Friday, December 30, 2022

CELESTE y una sinfonía a lo grande

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En las instancias finales de este año 2022 se dio un importante lanzamiento fonográfico desde la escena progresiva italiana, un disco muy especial para la legendaria y hace unos años renacida banda CELESTE. Y es especial porque se trata de un álbum donde este colectivo liderado por el maestro Ciro Perrino opera con el acompañamiento de un ensamble orquestal. “Celeste With Celestial Symphony Orchestra” es el título claro y directo de esta obra, la cual se publica en CD y en doble vinilo (con diferentes portadas). El personal de CELESTE está integrado por Perrino [sintetizadores Solina, Eminent, Mini Moog y ARP 2600, mellotrón, órgano Hammond y voz], Francesco Bertone [bajo], Enzo Cioffi [batería], Marco Moro [flautas] y Mauro Vero [guitarras acústicas y eléctrica]. La Celestial Symphony Orchestra está conformada, a su vez, por los violinistas Daniele Guerci, Ilaria Bruzzone, Noemi Kamaras y Laura Sillitti, los violistas Alessandro Sacco y Roberta Tumminello, y la violoncellista Arianna Menesini. Colaboradores ocasionales son Marco Canepa (piano de cola), Ines Aliprandi (canto), Ciro Carlo Antonio Perrino (canto), Roberto Tiranti (canto), Amanda Coggiola (oboe y corno inglés), Paola Sales (fagot), Luigi Cocco (trompeta), Andrea Paolocci (corno) y Stefano Bianchi (trombón). Todas las 13 piezas que conforman este álbum que salió oficialmente al mercado el 28 de octubre de 2022 son compuestas por Perrino. En cuanto a los costes de las sesiones de grabación del material contenido en este disco y su posterior proceso de postproducción y masterización, éstos provinieron de una campaña de crowdfunding organizada por Perrino y que, según parece, tuvo buena acogida. Bueno, los resultados que percibimos del principio al fin de “Celeste With Celestial Symphony Orchestra” son bastante bien logrados, pero mejor repasemos su contenido tema por tema. 


‘Blu Genziana’ es la pieza inicial, estando delineada por una estilización cálida tanto en el delicado groove como en su primoroso desarrollo melódico, bien centrado en la realización de cromatismos gráciles bajo una consistentemente evocadora atmósfera. A continuación, ‘Nuove Galassie’ emerge para instaurar una reactivación un poco más sofisticada de la ambientación sonora concretada en la pieza de apertura para elevarla hacia un mayor señorío. Se nota un realce de factores bucólicos en medio del siempre predominante sinfonismo, algo muy conectado con ese legado del primer álbum de CELESTE. El dúo rítmico impulsa un incrementado fulgor expresivo mientras la orquesta se mueve en un terreno progresivamente cinematográfico. ‘Angeliche Prospettive’, por su parte, se encarga de elaborar una luminosidad amable y relajante, siendo así que el bloque sonoro global se apoya en la interacción entre las gentiles escalas de piano y los cristalinos efluvios orquestales. Las ceremoniosas últimas notas del piano dan un oportuno cierre al asunto. Con la dupla de ‘Pausa Di Quiete’ y ‘Ali Passeggere’, la coalición de grupo y ensamble orquestal sigue explorando matices dentro de su propuesta musical. El primero de estos temas da un nuevo giro de tuerca al dinamismo gentilmente bucólico por vía de un realce de las tonalidades pastorales que se emplean a la hora de realzar el desarrollo temático; el rol protagónico de la flauta es un eficaz aliciente para ello. En cuanto a ‘Ali Passeggere’, que dura poco menos de 7 minutos, su prestancia nos lleva de regreso al señorío envolvente de los dos primeros temas del álbum, gozando de una suntuosa solemnidad que es resultado de las vibraciones descollantes que emanan de la arquitectura orquestal. Aunque la pieza es lenta, nunca llega a lo parsimonioso porque la cordial espiritualidad transmitida por la mancuerna entre el piano y la orquesta llena espacios con impoluta fluidez. ‘Boschi E Lanterne’ impone una pastoral vivacidad signada por cálidos colores mediterráneos, algo firmemente asentado en la tradición del grupo. Hay una sutil sofisticación operando en la bien nutrida ingeniería melódica en curso; una de las piezas más inspiradas del álbum, sin duda. ‘Druidi E Musici’ regresa a lo abiertamente cinematográfico dentro de una amalgama sonora que se siente un tanto crepuscular, aunque todavía con algún brillo de atardecer. Se siente muy bien la conexión de este tema con ‘Boschi E Lanterne’.


‘Sogni Elisi’ deja atrás la suntuosidad frontal y expresionista y vira hacia una dimensión introspectiva y reflexiva, asumiendo algunos aires pastorales en medio del sosiego ceremonioso. Es el momento de una contemplación quieta tras los pasajes de jovial caminata que se reflejaron en los dos temas precedentes. Durando cerca de 7 ½ minutos, ‘Cascate Di Cristallo’ instaura un cénit decisivo dentro del álbum. La labor musical que brota de los diálogos y contrapuntos entre grupo y ensamble orquestal encarna sólidos desarrollos multitemáticos que se mantienen muy leales a las pretensiones de majestuosidad melódica propias del ideario prog-sinfónico. Incluso se nota en la labor de la batería que opera una garra especial, preservada con un talante sobrio, pero bastante genuina. El solemne epílogo permite a todos los colores sonoros empleados en el esquema musical aunarse dentro de un cauce perfectamente armonizado. Casi todo esto podría repetirse al hablar de ‘Maurice’, que es otro momento culminante del repertorio. Lo particular de este décimo tema del álbum es que su esplendor, tan notorio como es, está matizado por un bien calibrado derroche de matices bucólicos; así, cuando llega el turno de un pasaje extrovertido, éste no llega a romper con la meticulosamente perfilada gentileza que impera desde la primera nota. En líneas generales, se puede decir que esta dupla está íntimamente emparentada con el espíritu de los dos discos anteriores del maestro Perrino y co. ‘Echi’ sucede a la fascinante dupla precedente con suficiente solvencia al seguir el camino de extroversiones bucólicas y estilizados recovecos sinfónicos por el que se enfiló aquélla. Eso sí, su gancho particular se basa en un empleo un poco más sencillo de las susodichas extroversiones, pero cabe destacar el primoroso solo de flauta que entra a tallar a mitad de camino. ‘Ombre Cremisi’ regresa de lleno al terreno del sosiego contemplativo, preparando el camino para el cierre del repertorio, el cual llega de la mano de ‘Ametista Ed Opale’. Este tema exhibe colores y retazos impresionistas que se dejan arropar por atmósferas que oscilan plácidamente entre lo misterioso y lo luminoso mientras algunas ocasionales vibraciones pastorales se insertan en ciertos pasajes estratégicos. Un final grácilmente fastuoso como el que exige este hermoso álbum.


