Cuarta llamarada musical de los HOMUNCULUS RES emanada del fuego nocturno del mundo contemporáneo

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

En esta ocasión tenemos el infinito placer de presentar el nuevo disco de la banda italiana HOMUNCULUS RES, una de las más interesantes de las que han emergido en la escena progresiva de su país en los 10 últimos años: el disco nuevo en cuestión se titula “Andiamo In Giro Di Notte E Ci Consumiamo Nel Fuoco” y salió al mercado el pasado 24 de julio por vía del sello AMS Records, amenazando seriamente con convertirse en nuevo referente del prog retro-Canterbury. El título del disco procede de una sentencia antigua en forma de palíndromo y de autoría incierta: In girum imus nocte et consumimur igni (“Damos vueltas por la noche y nos consumimos en el fuego”). Esta aseveración de cuán cerca estamos siempre de caer en las tentaciones mundanas fue retomada por el cineasta francés Guy Debord a fines de los 70s para realizar una película donde se denunciaba la futilidad y la esclavitud de la sociedad de consumo en nuestra vida contemporánea. Como vemos, el título del nuevo disco de este grupo italiano que ya cuenta con una estupenda reputación en el círculo progresivo mundial tiene una larga raigambre moral y social, y, de entrada, sospechamos que puede motivar un enfoque conceptual para un grupo que tiene mucho de satírico y travieso en su línea retro-Canterbury. El ensamble de HOMUNCULUS RES está conformado por Dario D’Alessandro [voz, guitarra, teclados y glockenspiel], Davide Di Giovanni [órgano, piano, sintetizador y guitarra], Mauro Turdo [primera guitarra], Daniele Di Giovanni [batería] y Daniele Crisci [bajo]. Como suele suceder con este ensamble, la lista de colaboradores ocasionales para el disco es muy copiosa: Giorgio Trombino (saxo alto), Petter Herbertsson (vibráfono, contrabajo, banjo y guitarras), Giuseppe Turdo (corno francés y oboe), Antono Tralongo: (viola), Emanuele “Sterbus” Sterbini voz, cuerdas y guitarra), Dominique D’Avanzo (voz, flauta y clarinete), Danilo Mancino (bajo), Dario Lo Cicero (flautas y fagot), Patrick Dufour (piano eléctrico Fender Rhodes) y James Strain (bajo). Veamos ahora los detalles del repertorio del disco que aquí reseñamos.

 

Abre el disco ‘Lucciole Per Lanterne’, una canción moderadamente ágil cuyo cuerpo central se llena convincentemente de una de sobria densidad tras un suave y amable inicio cantado. Lo que comenzó brevemente como un híbrido de KEVIN AYERS y la faceta más cándida de CARAVAN se tornó en un híbrido de GENTLE GIANT (del periodo 71-72) y HATFIELD AND THE NORTH. Los vientos y los teclados congenian a las mil maravillas mientras la dupla rítmica sostiene el nervio de la pieza desde sus cimientos. Luego sigue ‘Il Carrozzone’, canción que capitaliza la lúdica aureola de travesura progresiva que marcó a la canción de apertura para gestar un ropaje aún más sofisticado para su propio desarrollo temático. También hay un generoso uso de síncopas y quiebres dentro del complejo armazón rítmico. Durando un minuto menos que ‘Lucciole Per Lanterne’, enarbola más recovecos musicales, y eso lo erige como el primer cénit del álbum. Con su espacio de casi 6 ¾ minutos, ‘Buco Nero’ resulta ser el tema más largo del disco, y de paso, saca buen provecho de los ecos recibidos de las dos canciones precedentes; para ser más concretos, recoge le densidad extrañamente grácil del primer tema y la sofisticación señorial del segundo. Con todo, el resultado final se traduce en un aligeramiento de la logística sonora y un swing más llevadero a fin de que el esquema melódico creado para la ocasión se enfile hacia una elegancia serena. Un poco más breve es la pieza que sigue a continuación, la cual se titula ‘Supermercato’. Su groove alegre y su atmósfera descaradamente juguetona se dispone a sí misma dentro de un terreno emparentado con la psicodelia de fines de los 70s y el estándar de los primeros discos respectivos de CARAVAN y de WIGWAM... y de paso, hermana a la gente de HOMUNCULUS RES con la banda compatriota THE WINSTONS. Sus vibraciones poperas reflejan claramente una sátira de la felicidad fatua y el boato iluminado de los supermercados y demás enclaves de la sociedad de consumo. El genero epílogo instrumental comienza como un homenaje a la psicodelia Beatlesca y luego se deriva hacia un homenaje simultáneo a EGG y PICCHIO DAL POZZO. ‘La Spia’ preserva el sarcasmo frontal de la canción precedente pero con menor fastuosidad, sonando a unos BEACH BOYS reeducados por el ZAPPA de la etapa 68-70.           

‘La Salamandra’ es otra pieza de considerable extensión que se explaya por un espacio de casi 6 ½ minutos. Su esquema de trabajo tiene bastantes cercanías con las atmósferas y grooves de las canciones segunda a la cuarta; con todo esto, el sereno swing en curso se orienta hacia un dinamismo jazz-progresivo muy útil a la hora de calibrar y sustentar todas las variantes de motivo y compás que se van hilando. En lo particular, esta canción funciona perfectamente como una síntesis prototípica del álbum, y como tal, resulta ser otro cénit del álbum. ‘In Girum’, por su parte, conjura a los espectros sarcásticos que antes dominaron a la quinta canción mientras los recubre de los ropajes exquisitos y refinadamente caleidoscópicos que también conformaron los atavíos de las canciones segunda y tercera. Su sección final, guiada por la dupla de órgano y sintetizador, establece uno de los pasajes más rotundos del álbum, un clímax de viscosa densidad que para nada hubiese estado fuera de lugar en alguno de los dos primeros discos de EGG o en el tercero de SOFT MACHINE. Con la dupla de ‘La Luccicanza’ y ‘Tetraktys’, el grupo sigue ajustando las tuercas de su grácil y colorida maquinaria musical. El primero de estos temas mencionados conjuga estándares de ágil suavidad y revoltoso colorido que ya apreciamos en varias canciones anteriores; el segundo rinde un nuevo homenaje al paradigma de los CARAVAN de los tres primeros álbumes sobre un recurrente compás de 5/4, sumando una cuota extra de jolgorio surrealista a algunos arreglos instrumentales. El álbum llega a su momento final con el arribo de ‘Non Dire No’, una canción marcada dualmente por el swing en clave de vals sinfónico por el piano y el groove jazzero de la dupla rítmica, haciendo que el entramado de sintetizadores, órgano, guitarra y vientos arme cómodamente un espíritu circense que, a despecho de su colorido esencial, destila un espíritu de desgano y agotamiento. Hermoso símbolo de cómo el esquema estructural de la sociedad de consumo se muerde continuamente la cola y aplasta a sus títeres con la pesadez de su perpetua avaricia. 

 

Todo esto fue “Andiamo In Giro Di Notte E Ci Consumiamo Nel Fuoco”, una maravilla de disco que confirma por enésima vez al colectivo de HOMUNCULUS RES como una de las fuerzas creativas más interesantes y peculiares dentro de la nueva generación del rock progresivo italiano. Su enfoque retro-progresivo de línea Canterbury no se limita a un ejercicio de nostalgia metódica sino que se preocupa sesudamente por darle una nueva frescura a esta herencia inmortal. Así ha sido desde su primer álbum, realizado a pocos meses de la fundación de este grupo siciliano en el año 2013, y así ha seguido siendo con todos los demás discos que hicieron: “Andiamo In Giro Di Notte E Ci Consumiamo Nel Fuoco” es exactamente un nuevo capítulo de la grandeza de este ensamble radicado en Palermo, una apuesta a ganador dentro de la experiencia melómana per se, y como tal, lo recomendamos ampliamente a cualquier coleccionista serio de rock artístico. 


