"Romantic Warriors II: About Rock In Opposition" - reseña en dos partes (II)

Versión alternativa de la portada del DVD

PARTE II

La figura del cineasta y productor musical Giorgio Gomelsky también tiene una justa presencia dentro del documental, pues como promotor musical de THE ROLLING STONES y THE YARDBIRDS había conseguido situarse en una buena posición dentro del negocio musical del rock, y su atención por Magma permitió al susodicho ensamble francés promover su osada y enérgica visión musical en escenarios dentro y fuera de su país. De esta manera, la exposición de Magma condujo a generar simientes de motivaciones y estímulos creativos únicos para las mentes de quienes posteriormente habrían de convertirse en los impulsadores del rock in opposition; también apoyó la difusión de la música de SOFT MACHINE y GONG. Más aún, en 1978 fundó el Zu Club en Nueva York, donde el 8 de octubre del mismo año organizó el Manifestival of Progressive Music, el cual sirvió no solo para darle mayor presencia a los grupos del RIO dentro del circuito estadounidense sino también a banda nacionales que pugnaban por exponer sus propuestas vanguardistas– es el caso de THE MUFFINS, cuarteto profundamente influido por el Canterbury, tal como testimonia su baterista-percusionista Paul Sears.

            Cartel del legendario Manifestival of Progressive Music en el Zu Club (octubre '78)

Mientras su carrera musical se iba diversificando, Cutler fundó Reccomended Records en 1978; poco después, tras la desintegración del proyecto de AKSAK MABOUL, Hollander fundó Crammed Discs. En 1984, al otro lado del Atlántico, Feigenbaum fundó Cuneiform Records con la misma finalidad que tuvieron Cutler y Hollander para hacer lo propio: crear espacios de difusión para propuestas musicales diferentes que son sistemáticamente negadas por el sistema del mainstream, y esto sign ifica la persistencia de la resistencia inconformista del RIO. A poco de pasada la barrera del 53er minuto, aparece un colorido anagrama de nombres de sellos independientes dedicados a la producción y difusión de bandas vanguardistas, lo cual muestra que esta inquietud de resistencia inconformista puede surgir en cualquier momento en cualquier lugar. El impulso de estos sellos permite dar cabida a iniciativas de diversas parte del mundo, como las de MIRIODOR, THINKING PLAGUE, HAMSTER THEATRE, SKELETON CREW, PERFUME D’MUJER, JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ LEDESMA, ABSOLUTE ZERO, NEBELNEST, ALTERED STATES, DEUS EX MACHINA, FORGAS BAND PHENOMENA, FOREVER EISNTEIN, CHEER-ACCIDENT, y un eterno etcétera, además de rescatar material viejo ya agotado o que había quedado semi-perdido en la leyenda del rock de los 70s.  

Miscelánea lista de sellos centrados en el avant-prog

La idea central que Schmidt y Zegarra dejan desarrollarse en el tramo de la segunda mitad del documental es que los ideales del rock in opposition todavía resulta válida como vía de exploración musical dentro del amplio arco iris de vertientes progresivas que siguen motivando a los grupos jóvenes, maduros y viejos que aún se mantienen en activo a seguir produciendo música. La asignación de las etiquetas RIO/Avant-Prog y Zeuhl en la ambiciosa enciclopedia virtual ProgArchives (a estas alturas, un punto de referencia prácticamente indiscutible para la comunidad mundial de amantes y coleccionistas de cosas progresivas) se muestra como prueba de ello. Chris Cutler deja constancia de que está al tanto de la difusión y ampliación que ha estado recibiendo el concepto del RIO en las propuestas de rock de vanguardia de los últimos años: hay una necesidad de categorizar estas propuestas experimentales de nueva hornada y parece que RIO resulta una fórmula donde ellas encajan más fácilmente (“se convierte en propiedad pública”, según sus propias palabras). Feigenbaum muestra cierta preocupación por la facilidad que algunos tienen de equiparar a varios grupos contemporáneos que practican formas vanguardistas de rock con los viejos héroes del RIO o del Zeuhl, pero sí ve con complacencia que se formule la categoría de “rock avant-progresivo” como una plataforma conceptual lo suficientemente para englobar a las bandas RIO, Zeuhl, math-rock, etc., de tal modo que los “excluidos” gocen de alguna forma de inclusión dentro del cada vez más globalizado ideario progresivo de nuestros tiempos. Por otra parte, resulta curiosa la experiencia del guitarrista de THINKING PLAGUE Mike Johnson cuando cuenta que la misión inicialmente proyectada para este grupo era la de revitalizar lo mejor de las herencias de las legendarias bandas del género progresivo cuando aún ostentaban una visión vanguardista, además de sentirse influenciado por ART BEARS… “pero fue después que me enteré de que lo que hacíamos en TP era rock in opposition”. Este “despistado candor” parece mostrar que los cánones recurrentes (por así decirlo) en la gran diversidad de bandas dedicadas al prog de vanguardia se han instaurado como una pauta estilística comprehensiva para los coleccionistas y comentaristas de rock experimental, ese afán que mencionaba Cutler de entender ese espíritu tan abiertamente desafiante. La actitud de los dos músicos del grupo británico GUAPO David Smith y Kavus Torabi que aparecen entrevistados es de una entrañable humildad: para ellos es un honor que se les agrupe bajo la misma etiqueta de sus grupos favoritos que han marcado tan profundamente a su propia creatividad.

Volviendo al hecho de la existencia de la “hidra de tres cabezas” ONCE UPON A TIME IN BELGIUM, podemos ver que en los hechos y acciones, Daniel Denis y Roger Trigaux, los ideólogos de UZ y PRESENT respectivamente, están totalmente dispuestos a tender puentes con los herederos del sueño del rock in opposition, generar espacios de mutua integración, confiar en que los portadores de la nueva savia serán capaces de insuflar nueva vida a las viejas composiciones. Las distinciones que hace Pierre Chevalier, pianista de las tres bandas, es bastante reveladora: PRESENT encarna la faceta agresiva, potente, “punk” del RIO, UZ ofrece una estructura más académica a esta energía originaria del RIO, mientras que Aranis encarna la búsqueda de la perfección estilizada de la forma. Kerman describe a ARANIS como el portador del sonido preciso, a PRESENT como el portador del sonido fuerte y a UZ como el engarce entre los dos. Carla Kihlstedt, violinista del ya extinto ensamble SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM expresa su fluida afinidad con los ideales anti-comerciales y de pensamiento radical del RIO, su sentimiento de cuán actual se siente su propuesta sonora a pesar de fue generada a fines de los 70s. Por su parte, Johnson expone su concepción del arte musical como una vía para expresar su incertidumbre y sensación de urgencia ante la autodestrucción de la sociedad moderna, mientras que su colega Willey se proyecta más bien hacia su propio mundo, un mundo donde se explayan diversos caminos de exploración en la fusión, los folclores europeos y la experimentación de la academia posmoderna. Entre los dos se completan dos de las misiones centrales del rock in opposition original: utilizar el lenguaje del rock como vehículo de exploraciones inesperadas y emplear la música del rock como medio de expresión contestataria ante los malestares de la sociedad moderna.    

Once Upon a Time In Belgium en acción

En relación con esto último, cabe destacar el rol de bisagra intergeneracional que encarna el visionario baterista Dave Kerman, quien aparece en esta congregación OUATIB desde su posición de baterista en ARANIS: habiendo sido fundador de 5UU’s y habiendo pasado por las filas de THINKING PLAGUE en los 90s, Kerman es el perfecto catalizador para la sustentación de este diálogo crucial entre estos veteranos y estas jóvenes figuras del RIO francófono. A partir de su modus operandi en los diversos proyectos de avant-rock y chamber-rock en los que ha estado y sigue estando involucrado, se puede concluir que él encarna la urgencia actual por ceder la posta a las nuevas generaciones de bandas influidas por las primeras formas del Zeuhl y el rock in opposition para que dirijan los caminos nuevos que ya han venido forjando y afianzando desde los 90s (o incluso, desde fines de los 80s). Lo mismo vale para la actividad desarrollada por la recientemente extinta banda estadounidense SGM, el enérgico ensamble quebequense MIRIODOR, el constantemente autorrenovado grupo británico GUAPO, y nos permitimos añadir menciones a las nuevas hornadas de bandas italianas (YUGEN, SKE, RUNAWAY TOTEM, NICHELODEON, etc.), francesas (XAAL, NEBELNEST, ONE SHOT, etc.) y japonesas (RUINS y sus derivados, HAPPY FAMILY, KOENJIHYAKKEI, KOREYKOJINN, THE WORLD HERITAGE, BONDAGE FRUIT, POCHAKAITE MALKO, etc.) que hacen de la extravagancia posmoderna una estrategia vital para seguir creando caminos drásticamente aventureros dentro de la música progresiva de nuestros días. Estos son solo unos cuantos ejemplos que salen a colación en el momento, pues son muchos los países de donde surgen iniciativas inspiradas en est6e particular ideario progresivo. Volviendo al caso del ensamble ARANIS, que bajo la dirección del contrabajista Joris Vanvinckenroye se erige como uno de los más destacados campeones del chamber-rock contemporáneo, vemos cómo recibe el aval directamente de manos de los maestros Trigaux y Denis: la impresionante imagen de 17 músicos plasmando esquemas sonoros tan desafiantes como elegantes es una imagen de consonancia intergeneracional que se explica e impone por sí misma.