Todo esto fue “Celeste With Celestial Symphony Orchestra”, el nuevo disco de CELESTE que muestra a esta legendaria banda dando un gran paso adelante dentro de su historia reconstruida: siempre hubo una sensibilidad y un refinamiento académicos en el legado de este ilustre colectivo italiano, y ahora se ha dado la ocasión precisa para intensificar estos aspectos. De hecho, la riqueza sonora que se manifiesta tan magníficamente en este álbum refuerza aún más el sitial de venerable figura que CELESTE tiene dentro de la historia y el presente del rock progresivo italiano. Muy recomendable.
 


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CIRO PERRINO: música para meditaciones sin tiempo



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos en nuestras manos el más reciente disco solista del maestro italiano CIRO PERRINO, el cual se titula “Absence Of Time Vol. One”. Este señor, a quien conocemos como multinstrumentista de CELESTE (ayer y hoy), así como líder y compositor principal de otros proyectos ulteriores, también cuenta con una trayectoria solista que, en el presente año 2022, se reactiva con el mencionado disco. Publicado el 23 de febrero de este año 2022, “Absence Of Time Vol. One” recoge un catálogo obras compuestas, arregladas, producidas y ejecutadas exclusivamente por el propio PERRINO a los teclados y las percusiones; esta obra está propuesta como la primera de una serie de discos que se irán grabando y publicando de forma regular en el futuro con la meta de motivar serenidad contemplativa y escucha activa en los oyentes. Básicamente, lo que tenemos aquí es un ejercicio sistemático de música electrónica de talante ampliamente sosegado, la misma que se construye sobre una cruza de new age y ambient minimalista. También incorpora elementos atmosféricos y oníricos muy delicados que pueden tener cierta confluencia con la faceta más serena de los paradigmas de las grandes mentes de la tradición del krautrock cósmico. Bueno, veamos ahora los detalles estrictamente musicales de este disco. 


El primer tema dura poco menos de 13 minutos y se titula ‘New Path’. Con sus escalas iniciales se instaura firmemente la base para la espiritualidad ceremoniosa que atraviesa a la pieza de cabo a rabo. Los ornamentos adicionales que se van gestando para el centro temático impulsan una aureola de etéreo señorío que destila una misteriosa cordialidad. ‘Spirits Of The Woods’ emerge para virar hacia un terreno totalmente diferente bajo la lógica atmosférica y reflexiva que rige las coordenadas creativas vertidas en este disco. En efecto, exhibe unas vibraciones meditabundas en medio de un contexto de riachuelos y tenues brisas pastorales. Situadas en medio de lo espectral y lo evocador a partir de un encuadre masivamente introspectivo, las dispersas sonoridades vertidas que emulan cuerdas y vientos dentro del núcleo temático reflejan eficientemente la aureola mística plasmada en el título del tema. Todo es celestial y transmundano bajo un manto nebuloso. En cuanto a ‘Only One Way’, éste sirve como un vehículo para ahondar en el minimalismo celestial que ya se había empleado en el tema de entrada. Si en ‘New Path’ operaba un espíritu contemplativo, ‘Only One Way’ más parece aludir a un vuelo angelical con sus ostensiblemente serenas capas sónicas. ‘Space Boundaries’, el cuarto tema del disco, se caracteriza por generar unos renovadores recursos de majestuosidad a lo largo de su despliegue de ambientaciones envolventes. De hecho, hay un fulgor especial que no solo construye el núcleo central de la composición, sino que también encauza las atmósferas reinantes en ella. Incluso se puede hablar de cierta vivacidad cuando apreciamos el modo en que las capas de sintetizador se van turnando a través de los efluvios envolventes donde van ondeando. Se trata del cénit decisivo del álbum en tanto que traza las pautas generales para las formas y atmósferas prioritarias en la dupla final del mismo.

En efecto, ‘Far Oceans’ y ‘Underwater Worlds’ siguen fielmente la línea de la ingeniería musical de ‘Space Boundaries’, pero con un aire un poco más grave y una suntuosidad más dispersa, dos factores que van muy en línea con el KLAUS SCHULZE de la fase 1974-76. Siendo prácticamente piezas hermanas, podemos notar que la penúltima tiene una dosis un poco mayor de densidad espiritual que la última, mientras que ésta ostenta un fulgor más directo. Hasta aquí llega esta serie de meditaciones sónicas creadas e interpretadas por el maestro CIRO PERRINO para el disco “Absence Of Time Vol. One”. Este catálogo condensa en su seno la exhibición de una de las muchas facetas musicales que habitan en el universo estético de PERRINO, y la verdad que nos ha tomado por sorpresa de una manera muy grata este enfoque particular en torno al estándar general del ambient. Este incansable señor acaba de concretar la publicación de un nuevo disco de CELESTE con formato prog-sinfónico acompañado de un ensamble de cámara, pero eso lo dejaremos para un próximo momento. 


Muestras de “Absence Of Time Vol. One”.-
New Path: https://ciroperrino.bandcamp.com/track/new-path
Space Boundaries: https://ciroperrino.bandcamp.com/track/space-boundaries

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Tuesday, December 27, 2022

Los caminos elevados del ensamble alemán KARABA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno del grupo alemán KARABA y su disco “All High Ways”, el cual fue publicado el pasado 15 de diciembre tanto en CD como en doble vinilo; el formato de CD está realizado por vía independiente mientras que el doble vinilo es producido por el sello Klangschutz Schallplatten. “All High Ways” resulta ser no solo uno de los más notables álbumes de ese mes, y de paso, también del año entero. El colectivo conformado por Jakob Thun [batería], Maasl Maier [bajo], Louis Bankvas [guitarras] y Andreas Kainz [teclados] realmente se ha lucido a lo grande con éste, su cuarto trabajo de estudio. Asentado en Munich, el personal de KARABA se dedica, desde el año 2014, a cultivar un prog ecléctico donde se fusionan el space-rock, el jazz-rock y la psicodelia refinada de raigambre krautrockera. La grabación de este disco fue posible gracias a la subvención brindada por la institución Initiative Musik gGmbH con fondos de la Comisión Gubernamental Federal para la Cultura y los Medios de Comunicación. Los procesos de grabación y mezcla de este nuevo repertorio tuvieron lugar en Alemania, pero el de masterización tuvo lugar en el estudio danés Neckar Klangwerke, bajo el comando de Sven Samson Geiger. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio contenido en “All High Ways”.


