Recobrando el tesoro musical de MANTRA desde los acantilados del rock andaluz de fines de los 70s

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca echar una mirada a los pasadizos olvidados del rock con raíces andaluzas que tanta creatividad motivó en varias agrupaciones musicales del hermoso Sur de España en la segunda mitad de los 70s. Más específicamente, el pasadizo de MANTRA, banda surgida en la localidad gaditana de Puerto Real en 1977 bajo la iniciativa conjunta del guitarrista Juan Ahumada, el bajista Kiko Fernández y el baterista Tato Macías: siendo de Sanlúcar, Los Barrios y Puerto Real respectivamente, el destino los hizo coincidir en un lugar y tiempo idóneos para crear sus primeras ideas musicales al amparo del ideal de un rock progresivo al típico estilo andaluz. Poco después se unió al naciente grupo otro guitarrista llamado Tito Alcedo, oriundo de Barbate; ya tenemos así a MANTRA como entidad bien definida. En sus primeros conciertos, el cuarteto primigenio de la banda compartió cartel con varias bandas heroicas de la vanguardia rockera española como CAI y AZAHAR, siendo así que el quinteto definitivo se consolidó con el ingreso del teclista gaditano José Manuel Portela. Con un material prolijo en musicalidades ricas y cautivadoras que la banda fue componiendo en el transcurso de un año, MANTRA grabó una maqueta en el local de sus ilustres paisanos de CAI. Es una injusticia del destino que MANTRA no lograra concretizar un contrato de grabación durante el corto periplo madrileño que realizó con la maqueta bajo el brazo; esta situación de indiferencia (o insuficiente interés) llevó al grupo a la desmotivación y ulterior disgregación. [Más información en el enlace http://www.arabiandrock.org/mantra.html]. Pero… nada dura para siempre, ni siquiera la nada, y es por ello que podemos sonreír de oreja a oreja de ese demo de MANTRA gracias a la iniciativa que tuvo en 2011 la Asociación Cultural Arabiand Rock para editarlo físicamente con el nombre de la banda misma. 

 

Revisemos la música en cuestión. Los primeros 5 ¼ minutos de este testimonio musical están ocupados por ‘Sanlúcar’, una pieza grácil y colorida cuya secuencia de cambios de motivos y atmósferas está diseñada con inspirada fluidez y ostensible dinamismo; de todas maneras, hay un motivo central que se hace notar como centro neurálgico de todas las variantes que han de desarrollarse dentro de los confines del tema. Hay un interludio magistral donde la guitarra solista y el sintetizador se baten en un duelo electrizante antes de que el motivo central regrese brevemente para la coda. Luego sigue ‘Bajo La Sombra De Un Ciprés’, un tema más explícitamente intenso que saca buen provecho de su duración de 9 ½ minutos: la mezcla de sinfonismo a lo CAMEL y jazz-rock a lo RETURN TO FOREVER funciona a las mil maravillas para elaborar y completar los flujos melódicos arábigos y revestirlos con un elegante toque de psicodelia progresiva. Hay un momento donde Portela elabora un vibrante solo de sintetizador que marca la pauta para el solo de guitarra que vendrá poco después, y de hecho, Portela es la pieza fundamental para la base armónica que consistentemente sustenta el desarrollo de la pieza. Hablando de Portela, justamente él asume el canto en el siguiente tema, ‘Acantilado’, el cual se estructura bajo la influencia del primer disco de CAI (“Más Allá De Nuestras Mentes Diminutas”), aunque también porta afinidades con otras bandas progresivas hispanas de robusta expresividad como MEZQUITA y BLOQUE. ‘Arco Iris’ repite el mismo esquema de trabajo, reforzando así la frescura y energía inherentes al quinteto.

‘Sacromonte’ y ‘Mantra’, antepenúltimo y último temas de este histórico documento, son también los más extensos del mismo, durando ambos poco más de 11 minutos. ‘Sacromonte’ empieza con una ambientación cósmica misteriosa un tanto Floydiana en un prólogo que dura 4 ½ minutos, tras lo cual se abre campo un ágil jam central que se instala cómodamente entre lo arábigo y lo aflamencado (muy a lo CAI, por cierto). En algún momento, el grupo hace una variante impetuosa incrementando la intensidad del compás  en el jam para que el protagonismo, antes exclusivo de la guitarra, se reparta entre el sintetizador y la guitarra. ‘Mantra’, en comparación, exhibe una elaboración melódica más ambiciosa. Empieza con un motivo lento y reflexivo donde la banda explora su faceta más sutil, luego derivando hacia un breve pasaje rotundamente extrovertido que instaura una especie de clímax. Luego, tras un puente basado en etéreas capas de teclado, emerge un segundo clímax rockero donde la maquinaria sónica de la banda opera a todo motor. La coda retoma brevemente el primer motivo, completando así el círculo multi-temático.

Todo esto nos ofreció el documento rescatado por Arabiand que acabamos de reseñar aquí: aunque sea demasiado tarde, eso es mejor que nunca, y cualquier tiempo es, a fin de cuentas, bueno para rescatar y valorar el legado progresivo andaluz de MANTRA. ¡Que viva el Sur de España por siempre y para siempre!

Muestras de “Mantra”.-

Sanlúcar: http://www.youtube.com/watch?v=IFOkiQAN9AA

Mantra: http://www.youtube.com/watch?v=eRluAsmrLQo

El nuevo ritual de bienaventuranza musical de MONTIBUS COMMUNITAS

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos volvemos a topar con MONTIBUS COMMUNITAS, el incombustible e imparable ensamble peruano dedicado a la loca y osada misión de reformular el discurso del kraut dentro del contexto particular de la psicodelia underground peruana. El motivo es ahora su nueva producción fonográfica, el CD “Ānanda Saṃgha”, el cual recoge cuatro temas tocados en diversos eventos en vivo. ‘Catequil’ fue grabado en el restobar Koca Kinto el 21 de diciembre de 2011; ‘Verðandi’ y ‘Hridaya’ fueron registrados en el Hell Bar el 11 de febrero del año siguiente; en fin, ‘Medhā’ fue grabado en la Universidad de San Marcos diez meses después. El sello Reverb Worship se ha encargado de convertir esta selección en CD físico, el cual ha vuelto a ser recibido con pleno entusiasmo por los coleccionistas y perpetuos soñadores de música psicodélica que han venido siguiéndole la pista al grupo en las redes sociales.