Todo esto lleva finalmente a la fundación del RIO festival en el sur de Francia, más exactamente, la localidad de Carmaux: esta iniciativa producida por Michel Besset y Roger Trigaux, cuya primera edición tuvo lugar en abril de 2007, congrega regularmente a varios grupos y artistas procedentes de diversos países y de diversas décadas en la Maison de la Musique de Cap Découverte. La estilizada vitalidad de YUGEN es testimoniada como una labor de colaboración un núcleo creativo asentado en Italia y ramificaciones internacionales (incluyendo a colaboradores que también tocan en UZ y  TP): la interacción es necesaria para concretizar visiones musicales particularmente complejas. Ver a Tutsida Yoshida lucirse a la batería y un sampler como RUINS ALONE es todo un lujo: Besset describe su ethos musical como propio de quien tiene la prisa por coger el metro a tiempo, aunque en persona se le nota una actitud más relajada, incluso despreocupada. Por su parte, Kavus Torabi (el más reciente guitarrista incorporado a las filas de GUAPO) señala que una de las exigencias de comprometerse con esta línea de trabajo es que hace falta acomodar la agenda para tocar en varios grupos y así poder sostenerse sobre el amor al arte. 

Cartel del primer Festival de Rock In Opposition del nuevo milenio

                    

Michel Besset, Roger Triagux, Daniel Denis y otros músicos departiendo en un descanso del Festival RIO 2011

La conclusión general del primer documental “Romantic Warriors” se reitera aquí para el caso del legado del ideal del rock in opposition: éste tiene todavía mucho campo de expansión en la creatividad e inspiración de nuevas entidades musicales que ya se han estado posicionando dentro del gran escenario de la experimentación del rock y la música contemporánea en general. En todo caso, como observación menor y muy colateral, habría que ver cómo el Zeuhl, que en principio es un concepto solipsista diseñado para encuadrar la música de Magma como “espíritu que pasa a través de la materia”, generó también un sub-mundo de vanguardia musical en el underground francés con otras bandas vecinas o derivadas del combo dirigido por Christian Vander (ZAO, WEIDORJE, ESKATON, EIDER STELLAIRE, PSEU, SHUB-NIGGURATH, YOG SOTHOTH, etc.), e incluso hay propuestas de renovación del ideario Zeuhl por una nueva generación de bandas en los últimos dos decenios, muchas de las cuales incluyen a ex-colegas recientes de Vander (ONE SHOT, NEOM, XING-SÁ, SETNA, SCHERZOO, etc.).

Roland Millman narrando 

Más allá de esta advertencia sobre cómo vale la pena explorar otras áreas de música avant-progresiva del pasado y del presente, “Romantic Warriors II: About Rock In Opposition” resulta un recorrido meticuloso e inmensamente revelador sobre lo hecho y lo que se está haciendo todavía en las orillas y vertientes más osadas del rock artístico. Y por qué no, este registro también puede ser un catalizador de idea para el futuro: Adele y José han manejado sabiamente las imágenes y sonidos para que articulen plenamente el significado de la persistencia y reformación de estas vertientes, con un ágil narrador como Roland Millman aportando un carisma adicional al mensaje. Se anticipa que habrá un pletórico cierre de círculo cuando se proyecte “Romantic Warriors II: About Rock In Opposition” durante la tercera jornada de la próxima edición del Rock In Opposition Festival, tal como se anuncia en el cronograma publicado en el enlace http://www.rocktime.org/rio/index.php/en/program/sunday-23 – el ideal del rock in opposition se mirará a sí mismo a través del tiempo y en busca de nuevos tiempos.           

"Romantic Warriors II: About Rock In Opposition" - reseña en dos partes (I)

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el momento muy especial de hablar del nuevo documental dirigido y producido por la dupla de Adele Schmidt y José Zegarra Holder, que retoma su labor de amor hacia el rock progresivo y esta vez lo hace enfocándose en uno de sus episodios históricos más desafiantes: el movimiento Rock In Opposition, la manifestación proactiva de los que quieren crear espacios de difusión  y expansión de su música fuera de y frente a los esquemas de ventas y ganancias de las pocas grandes corporaciones del negocio musical. El puntualmente titulado documental “Romantic Warriors II: About Rock In Opposition”porta un esquema narrativo en base a dos trayectos que se desarrollan en simultáneo: uno es el viaje de investigación que hace el propio José Zegarra en aras de esclarecer los orígenes, perspectivas y significado del rock in opposition como concepto de hacer y promover un rock diferente y apartado del mainstream; el otro trayecto es el que va desde las sesiones de ensayo hasta la presentación del colectivo ONCE UPON A TIME IN BELGIUM, una magnífica congregación de músicos de PRESENT, UNIVERS ZERO y ARANIS, en la edición 2011 del Rock In Opposition Festival (en Carmaux, Francia). De hecho, el flujo narrativo del documental halla su orientación final en las imágenes del ensamblaje, preparaciones y la concreción final de su primera presentación e n el RIO Festival porque esta hidra avant-progresiva de tres cabezas encarna, a la vez, el pasado y el presente del concepto de rock in opposition: la existencia de ONCE UPON A TIME es un recurso de celebración y revitalización de algunas de las principales orientaciones sónicas que se dieron en la sección francófona desde fines de los 70s y a lo largo de la primera mitad de los 80s, y que ahora ARANIS y otras entidades mantienen en vigencia desde los 90s en adelante. La línea común de estos dos trayectos lleva desde los motivos originarios del rock in opposition como movimiento artístico y anti-mainstream hasta el afianzamiento actual de bandas dedicadas a cultivar el rock progresivo de vanguardia desde fines de los 80s en adelante, culminando en la institucionalización del RIO festival en el sur de Francia. Hay más información sobre este excelente ítem en los enlaces http://www.progdocs.com/Home.html y http://www.progdocs.com/RW_Vol._2.html , pero aquí desarrollaremos nuestra propia apreciación del mismo en dos partes.

Adele y Pepe

PARTE I

En líneas generales, Chris Cutler, Dave Kerman y varios músicos de UNIVERS ZERO y PRESENT son los más acuciosos de todos los personajes entrevistados; la presencia de Steven Feigenbaum, presidente de Cuneiform Records, también es vital para efectos de información, análisis y comentarios descriptivos. En las entrevistas concedidas por algunos de los músicos, salen bien pronto a colación los nombres de MAGMA (la visión musical de Christian Vander), MILES DAVIS y FRANK ZAPPA como influencias motivadoras para el delineamiento de las propias propuestas musicales de HENRY COW y UNIVERS ZERO, respectivamente. El maestro Vander es una figura guía para que el espectador se deje llevar por la ilación del documental: su leitmotiv de componer “música que no existe en ningún otro lugar” y la noción de “penetrar dentro de sí mismo para descubrir un nuevo universo y seguir ahondando cada vez más profundamente en él” reflejan su intención de crear una peculiar revolución musical dentro de la vanguardia rockera desde 1969, a partir de una propuesta de “música sobria y silenciosa” como alternativa a lo que él veía como ostentaciones artificiosas del tipo de rock que se hacía bajo los parámetros del “Flower Power” y el pacifismo elemental de la ideología hippy. La gente de UNIVERS ZERO también traerá a colación este distanciamiento diametral frente al carácter ensoñador del pacifismo hippy al explicar su interés por variantes más oscuras y siniestras de la vanguardia progresiva (y colateralmente, su apego a las vertientes más desafiantes de las vanguardias jazzera y académica).