Todo empieza con ‘Apostel’, una pieza signada por un groove efectivo y un desarrollo temático potente que se explaya a través de un esquema sonoro donde confluyen el jazz-rock y el space-rock bajo unas pautas progresivas. El dinamismo en curso es ampliamente extrovertido y las florituras del sintetizador se bastan para impulsar la solvente majestuosidad que inunda al bloque instrumental entero. Acto seguido, ‘Castros Spacecastle’ instaura una remodelación un poco más compleja de las atmósferas prevalentes en el tema de entrada en base al explayamiento de un señorío evocador y el aumento de la sofisticación en el armado de la ingeniería rítmica. Asimismo, se nota que hay una mayor densidad expresiva en el modo en que los instrumentos actuantes articulan su amalgama común. ‘Volkers Krieg’ se encarga de seguir una línea más propiamente jazz-progresiva, ostentando un aura bastante grácil a través de la contenida musculatura que se da en las interacciones instrumentales. Se notan aires del Canterbury y de la tradición fusionesca de los 70s (a lo RETURN TO FOREVER). Bien se puede decir que esta conexión entre los temas #2 y #3 conforma un primer momento culminante del repertorio. Con la dupla de ‘Schattenmorellen’ y ‘Zehn Sieben’, el grupo sigue explorando matices dentro de su sofisticada y rutilante propuesta musical. El primero de estos temas mencionados sigue firme en esa línea retro de la pieza precedente mientras ahonda a paso firme en esas tendencias psicodélicas con unas vibraciones filudas, siendo éstas manejadas con convincente elegancia. El swing creado por la dupla rítmica ostenta un refinamiento tremendamente refinado. Por su parte, ‘Zehn Sieben’ exhibe un vigoroso regreso a las aguas progresivas en una travesía bastante muscular que se vincula bastante con las propuestas de otras bandas como GÖSTA BERLINGS SAGA, D.F.A. y MAHOGANY FROG; hay ese álgido punto psicodélico que atraviesa a las complejas ilaciones entre los diversos motivos en curso. Cuando llega el turno de ‘Bummser’, el grupo regresa de lleno al terreno del jazz-rock con enfoque progresivo con una soltura contundente. El solo de guitarra es uno de los más destacados dentro del disco. 

‘Knackpunkt’ es otro momento culminante del repertorio y se toma un tiempo relativamente generoso (poco más de 7 minutos) para decir todo lo que tiene que decir. Básicamente, se trata de una revitalización de los aspectos jazz-rockeros y progresivos que ya conocemos de piezas precedentes, con un perfil psicodélico que delinea la mesurada densidad con la que opera el sonido grupal. De paso, tenemos un interesante duelo entre el sintetizador y la guitarra en un pasaje intermedio donde parecen fundirse los universos musicales de GONG y de HATFIELD AND THE NORTH; también tenemos a una batería que luce su propio nervio a través de los sofisticados grooves que elabora a lo largo de todo este trayecto. De esta manera, ‘Tetris CXI’, que es el siguiente tema, toma el relevo y se enfila por esta misma línea de trabajo mientras remodela algunos recursos estilísticos ya utilizados en los temas #2 y #5. Agilidad y gancho unidos en una llamativa algarabía progresiva que gesta un llamativo apéndice de la pieza precedente. Con el arribo de ‘Maasls Dreamland’, la gente de KARABA vuelve a combinar el aura sofisticada del jazz-rock y la densidad estilizada que es tan propia del modo en que se recoge la herencia del rock psicodélico. Dentro de la amalgama instrumental, los teclados y la batería arman la columna vertebral que sustenta al todo. ‘Stuck Im Wok’ recibe algunos ecos del tema precedente y los recicla con un talante un poco más ligero. Esto se sitúa en abierto contraste con el penúltimo tema del álbum, el mismo que se titula ‘Atomkraft’, pues su esquema de trabajo se basa en el armado de estructuras y grooves un poco más aguerridos y suntuosos. ‘Poelserweide’ es la pieza más extensa del repertorio con sus 10 ½ minutos de duración y también es la encargada de cerrarlo; ciertamente, el grupo aprovecha su amplio campo de acción para incluir aquí varias secciones. Todo comienza con un prolongado aire de misteriosa expectativa que se deja arropar por una atmósfera grisáceamente etérea. Más adelante, alrededor de la frontera del cuarto minuto, tras llevar las iniciales vibraciones flotantes hacia un clímax, el grupo empieza a asentar las bases para una aleatoria comunión sónica centrada en una ambientación ensoñadora. Finalmente, algunos factores de free jazz entran a tallar para llevar esta ambientación hacia una dimensión introvertidamente crepuscular. En líneas generales, todo esto ha sonado como una confluencia entre los mundos de RED KITE, KROKOFANT y TANGERINE DREAM. Un cierre muy ingenioso para un disco realmente fabuloso.

Todo esto fue lo que nos brindó desde los cuarteles del ensamble alemán KARABA con “All High Ways”, uno de los discos más sobresalientes (si no el más) que han salido de Alemania para la producción progresiva mundial del año 2022. La verdad que aquí se escucha una labor musical muy bordada de cabo a rabo, un deleite de eclecticismo ágil y creativo. Tal vez se trate de su obra cumbre por el momento. Recomendable al 400%: un 100% por cada integrante del grupo.
 
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Sunday, December 25, 2022

DWIKI DHARMAWAN: una inspirada mezcla de jazz-prog y mística



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Llega un poco tarde, pero ya está aquí nuestra humilde reseña sobre la magna obra del maestro indonesio DWIKI DHARMAWAN “Hari Ketiga”, la cual fue publicada el 19 de agosto del año 2020 por el sello MoonJune Records. Se trata de un álbum doble conceptual que versa sobre la concepción integral del vínculo entre la especie humana y el Planeta Tierra, teniendo en cuenta cuán poderoso y frágil a la vez es éste y cuáles son las urgentes responsabilidades que tiene aquélla para tratarle con sigilo, siendo como es su hogar y su hábitat. Este mismo concepto (oficialmente llamado The Third Day: A Musical Quantum Entanglement In Nine Acts) fue ideado por Leonardo Pavkovic, el amo y señor de MoonJune Records, mientras que las letras fueron escritas por Alessandro Ducoli y Luca Morzenti. Recogiendo las cosechas de sus dos discos precedentes – “Pasar Klewer” y “Rumah Batu”, de los años 2016 y 2018, respectivamente – “Hari Ketiga” da un paso más allá respecto a la exploración de elementos de tensa exuberancia dentro del discurso jazz-progresivo. El maestro DHARMAWAN se encarga de tocar los pianos acústico y eléctrico Fender Rhodes, el sintetizador Mini Moog, el armonio, además de hacer algo de canto y aportar efectos de sonido ambientales. Sus compañeros de viaje recurrentes son Asaf Sirkis [batería, percusión y sonidos ambientales], Markus Reuter [Touch Guitars y efectos electrónicos] y Boris Savoldelli [voz, efectos vocales y efectos electrónicos]. Algunas colaboracines ocasionales llegan de parte de Jeremias Pah (voz y sasanda), Endi Pah (voz y tambur) y Jonas Mooy con el Inggu Ndolu Group Art (voces, sasando, gong y tambur). Las sesiones de grabación para esta magna obra se realizaron La Casamurada de Banyeres del Penedés, Cataluña, España, el 17 de mayo de 2017. Adiciones posteriores se registraron en el Insanology Studio de Solto Collina, Italia; además, las piezas folklóricas indonesias que se utilizaron en algunas ocasiones datan del año 2012. Los procesos de mezcla y masterización corrieron a cargo del maestro Mark Wingfield en el Heron Island Studio de Cambridgeshire, Inglaterra, en dos etapas: agosto de 2017 y abril de 2020. Bueno, vayamos ahora a los detalles de este doble CD. 


