Ummagumma” y las facetas más sutiles de ASH RA TEMPEL sirven de inspiración a la banda para darle una revitalización convincente a la ideología psicodélica en curso. La materia pesada de los guitarreos en los momentos más enérgicos se convierte así en una nebulosidad envolvente cuya rigurosa expresividad nunca se hace apabullante, a pesar de la fuerza de carácter que exhibe: el clímax con el que termina la pieza redondea la inquietud rockera a la vez que enfatiza los elementos cósmicos. Un muy buen cierre para un estupendo álbum, una muy placentero brindis de despedida para la carrera fonográfica de VIAJE A 800. “Coñac Oxigenado”, como un todo, debe ser apreciado como un valioso testamento de parte de una de las entidades más interesantes de la nueva generación psicodélica que ha venido emergiendo a lo largo del nuevo milenio en varios rincones de la vanguardia rockera española.    

Muestras de “Coñac Oxigenado”.-

Oculi Omnium En Te Sperant Domine: http://www.youtube.com/watch?v=L0cuWa03O_s
Eterna Soledad: http://www.youtube.com/watch?v=qijM3fSvD9M

LIGRO nos trae un contundente diccionario musical

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.


Hoy es el turno del power-trío indonesio LIGRO, combo fundado en 2004 por el guitarrista Agam Hamzah y el bajista Adi Darmawan: completado con el baterista-percusionista Gusti Hendi, LIGRO conforma una de tantas ofertas notables dentro del área de la vanguardia jazz-rockera de los últimos años. El nombre del trío viene de poner al revés la palabra indonesia que significa “gente loca”, y de por sí, hay mucho entusiasmo desbordado en las manifestaciones musicales encapsuladas en los dos discos que por ahora tiene en su curriculum vitae – “Dictionary 1” y “Dictionary 2”. Este último ha sido recientemente publicado en 2012 por el sello MoonJune Records, y es el que nos congrega ahora. LIGRO es un grupo que ya está bastante curtido tras sus numerosas participaciones en conciertos y festivales de jazz y rock experimental dentro y fuera de su país: su sonido robusto y contundente bebe de las influencias de MAHAVISHNU ORCHESTRA, TRIBAL TECH, TERJE RYPDAL, ALLAN HOLDSWORTH, así como de las herencias inmortales de CREAM y JIMI HENDRIX, así como del estándar del rock progresivo psicodélico: la banda sabe mantener una actitud compacta y refinada en sus interacciones a través de la inmensa polenta que invierte en ellas.

‘Paradox’ abre “Dictionary 2” con una frontal demostración de filuda extroversión, bien sustentada sobre el ágil swing de la batería, mientras que los diversos riffs guitarreros hilan momentos de estilizada excitación y el bajo tiende efectivos puentes entre los flujos de la guitarra y el esquema rítmico en curso. ‘Stravinsky (With Bach Intro)’ comienza con una breve serie de sucesivos solos de bajo y guitarra, para luego enfilarse hacia un despliegue de vitalidad frenética que se orienta por una confluencia entre las líneas de MAHAVISHNU y de HENDRIX, con algunos ribetes Crimsonianos explayándose también por ahí. ‘Future’ está armado en clave de blues dentro de una actitud esencialmente jazzera, mientras que ‘Don Juan’ adopta ciertos matices funk dentro de un ejercicio vitalista mas no muy estridente de jazz-rock: estas dos piezas pueden disfrutarse como momentos de oportuna constricción (relativa) tras los despliegues de hierro y fuego que tuvieron lugar en los dos primeros temas. ‘Bliker 3’ es un viaje de casi 11 minutos de duración donde el grupo delinea y explora trayectorias psicodélicas donde los recursos de extravagancia cósmica nos remiten un poco a PINK FLOYD y a AGITATION FREE, así como al aspecto ensoñador del HENDRIX más onírico.

Con ‘Etude Indienne’, la banda prosigue por esta senda de alucinadas añoranzas psicodélicas, en esta ocasión enfatizando el factor krautrockero por vía de una ágil mezcla de AGITATION FREE y ASH RA TEMPEL, matizada con la vibración india propia de la reflexividad exótica del estándar de MAHAVISHNU: en este momento del disco, LIGRO ya tiene arrojadas sobre la mesa todas las cartas de su baraja musical, y a partir de ahora, procurará mantener la frescura de su propuesta hasta el final... ¡un plan que se concretizará magistralmente! El caso de ‘Etude Indienne’ es que tiene una estructura donde se va armando sostenidamente un clímax rockero que nos recuerda bastante a la filuda extroversión desarrollada en el primer tema del álbum. ‘Miles Away’ es una pieza serena, intimista, algo conveniente para hacer contrapeso a la robusta armazón del clímax de ‘Etude Indienne’. Los últimos 13 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Transparansi’, tema que expone una definitiva síntesis de fusión y psicodelia en base a un jam donde se conjugan relax y densidad. El pulcro manejo de contrastes entre climas serenos y explosivos y los desafiantes usos de progresiones disonantes a cargo de la guitarra y el bajo son señas destacadas del impacto que los recursos de intensa expresividad antes elaborados en ‘Paradox’, ‘Bliker 3’ y ‘Etude Indienne’ crean en la fuerza esencial del trío. Sin duda, ‘Transparansi’ resulta un muy coherente broche dorado para un disco repleto de férreos dinamismos e incandescentes vibraciones.