Muestras de “Andiamo In Giro Di Notte E Ci Consumiamo Nel Fuoco”.-
Buco Nero: https://homunculusres.bandcamp.com/track/buco-nero

Il Carrozzone: https://homunculusres-ams.bandcamp.com/track/il-carrozzone
La Salamandra: https://homunculusres.bandcamp.com/track/la-salamandra
In Girum: https://homunculusres.bandcamp.com/track/in-girum

 

 

J.G. THIRLWELL y SIMON STEENSLAND: asociación para un chamber-rock vibrante y vitalista

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Aquí tenemos este disco a dúo de J.G. THIRLWELL y SIMON STEENSLAND titulado “Oscillospira”, el cual fue publicado el pasado 24 de abril, convirtiéndose instantáneamente en un clásico del prog de línea chamber-rock de nuestros tiempos. Este disco ha sido publicado en CD y en doble vinilo por el sello Ipecac Recordings (que tiene a Mike Patton como uno de sus cofundadores). Con un repertorio total que dura casi 70 minutos, éste contiene tres piezas que superan el espacio de 10 minutos y otra que casi lo completa. THIRLWELL es un cantante y compositor australiano de intereres eclécticos y que es principalmente conocido por su proyecto FOETUS (y FRANK WANT y CLINT RUIN); por su parte, STEENSLAND es un compositor y multiinstrumentista sueco especializado en las áreas progresivas del RIO y el chamber-rock, y en general, la vanguardia dentro de los mundos del rock y la cámara. En el disco que ahora reseñamos, ambos se hacen cargo de las composiciones y del encuadre conceptual para el repertorio contenido en este álbum; ellos se conocieron en 2017 en la ciudad de Estocolmo durante un taller organizado por la Great Learning Orchestra, un ensamble rotante de música experimental que explora nuevos caminos para la vanguardia de la música de cámara y para el jazz. THIRLWELL asumió el reto de desarrollar una misión musical para la GLO, y muy pronto se le unió STEENSLAND. Ambos personajes se repartieron las responsabilidades instrumentales (siendo STEENSLAND el más prolífico en las labores de teclados y percusiones tonales), y contaron, nada más ni nada menos, que con el maestro Morgan Ågren a la batería. Los demás músicos que aparecen aquí pertenecen a la GLO: Lisa Grotherus (clarinete bajo), Pelle Halvarsson (cello), Fredric Thurfjell (saxofones contrabajo y barítono), Simon Hanes (guitarra), Ossian Willén (guitarra), Scott Bartucca (oboe), Chris McIntyre (trombón), Joanna Mattrey (violín), y las cantantes Ellekari Sander, Eva Rexed y Sami Stevens. Para los procesos de grabación, THIRLWELL grabó sus registros en sus Self Immolation Studios, mientras que STEENSLAND hizo lo propio en su Studio No Klang. THIRLWELL es el autor del diseño gráfico de la portada de este hermoso y perturbador álbum; veamos ahora sus detalles. 

Los dos temas más extensos del disco duran más 11 ¼ minutos y son los que abren y cierran el repertorio, respectivamente: el primero de ellos porta el desafiante título de ‘Catholic Deceit’. Tras un breve epílogo de tenor flotante se instala el primer motif, el cual elabora un robusto ambiente de amenazante tensión oscurantista que gira en torno a su propio eje mientras se ensancha llenando espacios. El esquema rítmico es de corte avant-jazzero de tal manera que las síncopas conforman lo fundamental dentro del groove en curso. Tras un interludio etéreo que vibra con cierta aureola reposada tras la tensión antes reinante, un segundo cuerpo emerge para añadir densidad a la tensión, lo cual solo puede provocar que el oscurantismo aumente de manera rotunda. El vitalismo pulsátil del esquema rítmico acentúa la lógica de las síncopas, casi hasta dar un aire netamente marcial al nervio tenebrista en curso; el sonido de percusiones tonales añade colorido al asunto, aunque no alivia la tensión. Todo termina con un siniestro campaneo que anuncia no tanto un momento de necesario reposo sino un efímero silencio desde el cual habrá de germinar el próximo viaje musical hacia las cavernas ominosas del universo y del espíritu humano. En efecto, el esquema de trabajo seguido por el segundo tema del álbum, titulado ‘Heron’, consiste en una exploración ceremoniosa del perturbador y glorioso oscurantismo que había signado al ítem de apertura. Lo fúnebre se reviste de mayestática elegancia, lo tanático se torna relativamente etéreo por causa del señorío imperante en los arreglos musicales. Hemos testificado aquí el encuentro entre los paradigmas de UNIVERS ZERO, RATIONAL DIET y los SHUB-NIGGURATH de los dos primeros discos. ‘Night Shift’ comienza con una parsimonia pesada y grave, pero pronto deriva hacia un swing más ágil, lo cual da un aire de mágica distinción a la imponente neblina sonora. También hay algunos retazos grácilmente líricos en ciertos parajes donde lo misterioso reemplaza a lo fatalista, así como otros calmados que no nos confrontan con el Infierno sino el Purgatorio, especialmente en los fraseos finales de piano.     

‘Papal Stain’, pieza que dura casi 10 minutos, se centra en un esquema musical más cerebral y solipsista que cualquiera de las tres piezas precedentes, aunque notamos la presencia ocasional de algunos recursos líricos semejantes a los que aparecieron en algunos pasajes estratégicos de los temas #2 y #3. Su bien articulada alternancia de pasajes sigilosos con otros abrumadoramente densos da buena cuenta del combativo surrealismo que late bajo la superficie del abstracto oscurantismo que opera en la meticulosa orquestación de todos los instrumentos operantes. Tenemos aquí un ejercicio de resurgimiento del patrón de unos PRESENT revestido de una versión más muscular del paradigma que desarrollaron los UNIVERS ZERO en sus discos segundo al cuarto. Cuando llega el turno de ‘Heresy Flank’, se genera una hibridación entre los ambientes y grooves que hemos apreciado tanto en la pieza de entrada como en la inmediatamente precedente. La inclusión de abundantes y suntuosos ornamentos percusivos y el dinamismo renovador que traza el paso firme del desarrollo temático nos hace recordar un poco a los ISILDUR’S BANE en su faceta más notoriamente vanguardista. ‘Mare’ empieza con un centramiento pulsátil marcado por una inconfundible aura de procesión tanática para luego proyectarse a un ejercicio de minimalismo etéreo, el cual, a su vez, sirve de puente para un cuerpo avant-jazzero de inspiración cósmica sobre un trasfondo sutilmente enrarecido. La cosa permanece así hasta el momento final de la pieza con la inclusión de varios momentos en los que las orquestaciones explotan cuales fuegos artificiales dadaístas. ‘Crystal Night’ es la pieza más breve del álbum con sus poco menos de 4 minutos de duración, y su función es la de proyectar un juego de oscilaciones minimalistas que muy bien puede servir como fondo para un atardecer otoñal en un parque donde conviven vivos y espectros. He aquí el verdadero momento de mágica serenidad dentro del álbum. El final del repertorio viene de la mano de ‘Redbug’, pieza cuyo amplio cuerpo central está alimentado por un punche machacón y un motif repetitivo marcado por matices que, aunque parezca extraño en este contexto, irradian genuina calidez en medio del irrefrenable gobierno de la densidad. Es como un OLDFIELD deconstruido por YUGEN bajo la dirección de PRESENT. El epílogo está marcado por unos susurros herméticos y un arreglo orquestal retorcidamente abstracto. En estos dos últimos minutos vamos de regreso a la tensión oscurantista del primer tema del álbum.  