Los dos primeros temas del álbum tienen las maratónicas duraciones de poco más de 28 ¼ minutos y de 34 minutos, respectivamente: ‘The Earth’ y ‘The Man’. Los delicados y evocadores fraseos de piano que dan inicio a ‘The Earth’ establecen una pauta eficiente para la instauración de una bien sostenida ambientación flotante dentro de la cual la dupla rítmica, las capas electrónicas y el canto elaboran un cuadro sonoro de ribetes cósmicos. Más adelante, cuando entran a tallar recursos de jazz experimental, el asunto se torna más intenso mientras gana también en lirismo; de esta manera, el bloque sonoro asume ropajes exorcistas que se sienten bastante señoriales. La vitalidad contenida que va reinando mientras esta maratón sigue adelante es interrumpida a veces por etéreos pasajes serenos, los mismos que ostentan un talante ensoñador. Ya cerca del final, el asunto se torna más abstracto, lo cual prepara el camino para la emergencia de ‘The Man’, la maratón que explora vibraciones más surrealistas y deconstructivas dentro de la pauta iniciada por el extenso tema de entrada. Los recursos de tensión e inquietud van explotando de manera secuencial dentro de un juego de formas libres que sabe hasta dónde llegar en cada momento; también hay intermedios de piano y de canto que parecen indicar a ciertos intentos de reconstrucción, pero, en general, hemos dejado atrás el tiempo de la evocación del ámbito celestial y estamos ahora en el de la ácida introspección del espíritu humano. Así, se exige el despliegue de una musculatura renovadora, no exenta de neuróticas exaltaciones. Es toda una experiencia en sí misma disfrutar de estas dos monumentales piezas que inician este ambicioso repertorio, pero el asunto debe continuar y lo hace con ‘The Event Horizon’, una pieza que se focaliza en un cálido ejercicio de jazz-fusion con cadencias progresivas. La vitalidad luminosa de los colores latinos nos hacen recordar un poco a los RETURN TO FOREVER de los dos primeros discos. El epílogo de piano es simplemente maravilloso, portador de un embrujo inmaculadamente envolvente que cierra con ceremoniosa ceremoniosidad el hermoso paisaje musical que se creó para la ocasión. 


‘The Loneliness Of The Universe’ abre el segundo volumen de “Hari Ketiga” y es uno de los dos temas que superan los 19 minutos de duración. Su esquema central se asienta sobre unos aleatorios efluvios espaciales que se emparentan cercanamente con la faceta lisérgica de las tradiciones del prog psicodélico y del krautrock. A partir de allí, se arman y dispersan los aportes de los instrumentos actuantes mientras su maraña cósmica va reforzándose al modo de una versión sonora de la técnica pictórica del dripping; más adelante, las cosas se tornan más exaltadamente dadaístas. Los complejos swings armados por la batería se encargan de cimentar una especie de columna vertebral que sirva de referencia para el edificio grupal. Aquí se da una inaudita cruza entre SUN RA, AREA, STOCKHAUSEN y ASH RA TEMPEL, hasta que el epílogo revela un trayecto jazz-progresivo bien definido sobre un compás de 7/8 donde todavía pervive algo de la soltura vanguardista precedente. ‘You’ll Never Be Alone’ preserva, a través de sus diversas deconstrucciones y dinámicas temáticas donde predomina lo atonal, bastantes factores del neurótico vitalismo vanguardista que definió a la pieza precedente. Con todo, también cabe señalar que la tensión exhibida aquí tiene un talante distinto del que acaparó a la mayor parte de ‘The Loneliness Of The Universe’. Esta vez hay aquí una urgencia más marcada desde algo así como un fuego interior. ‘The Truth – The Fact Is Done’ da una nueva de tuerca a las tácticas e ingenierías deconstructivas que se han venido imponiendo a lo largo de este segundo volumen, pero en sus pasajes iniciales se revela un candor propio de la calidez esencial del folklore indonesio. Es como si todo hubiese comenzado con una magia telúrica marcada por un fulgor gentil para luego derivarse hacia un empuje claroscuro pletórico de traqueteos ácidamente surrealistas. ‘The Perpetual Motion’ es el otro tema que dura más de 19 minutos. Reiterando la combinación de ambientes étnicos con esquemas contemporáneos, aquí hay un mayor acercamiento al prog psicodélico durante el desarrollo de las expansiones modernistas. Éstas nos suenan a un matrimonio entre los paradigmas de EMBRYO y JOHN ZORN, más algunos elementos de la dimensión más alucinada de los primeros discos de GONG. Posiblemente sea la mancuerna de estos dos temas el cénit de este segundo volumen y, además, la máxima exhibición de extroversión sónica de todo el doble álbum. Pero aún quedan ‘The Deal’ y ‘The Memory Of Things’ para completar la experiencia íntegra de “Hari Ketiga”. El primero de estos temas retoma varios aspectos del free jazz alucinado que ya percibimos en otros temas precedentes; en cuanto a ‘The Memory Of Things’, se trata de un ejercicio de climas crepusculares llevados por el piano con un tenor introspectivo, el mismo que no está exento de ciertos recursos de vivacidad.


Todo esto es lo que se nos ha brindado en este ampuloso, ambicioso y visionario disco que es “Hari Ketiga”, un testimonio de la visión musical del maestro DWIKI DHARMAWAN llevada hacia unas alturas grandilocuentes que están diseñadas para impactar profundamente al oyente empático tanto desde la óptica melómana como la mística. Es, hasta el momento, el trabajo más prestamente vanguardista dentro de la discografía del genial DHARMAWAN y, definitivamente, debería ser considerado como un referente esencial para a escena jazz-progresiva de nuestros días. 