En fin, “Dictionary 2” es un disco convincentemente explosivo y genuinamente refinado, una estupenda carta de presentación para quienes estamos descubriendo tardíamente la visión musical de LIGRO. Este disco no tiene pierde para los amantes del jazz-rock y de la experimentación jazz-progresiva - ¡recomendado!

Muestras de “Dictionary 2”.-
Don Juan [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=gBGj5gFNfec
Transparansi [e nvivo]: http://www.youtube.com/watch?v=ijzKnQQS-io

Los disturbios sónicos de LIQUIDARLO CELULOIDE

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de hablar un poco sobre LIQUIDARLO CELULOIDE, un ensamble peruano de rock experimental formado en 2003 como vehículo de expresión musical para el sintetista y artista gráfico Juan Diego Capurro: actualmente, LIQUIDARLO CELULOIDE es ya un nombre importante dentro de la vanguardia limeña. “Disturbia Ingrávida” es el ítem fonográfico que la banda ofrece en el año 2012, conformando el séptimo de su trayectoria. Con el paso del tiempo, la línea de trabajo de este ensamble pasó desde la electrónica abstracta de tenor incidental y ambiental hasta una filuda demostración de vigor rockero excéntrico y abstracto basado en una confluencia de noise-rock, psicodelia e improvisaciones deconstructivas bajo un esquema sónico decisivamente aguerrido: los compañeros de aventuras de Capurro para estos disturbios sónicos son el guitarrista Javier “Chuti” Manrique Corzo y el baterista Alfonso Vargas. El logro central de “Disturbia Ingrávida” consiste en reforzar las raíces de su evolución hacia sonoridades más agresivas que ya se había plasmado cabalmente en sus dos discos de 2010 “Cruzyficción Monosódica” y “Sinapsis”, logrando simultáneamente crear un híbrido de los espíritus dominantes de ambos discos y potencializar los mencionados espíritus en aras de revitalizar su radical ideología estética.     

 
‘En El Lenguaje De Las Tormentas’ es un prólogo de casi 3 minutos de duración cuya aleatoria amalgama de ornamentos de sintetizador, guitarra y platillos prepara el terreno para el auge de ‘Altar A La Tecnología Intuitiva’, pieza que se articula en torno a un infernal caos surrealista sobre una parsimoniosa cadencia de la batería: bajo esta arrolladoramente amenazante arquitectura sónica, el ensamble celebra y deconstruye a la vez el rol del ruido dentro del rock. Otras dos piezas sucesivas de corto aliento, ‘Lógica En La Naturaleza De Lo Imposible’ y ‘Bengalas a Medianoche’, se encargan de asentar y afianzar el ambiente general de lisérgica inquietud y oscuro misterio que inunda el disco: ‘Lógica En La Naturaleza De Lo Imposible’ está armada sobre un efectivo juego de síncopas principalmente marcado por los efectos cibernéticos en curso, mientras que ‘Bengalas a Medianoche’ establece una apabullante mezcla de kraut (al modo de un bizarro híbrido de FAUST y ASH RA TEMPEL) y post-metal (el guitarreo parece retratar gigantescas nubes que flotan en un paisaje irreal). Acto seguido emerge ‘Fruto Del Bien, Árbol Del Mal’, un viaje de 8 minutos de duración dividido en dos secciones. En él, la banda explora y ensancha los confines más osadamente abstractos de su propuesta musical, haciendo de la deconstrucción, más que una simple posición estética, un auténtico modo de sentir el impacto de la angustiante fiereza del mundo contemporáneo en la psique humana. Los legados de KLUSTER y KLAUS SCHULZE adquieren un renovado vigor en manos de Capurro & co. ‘Vida Nocturna De Un Pueblo Fantasma’ no emerge precisamente para apaciguar el impacto de las electrizantes llamas de esta aventurera dimensionalidad abstracta que el grupo genera a través de su propuesta rockera: por el contrario, debido a que contiene en buena parte enfoques rítmicos más definidos (desde lo machacante hasta lo sutil), la oportunidad está dada para que las vibraciones opresivas inherentes a la esencia de LC se incrementen en proporción geométrica. Los momentos finales sirven para retomar los ecos del cerebralismo desafiante que con tanta liberalidad se había desarrollado en ‘Fruto Del Bien, Árbol Del Mal’. Durando más de 11 minutos y medio, ‘Fosforescencias Más Allá De La Luz’ cierra el álbum con un aura reposada inicial que no oculta la arrebatadora tensión emocional de trasfondo. El carácter constreñido de la primera mitad  mantiene una pertinente aureola contemplativa desde la que la banda sustenta una atmósfera de expectativa a través de la opresivamente minimalista bruma sonora que se explaya ceremoniosamente a través del espacio. La segunda mitad se concentra en una suspensión misteriosa de abstracciones cibernéticas, un nuevo ejercicio de tensión aleatoria que revela un colorido más variado en recursos que el mostrado en las piezas anteriores del repertorio; de este modo, el disco redondea su círculo temático de forma coherente sin perder el sentido de la sorpresa.    
 