Debemos anotar con tinta muy gruesa el nombre de “Oscillospira”, así como el de este tándem creativo de J.G. THIRLWELL & SIMON STEENSLAND, en nuestras agendas melómanas del presente año 2020: nuestra experiencia con este chamber-rock vibrante y vitalista nos ha parecido totalmente satisfactoria, y por tanto, la recomendamos dentro de cualquier buena colección de música progresiva de vanguardia de hoy y de siempre.

Muestras de “Oscillospira”.-

Catholic Deceit: https://jgthirlwellsimonsteensland.bandcamp.com/track/catholic-deceit

Heron: https://jgthirlwellsimonsteensland.bandcamp.com/track/heron

Papal Stain: https://jgthirlwellsimonsteensland.bandcamp.com/track/papal-stain

El drama de Sadako en clave prog-sinfónica según LOGOS

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos complace enormemente presentar el nuevo trabajo fonográfico del grupo italiano LOGOS, el cual se titula “Sadako E Le Mille Gru Di Carta” y fue publicado el primer día del mes de julio del presente año 2020. Se trata de un álbum conceptual que gira en torno a una niña llamada Sadako Sasaki que sobrevivió al terrible bombardeo atómico sobre Hiroshima, el cual tuvo lugar cuando ella solo tenia dos años de esas. Por culpa de la radiación provocada por tan catastrófica acción bélica, ella adquirió leucemia, siendo así que solo llegó a la edad de 12 años y 9 meses. Durante su último periodo de hospitalización, ella se dedicó a hacer origamis con forma de grulla, siendo su meta la de llegar a hacer mil. Esta historia inspiró la novela de la canadiense ELEANOR COERR Sadako y las mil grullas de papel, y la misma chica en cuestión tiene su memoria simbolizada en dos estatuas, una en Hiroshima y otra en la ciudad estadounidense de Seattle. Dicho concepto nos impacta mucho, no solo a nivel humanista y político, sino también a nivel simbólico dado que este año se cumple el 75mo. aniversario de este bombardeo y del que tuvo lugar unos días más tarde sobre la ciudad de Nagasaki. El ensamble de LOGOS está conformado por Luca Zerman [primera voz y teclados], Claudio Antolini [teclados], Fabio Gaspari [bajo, guitarras, mandolina y coros] y Alessandro Perbellini [batería]. Respecto al personal que gestó y grabó el hermoso disco del año 2014 “L’enigma Della Vita” (uno de los discos progresivos italianos más notables de ese año, según nuestro parecer) solamente quedan Zerman, Antolini y Gaspari, mientras que el baterista Perbellini debuta oficialmente como integrante de la banda. Colaboradores ocasionales del cuarteto han sido Elisa Montaldo (la talentosa teclista de IL TEMPIO DELLE CLESSIDRE) al canto, la saxofonista Federica Zoccatelli, el guitarrista Massimo Maoli y el baterista Simone Chiampan (en la cuarta pieza del álbum). Toda la música del repertorio fue hecha por el grupo, mientras que las letras fueron repartidas entre Luca Zerman y Marco Zuffo. “Sadako E Le Mille Gru Di Carta” fue grabado en diversas sesiones en los años 2018 y 2019 en Verona, la ciudad de residencia de la banda, siendo todo masterizado a inicios del presente año 2020 por Fabio Serra y el cuarteto en el Opal Studio. El grupo también estuvo involucrado en el arte gráfica del disco, cuyo principal gestor es Claudio Antolini. Bueno, ya es hora de pasar a los detalles del repertorio de este disco. 

‘Origami In SOL-’ es el prólogo de 2 ¼ minutos de duración con el que se pone en marcha a las cosas de “Sadako E Le Mille Gru Di Carta”; se caracteriza por establecer un desarrollo temático fastuoso y expresionista, en no poca medida afín a lo que hacía WAKEMAN en sus mejores tiempos de los 70s, con alguna confraternidad con sus compatriotas de IL CASTELLO DI ATLANTE. De este modo, el área queda bien definida para la emergencia de ‘Paesaggi Di Insonnia’, una canción ágil y colorida que se deja arropar y alimentar por orquestaciones y capas de los múltiples teclados, los cuales insuflan de poderosa majestuosidad a los diversos desarrollos temáticos que se van hilando. La manera en que la dupla rítmica sostiene al bloque global a lo largo de los cambios de ritmo y de ambiente exhibe una compacidad convincente dentro de una ingeniería musical que claramente se centra en las ricamente elaboradas bases de los teclados y los pasajes estratégicos donde tiene que lucirse un solo de sintetizador. Los aires de familia con bandas como IL GIARDINO ONIRICO, NOT A GOOD SIGN y UBI MAIOR son fáciles de notar, especialmente en aquellos pasajes donde el modelo sinfónico con el que opera el grupo abre campo a texturas cósmicas para expandir su paleta sonora. La extensa penúltima sección está marcada por una aureola ceremoniosa que necesariamente ha de marcar al epílogo, el cual, aunque asume un groove más enérgico y cuenta con el beneficio del colorido extra aportado por el saxofón, todavía porta esa grave ceremoniosidad con la que se diseñó el final de esta pieza. El tercer tema del álbum es ‘Un Lieto Inquietarsi’, uno de los momentos culminantes del disco. Su esencia estilística está marcada por un dinamismo exultante y una fuerza de carácter inspirada en el paradigma Emersoniano del sinfonismo (y en menor medida, en el estándar de LE ORME). Alternando pasajes abiertamente líricos con otros más densos, la arquitectura melódica de la pieza se sostiene robustamente a través de su ambicioso espacio de 10 ¾ minutos. A mitad de camino, el esquema sonoro se torna etéreo y melancólico para que se arme un breve puente de carácter introvertido. Así las cosas, el grupo se prepara para gestar una sección aún más filuda que la que dio inicio a la canción… y, de paso, recién ahora entra en acción el canto. 

Tal como dijimos en el primer párrafo de esta misma reseña, ‘Il Sarto’ es la canción donde Elisa Montaldo asume el rol de vocalista acompañante de Zerman. Se trata de una balada sinfónica con fuerte talante pastoril, situada en una encrucijada entre PROCOL HARUM, los GENESIS de la etapa 70-73 y el legado de los inolvidables SITHONIA. Las bases de órgano y la amalgama de guitarra acústica y mandolina se sitúan en el núcleo central del entramado instrumental, el mismo que también acoge algunas intervenciones de mellotrón. Aquí tenemos un oportuno momento de introversión sustentada por un bien balanceado dramatismo. Una canción muy bonita, la verdad que sí. Los dos últimos temas del repertorio son precisamente lo más extensos del mismo: ‘Zaini Di Elio’, que dura más de 12 ½ minutos, y la extensa suite homónima que va un poco más allá de los 21 ¼ minutos de duración, y es en esta amplísima secuencia que el grupo ha de completar la faena del disco a lo grande. ‘Zaini Di Elio’ comienza con un prólogo marcado por una grisácea solemnidad, siendo así que nos toma por sorpresa el hecho de que la sección siguiente se mueva dentro de los más gráciles terrenos del manierismo y el barroco. Ya cuando entra a tallar la primera parte cantada y el cuerpo central se va asentando, se nos revela un rotundo y contundente ejercicio de estilizados dinamismos sinfónicos que nos remiten a los modelos de YES e IL CASTELLO DI ATLANTE. A partir de aquí, el ensamble cuenta con todos los ingredientes necesarios para gestionar la diversidad de esquemas melódicos y ambientes que tienen lugar. En cuanto a ‘Sadoko E le Mille Gru Di Carta’, ésta se centra en atmósferas melancólicas marcadas por una razonablemente densa atmósfera de envolvente tristeza a través de la mayor parte de los pasajes melódicos en curso. Poco antes de llegar a la frontera del quinto minuto, el asunto se intensifica un poco, recurriendo primero a la edificación de tonalidades melódicas de clara inspiración extremo oriental, y más adelante, a la disposición de un vitalismo lúdico y amable que refleja el simple deleite de jugar mientras se goza del entretenimiento artístico. La idea expuesta aquí es que crear figuras de papel es una manera de brindar una nueva luz a un mundo perturbado e incapaz de borrar las huellas de sus incontables crueldades. En lo estrictamente musical, esta suite homónima recoge las siembras de las canciones tercera y quinta. En general, el esquema de trabajo se basa en los contrastes entre pasajes vivaces y parsimoniosos, con prioridad de estos últimos. Cabe mencionar la inclusión de un breve pasaje ágil de tenor psicodélico a mitad de camino. El epílogo de piano es candoroso y conmovedor, el final perfecto para la suite y el álbum.