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Saturday, December 24, 2022

FELIZ NAVIDAD Y UN PRÓSPERO AÑO NUEVO 2023



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Ya está llegando a su final el año 2022 y parece mentira, pues parece que fue ayer que estábamos preparándonos para darle la bienvenida, pero, como siempre sucede, nos da la sensación de que los días, semanas y meses nos pasan volando. Ahora se nos viene encima el Año Nuevo 2023 y, para celebrar tanto el buen espíritu del tránsito de la Nochebuena a la Navidad en conjunto con los aires de esperanza y nostalgia durante el tránsito de la Nochevieja al Día de Año Nuevo, tenemos aquí un tema compuesto por el maestro MARTIN BARRE, el guitarrista histórico de JETHRO TULL, tanto en su versión original como en una versión un poco posterior registrada para un disco del mencionado grupo. Aludiendo directamente al tipo de clima que se da en varios lugares de Europa y el Hemisferio Norte de nuestro planeta, la pieza que hoy traemos a colación se titula ‘Winter Snowscape’ y está incluida en el álbum de MARTIN BARRE “Stage Left”, originalmente publicado a inicios de agosto del año 2003 por los sellos Randm Records y Fuel 2000 en simultáneo. Se trataba de su cuarto disco de estudio dentro de una trayectoria solista paralela al grupo que se mantuvo relativamente consistente desde 1993 con el disco “A Summer Band”. Volviendo a la canción que ahora nos ocupa, en el último día de setiembre del mismo año, la gente de JETHRO TULL realizaría una nueva versión de la misma para el disco “The Jethro Tull Christmas Album” (un título muy directo). El disco de BARRE fue remasterizado y reeditado con nueva portada en el año 2019 por el sello Purple Pyramid Records (subsidiario de Cleopatra Records), al igual que otros solistas de él. 

 

Buen, vayamos en primera lugar a la versión original. Desde las primeras puntuaciones armónicas de la guitarra acústica y las acentuaciones temáticas de otra guitarra acústica, se pone al frente un enfoque pastoral cuyas vibraciones bucólicas tienen algo de contemplativo y también algo de añoranza, aunque el groove general de la pieza (además de los sutiles ornamentos de teclado del trasfondo) permiten que opera un oportuno toque de gracilidad para signar al desarrollo melódico. Con las ulteriores incorporaciones de las percusiones (que son programadas) y las capas orquestales, emerge una vitalidad nueva que se enrumba fluidamente dentro del bien definido motif. Creemos que es en este punto que el maestro MARTIN BARRE quiere transmitir lo que es la movilidad ciudadana que impulsa el carácter extrovertido que se siente en las calles y villas mientras la gente sale a comprar regalos navideños e insumos para los manjares a disfrutar con los familiares y amigos, y también en el ambiente comercial que arropa estas convenciones sociales. La cualidad principal de esta composición está en la de saber explotar un motif central con la debida sobriedad, dándole algunas vueltas y ciertas sutiles variaciones a lo largo del camino mientras se van añadiendo otros ornamentos musicales que, al modo de ciertos retazos de color delicadamente añadidos a un óleo casi terminado, se compenetran naturalmente con la base melódica ya existente.


En la versión de JETHRO TULL, el título de esta pieza se modifica ligeramente como ‘A Winter Snowscape’ y, claro está, su esquema sonoro debe incluir la flauta de Ian Anderson como parte de la amalgama sonora protagónica; en este caso, comienza reforzando las acentuaciones de la guitarra acústica solista, y más adelante, empieza a trabajar con contrapuntos frente a ellas. Finalmente, para la última sección, la flauta se pone a hacer unas ágiles florituras que aumentan los aires extrovertidos ya presentes en la segunda mitad de la composición que BARRE visualizó y creó en su momento. El susodicho instrumento de viento añade un tenor céltico a asunto que, en parte, nos remite a los tiempos de “Songs From The Wood” y “Heavy Horses”; por su parte, los arreglos de percusión y de teclados fueron respetados fielmente respecto a la versión original. Andrew Giddings se hizo cargo de los teclados, al igual que en la versión aparecida en “Stage Left”. Tenemos muy presente en nuestra memoria la existencia de “The Jethro Tull Christmas Album”, pues se trató del último disco de la banda con BARRE como integrante, y, de hecho, Ian Anderson lo declaró en su momento como la obra fonográfica con la que el grupo se despedía del mercado fonográfico. Claro está, con el paso de los años, cambión de idea, y en este mismo año 2022, él presentó la selección de composiciones que integran el disco “The Zealot Gene” como un disco de JETHRO TULL.


Ornamentamos este post con un hermoso cuadro del maestro francobritánico Alfred Sisley (1939-1999) donde se muestra un paisaje nevado en un ambiente pueblerino, algo que simboliza idóneamente la espiritualidad bucólica esencial para la hermosa pieza musical que hemos reseñado hoy. 

Por supuesto que no pueden faltar los enlaces con los que podemos disfrutar de ella en sus dos versiones.-
Versión original: https://www.youtube.com/watch?v=v0OftlrUkZ8
Versión de JETHRO TULL: https://www.youtube.com/watch?v=cy2z1f19rs0


¡¡FELIZ NAVIDAD Y UN PRÓSPERO AÑO 2023 
PARA TODO EL MUNDO!!