Pepe con Chris Cutler

Por su parte, el maestro Cutler revela que la intencionalidad esencial de HENRY COW era la de reivindicar al rock como un lenguaje musical serio, “hacer cosas en él y que solo pueden hacerse en él”. A través del testimonio de su bajista Lars Krantz, SAMLA MAMMAS MANNA (junto con su derivado ZAMLA MAMMAZ MANNA) se presenta como una entidad musical para la cual el humor resultaba “una llave importante para acceder al corazón de la gente”, y por tanto, era el ingrediente esencial para su propia visión progresiva: lo más conmovedor es ver imágenes del recientemente desaparecido Lars Hollmer (“dueño de una alma grandiosa” según Krantz, “una persona muy positiva” según el bajista de ETRON FOU LELOUBLAN Ferdinand Richard) luciéndose al teclado o al acordeón, dentro y fuera de SMM, o como solista. También es mencionado más adelante por Dave Willey (de HAMSTER THEATRE y THINKING PLAGUE) como una gran influencia. Bruno Meillier y el mencionado Richard describen a ETRON FOU LELOUBLAN como una entidad orgánica focalizada en la compleja y original articulación de su dupla rítmica (Richard y Guigou Chevenier). STORMY SIX, a su vez, se presenta como un grupo de rock-folk de protesta cuya integración en el movimiento RIO le permitió expandir sus horizontes musicales, y de hecho, tuvieron una asociación muy cercana a la gente de HENRY COW en cuanto a la logística esencial del movimiento.

Miscelánea de los cinco primeros grupos del movimiento Rock In Opposition

Cartel del primer festival de Rock In Opposition (marzo '78)

Yendo al aspecto más concreto de la realidad fáctica del movimiento Rock In Opposition, el concepto nació no tanto como un estilo per se sino como una estrategia de difusión de propuestas musicales osadas que experimentaban condiciones de negligencia y abuso dentro del mainstream (excepto quizá SMM), lo cual a su vez, implicaba que las alternativas musicales que se presentaban quedaban de facto acalladas por los lobbies exclusivistas de un puñado de sellos importantes y grandes distribuidoras. El evento del domingo 12 de marzo de 1978 en el New London Theater, el primer Festival RIO con un exquisito cartel ocupado por HENRY COW, SAMLA MAMMAS MANNA, UNIVERS ZERO, ETRON FOU LELOUBLAN y STORMY SIX supuso un bautizo exitoso para el proyecto del rock in opposition. El segundo Festival RIO tuvo lugar en Milán, entre el 26 de abril y 1 de mayo de 1979: el cartel era más amplio, incluyendo de nuevo a UZ, EFL, STORMY SIX y SMM, e incorporando a ART BEARS (el primer grupo de Dagmar Krause, Fred Frith y Chris Cutler tras la crisis final de HENRY COW), AKSAK MABOUL y ART ZOYD.

Cartel del segundo festival de Rock In Opposition (abril-mayo 79)

AKSAK MABOUL surgió prácticamente como un proyecto a dúo de los multi-instrumentistas belgas Mark Hollander y Vincent Kenis (para el disco debut “Onze Danses Pour Combattre La Migraine”), pero su involucramiento en el movimiento RIO le llevó a convertirse en un ensamble “all-stars” de sus nuevas bandas amigas (para su segundo disco “Un Peu De l'Ame Des Bandits”). Por su parte, ART ZOYD se orientaba hacia una línea de trabajo en muchos aspectos concordante con UZ: Michel Bercksmans, fagotista-oboísta de ambos grupos, describe a este grupo como portador de una variante “mucho más directa y mucho más fría” de chamber-rock. Con el paso del tiempo, y bajo la guía del violinista Gérard Hourbette, ART ZOYD se metamorfoseó en un ensamble de línea predominantemente electrónica con particular interés en musicalizar obras de teatro, ballet y espectáculos multimedia de fuerte carga visual. De hecho, Hourbette dirige el “Art Zoyd Centre Transfrontalier de Création Musicale”: él encontró en la música electrónica una conexión con su experiencia de años mozos residiendo en una de las zonas industriales francesas de posguerra, y a partir de allí, el ensamble se convirtió en un espejo sonoro explícito de este encuentro entre el yo y el exterior.

Pórtico del Art Zoyd Centre Transfrontalier de Création Musicale

Volvamos a los fines de los 70s. Mientras se iban incorporando estas nuevas bandas y las posibilidades de asociaciones específicas entre músicos de los diversos grupos miembros, PRESENT surgió como vehículo para que Roger Trigaux buscara una focalización más rockera y guitarra-céntrica para las atmósferas y sonoridades que él había contribuido a crear en las filas de UZ. A pesar de que ya era obvio que se trataba de una iniciativa que gozaba de razonable consistencia, la desintegración de HENRY COW no parecía ser un buen augurio para la ulterior supervivencia de esta iniciativa multigrupal, pero de todas maneras, estos grupos encontraron huecos dentro de su amplia gama de circuitos para seguir realizando conciertos de carteles variados hasta 1980. En palabras de Cutler, dado que los grupos ya encontraron vías para apoyarse mutuamente en eventos específicos, ya no necesitaban de un bloque organizativo central: “expresamos nuestra posición, era hora de separarse”. Hourbette resalta los tres ejes que unificaron en su momento a las bandas de este colectivo (el elemento político, la necesidad de establecer una red y el factor artístico) mientras que Richard destaca la coincidencia de todos en “el deseo de crear algo poderoso en la música”; por su parte, Andy Kirk (de UZ) concluye que tras un par de años de interacción cercana, cada grupo se volvió cada vez más concentrado en sus propios planes, dejando a la colectividad RIO en segundo plano. Pero esta “fatalidad conclusiva” del movimiento RIO no fue sino el inicio de un legado que sigue vivo hasta hoy, disponible para inspirar nuevos caminos de investigación. El mismo Kirk se muestra muy entusiasta al ver que la antorcha “opositora” está siendo hoy por hoy ondeada por nuevas manos, mientras que Vander nos recuerda, a partir de su propia experiencia aquel tiempo en que gestó la idea de MAGMA y le decían que no era posible, que “todo es posible, incluso en las peores circunstancias, siempre algo es posible”.   

KINDER nos muestra su renovado archipiélago sónico

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El quinteto peruano KINDER acaba de publicar en versión virtual su nuevo trabajo “Archipiélago”, un EP que sucede al homónimo disco debut de 2010 y que muestra a la banda migrando “hacia un sonido menos electrónico y que trabaja por primera vez las percusiones con una batería real”, según palabras textuales publicadas en su perfil de Facebook. El sello Automatic Entertainment está a cargo de la difusión virtual de “Archipiélago” a través del enlace http://www.automatic.com.pe/espanol/sello/sello_detalle_ae017.htm . La línea de trabajo del grupo se apunta a una vigorosa confluencia de post-rock, psicodelia y noise-rock, que en eta ocasión permite al ensamble focalizarse con mayor fruición en los roles de las triples guitarras para armar los núcleos sonoros respectivos a cada tema del nuevo disco. La formación que grabó el disco consistía en la tríada guitarrera de Renzo Gianella, Mariano La Torre y Nicolás Gjivanovic, más el baterista Carlos Freyre (también de PILOTOCOPILOTO) y el sintetista Christian Vargas: este último ya no está actualmente en la banda.

‘Punto De Fuga’ abre el disco con una vitalidad inapelable, sostenida principalmente por las ilaciones de síncopas armadas entre la labor de la batería y las diversas interacciones de las guitarras; el teclado, por su parte, añade colores cósmicos allí donde los riffs arman un cúmulo vigoroso en beneficio del afianzamiento rítmico. ‘UO’ tiene una actitud más intensa en cuanto al encuadre rítmico, pero de por sí la fiereza sónica es, en líneas generales, menos pronunciada, como si EXPLOSIONS IN THE SKY quisiera explorar su faceta más constreñida en base a una partitura perdida del THE CURE pre-1984. Durando casi 5 minutos, la pieza homónima se sumerge en climas introspectivos e intimistas con un recurrente compás de 6/8 manejado con la suficiente sutileza para dejar  que los matices de las guitarras (incluida una acústica) y los ornamentos etéreos del teclado se muevan sólida y congruentemente a través de la cuidadosamente elaborada atmósfera central. La arquitectura sónica revela su naturaleza inmensamente cerebral, pero a su vez, deja manifestarse una cierta aura de inquietud cuya callada realidad también se hace presente en el sonido fáctico; ‘Archipiélago’ supone un punto álgido del EP, no cabe duda. Así las cosas, el oyente está preparado para loa efluvios de corte cuasi-stoner de ‘Caer’: la visceralidad rockera en curso es como un despertar a la luz de una mañana estresante, una sensación reforzada por la misma duración breve del tema. A continuación, ‘Aquello Que No Controlamos’ regresa a los senderos de introspectiva inquietud que antes habían signado la ingeniería de ‘Archipiélago’, pero esta vez con una densidad evidentemente más marcada, un realce de lo sombrío, una exploración en el crescendo de una amenazante irrupción de energías misteriosas. Particularmente, nos parece una pena que esta pieza sea tan breve, pues tenía todo el potencial de ser el preludio de un absorbente jam post-rockero de esos que dignifican enormemente el ideal del rock como vía para crear ambientes oscuramente solipsistas, pero ésta es la decisión del grupo y hay que aceptarla. Además, todavía nos queda ‘Instantes’ para cerrar la experiencia de este EP: ocupando un espacio de casi 4 ½ minutos, ‘Instantes’ supone un final auténticamente épico para el disco, armado sobre un robusto manejo de climas evocativos y en apoyo de las oportunas intuiciones rítmicas de Freyre, todo ello en consonancia con los estándares de EXPLOSIONS IN THE SKY y TÉ.    