El contexto y las exigencias de estas actuaciones en vivo conllevaron que MONTIBUS COMMUNITAS ampliara su personal a octeto: Anna (violín y canto), Brayan (guitarras acústica y eléctrica, percusión, flauta de Pan, batería, órgano y oscilador), Carlos (bajo), Efraín (congas, platillos y quijada de burro), Giancarlo (bajo), Pedro (batería, guitarra eléctrica, quena y canto), Sergio (batería, bombo andino, percusión, guitarra eléctrica y órgano) y Teté (guitarra eléctrica). Así las cosas, el bloque sonoro no solo se siente robustamente asentado sobre la plenitud sónica forjada a partir de la creativa fricción entre estas abundantes fuentes instrumentales, sino que además, logra reavivar la ideología estética de MONTIBUS COMMUNITAS con matices rockeros que forjan variables interesantes para la mística grupal esencial. ‘Catequil’ ocupa los primeros 20 minutos y medio del álbum, y a partir de sus expansivos trayectos sonoros que va creando al andar, su carruaje de intensa psicodelia se ajusta perfectamente a la anterior descripción. Los instrumentistas gestan sus jams sucesivos sosteniendo una consonancia compartida de un modo fluido: los riffs y fraseos de las guitarras se acoplan bien a los muchos momentos protagónicos del violín de Anna, las cadencias rítmicas se arman y rearman con solidez mientras los adornos percusivos entran a tallar haciendo gala de ingenio. El clímax conclusivo está envuelto un aura contemplativa, lo cual permite a la banda cerrar este primer viaje con un ejercicio de calma gradual. 

 

‘Vedðandi’ y ‘Hridaya’ son los números menos extensos del álbum: el primero de ellos se asienta en una base de fuerte raíz drone, no exenta de alusiones al PINK FLOYD 68-70, mientras que el segundo se proyecta hacia los legados de AMON DÜÜL y de YATHA SIDHRA. Ambos temas coinciden en otorgar espacio a intervenciones vocales donde se improvisan mantras, y de hecho, esos espacios signan en buena medida los indicios por los que se trazan los vuelos instrumentales de turno. Cierra el álbum ‘Medhā’, un electrizante viaje de 15 ½ minutos donde la banda se acerca más al estereotipo de AMON DÜÜL II (etapa del “Yeti” y “Tanz Der Lemminge”), lo cual conlleva la aportación de un colorido más luminoso a los despliegues de densa intensidad que han caracterizado al repertorio en su coherencia integral. Como balance final, solo resta elogiar a MONTIBUS COMMUNITAS por haber logrado en “Ānanda Saṃgha” tocar nuevos picos creativos dentro de su montañoso paisaje musical que va aumentando con cada disco: otra muestra de la efervescencia continua e incansable de la actual vanguardia rockera peruana.

Muestra de “Ānanda Saṃgha”.-

Catequil: http://montibuscommunitas.bandcamp.com/track/catequil

Un gran paseo avant-progresivo por la ciudad espectral de ATHANOR

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da el momento de presentar al grupo francés ATHANOR y su espectacular disco “Vos Cités Sont Des Tombeaux”, al cual designamos ya como uno de los más notables discos de Zeuhl contemporáneo de los últimos años. Este proyecto fue gestado en 1992 bajo la dirección y guía creativa del genial multi-instrumentista Cédric Marcucci, cuando aún tenía una edad menor de 20 años. En este disco, Marcucci se hace cargo de la batería, las percusiones, el bajo, la guitarra, los pianos tanto de cola como eléctrico, el sintetizador y el acordeón; en torno a él, un ensamble aleatorio de músicos y vocalistas va completando los esquemas sónicos de turno a través del repertorio de 19 temas. Después de haber tenido una primera fase que duró seis años y tan solo dio espacio para la grabación de unos cuantos demos, ATHANOR resucitó de la mano de Marcucci en 2008 para registrar un disco en edición exclusivamente virtual, titulado “Vulv’air”; para ello fundó también su sello Le Chêne Creux. Ahora, desde marzo del presente año, ATHANOR nos brinda esta serie de retratos de ciudades fantasmagóricas y espíritus cadavéricos: “Vos Cités Sont Des Tombeaux” encapsula una infinita exhibición de osadía y otra no menos infinita de creatividad. La larga lista de colaboradores incluye al saxofonista Christophe Ayadi, al clarinetista Laurent Rochelle, al pianista Henri Herteman, la flautista Sarah Galli, un quinteto de cuerdas, varias vocalistas, además del banjista Emmanuelle Larmet.  

Ya en CUCCI-BAND, el maestro Marcucci había dado rienda suelta a sus inquietudes eclécticas combinando los discursos del jazz-rock, el Canterbury, el space-rock y el Zeuhl, y su disco “Bon Débarras!” es una muestra excelsa de esta ambición [reseñado aquí: http://autopoietican.blogspot.com/2011/03/cucci-band-cronica-de-una-nostalgia-por.html]. Ahora con ATHANOR la apuesta es clara y distinta por el alucinado dinamismo iconoclasta del género Zeuhl, con un particular ahínco en la tensión y la oscuridad dentro de un esquema sonoro que se siente tan épico como deconstructivo. Los puntos de referencia son, además del obvio paradigma de MAGMA (etapa del “1001° Centigrades” y del “Mëkanïk Dëstruktïẁ Kömmandöh”), SHUB-NIGGURATH, el ZAO de los dos primeros álbumes, VORTEX y el ART ZOYD 76-82, además de algunos recursos de caótica sátira propios de la faceta más osada de FRANK ZAPPA.