Lo que hace LIQUIDARLO CELULOIDE con este disco es instaurar un sólido emblema de una de las potencialidades más interesantes de experimentación rockera que se hacen en el underground peruano contemporáneo por el lado del noise y la psicodelia, una labor de asimilación de nuestros tiempos modernos y a la vez de desafío frontal contra las pautas convencionales del arte y la música. “Disturbia Ingrávida” tiene que ser una de las instalaciones sonoras más relevantes de la vanguardia peruana en este año 2012. El ahora cuarteto de Juan Diego Capurro, Alfonso Vargas, Efrén Castillo Posadas, Chicho Perez Riva tiene más proyectos para el futuro cercano así que… ¡a seguirle la pista!
 

Muestra de “Disturbia Ingrávida”.-

Altar A La Tecnología Intuitiva: http://soundcloud.com/buhrecords/liquidarlo-celuloide-altar-a

THE SATELLITE y el prólogo a un nuevo orden de la vanguardia rockera peruana

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el día de hablar sobre THE SATELLITE: formado a fines de 2006 bajo la iniciativa del baterista Rubén Guzmán y el guitarrista Jonathan Castro, este grupo limeño ha venido instalándose como una voz líder dentro de la experimentación post-rockera del Perú. Desde su etapa germinal, el grupo pronto aumentó a cuarteto con las sucesivas entradas de los guitarristas Gonzalo López e Ítalo Rossi, y tampoco tardaron en llegar las pruebas objetivas de su creatividad: en efecto, el disco “Widescreenoscopio” (2007) y el EP “124” (2008) fueron subidos a la red de Bandcamp, revelando a THE SATELLITE como un ensamble de gran fuerza expresiva que sabía hacer un uso dinámico de los estándares del post-rock (al modo de EXPLOSIONS IN THE SKY, NEUROSIS y MOGWAI), el shoegaze, la psicodelia y el noise-rock (al modo de SONIC YOUTH, legendario ensamble estadounidense a la que casualmente THE SATELLITE teloneó en su paso por la capital peruana). El nuevo aporte fonográfico del grupo viene con “Epílogo/Caos”, EP grabado y mezclado en el estudio Mundano Records entre marzo y mayo de 2012, posteriormente publicado a fines del siguiente agosto.
 

El mencionado EP “Epílogo/Caos” no solo está asequible para escuchar en Bandcamp sino que también se ha beneficiado de una edición limitada de 50 ejemplares, la misma que fue presentada en un concierto que tuvo lugar el 28 de agosto pasado en la Noche (centro cultural muy importante en la bohemia artística del distrito limeño de Barranco). Pasamos ahora a repasara los dos temas de su repertorio. ‘Oda’ tiene un aura robustamente grisácea que se luce través de la amalgama de los mutuos diálogos de los guitarreos y las variaciones temáticas, las cuales nos transportan desde parajes de agilidad hasta bosques de pesadez en las dimensiones oscuras de la melancolía. Por su parte, ‘777’ [dividido en las secciones autónomamente tituladas ‘Este Lugar No Debe Ser Jamás Destruido’ y ‘Satori’] desarrolla un área de expansión aún más sofisticada para la expresividad musical de la banda, manejando ambiciosos esquemas rítmicos y refinadas labores de artesanía multi-guitarrera a través de un esquema sonoro marcado por una mayor luminosidad a lo largo de la ilación de los varios motivos en curso. El pasaje final merece una mención especial por su lirismo épico, el cual se mantiene solventemente sostenido por el filuda arquitectura de la batería: este clímax nos hace realmente lamentar que la experiencia melómana de “Epílogo/Caos” dure menos de 20 minutos.
 
A despecho del título, este disco es la antítesis de la expresión del caos, pues refleja la madurez potencializada de un ensamble donde sus unidades integrantes saben cómo afiatarse en un esquema sonoro sólido y contundente. Tampoco es un epílogo, pues la banda está proyectando una agenda de trabajo donde se incluye la próxima edición de un vinilo, y además, ha incorporado recientemente en sus filas al bajista Alonso García Herbozo con miras a fortalecer la ingeniería rítmica. Así las cosas, solo cabe concluir que es prudente y necesario tomarle el pulso a la vanguardia rockera peruana a través de lo que ha venido haciendo y seguirá haciendo el ahora quinteto THE SATELLITE.

 

Muestra de “Epílogo/Caos”.-

777: http://thesatellite.bandcamp.com/track/777