A pesar de su brevedad, “Archipiélago” tiene que ser valorado como un ítem relevante pra la agitación del actual estado de la situación dentro la vanguardia rockera peruana. Y sobre todo, debe ser apreciado como testimonio claro y directo de la reformulación del ideario musical de KINDER. La banda opera ahora con el inamovible núcleo de tres guitarristas (Gianella, La Torre y Gjivanovic) y el baterista Freyre más el recién ingresado bajista Paul Celi, lo cual da claros indicios del tipo de reacomodo sonoro del archipiélago sónico de KINDER. También existe la edición en vinilo de este disco, siempre a cargo de Automatic Entertainment. ¡Hay que seguir las andanzas rockeras de esta banda!  

Muestra de “Archipiélago”.-

Archipiélago [en vivo, 16  de junio de 2011]:   http://www.youtube.com/watch?v=11RjHHlixgI

Los nuevos estados musicales de MACONDO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El aventurero y talentoso ensamble peruano MACONDO vuelve a la carga con otro disco de difusión virtual a través de su blog de Bandcamp, ocho meses después de “El Eterno Retorno”: esta vez se trata del EP titulado “Estados Luminares”. Mientras el grupo prepara la edición física de este ítem y del antes mencionado “El Eterno Retorno”, sigue dejando constancia de su rol como importante fuerza creativa dentro de la actual vanguardia rockera de su país. A decir verdad, ambos registros fueron grabados durante el mismo período de tiempo, entre 2008 y 2011: ‘Oda A La Locura’, tema que cierra este EP en cuestión, es un clásico climático en sus conciertos, y a muchos nos dejó con la miel en los labios que no apareciera en el repertorio de “El Eterno Retorno”. Bueno, lo tenemos aquí. A través de un espacio de más de 13 minutos, ‘Oda A La Locura’ nos revela un ágil muestrario de sonoridades de corte shoegaze alimentadas de recursos prog-psicodélicos, y capitalizadas con momentos de caos fulminante que irrumpen al modo de desafíos frontales contra la ambientación dominante. La sección final se refocila en una oscuridad grandilocuente, creando una dimensionalidad épica para el encuadre de los lisérgicos jams que se suceden: el repetitivo fraseo delirante de guitarra con el que acaba el tema resuena como una sirena de alerta sobre el abandono definitivo a la inmensidad apabullante de la sinrazón.  

‘Cementerio De Elefantes’ y ‘Estática Crepuscular’ son los dos primeros temas del EP. Con apabullantes texturas otoñales de afinidad post-rockera empieza el primero de estos temas: la estructura sólidamente minimalista del desarrollo de los guitarreos es manejada con una cualidad etérea que no se contrapone a la incepción de algunos parajes en los que el sonido grupal se vuelve más afilado. Después de pasar la barrera del sexto minuto, la banda se aventura por un rato a explorar dimensiones más extrovertidas de corte space-rockeros, antes de finiquitar el asunto con un estupendo ejercicio de psicodelia aleatoria que hubiera llenado de orgullo a los cerebros de ASH RA TEMPEL. ‘Estática Crepuscular’ porta una dosis de robustez más explícitamente explosiva, merced a la pletórica exhibición de neurosis e inquietud que se derrocha a través de su desarrollo temático: su ubicación dentro del repertorio del EP es perfecto para anticipar la grandeza épica de ‘Oda A La locura’, pero que conste que sus méritos específicos van más allá de ser un mero tránsito, pues su grácil sordidez tiene completo sentido dentro del ideario musical de MACONDO. 

En resumen, “Estados Luminares” confirma la vitalidad que esta congregación de Alonso Jiménez, Camilo Uriarte, Iván León y Ricardo Barreto tiene para aportar a la escena rockera contemporánea peruana: reiteramos algo que dijimos anteriormente en la reseña sobre “El Eterno Retorno”, MACONDO merece que se le preste atención muy en serio.

Muestra de “Estados Luminares”.-

Oda A La Locura: http://macondo.bandcamp.com/track/oda-a-la-locura

JACKO WACKO - el fuego tanático de la psicodelia peruana

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy llegó el turno de hablar de JACKO WACKO, uno de los proyectos más recientes del polifacético músico peruano Herrmann Hamann, cuya afiliación a diversos proyectos de rock y música electrónica así como a sus propias iniciativas individuales le han llevado a hacerse de un buen nombre como figura particularmente creativa dentro de la vanguardia de su país. En el caso específico de JACKO WACKO, tenemos a un energético power-trío consagrado a explorar sonoridades nocturnamente opresivas y electrizantemente tanáticas, centradas en la transmisión de oscuras inquietudes que siempre parecen a punto de explotar en un incendio masivo, bajo la confluencia de las coordenadas del krautrock guitarra-céntrico (al modo de GURU GURU o ASH RA TEMPEL), stoner doom y post-metal. Estando Hamann a cargo de la guitarra y el sintetizador, el trío en cuestión lo completaban el bajista Giancarlo Rebagliati y el baterista Josué Vílchez

El homónimo disco debut de JACKO WACKO fue editado recientemente por el sello local Buh Records, especializado en propuestas musicales de vanguardia radical: durando poco más de media hora, su repertorio consiste en cuatro piezas sin título específico. El primer tema comienza frontalmente con un dinamismo pesadamente opresivo, apabullante en su oscura espiritualidad: el motivo minimalista es manejado con soltura y buen pulso, incluso adornado por algunos momentos donde la tensión ejerce una relativa pausa; la tensión psicodélica en curso refleja fiereza, a la par que una siniestra majestuosidad. Una capa cósmica de sintetizador tiende un puente hacia el segundo tema, el cual profundiza en la inquietud oscurantista que forma parte de la esencia nuclear de la banda. La pieza comienza en clave afín a los estándares post-metaleros, haciendo que la languidez exterior se erija en la manifestación de un horror latente desde rincones tanáticos del universo. La inserción de palabras del difunto “rey del pop” Michael Jackson donde trata de explicar a un entrevistador que él no es un loco es una idea muy simpática, especialmente si se interpreta como una metáfora del intento de negar la oscuridad innegable. El tercer tema es el más extrovertido del álbum: el grupo explora una dinámica grácil a lo HAWKWIND, aunque hay que tener en cuenta que esta vitalidad no implica para nada renunciar a la lógica de tensión y oscuridad que el grupo ostenta como su leitmotiv crucial, pero sí se nota una pulsación diferente, más vibrante. El cuarto tema regresa a los fundamentos del segundo, un viaje lánguido que parece traducir al lenguaje sónico imágenes de nieblas absorbentes y negros velos cósmicos que se proyectan hacia la fatal inmensidad de un agujero negro. Los fraseos de la guitarra, estratégicamente localizados, añaden una retorcida muscularidad al asunto. Este ejercicio de post-metal con tufillos de doom cierra eficazmente el círculo estilístico del álbum, y sobre todo, deja al oyente con la miel en los labios, queriendo un poco más de tensión emocional, deseando un poco más de esa aura de amenazante nocturnidad que el trío maneja con nervio y soltura.    

Es bueno saber que la vertiente psicodélica del rock sigue rindiendo tan buenos frutos en las escenas underground de varios países, y en el caso del Perú, JACKO WACKO encarna una de las propuestas más vitales e interesantes dentro de esta vertiente. Vale realmente la pena aven tuarse a conocer lo que esta nueva entidad tiene para ofrecer.   