 

La tríada inicial de la pieza homónima, ‘Poseïdon’ y ‘Amour’ focaliza cabalmente el cosmos musical dispuesto a explayarse y expandirse alrededor de nuestras mentes y dentro de nuestros oídos: complejas estructuras rítmicas alternadas con parajes tanáticamente reflexivos que operan como cimientos del desarrollo de una perversa arquitectura sónica, diseñada ésta para reflejar la inquietante magia de exorcizar los fantasmas más terribles de la razón y la sinrazón. En la dupla de ‘En Désespoir De Cause’ y ‘Mr. Drinkenness’ nos topamos con un tránsito desde el elegante caos aparente del free-jazz hacia una variante juguetona del oscurantismo esencial del discurso del Zeuhl. En la dupla de ‘Flux Et Reflux’ y ‘Les Nornes’ percibimos una ingeniería ambiental parecida, pero el aire de amenaza y el vigor oscurantista sin duda se hacen sentir con más fuerza, lo cual hace que lleguemos a un clímax particular del álbum. La verdad que los arreglos de metales de ‘Les Nornes’ solo pueden ser calificados de hermosos, signados por una “Zao-Magmización” del WETAHER REPORT pre-Pastorius. Cuando emerge el exorcismo tenebrosamente minimalista de ‘Le Bocal’, el terreno se prepara fehacientemente para la fiera e incontestable serie de expresividades dadaístas de ‘Telé-Vision’, una oda a la dimensión insondable del yo que siempre tenemos miedo de evocar, incluso mencionar. ‘La Terre N’attend Pas’ completa el círculo tétrico abierto por los dos preludios anteriores con un soberbio despliegue de exaltaciones paganas donde los arreglos corales, de cuerdas y de vientos conciben una electrizante armonización bajo la pauta del piano… un piano que casi suena como marcando el compás de una procesión bélica.

La tríada de ‘Vapeurs (De Mr. Drinkenness)’, ‘Une Ville’ e ‘Irréversible’ se plasma como un tránsito de la irreflexión caótica a la contemplación neurótica, y a partir de ahí, un retorno a la irreflexión con la añadida asimilación de un mayor acento burlesco. Tenemos aquí la cima de teatralización dentro de la ilación de atmósferas bajo la cual se hilvana el repertorio. La tríada de ‘Val Neuf’, ‘Neocron’ y ‘Lynch’ regresa al imperio de la musicalidad, siempre manteniendo los instintos tanáticos bien despiertos, siempre dando vueltas en torno a los desafíos abstractos que implica el expresar furia y desesperación frente al auge de los monstruos de la razón. En todo caso, esta furia se hace explícita de una forma comedida, ajustándose a los esquemas contemplativos elaborados por una instrumentación que sigue la guía del piano (ya acústico, ya eléctrico). ‘De Cause À Effet’ tranquiliza un poco las cosas a través de un relativamente sosegado ejercicio de free-jazz, sucedido por nuevos efluvios deconstructivos de ‘Nature Morte’; así las cosas, la ocasión es propicia para que ‘Marche Vers…’ exponga el clímax final del disco orquestando síntomas de vitalidad oscurantista y explosividad bizarra.

“Vos Cités Sont Des Tombeaux” es testimonia crucialmente cómo pueden los ideales de arte y música crear nuevas vías de proyección por sí misma y contra sí misma: en otras palabras, es un reflejo de las expansiones estéticas a las que dejó abiertas las puertas de la conciencia el Zeuhl cuando nació como género avant-progresivo. ATHANOR encarna una de las más valientes y vitalistas de estas potenciales expansiones.

Muestras de “Vos Cités Sont Des Tombeaux”.-

Mr. Drinkenness: https://soundcloud.com/athanor/05-mr-drinkenness

De Cause À Effet: https://soundcloud.com/athanor/17-de-cause-a-effet

La impecable misión jazz-progresiva de THE AVENGERS

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es el turno de THE AVENGERS, un ensamble de cuatro veteranos del jazz-rock (un uruguayo y tres estadounidenses) que se embarcan en una misión de seguir explorando nuevas vías para el estándar de la aventura jazz-progresiva. Su disco “On A Mission”, publicado a fines de 2012 por Gudari Records y distribuido desde hace poco por MoonJune Records, es merecedor de elogios por su fluida mezcla de meticulosa musicalidad y elegante sentido de la expansión expresiva. Co-liderado por el virtuoso guitarrista uruguayo Beledo y el no menos virtuoso teclista Adam Holzman (responsable también de la producción de sonido y del diseño gráfico del álbum), el grupo se completa con las presencias del bajista Lincoln Goines y el baterista Kim Plainfield. Se hace evidente desde una primera escucha que WEATHER REPORT y ALLAN HOLDSWORTH, además de algunas afinidades con VITAL INFORMATION y TRIBAL TECH, conforman sólidos puntos de referencia para entender de qué va el asunto de THE AVENGERS. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de “On A Mission”.

Durando 3 minutos y medio, la pieza homónima abre el disco con una extroversión cálida sustentada por un swing contagioso, exquisitamente armado por la dupla Goines-Plainfield. Sigue a continuación ‘After All’, pieza diseñada para bajar notablemente el nivel de intensidad de la dinámica pero genuina heredera del swing de ‘On A Mission’: una mención especial tiene que ir al solo de sintetizador de Holzman, que es refinado y enérgico a la vez, completando el sentido que el groove general del cuarteto estaba manejando en el esquema integral del tema. ‘Exactly’ regresa mesuradamente a la senda de extroversión sónica antes mencionada, aunque cabe señalar que el tenor del desarrollo temático de la pieza está alimentada con ciertos elementos de ingeniosa tensión: los impresionantes fraseos de un Beledo que se luce como quiere conforman la base para las explosiones de electrizante expresividad en los pasajes más energéticos. ‘Portia’ es la única composición que no es de Beledo en el álbum: es de Marcus Miller y apareció originalmente en el disco de 1986 del legendario Miles Davis “Tutu”. Lo que hacen THE AVENGERS con esta pieza es explotar inteligentemente la esencia evocativa de la pieza añadiendo una cabal aureola etérea desde donde los músicos miden sabiamente la expresividad que deben usar en el momento.