Todo esto es lo que se nos mostró en “Sadako E Le Mille Gru Di Carta”, una magnífica y suntuosa obra que mantiene a LOGOS en un sitial privilegiado dentro de la escena progresiva italiana del nuevo milenio, además de marcar un hito importante para los aportes del ideal sinfónico dentro de la producción progresiva mundial de este año 2020. Muchas gracias a los Sres. por haber concretado un disco tan hermoso como éste, el mismo que recomendamos al 200%.        

Muestras de “Sadako E Le Mille Gru Di Carta”.-

Un Lieto Inquietarsi: https://logosprog.bandcamp.com/track/un-lieto-inquietarsi

Il Sarto: https://logosprog.bandcamp.com/track/il-sarto

Sadako E Le Mille Gru Di Carta: https://logosprog.bandcamp.com/track/sadako-e-le-mille-gru-di-carta

Cuarto ente fonográfico de SUR OCULTO

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el enorme agrado de presentar el nuevo trabajo fonográfico del trío argentino SUR OCULTO, el cual se titula precisamente “IV”. Publicado en las redes virtuales el pasado 22 de mayo, este nuevo disco del ensamble cordobés conformado por Sebastián Teves [bajo], Andrés Arias [bajo] y Emanuel Borgna [batería] sale al mercado 9 años después de su álbum homónimo, el cual había consignado en su momento un referente crucial para los parámetros estéticos de la banda; hoy por hoy, Teves es el único miembro que permanece en el grupo desde sus tiempos originarios. El álbum que aquí reseñamos fue grabado en el estudio MCL Records, siendo así que las consiguientes labores de mezcla y masterización estuvieron a cargo de Mauro Taranto y Mario Breuer, respectivamente. Permítasenos adelantar que esta veterana entidad cordobesa se ha vuelto a lucir a lo grande; a pesar de los cambios de alineación, el grupo ha mantenido su esencia a la par que se beneficiaba de una frescura revigorizante, y claro está, todo ello se traduce en el hecho de que SUR OCULTO se mantiene firme en el Parnaso de los mejores grupos de la vanguardia argentina (y de toda Latinoamérica en generla) del nuevo milenio. Han pasado nada menos que 9 años desde el tiempo del homónimo tercer disco de la banda, cuando aún estaba presente el teclista original Fabricio Morás. La misión de “IV” es la de retomar esos asuntos musicales mientras la antes mencionada frescura nueva abre una potencial efervescencia de expresiones sonoras. Bueno, ya va siendo hora de ir a los detalles específicos de este disco en cuestión.

Con el título de ‘Averigua’ surge la primera pieza del álbum, la cual tiene en su breve prólogo de piano la clave decisiva para definir su groove central y su motif nuclear; así las cosas, los músicos organizan un despliegue de exquisita musculatura y elegante garra para explayarse gustosamente en un ejercicio de hibridación de heavy prog, punk-jazz y densas atmósferas de tenor Crimsoniano. Hasta podríamos decir que el talante tétrico de los pasajes más lámguidos hace de ellos los más poderosos de esta pieza. ¡Qué gran apertura! ‘El Viaje De Fauda’ se hace cargo de proseguir por este camino de musculatura y darle más relevancia al factor jazz-rockero mientras alimenta y capitaliza el desarrollo temático con generosas dosis de nervio psicodélico. La robusta exuberancia de la batería y los precisos delineamientos del bajo permiten a los teclados ocuparse con ágil soltura en el armado de solos y bases armónicas. Por supuesto, no nos olvidamos de mencionar las excelsas florituras de piano que entran a tallar en algunos pasajes estratégicos para aportar algo de calidez al asunto en nombre de una bien pensada estrategia de variedad. Tenemos dos cénits seguidos en el punto de partida del álbum. Con la dupla de ‘Latidos’ e ‘Iowapretato’, el grupo procura expandir y oxigenar su paleta sonora... y lo logra con señorío e impoluto pulso. En el caso del primero de estos temas mencionados, el grupo regresa parcialmente a la tensión aguerrida del primer tema mientras enriquece el desarrollo multitemático con una convincente actitud progresiva. Dentro de una heterogeneidad organizada en torno a su propio eje, el trío articula una arquitectura versátil donde lo tétrico, lo entusiasta y lo misterioso se van hilando fluidamente. Incluso hay un sentido en esos efectos de latidos que se exhiben en breves parajes minimalistas. Por su parte, ‘Iowapretato’ elabora una atmósfera más notoriamente extrovertida en su groove general mientras su expansión temática, por contraste, se revela más cáustica que en la pieza precedente. El rol de ‘Surpenso’ es el permitir al trío descender a su faceta contemplativa para explorar esquemas sonoros más sutiles y calmados. No tenemos aquí una balada propiamente dicha sino, más bien, una exploración sosegada en una neblina absorbente; esta pieza es sombría sin atravesar la frontera de lo inquietante. Dicho sea de paso, tenemos aquí una de las más notables intervenciones de Borgna. 