Muestra de “Jacko Wacko”.-

# 1: http://soundcloud.com/buhrecords/jacko-wacko-n-1

SUBTILIOR: la nueva presencia del chamber-rock italiano

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traemos a colación a SUBTILIOR, el proyecto chamber-rock del teclista/compositor Michele Epifani, a quien conocemos mayormente como la figura líder de AREKNAMÉS. Con su disco “Absence Upon A Ground”, SUBTILIOR ofrece una dimensión sónica muy diferente, afín a rabiar con la portada: un bosque siniestramente oscuro que aparece iluminado por ígneas luces que brotan desde agujeros que penetran en el subsuelo. UNIVERS ZERO y la primera fase de ART ZOYD son las primordiales influencias que Epifani tuvo en mente a la hora de crear las dos suites del disco debut “Absence Upon A Ground”, lo cual, a su vez, lleva a paralelos con nombres más contemporáneos como FINNEGANS WAKE (primeros álbumes), FAR CORNER y YUGEN – de hecho, algunos miembros de ese último grupo aparecen en este disco (tengamos en cuenta que Epifani, a su vez, participó en el disco “Iridule” que YUGEN publicó en 2010). Epifani se hizo cargo del órgano Hammond, el piano eléctrico y los sintetizadores en ambas suites – sucesivamente tituladas ‘Absence’ y ‘Upon A Ground’ –,  contando  con los apoyos del baterista Luca Falsetti y el guitarrista Stefano Colombi en ambas ocasiones. Para la primera suite, los otros músicos de apoyo son  Perluigi Mencattini (violín), Valerio Cipollone (clarinete y clarinete bajo), Christiano Pomante (vibráfono y marimba), Maurizio Fasoli (piano) y Antonio Marrone (bajo en 1); para la segunda suite, la cual porta una sonoridad más espartana, los otros colaboradores son Carmine Iarine (saxo tenor), Manuel Trabucco (saxo tenor), Simone Pacelli (bajo) y Massimo Magri (cello).    

Dando inicios a la suite “Absence”, ‘Overt’ instala una aureola de expectativa sazonado con cadencias de jazz, para que a continuación ‘Primmo Frammento’ elabore y desgrane un exquisito juego de desarrollos armónicos dadaístas y ornamentos bizarros. ‘Epicicli I’ pasa a terrenos de inquietante languidez abstracta, lo cual determina eficazmente el tipo de tensión contenida que habremos de hallar en ‘Secondo Frammento’ así como la otoñal aura de misterio encarnado en ‘Arioso’. ‘Terzo Frammento’ regresa a la extroversión colorida de ‘Primo Frammento’, antes de que la dupla de ‘Un Coeur Mecanique’ y ‘Resti (Quarto Frammento)’ arme un crescendo donde los diversos artilugios percusivos, cuerdas, vientos y teclados congreguen recursos mecánicos y vibraciones orgánicas. Éste es un clímax muy especial de la primera suite, sin duda. ‘Epicicli II’ reformula la languidez abstracta de ‘Epicicli I’ capitalizando su potencialidad oscurantista, logrando con ello sembrar el terreno para que ‘Toccata’ establezca un ambiente denso sostenido sobre un ágil manejo de cadencias avant-jazzeras. En medio de esta niebla de misterio y espiritualidad crepuscular, ‘Helas Avril’ enciende una pequeña fogata de lirismo relajado donde la comunión entre las espartanas escalas de piano y las sutiles intervenciones del vibráfono aportan una cierta calidez. ‘Danzante (Quinto Frammento)’ reemplaza la calidez por la fastuosidad, aunque reteniendo esencialmente la actitud lírica de base. ‘Clos’ cierra la primera suite retomando la aureola de expectativa con la que había comenzado ‘Overt’, pero esta vez intensificándola para elaborar un pertinente clímax conclusivo: la faceta explosiva se muestra a flor de piel, pero la ingeniería musical es manejada con suficiente nervio como para que esta ebullición final diste infinitamente de lo chocante o lo apabullante. ¡Una gran conclusión, sin duda! La suite “Upon A Ground” instala sus pasos más sólidamente en terrenos oscuros rodeados de amenazantes aires de surrealista nocturnidad. Durante el desarrollo de la Primera parte, el ensamble se siente muy cómodo transitando de momentos diseñados para la conexión transversal de guitarra-teclados-vientos-percusión y otros donde la estructura se relaja para dar pie a elaboraciones libres marcadas por cierto acento cósmico. La Segunda Parte sigue una lógica muy semejante, con el añadido de que los contrastes entre pasajes luminosos y brumosos están más acrecentados, y que estos últimos cuentan con un mayor campo de expansión. La Tercera Parte culmina la suite con la manifestación más esquemática de la celebración de la nocturnidad que ha conformado el núcleo temático de “Upon A Ground”: algo así como una procesión de despedida que atraviesa la niebla del limbo para desaparecer mientras anuncia su pronto retorno.       

En conclusión, “Absence Upon a Ground” es un testimonio de enorme aprecio por el legado del RIO francófono, elaborado con talento creativo y energía por Michele Epifani y sus compañeros de aventura. Epifani parece estar en continuo estado de gracia cuando se dispone a acometer sus diversas aventuras progresivas: su mente vanguardista hace de SUBTILIOR un nombre especialmente notable dentro del escenario progresivo de 2012.

Las formas y transfiguraciones retro-progresivas de ORNITHOS

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Hoy es el momento de traer a colación a un grupo italiano formado en 1999 por el baterista/percusionista/teclista/cantante Diego Petrini y el bajista Federico Caprai: ORNITHOS. Este grupo devoto de la línea retro-progresiva puede ser erróneamente percibido como un off-shoot de IL BACIO DELLA MEDUSA, no solo debido a que comparte tres integrantes con éste (Petrini, Capari y la vientista Eva Morelli) sino también a que recién en 2012 ha sacado al mercado su disco debut “La Trasfigurazione”, mientras que IBDM ya tiene tres en su haber (incluyendo el de este año, “Deus Lo Vult”). Pero resulta que este grupo se formó con anterioridad, por lo que ORNITHOS puede válidamente presumir de tener una visión y dinámica propias, más allá de las obvias semejanzas que existen entre las líneas de trabajo practicadas por ambos grupos. La fijación especial por la vertiente más robusta de la tradición prog-sinfónica italiana (MUSEO ROSENBACH, CERVELLO, NEW TROLLS, OSSANA) y el empleo de varios recursos de hard rock y psicodelia de vieja escuela son aires de familia imponentes en cuanto a las confluencias sonoras entre ORNITHOS e IBDM. Pero el caso especial de los primeros incluye también un solvente manejo de recursos jazzeros y fusionescos dentro de su rica amalgama sonora: el ensamble se siente lo suficientemente afiatado como para manejar este eclecticismo con garra y buen pulso. El sexteto se completa con Antonello De Cesare (guitarras solista y acústica, coros), Simone Morelli (guitarras rítmica y acústica) y Maria Giulia Carnevalini (voz, coros, piano). “La Trasfigurazione” es la carta de presentación de ORNITHOS, una obra hecha realidad más de 10 años después de la formación del grupo: repasemos el disco en cuestión.

La serie de 13 composiciones de “La Trasfigurazione” se reparet en tres bloques sucesivos. “Il Trittico Del Tempo Che Fu”, “Presa Di Coscienza Del Presente” y “Quiete E Redenzione Del Domani”. La secuencia de ‘L’Orologio’ y ‘La Persistenza Della Memoria’ abre el primer bloque con punche y prestancia, desarrollando un correctísimo balance entre las secciones fuertes y las líricas: los aires de CERVELLO, BIGLIETTO PER L’INFERNO y PREMIATA FORNERIA MARCONI resurgen fluidamente en el modus operandi de la banda, lo cual los vincula estilísticamente al primer NOTABENE y a CHIAVE DI VOLTA. ‘Somatizzando l'Altare Di Fuoco’ emerge para añadir un poco de tensión al asunto, con aires de proto-prog a lo GNIDROLOG mezclados con el jazz-prog de COLOSSEUM alternados con matices del KING CRIMSON primigenio. Es asombroso notar cuánta vitalidad puede fluir y transpirar tan ágilmente a través de las sofisticadas ramificaciones que tienen lugar dentro de los confines de esta pieza, cuya coda deriva en aires juglarescos que parecen sacados de un out-take de BUON VECCHIO CHARLIE. ‘L’Ipostasi’ aprovecha la aureola de jovialidad con que terminó el tema precedente para elaborar un grácil ejercicio de tango empapado de rocío fusionesco: el reinante espíritu de travesura es manejado por el ensamble con muy buen pulso, logrando que continuamente se resalte el aura saltarina del desarrollo temático. El bloque de ‘Il Trittico Del Tempo Che Fu’ cumple cabalmente con su doble misión de establecer las reglas de juego del  grupo para los oídos del oyente y de articular una sonoridad bien afiatada a través de las interacciones entre los ejecutantes.