‘Siddhartha’s Return’ marca una especie de retorno a los ambientes y swing de ‘After All’,como más adelante lo hará ‘No Big Deal’: en comparación, el primero de estos temas enfatiza más la vitalidad mientras que el segundo exhibe una luminosidad más “controlada”. Eso sí, cuando se da el momento en que Plainfield hace unos excelentes juegos de redobles (en una especie de semi-solo) cerca del final, se crea una especie de clímax con miras a un fin redondo. En medio de estos dos temas está ‘Rauleando’ porta un aire fusionesco que no está particularmente escondido escrupulosamente, pero tampoco nos lleva a terrenos que rompan con la fluidez del repertorio global del disco. Lo que hace la banda es hacer gala de sus facetas más sutiles para así dejar que la melodía se sienta como “brillando por sí sola” en medio de las infaltables florituras performativas que se esperan de los conceptos jazzeros propios músicos involucrados. En fin, ‘Jimmy O’Donnell’s Air’ ocupa los últimos 5 ¾ minutos del álbum, y lo hace en clave de serenidad. La envolvente belleza del tema tiene su centro neurálgico en las capas y el solo de teclado a cargo de Holzman: un muy hermoso final para el disco, sin duda. “On A Mission” se deja disfrutar de una manera rotunda: THE AVENGERS han hecho de esta misión musical un impecable éxito.

Muestras de “On A Mission”.-

After All: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/after-all-from-on-a-mission-uruguay-usa

No Big Deal [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=l3KMtenHvqc

Portia [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=6LNvpGUZRnM

JIZUE nos revela su diario musical para gloria de la vanguardia jazz-progresiva japonesa

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos topamos con JIZUE, un ensamble jazz-progresivo japonés asentado en Kyoto que ha venido llamando la atención de los seguidores del jazz de nuevas tendencias y del progresivo vanguardista desde inicios del milenio: nuestro foco de atención ahora es “Journal”, el reciente tercer disco perpetrado por este cuarteto conformado por la teclista Kie Katagi, el guitarrista Noriyuki Inoue, el bajista Go Yamada y el baterista Shin Kokawa. El grupo sabe balancear colorida y creativamente las influencias que recibe de la vieja escuela del jazz-fusion, el nu-jazz y el jazz-rock de discurso contemporáneo, además de incorporar ocasionalmente algunos retazos de psicodelia refinada.

‘Intro’ abre el álbum con unos gráciles efectos de hojas imprimiéndose y elegantes armazones de teclado, abriendo así el camino para el vigor grácil e intensamente juguetón de ‘Rosso’. El esquema latin-jazzero con que el cuarteto se prodiga para la ocasión está desarrollado con ingenio y pulcritud, incluso retorciéndolo con algunos aires de calculada agresividad en ciertos parajes climáticos. ‘Buzz’ sigue a continuación para capitalizar la vitalidad del tema precedente y reforzarla con una musculatura más frontal: el colorido extrovertido de JIZUE se muestra orgulloso a lo largo del desarrollo temático de la pieza, dejando, además, algunos espacios para que el piano sobresalga en algunos momentos concretos. Un poco más sereno es ‘Clock’, aunque no se trata ciertamente de una pieza lánguida: su swing es sencillo, directo, sin mayores florituras, pero articulado con una sutil maestría necesaria para que la guitarra y el piano puedan pintar el retrato musical en curso con tonalidades intensas. ¿No es acaso una buena idea volver a la esfera del Latin-jazz? Parece que sí, pues es lo que de inmediato trae al oyente la quinta pieza del álbum, ‘Dance’ (y la más extensa del disco, con sus 7 minutos y pico de duración). La soltura de las cadencias tropicales y las arquitectónicas interacciones de la guitarra y el teclado se alternan en un continuum impecablemente diseñado.

 

‘Eat Faker’ nos muestra al cuarteto virando a un territorio sónico muy diferente, marcadamente electrónico, basado en un talante futurista que se basa en una confluencia de nu-jazz, chill-out y krautrock electrónico: muy cándido en su desarrollo melódico y atmósferas, nada chocante. ‘Five’, por su parte, nos remonta a aires de corte WEATHER REPORT con la alegría celebratoria del HERBIE HANCOCK de los 90s: la cadencia sofisticada que implica el empleo del compás en 5/4 es manejada de manera que realce el gancho inherente al motif básico. ‘Life’ incluye la intervención de Yeye al canto, lo cual ayuda a complementar el envolvente lirismo del tema, ligeramente cercano al estándar del post-rock, una sensación que se acrecienta por unos instantes durante el estruendo guitarrero final antes del epílogo de piano. ‘Holiday’ incluye arreglos de violín al arsenal sonoro: la ambientación y la ingeniería musical de esta pieza la convierten en una continuación de muchas de las pautas introducidas en la precedente, aunque el factor jazzero se impone con un poco más de autoridad. Así las cosas, llega la hora de cerrar el disco de la mano de ‘Lamp’, que es una serenata de piano que se inserta en medio del ruido de gente caminando a través de los pasadizos del metro.

 

Han sido alrededor de 46 minutos de puro placer musical los que nos han brindado JIZUE: recién los hemos descubierto con este disco, pero ahora que nos consta que “Journal” es una gozada de cabo a rabo, solo nos queda investigar en todo lo que este cuarteto ha venido haciendo y esperar a que nos vuelvan a gratificar con exquisitos trabajos musicales en el futuro inmediato. ¡Recomendado para todos los amantes del género progresivo con un corazón altivamente jazzero!

Muestras de “Journal”.-

Eat Faker: http://www.youtube.com/watch?v=Amt_PWygeIE

Rosso [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=YRWXfSTTj88

L'ALBERO DEL VELENO o las nuevas raíces del árbol de la ciencia progresiva italiana

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy presentamos al grupo italiano L’ALBERO DEL VELENO, el mismo que está conformado por la teclista Nadin Petricelli, el guitarrista Lorenzo Picchi, el bajista Michele Andreuccetti, el violista Francesco Catoni, el flautista Marco Brenzini (quien también integra las filas de LE PORTE NON APERTE) y el baterista Claudio Miniati. Este ensamble se formó en 2010 con la intención de crear un rock ambicioso basado en las atmósferas y estilizaciones de las bandas sonoras de películas de horror: de hecho, a la banda le gusta mucho incorporar elementos visuales en sus presentaciones como extensiones naturales de su música… e incluso muchas de sus ideas musicales se inspiran en guiones de cortometrajes de horror. “Le Radici Del Male”, su disco debut publicado por el sello Lizard Records, estaba inicialmente concebido para que estuviera acompañado de un DVD con los cortometrajes que inspiraron cada pieza del repertorio; si bien esta idea particular no prosperó del todo, es un indicio claro de la esencia profunda cinematográfica que marca los horizontes musicales del grupo. La influencia más obviamente cercana es GOBLIN, y L’ALBERO DEL VELENO ciertamente forja su voz musical bajo su sombra. Pero también se nota una preocupación por manejar este tipo de ideas musicales con una estrategia preciosista también sensible a orquestaciones y cadencias más amables, y es por allí que se hacen notar las influencias de referentes legendarios como PFM, LE ORME y APOTEOSI. Sin duda, L’ALBERO DEL VELENO hace gala de su quintaesencia italiana.  