Los temas sexto, octavo y décimo del repertorio se titulan ‘Zeitgeber IV’, ‘Zeitgeber V’ y ‘Zeitgeber VI’, respectivamente.* En el primero de estos temas encontramos una estupenda mezcla de nu-jazz y jazz-prog vanguardista, con algunos ornamentos cibernéticos que se introducen en la última sección para darle una intensidad modernista al asunto. El segundo de ellos, en su mayor parte, está penetrado por una languidez relativamente oscurantista bajo la cual late una agudeza propia del avant-prog en su catadura más sombría. Para la sección final, la batería marca un groove ágil y sofisticado que se siente como la explosión de un fulgor solar que barre con toda huella de la oscuridad precedente, aunque los aires de tensión se mantienen incólumes. El sexto ‘Zeitgeber’ se centra principalmente en un ejercicio de jazz-fusion de vieja escuela con un amplio campo de expresión para un swing funky: esta pieza se sitúa cómodamente en un lugar de evocaciones de ese viejo paradigma de los WEATHER REPORT de la segunda mitad de los 70s. En sus instancias finales, la pieza vuelve a un terreno de sombría neblina, aunque con un enfoque menos puntilloso que en ‘Zeitgeber V’. Entre estos tres temas (puntos especialmente culminantes del disco) se infiltran ‘Del Viento’ y ‘Mantra’, siendo aquél grácilmente articulado en su ágilmente amalgamada diversidad, mientras que éste ostenta una aureola más señorial. En efecto, ‘Del Viento’ establece un vitalismo férreo y arrebatado que tiende puentes entre el prog-metal, la psicodelia y el jazz-rock, generándose así una aventura experimental donde nunca se baja el nivel de tormentosa vivacidad. Por su parte, ‘Mantra’ se asienta en una área explícitamente majestuosa durante el desarrollo temático; también se incluye aquí algunos elementos de nu-jazz, esta vez con un talante sigiloso tal como encaja dentro de la arquitectura rítmica de la pieza. Los últimos 13 ¼ minutos de “IV” están ocupados por ‘El Ente’, una pieza cuya extensión invita a pensar que el grupo quiere concluir el asunto con una fastuosidad fulgurosa, pero en realidad, ella está diseñada para seguir explorando en las cavernas más oscuras y ominosas del ideario musical de SUR OCULTO. He aquí un nuevo momento donde el grupo desarrolla recursos y atmósferas de tenor inquietante y tenebroso, adentrándose en el oscurantismo propio del avant-prog mientras le da su propio giro a la faceta atmosférica y deconstructiva del jazz contemporáneo. Nocturno y surrealista a la vez, ésta es la banda sonora perfecta para el enmarañamiento de los mundos de POE, BRETON y LOVECRAFT. Ya en su segunda mitad, la pieza se va asentando sobre un swing crecientemente grácil, lo cual brinda una cierta firmeza a la soltura indefinida con la que se mueve el trío. El epílogo regresa a la oscuridad incierta del inicio, completando el círculo de señales sonoras solipsistas.

   

Un gran álbum es sin duda “IV”, una expresión inconfundible de la inquebrantable creatividad y la pétrea fuerza de carácter que siempre ha tenido SUR OCULTO como colectivo. Su propuesta musical sigue siendo una de las más robustas y grossas de la vanguardia argentina; con este trabajo cuya duración sobrepasa el espacio de 71 minutos, el trío nos ha brindado la mezcla perfecta de cantidad y calidad. Solo nos queda concluir que recomendamos este disco... ¡al 400%!  

Muestras de “IV”.-

El Viaje De Fauda: https://suroculto.bandcamp.com/track/el-viaje-de-fauda

Del Viento: https://suroculto.bandcamp.com/track/del-viento

Zeitgeber VI: https://suroculto.bandcamp.com/track/zeitgeber-vi

El Ente: https://suroculto.bandcamp.com/track/el-ente

* Las tres primeras piezas tituladas ‘Zeitgeber’ aparecen en el disco “Sur Oculto” (2001), el cual mencionamos antes.

JAGA JAZZIST inauguran una brillante pirámide musical

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy tenemos la excelente y excitante ocasión de presentar el nuevo disco del opulento y genial ensamble noruego JAGA JAZZIST, el cual se titula “Pyramid” y fue publicado hace muy poco tiempo, específicamente, el pasado 7 de agosto. Este grupo pilar de la vanguardia jazz-progresiva escandinava del nuevo milenio nos ha hecho esperar muchos años desde su anterior trabajo de estudio “Starfire”, 5 años para ser exactos, pero no es hora de quejarse, sino de disfrutar de este séptimo álbum de este virtuoso ensamble. El personal de JAGA JAZZIST está actualmente conformado por Lars Horntveth [guitarras eléctrica, acústica y pedal steel, clarinetes, saxofones, teclados, sintetizadores, teclados, vibráfono, piano y programaciones], Marcus Forsgren [guitarra eléctrica y voz], Even Ormestad [bajo], Line Horntveth [tuba, corno alto, eufonio, flauta y voz], Erik Johannessen [trombón y voz], Martin Horntveth [batería, percusión y programación], Øystein Moen [sintetizadores, clavinet y órgano Hammond] y Andreas Mjøs [vibráfono], exactamente la misma que gestó el antes mencionado álbum precedente. Para el primero de los cuatro temas que conforman este nuevo álbum, el colectivo contó con la colaboración de David Wallumrød al sintetizador ARP Pro-Soloist. A diferencia del caso del disco anterior, que tomó más de un año de sesiones de grabación y experimentaciones sonoras para ser completado, este nuevo álbum se grabó en solo dos semanas. El estudio escogido para la ocasión fue uno ubicado en un bosque del país vecino Suecia. Todas las composiciones aquí presentes son de la autoría de Lars Hornveth. “Pyramid” cuenta con edición tanto en CD como en vinilo transparente, siempre bajo la responsabilidad del sello Brainfeeder. Bueno, ahora vayamos a los detalles de su repertorio, ¿vale?

 

‘Tomita’ abre el disco siendo la pieza más extensa del mismos con sus 13 ¾ minutos de duración. Sus parajes iniciales están impulsados por un ambiente etéreo y relajante que se explaya en una cruza entre la faceta introvertida del jazz-fusion clásico (como unos WEATHER REPORT o unos RETURN TO FOREVER) y el nu-jazz; las sobrias líneas del saxo, compinchadas con flotantes retazos de sintetizador, conforman el núcleo central para la operabilidad del armazón instrumental. Poco antes de llegar a la frontera del tercer minuto se instala un esquema rítmico electrónico, y es aquí donde el cuerpo central de la pieza empieza a definirse propiamente. Al comienzo, el groove general es cálido y sensual sin abandonar del todo las vibraciones introvertidas del inicio, pero pronto el swing general se suelta en una agilidad delicada y elegante. Dado que las pulsaciones persistentes del nuevo swing parecen sospechosamente emparentadas con el motorik, ahora funciona aquí un híbrido de jazz-prog con krautrock. Las diversas intervenciones de la guitarra y de los vientos generan cristalinas expansiones melódicas para el cuerpo central por un buen rato hasta que llegamos a la frontera del noveno minuto y medio, que es cuando se da un viraje hacia una palpitación más aguerrida de parte de la dupla rítmica. Aunque el esquema sonoro grupal no se torna pesado propiamente dicho, se nota que el ensamble está movilizándose con una musculatura renovadora; en medio de este afán climático, el desarrollo temático sigue bien insertado en el predominio de lo melódico y lo textural, algo que viene muy bien cuando llega el epílogo que ocupa el último minuto para exhibir una majestuosidad serena. ¡Qué comienzo de álbum tan épico, señoras y señores! Luego sigue la dupla de ‘Spiral Era’ y ‘The Shrine’, siendo su función principal la de ampliar e intensificar la paleta sonora que la banda ha dispuesto para este nuevo álbum; siendo ambas piezas vivaces, la primera de ellas se centra en lo pletórico mientras que la segunda se orienta más hacia lo grácil. En efecto, ‘Spiral Era’ se asienta cómodamente en un groove llamativo dentro de un enfoque modernista que empapa tanto al ambiente general como a los entramados sonoros concretos. Lo que suena aquí es como un híbrido entre los delineamientos más atmosféricos de “Starfire” y el esquema de trabajo del primer álbum de WESERBERGLAND (proyecto formado justamente por un exintegrante de JAGA JAZZIST). Por su parte, ‘The Shrine’ se mete en el legado del cool jazz con un enfoque cibernético: el hechizo envolvente de su motif central se encuadra dentro de una sofisticada ingeniería prog-electrónica que agita mesuradamente sus matices juguetones. Algunos arreglos de vientos ostentan un cierto talante Zappiano (de la fase 69-72).