El segundo bloque se inicia con ‘Al Torneo’, tema que se explaya en un intenso jam de 7/8 tras un preludio celebratorio de corte medieval, y luego retoma aires juglarescos con un colorido compactamente sostenido sobre la armonización de rock y folk. Con ‘L'Arrivo Del Fuoco – Fuga’, el grupo se enfila por las áreas del jazz-rock psicodélico, creando así una curiosa mescla de N.T. ATOMIC SYSTEM y SOFT MACHINE. ‘Nuvole E Luce’ es básicamente una expansión de los aspectos más serenos de la excursión jazz-rockera, trabajando poco a poco un crescendo de emotividad de la mano de la cantante invitada Maria Giulia Carnevalini. El colorido desarrollado desde la armazón instrumental y la dinámica altiva del swing preparan el terreno para la electrizante erupción rockera a ser brindada por ‘Ritorno Al... (Reprise)’, la cual se muestra debidamente sazonada con pasajes folclóricos estilizados que se ubican en lugares estratégicos. A cargo de cerrar el segundo bloque, ‘Salamandra: Regina Di Psiche E Di Saggezza’ opera como una recapitulación de las atmósferas y ambientes predominantes en ‘Al Toreno’ y ‘L'Arrivo Del Fuoco – Fuga’.

La dupla de ‘Nel Creposcolo’ y ‘La Notte’ abre el tercer y último bloque con el curioso recurso de alternar pasajes de rock pesado frontal y filudo con otros de cariz ceremonioso que se enmarcan cómodamente en el estándar sinfónico, al modo de una cruza de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO y MUSEO ROSENBACH. ‘L'Alba Del Nuovo Giorno’ es un llamativo viaje instrumental que reitera el instinto y la mentalidad volcados hacia las reivindicaciones del prog italiano y el proto-prog británico: en muchas formas, esta pieza supone un replanteamiento de la línea de trabajo expuesta anteriormente en ‘La Persistenza Della Memoria’ y ‘Somatizzando l'Altare Di Fuoco’. Con su estupendamente pulcra amalgama de vitalidad y musicalidad, ‘L'Alba Del Nuovo Giorno’ hubiera supuesto un gran cierre para el álbum si la última parte del tercer bloque no fuese ‘This Is What We've Got: The Flute Song’… lo cual tampoco está nada mal. Esta canción se arma en torno a una ingeniería jazz-progresiva de 7 ½ minutos cuyos ribetes blueseros y ocasionales ornamentos Tullianos sirven para garantizar un solvente nivel de sofisticación al asunto. Y de paso, sirven para volver a enfatizar el paradigma que el grupo instala en su apreciación de los legados de N.T. ATOMIC SYSTEM y BUON VECCHIO CHARLIE.

Todo este despliegue de riqueza melódica ha servido para convertir a “La Trasfigurazione” en uno de los discos retro-progresivos más importantes del año; esperemos que el futuro cercano tenga en reserva más trabajos de ORNITHOS para el deleite de todos los amantes y coleccionistas de rock artístico. 

Muestras de “La Trasfigurazione”.-

Somatizzando l'Altare Di Fuoco: http://www.youtube.com/watch?v=_ldmeWbwQHQ
Nel Creposcolo + La Notte: http://www.youtube.com/watch?v=-EDowJz16NQ

La voluntad progresiva de IL BACIO DELLA MEDUSA

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Hoy es la ocasión de hablar del quinteto italiano IL BACIO DELLA MEDUSA, el cual nos brinda una nueva joya progresiva este año con su tercer disco “Deus Lo Vult”; con su duración de menos de 35 minutos, este disco nos devuelve a los tiempos de la cobertura del formato de vinilo. Bueno, más allá de la cuestión de su duración, el hecho es que IL BACIO DELLA MEDUSA nos ha entregado una electrizante muestra de la capitalización de su fuerza expresiva de su propuesta, tal como se ha venido desarrollando sucesivamente en su disco debut de 2008 y “Discesa Agli Inferi Di Un Giovane Amante” de 2009, discos usualmente muy elogiados por la comunidad progresiva. El grupo suena más agresivo que nunca en los momentos más exaltados, exhibiendo un filo arrollador y apabullante que se siente Vandergraafiano al igual que fiel a los legados de BIGLIETTO PER L’INFERNO, METAMORFOSI, el NEW TROLLS 71-72 y OSSANA. La formación de la banda es:  Simone Cecchini (voz, coros, guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, armónica), Diego Petrini (batería, percusión, mellotron, órgano), Federico Caprai (bajo), Simone Brozzetti (guitarra eléctrica) y Eva Morelli (flauta, pícolo, sacos, alto, soprano y tenor, Theremin).

‘Invocazione Alle Muse’ da inicio al disco con un aire de añoranza hábilmente marcado por la guía que otorgan las líneas de flauta. Esta estrategia sustenta la expectativa en torno a ‘Indignatio (Infedeli In Terra Santa)’, la canción donde el ensamble empieza a mostrar más fehacientemente sus filos sonoros en aras de una expresividad enérgica que contiene momentos fastuosos, parajes de tendencia gótica, interludios juguetones de orientación sinfónica clásica, psicodelia aguerrida… todo ello dentro de una ambiciosa armazón progresiva que emparenta al ensamble con sus coterráneos de MALIBRAN y A PIEDI NUDI (etapa de “Creazione”) así como a otros referentes como HYPNOS 69 y GARGAMEL. ‘Urbano II Bandisce la Prima Crociata’ tiene el colorido y el ritmo de una celebración pastoral, un momento de vibraciones lúdicas tras el despliegue de muscular densidad que tuvo lugar en la pieza anterior. Así las cosas, entra a tallar ‘Simplicio’ como la ocasión precisa para que el grupo explore los rincones más genuinos de su faceta lírica: tiene todo el aire de una balada de PFM remodelada para OSSANA. A continuación sigue la pieza homónima, la misma que sorprende rotundamente con un viraje power-prog-metalero desde el cual la banda proyecta su dimensión más oscura con una muscularidad imponente; a poco de pasada la barrera del cuarto minuto y medio, el desarrollo temático cambia de foco hacia un jam blues-rockero que ostenta una ágil actitud retro. ‘Verso Casa’ nos devuelve al sinfonismo de sensibilidad folk que es marca registrada de buena parte de la comunidad progresiva italiana de primera generación, pero también cabe decir que el quinteto le brinda su oportuna dosis de rudeza rockera al asunto, y además, con el talante circense de la base compositiva de la canción, la tensión emocional está garantizada. Justamente ‘La Beffa (Non Un Trono, Non Un Regno... Solo Sdegno)’, la canción que cierra el álbum, recoge dicha tensión emocional. La atmósfera de carnaval tétrico cuyas figuras farsescas y espectros traviesos invaden el mundo como un desfile grisáceo de sátiros destructivos es manejada con una pesadez contundente. Parece mentira cómo se da maña la flauta para imponer su rol protagónico en medio de los riffs patentemente poderosos y a través de los esquizoidemente dadaístas esquemas rítmicos. La explosión final cierra el despliegue sonoro de forma decisiva.

“Deus Lo Vult” es una explosiva experiencia progresiva que solo dura casi 34 minutos… ¡solamente casi 34 minutos! Pero Dios lo quiso así, parafraseando el título del disco en cuestión: más específicamente, la gente de IL BACIO DELLA MEDUSA lo quiso así, pero lo que más vale la pena rescatar de este disco es su manera de plasmar el deseo de la banda de reactivar su propia esencia restauradora del sinfonismo pesado italiano tradicional con nuevos recursos de expresividad. Este quinteto se aferra sólidamente a la posta que tomó de las manos de MALIBRAN, NUOVA ERA y A PIEDI NUDI.