‘Dove Danzamo Le Streghe’ abre el disco para instaurar las pautas sónicas que habrán de reforzarse y desarrollarse a lo largo de todo el disco: el predominio de arreglos orquestales para los aportes del trípode teclado-viola-flauta, el obsesivo protagonismo de atmósferas ceremoniosamente tétricas en los desarrollos melódicos y la medida presencia del vigor rockero en los momentos climáticos creados para cada ocasión. Luego sigue ‘...E Resta Il Respiro’, cuya introducción imprime aires de carnaval con ese cariz sórdido que es un estándar infaltable cuando hay escenas de carnavales de baile donde fantasmas y/o vampiros son los contertulianos de la fiesta. Cuando emerge el cuerpo central, la banda despliega una vitalidad bastante efectiva, manejando sobriamente los esquemas rítmicos sofisticados. ‘Presenze Dal Pasato’ vira a una dimensión completamente distinta, una de grisácea tristeza envuelta bajo un hábito de serena melancolía: las capas de viola y flauta que flotan sobre las turbias escalas de piano portan una belleza irresistible. Por su parte, ‘Un Altro Giorno Di Terrore’ se erige como la pieza más extrovertida del álbum; aunque tiene un halo de misterio en su musicalidad, predomina en ella un colorido exaltado (a veces afín a los estándares de grupos como LA MASCHERA DI CERA y LA COSCIENZA DI ZENO), claro está, dentro de la aureola de inquietud y amenaza que es el leitmotiv del grupo. 

‘Due Anime Nella Notte’ vuelve de lleno a los parámetros de ‘Dove Danzamo Le Streghe’ amplificando las tonalidades grisáceas y capitalizando los recursos expresivos con solvente nervio. Durando 12 minutos, ‘Al Di La Del Sogno...L’Incubo Riaffiora’ cierra el álbum siendo la pieza más larga del mismo: consiste en un medley de porciones de bandas sonoras escritas por Lucio Folci, y la banda aprovecha el espacio de tiempo del cual goza para explotar las facetas más fastuosas de su visión estética. Hay algunos momentos de tendencia gótica que nos pueden remitir a equivalencias con el inolvidable ensamble DEVIL DOLL, así como al WHITE WILLOW de los primeros discos. Sin duda, el significado de este medley es el de ostentar el marco conceptual que encapsula los colores de su paleta sonora. L’ALBERO DEL VELENO se luce en este disco debut “Le Radici Del Male” de tal modo que nos da motivos de sobra para seguir esperando más cosas de su parte en el contexto del continuo enraizamiento del árbol progresivo italiano de nuestros días.

Muestras de “Le Radici Del Male”.-

Dove Danzamo Le Streghe: http://www.youtube.com/watch?v=u4TOoi3CdGo

Un Altro Giorno Di Terrore:   http://www.youtube.com/watch?v=cW0WED0RfQY

Las ondas cerebrales del prog sinfónico moderno según IL GIARDINO ONIRICO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Se da hoy la ocasión de presentar al grupo italiano IL GIARDINO ONIRICO y su segundo trabajo de estudio “Complesso K MMXIII”. Formado en 2008 en la localidad de Cività Castellana (al norte de Roma) por el teclista Emanuele 'Vastitas' Telli, el guitarrista Stefano Avigliana, el bajista Ettore Mazzarini y el baterista Massimo Moscatelli. Poniendo inmediatamente las manos a la obra en la composición de un concepto musical titulado “Complesso K”, el cuarteto aumentó a quinteto con el ingreso del también teclista Dariush Hakim (con un rl mayormente focalizado en la gestión y desenvolvimiento de efectos de sonido), y fue con esta formación que el grupo grabó y publicó “Complesso K” en 2010. Otro ingreso en el grupo tuvo lugar poco después con la presencia del recitador, fotógrafo y diseñador gráfico Marco Marini, quien ayuda decisivamente a reforzar el enfoque conceptual que la banda siempre tiene en mente cada vez que perpetra un álbum. Éste fue el caso de “Perigeo”, publicado el año pasado, y vuelve a ser el caso en 2013 de “Complesso K MMXIII”, la remodelizada e intensificada versión del antes mencionado disco debut. IL GIARDINO ONIRICO viene construyendo su voz progresiva con matices modernizados y estilizada garra rockera, no ajena a influencias del space-rock y el prog-metal. En tal sentido, este sexteto guarda aires de familia con bandas compatriotas como LABIRINTO DI SPECCHI y GRAN TURISMO VELOCE. Veamos qué detalles nos trae el repertorio de “Complesso K MMXIII”, ¿vale?

El repertorio del álbum consta de una ‘Intro’ y cuatro ‘Partes’. La ‘Intro’ suena típicamente enraizada en el estándar Floydiano a través de un filtro tipo LABIRINTO DI SPECCHI, con los dobles teclados asumiendo el rol líder en la armazón de flotantes atmósferas space-rockeras mientras Marini recita una evocación de trascendencia mental. Cuando irrumpe ‘Parte I’, el ensamble muestra su energía vital esencial desde el primer instante, con la tríada de guitarra-bajo-batería sosteniendo la columna de la sección introductoria. A lo largo de la diversa ilación temática, el exuberante swing de la dupla rítmica mantiene una solidez muy coherente y los guitarreos no abandonan su posición crucial dentro del bloque instrumental íntegro. 9 minutos muy bien aprovechados, la verdad que sí. La ‘Parte II’ aumenta las dosis de sofisticación y eclecticismo merced a un manejo más entusiasta de los contrastes en las variaciones de ambientes y un protagonismo más compartido entre los teclados y la guitarra. La ‘Parte III’ es la más larga del álbum con sus 11 minutos de duración. Sintetizando la vitalidad electrizante de la ‘Parte I’ y las florituras eclécticas de la ‘Parte II’, el grupo explota convincentemente las posibilidades del amplio espacio que se concede, dándole al dinamismo de su estilo nuevos horizontes de expresividad. También se emplea algún que otro reprise de un riff utilizado previamente. Una nueva recitación de Marini anuncia el fin de este penúltimo viaje instrumental. Ocupando los últimos 6 minutos y pico del disco, la ‘Parte IV’ ostenta una ceremoniosidad densa en el espíritu de su arquitectura melódica, la misma que es manejada con una sana mezcla de estilización preciosista y nervio rockero: son las armazones de los dobles teclados los que llevan la batuta del desarrollo temático, siendo particularmente relevante este detalle a la hora de construir la cósmica orquestación final, que se desvanece sobriamente como un ensueño del intelecto que se va agotando en sus últimos instantes.