 
El final del disco llega de la mano de ‘Apex’, una pieza que, en muchos sentidos, establece una síntesis de las atmósferas predominantes en los dos temas precedentes, esta vez, con una agilidad más frontal y una soltura más patente en el empleo de los sintetizadores y demás recursos electrónicos. Aunque el grupo se sitúa más cerca de los TANGERINE DREAM de la etapa 1979-84 (y del electro-funk al cual se dedicó HERBIE HANCOCK en buena parte de los 80s, dicho sea de paso) que de WEATHER REPORT o JEAN-LUC PONTY en cuanto a la estructura orgánica de la pieza, todavía se sienten los latidos elegantes y señoriales del discurso jazzero contemporáneo, particularmente en el armazón de las progresiones armónicas y en ciertos quiebres rítmicos que tienen lugar en un interludio. En toco caso, la prestancia amena es la clave central de este tema de cierre, una alternativa interesante a los diversos niveles de exuberancia musical derrochados en los tres temas precedentes. En fin, todo esto fue lo que se nos ofreció desde los cuarteles del colectivo de JAGA JAZZIST con “Pyramid”, un disco que supone un nuevo paso adelante en la siempre inquieta visión musical del grupo en cuestión. Este excelso ensamble se ha renovado sólida y convincentemente en su trayecto particular dentro de los siempre expansivos horizontes del jazz-prog, y ni siquiera ha necesitado disponer de 40 minutos completos para dejar plena constancia de ello. Recomendable al 200% esta brillante pirámide musical de los JAGA JAZZIST, la verdad que sí... como cualquier cosa que ha hecho este grupo desde su fundación a mediados de los 90s. Cada disco de este ensamble ha sido una efigie imperial hecha sonido y el caso actual de “Pyramid” no ha sido la excepción.    

 
 
Muestras de “Pyramid”.-
Tomita: https://jagajazzist.bandcamp.com/track/tomita
Spiral Era: https://www.youtube.com/watch?v=HnLUe4MMraY

Segunda expansión de los colores progresivos de PIXIE NINJA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ésta es la ocasión de presentar el segundo disco del ensamble space-progresivo electrónico noruego PIXIE NINJA, el cual se titula “Colours Out Of Space”, el cual se publicó el 3 de julio pasado, tanto en formato de CD como de vinilo (edición limitada de color dorado), por el sello Apollon Records. La alineación que realizó este álbum está conformada por Marius Leirånes [bajo Godin Shifter 4, sintetizadores Korg MS-10, Korg M50 Workstation, Korg Krome 61, Volca Keys y Korg Monotribe], Jostein Haugen [guitarra Fender Stratocaster, sintetizadores Korg M50 Workstation, Korg Krome 61 y Korg Micro-KORG], Mattias Olsson [batería, percusión, glockenspiel, Ondes Martenot , Maestrovox, Clavioline, Persephone, mandocello, sintetizadores Moog 15 modular, Minimoog, Speak & spell, Roland SH-2000, Casio SK-5, Boss DR-220, Korg MS-10 y Roland TR-707, Mellotron 400, Vako Orchestron,  Synare sensor, Pocket operators, guitarra adicional] y Fredrik Klingwall [piano clásico, Mellotron 400, Vako Orchestron, piano eléctrico Fender Rhodes, órgano Hammond L100, celesta, sintetizadores Yamaha DX7, Yamaha DX100 y Sequential Circuits Pro-1]. En efecto, hemos leído bien: este grupo a un sueco adentro que conocemos por ÄNGLAGÅRD, NECROMONKEY, WESERBERGLAND y otros miles de proyectos más, y no solo como músico, sino también como ingeniero de sonido y productor, el mismísimo Sr. Olsson. Éste fungió aquí como productor de “Colours Out Of Space” y también compartió roles de mezclador con Stefan Fandén. El disco fue grabado mayormente en los Nobø Studios de Rognan, Noruega, con algunas partes extra grabadas posteriormente en Roth Händle V en Sollentuna, Suecia. El ensamble contó con las ocasionales colaboraciones de Tiger Olsson y Akaba al canto; Hampus Nordgren-Hemlin al canto, el bajo Fender VI, el sintetizador Casio-DG-10 y el órgano Philicorda; Leo Svensson-Zander al cello, y; Fredrik Carlzon al corno francés. Haciendo un poco de historia, el origen de PIXIE NINJA tuvo lugar en el año 2015 bajo las iniciativas conjuntas de Haugen y Leirånes, quienes ya tenían 7 años de trabajar en proyectos musicales anteriores en la localidad de Rognan, pero fue recién en ese año 2015 que ellos empezaron a componer música para un proyecto progresivo bien definido. Con la intervención del trabajólico músico y productor Olsson, la idea de PIXIE NINJA cobró cuerpo y su primer ensamblaje se completó con el ingreso del teclista Johan Hals Jørgensen; fue así que se pudo concretar el álbum debut “Ultrasound” en 2017. Éste es sucedido por el disco que ahora reseñamos y que, en comparación, supone un paso adelante en la línea musical de la banda; veamos ahora los detalles de su repertorio. 

“Colours Out Of Space” tiene un concepto general centrado en varios relatos del maestro de la literatura de horror fantástico HOWARD PHILLIPS LOVECRAFT. De entrada, nos topamos con la impresionante dupla inicial de ‘Colours Out Of Space’ y ‘Leng Plateau’, la misma que ocupa un espacio de casi 20 minutos y pone las cartas del ideario musical de este proyecto sobre la mesa. Cada uno de estos temas cuenta con espacio suficiente para expandir sus esquemas sonoros; uno dura poco más de 10 minutos mientras que el otro dura 9 ¾ minutos. Tras un breve preludio signado por efectos sintetizados de celesta, el tema homónimo antes mencionado desarrolla un cuerpo central donde lo enérgico y lo etéreo se fusionan en un dinamismo sonoro compacto y perfectamente amalgamado. Los momentos complementados por percusión electrónica y los exentos de ella se hilan con impoluta fluidez mientras la persistente atmósfera misteriosa permite a los diversos pasajes integrar una homogeneidad sólida. Lo que suena parece un híbrido de DAAL y los TANGERINE DREAM de la fase 80-84 a través de los conjugados filtros de KAUKASUS y los GÖSTA BERLINGS SAGA de los dos últimos discos. O sea, una mixtura de prog electrónico y rock psicodélico estilizado con añadidos elementos de sinfonismo en algunos pasajes estratégicos... especialmente, en la majestuosa sección final. En lo que respecta a ‘Leng Plateau’, cumple solventemente con la difícil misión de suceder a la excelsa pieza de entrada sin quedar opacada en el intento. Muy por el contrario, sabe hacerse destacar con su peculiar musculatura que es organizada con una gracilidad llamativa y efectiva. Ostentando una rudeza más elevada que la pieza homónima, recibe de ella algunos ecos del factor cibernético y varios resabios de su aureola misteriosa, pero esta vez el armazón instrumental se asienta en raíces aguerridas, las mismas que permiten que la ingeniería orgánica de los motivos centrales puede arroparse con fulgurosa densidad. Poco antes de llegar a la frontera del sexto minuto, el desarrollo temático aterriza en un interludio cósmico de fuerte talante abstracto. A partir de aquí se siembra el terreno para la sección final, la cual destila donaire y tensión un tanto tenebrista para un espectacular epílogo, en clave de space-rock con generosas dosis electrónicas. Si bien es de toda justicia ver en esta dupla un momentum continuo y plenamente consistente dentro de este álbum, admitimos que tenemos especial predilección por ‘Leng Plateau’, al cual consideramos como un cénit decisivo del repertorio. 