Muestra de “Deus Lo Vult”.-    

Deus Lo Vult: http://www.youtube.com/watch?v=HPpsweI_QJ8

Las nuevas alteraciones sónicas de VAN DER GRAAF GENERATOR

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Un año después de la edición de “A Grounding In Numbers” (aunque grabado con bastante antelación), volvemos a tener el enorme placer de traer a colación a esa legendaria maquinaria de rock experimental que es VAN DER GRAAF GENERATOR: “Alt”, su nuevo disco y tercero con el formato de Peter  Hammill-David Jackson-Guy Evans, es su primer disco enteramente instrumental. Lo más parecido a ello fue el segundo volumen de “Present”, el disco de retorno del cuarteto clásico de Peter Hammill-David Jackson-Hugh Banton-Guy Evans, el cual incluía una serie de jams mayormente motivados por la psicodelia free-form y el jazz experimental, donde eran muchas las ocasiones donde el saxo de Jackson tenía el rol protagónico. Ahora las cosas son distintas con un trío que tiene una buena solidez en su modus operandi desde los tiempos de “Trisector” (disco de 2008), un núcleo sonoro más cáustico en la forma pero con una amplísima gama de recursos en sus interacciones a la hora de llenar este núcleo con ideas, estrategias y esquemas. Podemos adelantar desde ya que “Alt” no supone del todo una aventura radicalmente distinta de lo que escuchamos el año pasado en su brillante disco “A Grounding In Numbers”: es un disco diferente, sí, y de hecho, la ausencia de una responsabilidad vocal permite al grupo apoyarse menos en líneas melódicas definidas, pero algunos de los trucos y amalgamas que entren a tallar en ciertos momentos del repertorio se hacen eco de ciertas travesuras plasmadas en el disco predecesor. Al fin y al cabo, toda esta recopilación de expansiones instrumentales procede de situaciones en el estudio que tuvieron lugar durante la grabación de “A Grounding In Numbers” (en palabras irónicas de Evans, “mientras no estábamos vigilando”). Vayamos ahora a los detalles de “Alt”.  

‘Earlybird’ ocupa los primeros 4 minutos del álbum con atmósferas serenas basadas en la interacción  entre sonidos de aves y percusiones, un mágico matrimonio entre la espontaneidad de la vida silvestre y la forma libremente calculada de la racionalización percusiva. ‘Extractus’ es la primera incursión íntegramente articulada por el trío, y muestra un lado stoner árido que tal vez hubiera sido más interesante de explotar con una mayor expansión; por su parte, ‘Sackbutt’ nos muestra un lado de VDGG afín al krautrock. El primer despliegue explícitamente grandilocuente se encapsula en ‘Colossus’, excursión muy aventurera que se refocila en reconstruir la faceta más caótica del ideario tradicional de VDGG (etapa de “Pawn Hearts”) para potencializar sus aristas postmodernas: una auténtica celebración del dadaísmo bajo un esquema de trabajo avant-progresivo. ‘Batty Loop’ tiene aires a lo nu-jazz, y es una pena que sea solo un retazo lo que se nos muestra aquí, pues parece tener gancho: ‘Splendid’, que gira en torno a un motif blues-rockero para aplicarle una intensa cirugía psicodélica, sí cuenta con un espacio de desarrollo más satisfactorio para el oyente, y de paso, sirve para mostrar fehacientemente el nervio tan sólido como extravagante que forma parte del estilo esencial de Guy Evans. ¡Este músico no recibe suficientes elogios merecidos de parte de los melómanos de todo el mundo! ‘Repeat After Me’, que dura más de siete minutos y medio exhibe aires de jazz crepuscular y un aura nostálgica que encuadra las sutiles interacciones entre los tres músicos: ambos elementos sirven para que se abra una ventana a ese factor lírico que también ha cumplido un rol crucial en el modelo Vandergraafiano.

Con la secuencia de ‘Elsewhere’ y ‘Here’s One I Made Earlier’, el grupo sale del invernadero de reposo emocional donde se había instalado momentáneamente para desarrollar nuevas vías de extravagancia creativa: ‘Elsewhere’ retoma la lógica eclécticamente deconstructiva que anteriormente había imperado en ‘Colossus’, con iguales niveles de desasosiego pero con un nivel de extroversión más medido; por su parte, ‘Here’s One I Made Earlier’ es un soundscape inquietante donde las texturas cósmicas de guitarra ocupan el rol central, creando así un híbrido de kraut electrónico (a lo CLUSTER) y aventura Frippiana. ‘Midnite Or So’ regresa al espíritu del jazz crepuscular, otro momento de lirismo sereno y un tanto vulnerable, pero como VDGG nunca fue un grupo que se conformara con monocromatismos, ‘D’Accord’ entra a tallar para trucar la serenidad por brumoso misterio potencialmente motivador de horrores por venir: música idónea para una escena de una película de horror con tintes surrealistas. ‘Mackerel Ate Them’ es un nuevo ejercicio de deconstrucción vanguardista donde se armonizan vibraciones propias del free-jazz bajo ropajes psicodélicos y trucos electrónicos space-rockeros inspirados en la dinámica aleatoria de la musique concrete. Una vez más, la peculiar dinámica de Evans se alza como centro neurálgico del bloque sonoro en los momentos donde aparece, mientras que sus compañeros aprovechan su momentánea ausencia para explorar el arte de la desestructuración. Después de esta exhibición de sofisticación postmoderna, ‘Tuesday, The Riff’ nos revela lo más paradigmáticamente Vandergraafiano del disco: un trabajo continuo en torno a un riff y una parsimoniosa estructura rítmica que nos retrotrae a los tiempos de “Godbluff” y “Still Life” aunque con una finura menos pulida: esta pieza dura menos de 3 minutos, pero encaja fácilmente como interludio para algún ficticio out-take de los años 1975-6. ‘Dronus’ ocupa los últimos 10 ½ minutos del álbum. Aunque su espacio de expresión es privilegiado dentro del esquema de este disco, este tema no tiene un carácter ostentosamente intenso al modo de ‘Elsewhere’ o ‘Colossus’: por el contrario, se trata de un trabajo expansivo de texturas minimalistas y retazos sónicos densos cuyo sentido auto-constreñido de la energía le permite explorar atmósferas oníricas que no apelan al reposo sino a la inminencia de un oscuro sobresalto. ¿Post-rock a lo VDGG bajo la dirección musical de TORTOISE?, ¿VDGG reconstruyendo una pieza perdida del TANGERINE DREAM de la etapa 74-77?, ¿una sonata compuesta por BRIAN ENO usando a VDGG como orquesta? Úsese la metáfora que se quiera con tal de que implique la idea de un equilibrio sostenido con impecable pulso entre quietud formal e inquietud de trasfondo.   

Toda una aventura debe haber significado tocar todas estas piezas, y sobre todo, una interesante serie de procesos intelectuales e intuiciones estéticas deben haber sido exigidos a la hora de armar esta secuencia con las delimitaciones específicas de las piezas para articular la integralidad de un disco. También debe ser muy raro experimentar la música de VAN DER GRAAF GENERATOR sin el canto de Peter Hammill (ni qué decir sin sus letras), pero ante todo, lo más apropiado es valorar a “Alt” por lo que es, un muy buen  disco de avant-rock instrumental, y otra cosa muy apropiada es apreciar el hecho de que los maestros Hugh Banton, Guy Evans y Peter Hammill aún están en activo y en muy buena forma creativa.

Muestras de “Alt”.-

Colossus: http://www.youtube.com/watch?v=_DKfKfUh-R4
Splendid:   http://www.youtube.com/watch?v=c8VNgu0ID6U
Repeat After Me: http://www.youtube.com/watch?v=WooNNtFu_PA

LA FINCA DE LAURENTO: ciencia y fuerza de la nueva generación progresiva argentina

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Hoy es el turno del grupo argentino LA FINCA DE LAURENTO, uno de los más jóvenes ensambles de rock progresivo que existen hoy por hoy en la siempre inquieta escena de rock experimental de Sudamérica. El grupo está conformado por Juan Ignacio “Balahar” Clavell a los teclados y coros, Facundo Rodríguez Sabia a la flauta, teclados, guitarra y voz, Martín Lapidus a la guitarra eléctrica, Hernán Cassibba a los bajos con y sin trastes, y Federico Isasti a la batería. En el primer disco de la banda, “Ciencia, Filosofía Y Conga”, editado en 2008, el puesto de baterista estaba ocupado por Emiliano Echavarría, quien por aquel entonces acababa de reemplazar a Yoel Guldín. El grupo se formó en Buenos Aires en el año 2004, en torno al trío originario de Martín Lapidus, Alejandro Starosielsky y Facundo Rodríguez Sabia… ¡cuando aún no tenía siquiera edad para votar! Con un impulso creativo consistente y entusiasta, aumento de membresías hasta llenar el formato de quinteto y algunas ligeras variantes de alineación, LA FINCA DE LAURENTO logró registrar su disco debut “Ciencia, Filosofía Y Conga” en 2008, y ahora, cuatro años más tarde, nos ofrece su segundo trabajo “Fuerza”.