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Friday, December 23, 2022

RENAISSANCE: cenizas para un renacimiento de evocaciones antológicas

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos un ítem fonográfico muy especial que fue publicado por el sello Esoteric Antenna en la segunda mitad de abril del pasado año 2021 en formato de doble CD + DVD: se trata de “50th Anniversary: Ashes Are Burning – An Anthology: Live In Concert With The Renaissance Chamber Orchestra”, el cual recoge un concierto que realizó la renacida banda británica RENAISSANCE para conmemorar, tal como dice el título, el quincuagésimo aniversario de su fundación. El concierto en cuestión tuvo lugar en el Keswick Theatre, Glenside, Philadelphia, el 12 de octubre de 2019, un año y medio antes de la publicación de este ítem. Dado que RENAISSANCE, durante su época de mayor pegada comercial, tuvo más recepción en los escenarios estadounidense, era lógico que la celebración de esta efemérides tuviese lugar en este país. La alineación de RENAISSANCE que actúa aquí está integrada por su frontwoman histórica Annie Haslam [voz], Mark Lambert [guitarras y coros], Rave Tesar [teclados y dirección musical], Geoffrey Langley [teclados y coros], Leo Traversa [bajo y coros] y Charles Descarfino [batería, percusión y coros]. También se hace presente la Renaissance Chamber Orchestra, la misma que está conformada por Won Allen (flautas y clarinetes), Bob Magnuson (oboe, corno inglés, flauta y clarinete), Vinnie Cutro (trompeta y fliscorno), Bobby Ferrel (trombón), Joe Deninzon (violín), Eddie Venegas (violín), Orlando Wells (viola) y Leo Grinhauz (cello). Además, aparece un miembro fundador de la banda en dos canciones: Jim McCarty... más detalles luego. Por lo pronto, hagamos un poco de historia reciente de esta importantísima entidad para la tradición progresiva británica desde fines de los 60s. Tras una primera intentona en el año 2000 con el álbum “Tuscany”, Annie Haslam y Michael Dunford (guitarrista y principal compositor del grupo desde los tiempos del tercer disco “Prologe”), volvieron a unir fuerzas a inicios de la segunda década del nuevo milenio para crear un disco de retorno con un nuevo empuje para la reactivación de RENAISSANCE: el disco concluido se llama “Grandine Il Vento” y fue publicado en edición limitada en mayo de 2013, pero mientras se estaba finiquitando la postproducción del disco en cuestión, Dunford falleció (20 de noviembre de 2012). A pesar de esta fatalidad, Haslam y el teclista Rave Tesar (una persona muy importante para el armazón sonoro del actual RENAISSANCE) reorganizaron a la agrupación y, de paso, prepararon una reedición del nuevo disco bajo el título de “Symphony Of Light”, el primer tema del mismo. Con un nuevo ítem fonográfico en el mercado y unas ganas enormes de rendir tributo a Dunford, Haslam, Tesar y co. emprendieron algunas series de conciertos para mantener viva la llama nueva. Así las cosas, en algún momento, tenía que llegar el año 2019, que es el del aniversario #50 del disco debut “Renaissance” (también llamado “Kings And Queens”), publicado en diciembre de 1969. Esto tenía que ser celebrado por todo lo alto.


Veamos ahora el repertorio de concierto aquí registrado. El evento comienza con la deliciosa dupla de ‘Carpet Of The Sun’ y ‘Ocean Gypsy’, dos de las muchas canciones definitorias de la leyenda inmortal de RENAISSANCE: la primera de ellas destila un candor pastoral que se explaya a través de un fineza melódica entrañable, mientras que la segunda se adentra en un terreno más majestuoso en medio de las vibraciones dramáticas que se generan a partir del cósmicamente perpetuo desencuentro entre el sol y la luna. Eso sí, la majestuosidad abierta y directa se eleva hacia un fulgor hermosamente suntuoso cuando el grupo se embarca en sus composiciones más extensas, y la primera demostración de ello se da cuando llega el turno de ‘Running Hard’, la excelente pieza que abre el álbum de 1974 “Turn Of The Cards” (el mismo que inició la trilogía climática que se completa con “Scheherazade And Other Songs” y “Novella”). Así las cosas, el impulso creativo del ensamble y la vitalidad compartida con el público se asientan con firmeza. Tras el despliegue de bucólica ceremoniosidad del cantico anti-capitalista ‘Midas Man’ llega el turno de ‘Symphony Of Light’, una canción muy acorde con la faceta más pomposa de la banda que se inspira en la belleza de los cuadros del maestro LEONARDO DA VINCI. La propia Annie Haslam le menciona como uno de sus pintores favoritos. Tanto esta pieza como ‘The Mystic And The Muse’ (que aparece en el segundo volumen) forman parte de “Grandine Il Vento”, el disco de retorno que se gestó en 2013 en torno a Michael Dunford y Anne Haslam junto a nuevos compañeros instrumentistas y que mencionamos antes. La presencia de estas dos canciones refleja la valía que ellas tienen para afirmar la legitimidad estética de esta idea de unos RENAISSANCE renacidos. Claro está, en el caso particular de ‘Symphony Of Light’, que dura alrededor de 12 minutos, tenemos un nuevo ejemplo de conexiones multitemáticas que se concretan en una elocuente suite progresiva donde el grupo y la orquesta se hermanan para dar un trasfondo ampuloso al magnífico canto de Haslam. La otra canción es un raro pero excelente ejemplo de manejo de variables melódicas densas e inquietantes. En las instancias actuales de la carrera de RENAISSANCE, Annie se hace cargo de las letras.


Una de las más agradables sorpresas del repertorio escogido para esta ilustre ocasión es el espacio que se brinda para “A Song For All Seasons”: tres canciones son tomadas de allí para la segunda parte del evento, la sublime dupla de ‘Opening Out’ y ‘Day Of The Dreamer’ más la épica canción titular. Este álbum de 1978 es percibido como el último que aún preserva el cénit estilístico del paradigma estilístico de RENAISSANCE al recibir los ecos musicales de los cuatro álbumes precedentes. Definitivamente, estas tres canciones pueden demostrar esta noción bajo el calor impulsor de la actuación que tuvo lugar aquí, además de la prestancia esencial de sus desarrollos multitemáticos, transitando fluidamente entre lo grave y lo luminoso en medio de un colorido que se regocija en su propia abundancia. Otra agradable sorpresa – a la que ya aludimos más arriba – es la presencia de un integrante fundador de la banda, el baterista-percusionista y compositor Jim McCarty para dos canciones, tocando ahora la segunda guitarra acústica y haciendo coros. La primera de esas canciones es ‘Island’, extraída del homónimo álbum debut de 1969 y que la propia Annie cantó como parte de su exitosa audición para entrar a la banda el 1 de enero de 1971 (y todo ello mientras aún no se publicaba el segundo disco grabado por la alineación original de RENAISSANCE).* La segunda es la infaltable y extensa coda ‘Ashes Are Burning’, que, con los espacios que abre para los diferentes solos, también permite a Mark Lambert lucirse por única vez a la guitarra eléctrica. Mientras tanto, la presencia de McCarty hace que esta canción simbolice la fusión de las dos grandes épocas del grupo, la de 1969-71 y la de 1972-78. No hay mejor manera de terminar el concierto que ésta, con una canción que comienza con una sucesión de solemnes estructuras melódicas y termina con una vibrante soltura que se extiende sin que nadie, en medio de la gozosa camaradería, quiera que termine. 