Cuando llega el turno de ‘CosmiK’, el grupo se dispone a realzar las aristas más flotantes de su ideario musical, lidiando con ambientes melancólicos a partir del enfoque introspectivo que se arma en base al matrimonio de piano eléctrico y sintetizador en el prólogo. Una vez instalado el jam con el que se armará el cuerpo central de la pieza, lo melancólico se reviste de un enérgico señorío al modo de un híbrido entre GORDIAN KNOT y los STICK MEN a través del filtro de KAUKASUS. Las acentuaciones de sintetizador y las capas corales de mellotrón en el último tercio perfilan un controlado aumento de la densidad expresiva. Durando 11 ½ minutos, ‘Hutchinson Cipher’ se erige como la pieza más extensa del álbum. Su estructura nuclear se basa en una síntesis de la soltura celestial del primer tema y la densidad efectiva del segundo, siempre con un trasfondo inquietantemente misterioso y un pulido tenebrista. La primera sección se sustenta sobre una rica amalgama musical cuyos grooves y ambientes ostentan una densidad semejante a la que hallamos en los discos tercero al quinto de GÖSTA BERLINGS SAGA. La segunda sección gesta una vitalista ilación de pasajes cósmicos con otros abiertamente terroríficos, logrando crear recursos de mayor versatilidad y acrecentada garra para el nervio rockero que ha estado activándose desde el punto de partida, y ello a pesar de que los sintetizadores siempre son los instrumentos predominantes. La última sección es más llevadera, exhibiendo su gancho en base a su esencial agilidad mientras se deja llevar por una razonablemente compleja arquitectura rítmica, la misma que permite que la grisácea solemnidad del momento se encarrile por un sendero de grandilocuente magnificencia. Aquí late una remodelación modernista del estándar Crimsoniano con un filo metalero tan punzante como majestuoso. Otro cénit del álbum. El final del repertorio llega de la mano de ‘Strange Days’, la única pieza genuinamente evocadora del álbum, situada aquí para asentar un oportuna solaz meditabundo tras el triunfo del imperiosamente tormentoso tema precedente. El primer motif está guiado por el piano, sobre cuyas escalas se asienta un monumental entramado de teclados donde cada uno de ellos establece su propia delicadeza individual dentro del masivo espesor general. Cuando el piano es reemplazado por la guitarra en el posicionamiento de base, los teclados operantes ocupan un rol protagónico a la hora de establecer el nuevo motif y arroparlo con una ambientación efervescente, la misma que le da un giro renovador a la permanente aureola melancólica de la pieza. Opera aquí una suerte de cruza entre los TANGERINE DREAM de la fase 74-77 y HARMONIA.  

 

Todo esto es lo que se nos brindó en “Colours Out Of Space” de parte del colectivo de PIXIE NINJA, uno de los discos más suntuosos y bizarros que han emergido de la siempre ocupada escena progresiva escandinava en el presente año 2020. La manera tan peculiar que tiene este grupo de combinar tenebrismo y expresionismo a través de su enfoque del modelo space-rockero dentro del variopinto discurso prog-psicodélico ha de dejar una huella fuerte en las mentes de los melómanos que buscan ideas nuevas dentro del rock artístico. ¡¡Recomendable al 200%!!      

Muestras de “Colours Out Of Space”.-

Leng Plateau: https://pixieninja.bandcamp.com/track/leng-plateau

CosmiK: https://pixieninja.bandcamp.com/track/cosmik

Hutchinson Cipher: https://pixieninja.bandcamp.com/track/hutchinson-cipher

CORPORESANO: una nueva montaña emerge en el valle atemporal de la tradición sinfónica italiana

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da el turno de presentar a un más que interesante grupo nuevo dentro de la escena progresiva italiana: nos referimos a CORPORESANO, quinteto integrado por Lorenzo Ussoli [teclados y coroz], Francesco Marchina [voz y coros], Simone Sandrini [guitarras], Giordano Porta [bajo] y Marco Dolfini [batería, percusión y coros]. El grupo en cuestión publicó su homónimo disco de debut por vía del sello Mellow Records; más específicamente, a inicios de marzo del pasado año 2019. Bastante tarde llega esta reseña, pero bueno, la cosa es que los elogios que expondremos en base a nuestro deleite durante la escucha atenta de este álbum son genuinos. El grupo en cuestión se formó en el año 2015 y dos de sus integrantes, Marchina y Dolfini, son integrantes del excelente grupo jazz-progresivo MOOGG. En cuanto a CORPORESANO, su línea de trabajo está netamente focalizada en la recuperación del sinfonismo de primera generación, con un fuerte énfasis en la claridad melódica. Teniendo en cuenta cuán fuerte es la presencia de los teclados en los desarrollos temáticos y cuán predominantes son las atmósferas contemplativas tanto en los bloques instrumentales como en los arreglos vocales, podemos advertir las influencias de LOCANDA DELLE FATE, LE ORME, IL CASTELLO DI ATLANTE, y ya por el lado de la tradición progresiva británica, CAMEL y GENESIS. También hay confluencias estilísticas con sus compatriotas de ERIS PLUVIA. Bueno, pasemos ahora a los detalles del repertorio de "Corporesano", ¿vale?

Con la dupla inicial de ‘Alle Porte Di Zion’ y ‘Labirinti Retorici’, el grupo tiene poco menos de 12 ½ minutos para mostrarnos de qué va su propuesta musical. ‘Alle Porte Di Zion’ pone el arranque para el disco con un clima de balada sinfónica que se mueve muy bien dentro de las áreas introspectivas hacia las que se enfilan el encuadre melódico y el groove lento. Durante el interludio precedente al último coro, los matices Floydianos del solo de guitarra complementan fehacientemente al armazón señorial de las capas de teclado. ‘Labirinti Retorici’ reclama un nivel más abundante de energía expresiva, aunque todavía se mueve a través de aguas parsimoniosas en su esquema rítmico durante sus dos primeros tercios. Se nota que se ha generado aquí un mayor nivel de sofisticación progresiva en los arreglos instrumentales creados para la ocasión, lo cual resulta sumamente idóneo para la exaltación sinfónica sobre la que se habrá se sostener el glorioso epílogo de esta canción. ‘Nel Bozzolo’ regresa al clima de balada Para su primera mitad, y lo hace con una aureola ceremoniosa que se siente envolvente y ensoñadora. Ya en su segunda mitad, un diferente motif emerge para organizar un groove jazz-progresivo bastante suave: la relativa sencillez del desarrollo melódico se beneficia bastante con los inteligentes matices creados por el piano eléctrico. Nos hubiese gustado que esta canción durara un poco más, pero es que ahora llega el turno de ‘Statim Vivus Fierem’ – la segunda pieza más extensa del álbum con sus 9 ½ minutos de duración –, una oportunidad para que el ensamble se disponga a explorar las aristas más fastuosas de su propuesta musical. Hay un aire de misterio en la ingeniería melódica dentro al de la cual se mueve esta etérea canción, lo cual se aplica tanto a las entrañables cadencias del cuerpo central como al solemne preludio (marcado por un arreglo coral en clave de barítono). Hay un interludio instrumental en clave jazzera con moderados tonalidades reggae que permite a la pieza entonar un cierto aire travieso dentro de su extensa estructura.    