  

Este disco no llega a tocar la barrera de los 40 minutos, pero sin duda ofrece un discurso musical muy rico y excitante cuya expresividad conserva una coherencia total en este lapso. IL GIARDINO ONIRICO ha logrado con éste, su segundo disco, confirmar que se trata de un punto de referencia muy interesante para entender y apreciar la actualidad progresiva italiana. “Complesso K MMXIII” no debe faltar en una buena colección art-rockera del nuevo milenio.

Muestra de “Complesso K MMXIII”.-

Parte III: http://www.youtube.com/watch?v=SDEWfTdwrxQ

ALTABLANCA - el legado de la primera generación progresiva mendocina

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es un momento muy especial porque presentamos a ALTABLANCA, banda argentina que se erigió en una de las fuerzas progresivas vitales del circuito de Mendoza entre 1976 y 1983. Su propuesta sonora era bella y enérgica, resuelta con soltura técnica y ejecutada con una creatividad única, y menos mal que no queda enterrada en la memoria de aquellas generaciones que la vieron en acción porque el sello Viajero Inmóvil, merced a la ardua labor de Mario Mátar (guitarrista fundador) y Erni Vidal, realizada en La Vizcachera Studio, acaba de publicar “En vivo Mendoza ‘81”, un registro de los dos recitales que ALTABLANCA dio en el Teatro Independencia de Mendoza el 16 de noviembre de 1981. La formación de aquel entonces consistía en: Mario Mátar a la guitarra, Daniel Martín a la flauta y la guitarra, Jorge Aguerre al bajo, Jorge Zangheri a los teclados, Carlos Corvalán (apodado ‘Pajarito’) a la batería y Susana Nalldi (apodada ‘La Turca’) al canto y la guitarra acústica. Desde su formación en 1976, en épocas anteriores a la de este concierto, habían pasado por la banda el bajista Javier Segura, el flautista Pablo Romagnoli, el guitarrista Daniel González (en tándem con Mátar), el bajista Daniel Soria, Natalio Faingold que empezó como baterista y luego pasó al rol de teclista, el baterista Eduardo Aveni, etc.

El trabajo de rescate, masterización y posterior edición se concretó en dos etapas: primero, entre 2000 y 2005 inclusive, mientras Mátar y Vidal seguían activos en ZONDA PROJECKT (otro genial ensamble mendocino), y luego, a partir de 2010, se retomó el asunto que se extendió hasta el presente año 2013. Más detalles sobre este heroico proceso de “arqueología progresiva” de este material se pueden leer en la entrevista a Erni Vidal publicada en el enlace de Diario Uno http://www.diariouno.com.ar/espectaculos/El-legado-de-Altablanca-toma-forma-30-aos-despues-20130717-0002.html. Por nuestra parte, repasamos ahora el repertorio del disco, ¿vale?

‘Preludio II’ pone en marcha la maquinaria de ALTABLANCA con una aureola Cameliana manejada y desarrollada con un lirismo envolvente y conmovedor: el motivo central es explotado en un continuum que nunca se agota. Luego sigue ‘El Burlón De La Floresta’, que en un espacio un poco menor de 4 minutos exhibe un dinamismo colorido y lúdico donde las complejidades del esquema rítmico de inspiración fusionesca se desarrollan con total soltura. ‘El Vértice Del Peine’ es uno de los definitivos momentos cumbre de este catálogo: en efecto, su cuerpo central, que nos suena a un híbrido de RETURN TO FOREVER y YES, impone una fuerza de carácter atrapante a través de su intrincada arquitectura sónica. La dupla rítmica se luce de forma especial aquí, permitiendo que el tremendo lucimiento de Mátar cuente con un apoyo sólido. Pero… justo cuando el oyente necesita un momento de respiro tras este enorme despliegue de fastuosidad netamente progresiva, llega ‘Paso a La Vida’, una ambiciosa composición dividida en dos extensas partes que juntas suman una duración de 16 minutos. La Parte 1 elabora una atmósfera cálida, desarrollada con un prístino uso de la sutileza que no acalla en lo absoluto la etérea belleza que signa la primera sección ni el crescendo manierista que emerge posteriormente tras un interludio cósmico. La Parte 2 torna hacia una dramática solemnidad en base a un esquema instrumental ceremonioso y un canto de Susana Talldi que se hace eco del apasionado clamor existencialista plasmado en las letras. La armazón general de este concepto tiene aires de familia con M.I.A., PINK FLOYD y LE ORME que se pueden advertir como puntos de referencia. Con un gran comienzo provisto por los dos primeros temas y una cima continua generada por los tres temas siguientes, el éxtasis melómano es inapelable y contundente. Pero hay más, y a eso iremos en el siguiente párrafo.