Bueno, vamos terminando esta reseña señalando que el personal de RENAISSANCE sigue activo; de hecho, el grupo realizó varios conciertos a lo largo del año 2022 – incluyendo unos donde compartían cartel con CURVED AIR, que también fue reactivado hace unos años por su frontwoman Sonja Kristina – bajo la nomenclatura de Renaissance: The Legacy Tour 2022, en celebración de los 75 años de Haslam. Por nuestra parte, este registro en vivo nos demuestra que, junto a la capacidad de los nuevos músicos de dar nueva vida al legado de sus antecesores, existe todavía una solvente capacidad performativa en la radiante Annie haslam, independientemente de que en algunos momentos se le note, como es natural, el paso de los años y las décadas. Finalmente, dedicamos esta reseña a las respectivas memorias de los grandes personajes que aportaron grandes cosas a la leyenda de RENAISSANCE y que ya no están entre nosotros: Keith Relf († 1976), Betty Thatcher († 2011), Michael Dunford († 2012) y John Tout († 2015).


Muestras de “50th Anniversary: Ashes Are Burning – An Anthology: Live In Concert With The Renaissance Chamber Orchestra”.-
Running Hard: https://www.youtube.com/watch?v=Vc_Y7sWbob0
Symphony Of Light:  https://www.youtube.com/watch?v=X2Ttr9EYteM
A Song For All Seasons: https://www.youtube.com/watch?v=FCuCZQaUWNU
Ashes Are Burning: https://www.youtube.com/watch?v=pIt2UrzQC6s


* Como anécdota relevante, resulta que McCarty y Keith Relf, el otro compositor de la primera etapa del grupo, mientras estaban coordinando el nuevo camino de RENAISSANCE previamente a la salida definitiva de ambos, atestiguaron esa audición de Haslam y ambos quedaron, como puede suponerse, altamente impresionados por su rango vocal y su carisma.

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Wednesday, December 21, 2022

POLY-MATH y un nuevo cénit para el rock progresivo de nuestros días

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión presentamos el nuevo disco del grupo británico POLY-MATH, el tercer trabajo de larga duración en lo que va de su carrera y el primero como quinteto: se titula “Zenith” y fue publicado el pasado 18 de noviembre por el sello Nice Weather For Airstrikes. Hoy por hoy, POLY-MATH opera con la alineación de Timothy Laulik-Walters [guitarras], Joseph Branton [bajo], Chris Woollison [batería], Chris Olsen [saxofones] y Joshua Gesner [teclados y sintetizadores]. Las sesiones de grabación para “Zenith” tuvieron lugar en The Ranch Production House, en la campiña de Nursling, Hampshire; las ulteriores sesiones de masterización se realizaron en Hell Yeah Mastering, en Brighton. Además de la edición digital como descarga desde el blog de Bandcamp del grupo, está la edición en vinilo por vía del sello fonográfico antes mencionado. Han pasado nueve años desde que se formó este grupo en la antes mencionada localidad de Brighton con la misión de cultivar una mezcla experimental de prog-metal, jazz-rock, psicodelia y math-rock con miras a enriquecer la actual escena del prog vanguardista y, tal como señalamos más arriba, se trata de su primer trabajo con el formato de quinteto. Esta circunstancia es muy conveniente para focalizar la concreción del crecientemente sofisticado material que la banda ha compuesto para la ocasión; se trata, en efecto, de su disco más ecléctico hasta la fecha, pero mejor vayamos ahora mismo a los detalles del repertorio contenido en él.  
 

Durando poco menos de 4 minutos, la pieza homónima abre el álbum con una genuina declaración de principios sobre varias de las líneas de trabajo principales dentro del disco. Las amenazantes pulsaciones inusuales de la dupla rítmica llevan ya una carga expresiva poderosa que se va enriqueciendo mientras los demás instrumentos se van uniendo. Pensemos en una remodelación math-rockera del legado de GORDIAN KNOT con añadidos ornamentos de avant-prog al estilo de PRESENT y nos haremos una buena idea de lo que es ‘Zenith’. Acto seguido, ‘Velociter’ emerge como el primer cénit auténtico del repertorio, concretando un empuje vertiginoso e incandescente de prog-metal sazonado con traqueteos implacables de math-rock, matices de jazz-rock y ciertos ornamentos psicodélicos. Hay una claridad en el delineamiento de los motivos centrales que refleja muy bien la capacidad que tienen los integrantes individuales de este colectivo para imponer sus aportes dentro de una ingeniería impolutamente coordinada. ‘Charger’ se encarga de dar un viraje al esquema sonoro grupal al adoptar un groove marcadamente sincopado. Este esquema de trabajo obliga al grupo a explorar más a fondo esos climas psicodélicos que también forman parte de su versátil propuesta estética, exploración que se mete en terreno intermedio entre el de KING CRIMSON y el de los STICK MEN. Con la dupla de ‘Canticum II’ y ‘Canticum I’ – así, en orden inverso – se sigue desarrollando matices y recursos de vigor expresivo dentro de su encuadre rockero. El primer ‘Canticum’ se eleva hacia alturas sofisticadamente incandescentes por intermedio de la alternancia entre grooves tribales y otros más majestuosos, siendo éstos capaces de transitar fluidamente desde el área del prog-metal hasta el del jazz-rock y de ahí hasta el math-rock. En línea con los paradigmas de ANIMALS AS LEADERS y CANVAS SOLARIS, el grupo congrega y articula diversas secciones con variados niveles de musculatura, además de un muy inteligente sentido del diálogo en medio de los virtuosismos individuales. En cuanto al segundo ‘Canticum’, éste se encarga de liberar y amplificar la densa garra de la pieza precedente para condensarla en una exhibición de combativa extroversión. 

‘Proavus’ está insertado en la lógica del djent dentro de un dinamismo brutal dentro del estándar prog-metalero. La pieza desarrolla infatigables recovecos sonoros donde las multívocas metrallas de la guitarra y el nervio arquitectónico de la batería asientan un encuadre complejo para la instrumentación global. ‘Mora’ es la única pieza del álbum diseñada para evocar climas relajantes, y lo hace con una combinación de jazz-rock experimental (un groove mesurado con un sutilmente suntuoso juego de síncopas) y post-rock (alternancias entre fraseos minimalistas y pulsiones pluviales de parte de la guitarra). El aura de este tema es notoriamente crepuscular, dispuesto a ejercer flotantes exorcismos de una noche inminente. En fin, ‘Metam’ se encarga de cerrar el repertorio. Comenzando con una parsimonia un tanto siniestra que nos hace recordar al legado de chamber-rock francófono, en una segunda instancia brota y se refuerza una serie de recursos expresivos electrizantes que se asienta cómodamente en una intensa encrucijada entre el prog psicodélico y el stoner, llegando a explicitar una espiritualidad juguetonamente neurótica. Tras este expansivo momentum, el epílogo retoma el motif inicial con una musculatura incrementada que se hace eco del vigor elaborado en la sección intermedia. Todo esto fue “Zenith”, el nuevo boato de esplendor progresivo para nuestros días que se hizo en la fábrica musical de POLY-MATH. Un cénit decisivo para la carrera de la banda, un disco muy filudo, muy poderoso y muy recomendable.
 