“Ciencia, Filosofía Y Conga” empieza con la canción que da nombre al grupo mismo: ‘La Finca De Laurento’ abre con un satírico vals circense en su sección introductoria para derivar pronto hacia una sonoridad agresiva cuya brumosa espiritualidad se siente tan etérea como airada. Con sus variaciones de motivos, esta pieza introductoria crea un impacto temprano que nos predispone a ‘Programa Mundo’, canción que ostenta una vibración tenebrosa de tendencia Crimsoniana con una soltura rotundamente pesada que podemos reconocer en los legados italianos de MUSEO ROSENBACH y BIGLIETTO PER L’INFERNO. El instrumental ‘Cascada I’ renueva esta fuerza expresiva y le brinda una dosis decisiva de lirismo (un poco a lo YES, un poco a lo CAMEL) para tender un puente hacia los estilizados aires reflexivos exhibidos en ‘Explosión Supernova’, un tema desarrollado en la línea de INVISIBLE pero con un boato más explícito. Cuando estamos en este momento del álbum, nos damos cuenta plenamente de que LA FINCA DE LAURENTO está enfilando muy bien sus esfuerzos hacia la elaboración de una intensidad sónica reglamentada bajo una ingeniería progresiva arrolladoramente ecléctica. A continuación siguen dos instrumentales: ‘Francis Drake’ porta una magnificencia melódica fruto de la comunión de atmósferas cálidamente luminosas y climas cuasi-pastorales (YES con FOCUS, podría decirse); por su parte, ‘Ballena Rosa’ exhibe una encrucijada de aureolas cósmicas y gráciles exploraciones en base a un dinamismo rítmico que en varios pasajes ostenta cadencias jazz-rockeras. Las sorpresas de este ambicioso viaje científico-filosófico de LA FINCA DE LAURENTO no tienen dónde acabar, como nos muestra el cósmico arrebatamiento posmoderno de ‘Ballena Rosa’, un ejercicio de tránsitos por la psicodelia, el space-rock y el sinfonismo estándar, recursos todos ellos sintonizados en una ilación consistentemente inspirada. Luego sigue ‘Seca El Otoño’, que con sus 11 ¾ minutos se erige en la canción más extensa del álbum. Su primera sección da predominio a atmósferas sutiles y al centro neurálgico de la guitarra acústica (incluyendo un lánguido monólogo), virando después a un atractivo pasaje eléctrico que empieza con un colorido Yessiano y luego pasa a una dimensión teatral no demasiado alejada de la que se hizo antes presente en la primera canción. Tras un interludio de moderada orientación pesada, se produce un regreso al motivo inicial con el fin de desarrollar la coda. Tras este ejercicio de exuberancia, ‘Ni Nada, Ni Nadie, Ni Vos, Ni Yo’ se enmarca bajo una aureola más reflexiva, aunque no exenta de momentos duros: el clímax final dirigido por la guitarra eléctrica es rotundo. ‘Cascada II’ cierra el álbum con un regreso al lirismo Yessiano-Cameliano: la pieza en sí dura poco más de 4 minutos, pero tras medio minuto de silencio tras su final, emerge un postludio instrumental donde la muy académica guitarra acústica dibuja el tema central y sus variantes con al soporte de suaves capas de teclado y delicadas líneas de flauta.               

Si el primer disco era un paseo marcado con grandes ambiciones de expresividad a través de una policromía autoafirmativa, “Fuerza” muestra, en comparación, una actitud más focalizada y una orientación más articulada, a la par que deja intacto el nivel de energía. La misma banda reconoce en su blog de Myspace que ha logrado gestar un sonido más maduro. El estilo de la banda orienta principalmente hacia el estándar del rock sinfónico a la vez que se abre eclécticamente a cadencias jazzeras, momentos de plenitud propios del rock duro psicodélico, y también, cómo no, atmósferas heredadas de la vieja tradición rockera (INVISIBLE, ALMENDRA, un poco de PESCADO RABIOSO): lo cosmopolita y lo local se mezclan fluidamente en la esencia estética de este quinteto. El álbum se introduce precisamente por ‘Introducción’, una pieza instrumental focalizada en suaves cadencias jazzeras bajo la guía del piano, un momento de calma antes de que la furia rockera de ‘Lejos’ se explaye en los primeros momentos de explosión extrovertida del disco: esta canción desarrolla un bien armado híbrido de heavy prog y psicodelia, a la par que exhibe una ingeniería melódica pulcramente hilada. ‘Aljibe’ también es extrovertida en esencia, pero su amalgama sonora es más constreñida que la fulgurosa canción precedente: ‘Aljibe’ porta una cierta aureola a lo INVISIBLE a través de su obediente estándar prog-sinfónico que evidentemente recibe también la influencia de YES y FOCUS (en sus facetas más propiamente líricas). La secuencia de ‘Urbe’ y ‘Libélulas’ sirve para reforzar y completar la visión musical de la banda: ‘Urbe’ elabora una sonoridad bastante potente sobre un contagioso swing pesado (un poco al modo de las bandas compatriotas GALÁPAGOS e IMPULSO DE LOS SONIDOS INCONSCIENTES, y tal vez bajo el peso de la tradición de PESCADO RABIOSO), además de contar con uno de los mejores solos de guitarra del álbum; por su parte, ‘Libélulas’ asume un aura contemplativa, casi melancólica, haciendo uso de un arreglo jazzero en su elegantemente delicada arquitectura rítmica mientras el piano eléctrico y la guitarra se concentran en dibujar retazos bastante pulidos. ‘Naranjas De Ciudad’ se proyecta a partir del carácter contemplativo derivado de ‘Libélulas’ para darle una dimensión más colorida al ambiente general y acentuar el factor rockero: también cabe destacar las labores del bajista y del baterista, cada uno de ellos encontrando modos de puntualizar el swing de la pieza de una manera bastante especial en varios momentos estratégicos. El solemne vigor que ‘Ritual’ trae a colación, con su esquema sónico psicodélico sobre un compás funky-rockero, un dinamismo llamativo que nos recuerda en buena parte al de ‘Urbe’, pero esta vez el despliegue de vigor está más medido y controlado, siendo así que la banda opta por darle un aire más explícitamente sofisticado al asunto. De hecho, la sofisticación sigue imponiendo su lógica en la siguiente canción, ‘Súcubo’, la cual nos devuelve a los ambientes exquisitos y texturas magnéticamente líricas que anteriormente dejaron huellas en ‘Aljibe’ y ‘Naranjas De Ciudad’. ‘Programa Mundo’ vuelve a explorar motivos espiritualmente calmos, esta vez sobre un compás rockero a medio tiempo, antes de que el muy buen (y demasiado breve) instrumental ‘Trabajo Duro’ tienda un puente hacia la última canción, ‘Cerca’. Esta canción cierra el álbum con una actitud optimista (“Hay un lugar en esta tierra que es para mí”) y un arreglo instrumental bastante extrovertido que saca el jugo a la base melódica en curso (un poco a lo GENESIS pero sin llegar al nivel de homenaje).    

“Fuerza” es un disco muy bueno, además de melódicamente sólido y no exento de gancho rockero: lo que aminora en expansión sonora respecto a “Ciencia, Filosofía Y Conga”, lo gana en focalización y robustecimiento del esquema sonoro conseguido como ensamble. Con estas dos obras que tiene registradas en su palmarés por el momento, LA FINCA DE LAURENTO confirma con esta nueva obra su capacidad de brindar una propuesta renovadora dentro de la variopinta y siempre activa escena progresiva de su país. ¡Hay que seguir de cerca las actividades y el futuro desenvolvimiento de esta banda!

Muestras de “Ciencia, Filosofía Y Conga”.-

La Finca De Laurento: http://www.youtube.com/watch?v=7MQ4pehfGi8
Explosión Supernova: http://www.youtube.com/watch?v=jECOCvSOfgI

Muestras de “Fuerza”.-

Lejos: http://soundcloud.com/lafincadelaurento/2012-lejos-la-finca-de
Aljibe: http://www.myspace.com/lafincadelaurento/music/songs/aljibe-87054126
Súcubo: http://soundcloud.com/lafincadelaurento/2012-s-cubo-la-finca-de