‘Noviembre’ es una composición de Faingold que conjuga a la perfección, dentro de un esquema rítmico relativamente reposado, los matices estilizados del sinfonismo en su más pura expresión y el swing del jazz-rock, haciendo un buen uso de los explayamientos melódicos en curso. Vale también destacar el intenso solo de sintetizador que emerge cual exquisita tormenta de luz hecha sonido durante el clímax crucial de la pieza (imaginemos un híbrido de EMERSON y WATKINS para hacernos una idea de esa explosiva luminosidad del sintetizador). ‘Shayton’, por su parte, ofrece un ejercicio de blues-rock progresivo al estilo esencialmente argentino de INVISIBLE y PESCADO RABIOSO: Nalldi incluye algunas palabras en árabe en su canto. ‘Aires De Tango Para Una Mujer’ y ‘Explicaciones (De Lo Nuestro)’ siguen adelante con el show enfatizando la faceta contemplativa del grupo: el primero exhibe amables climas bucólicos bajo la guía de la flauta, mientras que el segundo se concentra relajantes armazones armónicas con la guitarra y el teclado llevando al alimón el posicionamiento protagónico. El concierto termina con otra excitante cúspide: ‘Athenágoras’. Esta pieza porta un dinamismo efectivo y atractivo en base a un bien articulado swing que nos puede hacer evocar los estándares de HAPPY THE MAN, GILGAMESH y YES... e incluye un portentoso solo de batería a cargo de Corvalán. La ovación final del respetable es una recompensa justa a tanto despliegue de ingenio musical, y sobre todo, es un eco de la deliciosa adrenalina explayada en esta pieza de cierre.

 

Además de estos 10 temas que hemos repasado, el disco contiene 3 bonus tracks registrados en un par de demos de estudio: el primero data de 1983, los otros dos del año 2000. ‘Tema De Zarkeff’ es una envolvente exhibición de ensoñadora delicadeza melódica que se manifiesta como un poderoso sortilegio de mágica melancolía. Por su parte, la dupla de ‘En El Parque’ y ‘Se Esconde El Viento (Duerme)’ nos hace pasar por sendas muestras de serenidad bucólica, la primera marcada por el dueto de guitarra acústica y flauta, la segunda, por la guía alternada del canto de Susana y el violín del invitado Rodolfo Castagnolo.

Se ha dado en el pasado la confluencia de un pecado y de un crimen: el pecado estuvo en manos del destino y el crimen, en manos del mainstream de la industria fonográfica argentina de aquellos fines de los 70s, el pecado y el crimen de haber arrojado al limbo la magnífica labor creativa de ALTABLANCA para dignificar el ideal del rock progresivo. Ahora con la edición de “En Vivo Mendoza ‘81” los coleccionistas de rock artístico de todos los tiempos y lugares podemos redimirnos grandemente de las secuelas de ese crimen y ese pecado. ¡ALTABLANCA vive!

Muestras de “En Vivo Mendoza ‘81”.-

Preludio II:  https://soundcloud.com/altablanca/altablanca-preludio-ii-j

Noviembre:  https://soundcloud.com/altablanca/altablanca-noviembre-n

DÁNAE nos trae nuevos mitos hard-progresivos con "Medusa"

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es la ocasión de fijar nuestros ojos en la localidad argentina de Rosario para que nuestros oídos se topen con DÁNAE, cuarteto instrumental formado a fines de los 70s bajo las referencias de RUSH, YES, LED ZEPPELIN, JEFF BECK y sus connacionales de CRUCIS, TANTOR e INVISIBLE. El grupo se hace notar en no poca medida por sus entusiasta explotación de la dinámica compartida por sus duales guitarras, y también por aventurarse con variables desarrollos rítmicos en sus ideas musicales: así, el cuarteto honra solventemente el estándar de lo que muchos etiquetan como estilo hard-progresivo. Hasta ahora, lo único que tenía este grupo en su haber era un disco homónimo auto-producido que data de 2004; en este año 2013, DÁNAE está engalanando nuestros oídos con su segundo disco “Medusa”, el cual será pronto editado por el sello Viajero Inmóvil (estamos escribiendo esto antes de llegar al ecuador de setiembre). La formación actual de DÁNAE contiene a Pablo López y Marcelo López a las guitarras, Willi Torres al bajo y Roberto Ferraris a la batería: o sea, conserva a sus tres instrumentistas a las cuerdas y cuenta con un nuevo baterista que reemplaza a Sergio Schegtel.

Ocupando los primeros 6 minutos del álbum, ‘Aproximación’ pone toda la carne el asador respecto a lo que es la expresividad pura del vigor rockero que siempre ha sido esencialmente típica de DÁNAE, pero lo hace al servicio de un desarrollo temático que enfatiza atmósferas contemplativas y arreglos fastuosos muy propios del estándar progresivo. A continuación, ‘De Regreso A Las Fuentes’, pieza cuya duración se extiende hasta los 6 ¾ minutos: en líneas generales, su dinámica es muy semejante a la de ‘Aproximación’, pero en su caso particular, se nota que hay un mayor énfasis en la explotación de los matices vibrantes de las secciones más intrépidas de la ilación temática. Tras este excelente tándem de apertura llega ‘Fuegos Cruzados’, pieza que puede muy bien describirse como una erupción de lava rockera estilizadamente articulada bajo una arquitectura rítmica sólida y elegante: los ornamentos de bajo muestran una talante cercano al discurso del jazz, lo cual sirve para enriquecer el swing y aumentar el colorido ya aportado por los riffs y solos de las guitarras duales. Cuando llega el momento de ‘Golpe Bajo’, DÁNAE concretiza una estupenda cruza de RUSH (etapa de “Fly By Night”) y YES, con toques añadidos a lo IRON MAIDEN: la relativa sencillez del desarrollo temático es manejada con una inteligente remodelación que le permite adquirir una oportuna aureola de sofisticación en este arreglo final. Por otra parte… ¿a qué se debe que la pieza no sea un poco más extensa? Arrojamos esta pregunta porque su atractivo daba para una exploración más extensa, en nuestra humilde opinión, pero bueno, el disco sigue adelante y queda más por disfrutar a nuestras anchas.