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Sunday, December 18, 2022

Los esbozos anárquicamente eclécticos del proyecto italiano ORCHESTRE CELESTI



HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de presentar el más reciente trabajo fonográfico de ORCHESTRE CELESTI, proyecto avant-progresivo italiano fundado y liderado por el multiinstrumentista y compositor Federico Fantacone. Dicho trabajo se titula “Anarchy” y fue publicado el primer día de marzo del presente año 2022 por vía independiente digital; como suele suceder en estos caso, el maestro Fantacone se hace cargo de todas las composiciones contenidas en el álbum que hoy reseñamos. “Anarchy” es el octavo disco de este proyecto que se inició en el año 2006 para promover una propuesta ecléctica de sinfonismo, jazz-prog, ambient, RIO y electrónica. Aquí, Federico Fantacone toca casi todos los instrumentos (Roland, Korg, Moog, Behringer, Waldorf, Boss, además de otros teclados de software) y, además, maneja todos los samples de batería y vientos. Veamos ahora los detalles del repertorio de este disco. 

Las dos partes de ‘Hammers’ ocupan conjuntamente un espacio de casi 11 ¾ minutos de duración, siendo así que la primera de ellas exhibe un intimista ejercicio de atmósferas ensoñadoramente cinematográficas que giran en torno a delicadas escalas de piano eléctrico, mientras que la segunda se enfila crucialmente hacia una equilibrada mezcla de RIO (a lo HENRY COW) y jazz-prog cuyo talante contemporáneo está marcado por el esquema cibernético de la instrumentación. ‘Hammers, Pt. 1’ es, de hecho, la primera pieza del álbum que se sustenta explícitamente en la faceta más propiamente extrovertida del proyecto de Fantacone. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto y medio, la pieza recupera esos aires ensoñadores de la Parte 1 con el propósito de gestar un epílogo misterioso arropado por un sobrio señorío. ‘ImpresionistiX’ es el tercer tema del repertorio y cumple con la misión de elaborar un exquisito entramado sonoro donde lo onírico y lo evocador se fusionan en una sola fuerza expresiva. Las atmósferas del prólogo se insertan en lo cósmico mientras que el cuerpo central se enfoca en una cruza entre los paradigmas de los legendarios HAPPY THE MAN y los inolvidables A TRIGGERING MYTH. La compleja estructura compositiva fluye naturalmente hasta el arribo del muy juguetón epílogo. Estos temas #2 y #3 encarnan importantes cúlmenes dentro del álbum. ‘Weaponization’ se centra más en lo sinfónico, usando diversos esquemas románticos para las bases de piano mientras los demás instrumentos aportan matices espaciales que se sitúan a medio camino entre el RICK WAKEMAN de los 90s y los solistas de JORDAN RUDESS. No falta algún que otro sorprendente interludio de inspiración modernista por allí, una refrescante brisa de calculada intensidad que agita las aguas de los motivos principales. ‘Chiaroscuri’, que dura 9 1⁄2 minutos, es la pieza más extensa del álbum, y ciertamente, otro de sus momentos climáticos. Su frontalmente pomposo pasaje de inicio nos lleva a una cruza entre sinfonismo y prog electrónico gestada una soltura fulgurosa y convincente, logrando así que todo el desarrollo multitemático preserve su magnetismo. La palaciega serenidad del epílogo ostenta un gentil remanso crepuscular.   

‘Streichfett’ exhibe, en un espacio de casi 8 1⁄2 minutos, otro momento de excelsa fastuosidad, esta vez, centrada en la elaboración de una estructura ambient con relevantes refuerzos electrónicos que coquetean seriamente con el krautrock electrónico orientado a refinamientos melódicos que gente como TANGERINE DREAM practicaba entre fines de los 70s e inicios de los 80s (y también, a veces, VANGELIS en sus partituras para documentales desde los 80s). La sección final es toda una celebración sinfónica fiel a la tradición del género a través de un filtro conjuntamente manejado por THE ALAN PARSONS PROJECT y OMD. ‘Intro To The Phantom Of The Opera’ realza el esquema de trabajo cinematográficamente electrónico para una ingeniería compositiva ostentosamente más diversa que las que articularon los dos temas precedentes. ‘Disorder’ apunta hacia lo mismo y aumenta las dosis de sofisticación estructural, realzando aún más las vibraciones intensamente futuristas de lo electrónico (incluso la primera sección está más emparentada con THE HUMAN LEAGUE que con EMERSON, LAKE & PALMER o YES) mientras maniobra con impoluta fluidez las transiciones entre todas las secciones a fin de que la totalidad conforme una entidad solventemente íntegra. Cuando llega el turno de ‘We Are Not Who We Are’, nos encontramos con un inspirado ejercicio de síntesis de los espíritus de los temas #3 y #4, el mismo que casi iguala la fastuosidad explícita de ellos a través de su espacio de 3 1⁄2 minutos. ‘Piano imPRO-1’ hace honor a su título con una serie de pasajes de piano solitario que se pasean por el romanticismo y el impresionismo con tersa naturalidad. La miniatura ‘[To Be Continued]’ es un delicado ejercicio de travesuras avant-progresivas donde concluyen los mundos de UNIVERS ZÉRO y AKSAK MABOUL, posiblemente estableciendo algunos nexos estilísticos con SCHERZOO y otras bandas de orientación semejante. Todo concluye con el arribo de ‘Take A Knee (Afterward)’, una pieza que rezuma gentileza tanto en su arquitectura compositiva como en el groove usado para la ocasión, groove que se explaya cómodamente sobre un compás inusual. Los pasajes de piano combinan influencias de dos maestros tan dispares entre sí como Rick Wakeman y Kit Watkins.

Todo esto fue lo que se nos brindó en “Anarchy” desde los cuarteles progresivos de ORCHESTRE CELESTI, una obra sumamente interesante que apuesta por esquemas y estrategias de sonidos nuevos dentro de la hibridación entre diversas vertientes progresivas que cuentan con largas tradiciones sobre sus respectivas espaldas. Cada pieza es un cosmos integral en sí misma mientras que el conjunto es como una pinacoteca sónica de esbozos anárquicamente eclécticos que abordan una visión versátil y modernizada para el ideal de la vanguardia progresiva. Totalmente recomendable este disco, así como recomendable es también investigar en toda la discografía que el maestro Federico Fantacone tiene publicada en el blog de Bandcamp de ORCHESTRE CELESTI.


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