 

‘La Isla De Séfiro’ es una notable muestra de rock con gancho y sofisticación a la vez: se puede definir como una cruza del JEFF BECK de “Guitar Shop”, el estándar de TRIBAL TECH y el viejo RUSH de los 70s, más algún factor a lo THIN LIZZY por ahí. Durando casi 7 ½ minutos, ‘Los Siete Estados’ se erige en el tema más largo del disco. La ilación de sus variantes temáticas porta una aureola de rigurosa sofisticación, propia del RUSH 70ero, y a veces remitiéndonos a una especie de “LED ZEPPELIN Yessiano”. La precisa y preciosista amalgama de los instrumentos completa el potencial de consistencia que tienen las bases melódicas que van transcurriendo, las cuales son, en general, bastante sencillas en su elaboración básica. El tema homónimo ocupa los últimos 5 ¾ minutos del disco, aplicando una sensibilidad melódica más pronunciada que en la pieza inmediatamente anterior y proyectándose hacia un vigor más explícito, mientras mantiene la misma aureola de exquisita sofisticación: podemos muy bien describir a ‘Medusa’ como una retoma híbrida de los ambientes y grooves principales de ‘Golpe Bajo’ y ‘De Regreso A Las Fuentes’. En general, esta dupla de ‘Los Siete Estados’ y ‘Medusa’ sustenta de forma contundente y rotunda el innegable sentido épico que caracteriza a la ideología musical de DÁNAE.

En conclusión, tenemos en “Medusa” un estupendo ejemplo de cómo se hace música progresiva con garra y urgencia, apelando a muchos de los patrones de excelencia del género sin renunciar a la vitalidad visceral de lo rockero. DÁNAE merece una recomendación sin reservas para el público progresivo actual, probando hasta nuevos niveles de saciedad que Sudamérica es una fuente continua de grandeza artística para beneficio del susodicho género.  

Muestras de “Medusa”.-

De Regreso A Las Fuentes: https://soundcloud.com/#gjtorres1961/d-nae_de-regreso-a-las-fuentes

Los Siete Estados: https://soundcloud.com/#gjtorres1961/dnaelos-siete-estado

[Un agradecimiento especial para Willi Torres por presentarme el material del nuevo disco por anticipado]

El lúcido sueño jazz-progresivo de ALTARE THOTEMICO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca prestar atención al grupo italiano ALTARE THOTEMICO y su álbum “Sogno Errando”, el mismo que sucede a su homónimo disco debut de hace cuatro años. Ambos discos han sido publicados por el sello Ma.Ra.Cash Records, en el caso específico de “Sogno Errando”, en abril último. Conformado por el teclista Leonardo Caligiuri, el baterista Max Govoni, el violinista Gabriele Toscani, el saxofonista Emiliano Vernizzi, el vocalista Gianni Venturi y el bajista Valerio Venturi, este ensamble originado en el primer decenio del nuevo milenio en la localidad de Parma cultiva un estilo sofisticado y moderadamente fastuoso donde se hibridizan el jazz de vanguardia, el jazz-progresivo de raigambre Canterburyana, el paradigma de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO y el chamber-rock. Una particularidad fácil de notar en el esquema sonoro de ALTARE THOTEMICO es su aprecio preferencial por climas emocionales grisáceos, aunque no se puede decir que su estilo esté exento de vitalismo y repleto de oscurantismo; por el contrario, se destila una especie de esplendor espiritual recurrentemente a lo largo del repertorio de “Sogno Errando”, cuyos detalles entraremos a analizar a partir del siguiente párrafo.

‘Le Correnti Sotteranee’ ocupa los primeros 12 ½ minutos del álbum con un vigor atrapante digno del dinamismo exquisito inherente a las expansiones melódicas y atmósferas diversas que se explayan a lo largo de la pieza. La fuerza de carácter del canto y del saxofón salen solventemente al frente en los momentos más expresivos; también debe ir una mención especial a la labor del baterista, quien sostiene con pulcro nervio al resto de sus colegas instrumentistas. ‘D’amore E D’altri Tormenti’ baja un poco la intensidad expresiva, mas no para atenuarse hasta niveles de languidez sino más bien para evocar climas crepusculares en los que las voces y pulsaciones de la pasión hallan modos de expresión razonablemente contenidos. Durando 16 ¾ minutos, ‘Broken Heart’ resulta el tema más extenso del disco: su misión principal es la de ahondar en el clima de decadencia emocional en el que nos introdujo la pieza anterior y brindarle un pathos reformulado con llamas renovadas. Es fácil notar en el rollo instrumental elaborado aquí las huellas de SOFT MACHINE, ARTI +MESTIERI, y en menor medida, también DEUS EX MACHINA. El extenso solo de saxo que hermana sus recovecos neuróticos con los ornamentos de piano es simplemente colosal, dirigiendo el camino del clímax final con elegante incandescencia.

‘Petali Sognanti’ tiene un cierto aire al AREA de la época de “Maledetti” pero con aires modernizados que nos remiten al estándar de eso que suelen llamar nu-jazz. La pieza homónima sigue a continuación, destacándose como la que porta la más intensa magia melódica de todas las piezas del álbum: la confluencia de discursos del jazz-rock, el sinfonismo y la fusión contemporánea está plasmada con una amalgama perfecta de solvencia técnica y emotividad. Varios cambios de motivos son repentinos mas no chocantes – incluso los pasajes de abierto contraste son manejados con un impecable sentido de la fluidez. Si ‘Le Correnti Sotteranee’ había sido un juego de mediodía en los jardines de un palacio, ‘Sogno Errando’ ha sido un paseo vespertino por los aposentos del palacio en un día de gala. ‘Porpora’ carga con el peso de suceder a la pieza homónima y lo hace dignamente: su función es la mezclar el romanticismo crepuscular antes presente en ‘D’amore E D’altri Tormenti’ con arrebatos deconstructivos de tenor farsesco. El disco termina con ‘Neuro Pshico Killer’, una pieza perturbadora pero no tortuosa: compuesta al modo de una elegía, Gianni Ventura alterna canto con narración mientras la batería y el piano hilan la maraña para el fondo musical en clave de free jazz. Imaginemos un combo de AREA y UNIVERS ZERO asociado para reconstruir una pieza perdida de ORNETTE COLEMAN y podremos avizorar las ambiciones sónicas que ALTARE THOTEMICO expone en este broche de oro.

 

En fin… ¡qué discazo es “Sogno Errando”! ALTARE THOTEMICO ha hecho un trabajo realmente bordado a la hora de aportar este grano de arena al presente de la vanguardia progresiva. Vale la pena seguir la pista de este grupo, no nos cabe duda de ello.

Muestras de “Sogno Errando”.-

Le Corrente Sotteranee: http://www.youtube.com/watch?v=8o8ewPOchsA

Porpora: http://www.youtube.com/watch?v=MFtk-DNx40o