‘Sulle Rive Del Fiume Giordano’ es lirismo en su estado más puro de introversión, siguiendo de cerca las huellas de la canción precedente (en lo referente a la búsqueda de una nueva expresividad fastuosa) así como las de la que abrió el álbum (en lo referente a la creación de una espiritualidad contemplativa). De hecho, es en su sección final donde la banda explora efectivos recursos de densidad sonora para llevar al lirismo romántico del inicio hacia un fulgor renovador. ‘Lupo Solitario’ se caracteriza por centrarse en lo romántico y darle un colorido manerista muy especial, el cual se advierte no solo en la labor del piano sobre la que se focaliza el desarrollo melódico sino también en el vigor que emplea el baterista para ornamentar el parsimonioso esquema rítmico. La guinda de esta tarta la pone el espléndido solo de guitarra del final, el cual combina la intensidad expresiva de un Latimer y el espíritu mágico de un Hackett. ‘Onda Inarrestabile’ emerge para establecer un ejercicio de alternancias entre pasajes lentos y otros más intrépidos, aunque siempre manteniendo la pulcritud melódica. El solo de sintetizador que entra a tallar durante el primero de los interludios en 7/8 ostenta un encanto muy peculiar; cómo no, también hay un espacio reservado para otro fenomenal solo de guitarra para el epílogo. Nos vamos acercando al cierre del disco con la sucesión de ‘La Zavorra Inutile’ y ‘Lo Spirito Della Montagna’. La primera de estas canciones sigue una dinámica similar a la de ‘Onda Inarrestabile’ con una dosis un poco menor de exuberancia pero también con un mayor despliegue de agilidad en los pasajes más diligentes. Por su parte, ‘Lo Spirito Della Montagna’ establece un groove agil de una manera realmente sistemática; ya no se trata de un recurso de variación sino del núcleo central del desarrollo temático. Se puede advertir ciertos matices folclóricos en algunos de los pasajes más veloces. ‘I Venti Dell’Inverno’ no es tan solo el tema más largo del álbum con sus casi 10 minutos de duración, sino que también es el que le da el punto final. Recogiendo la siembra de la canción precedente en los momentos instrumentales más intensos, también lleva al disco a su máxima expresión de iluminación romántica en las diversas secciones cantadas.   

Casi una hora y cuarto de bella y evocadora música prog-sinfónica, esto es lo que se nos ha exhibido a lo largo y ancho del repertorio de “Corporesano”; el colectivo de CORPORESANO merece ser muy tenido en cuenta en nuestro seguimiento de las nuevas voces que se suman a la preservación del ideal del rock artístico. Este disco se destaca como una nueva montaña que brota dentro del valle de persistente creatividad prog-sinfónica italiana.

Muestras de “Corporesano”.-

Laberinti Retorici: https://mellowlabelproductions.bandcamp.com/track/labirinti-retorici

Lupo Solitario: https://mellowlabelproductions.bandcamp.com/track/lupo-solitario 

I Venti Dell’Inverno: https://mellowlabelproductions.bandcamp.com/track/i-venti-dellinverno

PSEU: un magnifico secreto avant-progresivo desde Francia, entre 1978 hasta 1983

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

 
Hoy echamos una mirada a la escena progresiva francesa de fines de los 70s e inicios de los 80s. Proveniente de la hermosa ciudad de Burdeos, la banda PSEU se suscribió a un híbrido de jazz-prog y Zeuhl, llegando a registrar material de estudio en forma de maquetas en diferentes sesiones de los años 1981 y 1982, pero nada de esto llevó a la concreción de un contrato de grabación, por lo que el colectivo nunca tuvo un disco propiamente publicado de manera oficial en el mercado fonográfico durante su tiempo de vigencia. La cosa hubiese seguido así de no haberse dado la iniciativa de los hermanos Payssan (los co-líderes de MINIMUM VITAL), quienes conocían este material, de convocar al sello galo Musea Records para que editara este material en formato digital. ¿Y cómo lo conocían? Pues resulta que quien fue baterista de PSEU pasó muy pronto a las filas de un grupo llamado CONCEPT donde estaban los susodichos hermanos (antes de rebautizarse como MINIMUM VITAL). Pues, en fin, la publicación de esas maquetas se concretó en el año 2004 con un CD titulado simplemente “Pseu”, con un total de 7 piezas, y es así como esta retrospectiva puede ser posible. El grupo se formó en el año 1978 en Burdeos, tal como dijimos, debutó en los escenarios a inicios de 1979 y se desintegró en el año 1983. El estilo de PSEU se enfila a lo vanguardista, cimbreando entre lo oscuro y lo celebratorio, bajo influencias de WEIDORJE, ZAO y el desarrollo de la corriente del jazz-fusión de los 70s; con esto, el grupo creaba conexiones estilísticas con sus compatriotas de ESKATON y UPPSALA, así como con los belgas de PRESENT. El quinteto que grabó los cinco primeros temas recogidos en “Pseu” estaba conformado por el vocalista-letrista Christian Coutzac, el bajista Erik Baron, el baterista Christophe “Cocof” Godet, el guitarrista Philippe “Maya” Dulong y el teclista Thierry Jardinier. Para los dos últimos, provenientes de las maquetas de 1982, el bajista era Philippe Canellas y el teclista, Pierre Delair, convocados para reemplazar a sus antecesores en un tiempo en que la banda estaba más desesperada que nunca por conseguir ese contrato de grabación que nunca llegó. En los conciertos que daban PSEU, Coutzac usaba una máscara plateada al modo de un demonio seductor que se pasea camuflado en medio de la multitud que disfruta de los avatares exuberantes de un carnaval veneciano.  
 

El disco comienza de manera muy extrovertida, con un ‘Biguine’ bien insertado en un ritmo jazz-rock bastante marchoso, lo cual no es óbice para que se introduzcan elementos de comicidad perturbada a través del clima continuamente jocoso de la pieza. Esta canción funciona, a la vez, como un homenaje a WEIDORJE y una vía de conexión con la faceta más ácida del ideario farsesco de unos ETRON FOU LELOUBLAN (etapa de sus discos segundo y tercero). Solamente dura poco más de 2 ¾ minutos, pero dice bastante en ese espacio. ‘Satno Danse’ tiene una intensidad más comedida, aunque el factor jazzero compartido por la dupla rítmica y el piano (emparentado con el modelo de WEATHER REPORT así como con el de POTEMKINE) persiste en ser el ítem más relevante para el sonido grupal. El canto de Coutzac, que está a medio camino entre Klaus Basquiz y un tenor para un ensamble Zappiano, tiene suficiente carácter como para brindar genuina oscuridad a la ágil dinámica de la instrumentación. Su espacio de 7 minutos está bien explotado pues, a pesar de que es una aureola de neurosis mesuradamente tenebrista la que dirige el desarrollo temático, la sistemática extroversión proyectada por el bloque instrumental permite también que se genere un genuino gancho musical para esta pieza en cuestión. Un cénit del álbum, así como lo es la dupla que sigue de inmediato. ‘La Ronde Du Jardinier (Simulacre / Part 1)’ elabora un sólido ejercicio de vibraciones progresivas de línea avant-garde con robustos impulsos jazzeados. En un pasaje organizado por pulsaciones marcadas por la batería y el piano, el bajista se explaya en un magnífico solo donde parece que se exorciza simultáneamente a las mentes de Stanley Clarke y John Greaves. También se abre campo en algún momento a ciertos realces de pasajes cacofónicos (con efectivos ornamentos de batería), los mismos que solo requerirían de un coro masivo de varones y féminas para parecer un homenaje directo a los MAGMA de “Mekanïk Destruktïw Kommandöh”: dichos pasajes sostienen el clímax de cierre para el tema, antes de que se engarce con el más reposado ‘Rencontre Avec Les Dévas (Simulacre / Part 2)’. Esta segunda parte tiene una conexión más estrecha con la faceta más lánguida del chamber-rock en su dimensión más oscurantista (al modo de un espacio intermedio entre UNIVERS ZERO y PRESENT). A través de la neblina sónica que tiene lugar, el piano se une a la guitarra a la hora de exponer algunos chispazos de luz, chispazos que no generan una real iluminación sino que realzan la sutil tensión del momento.   

Los tres temas que completan el repertorio del disco ocupan colectivamente un espacio de casi 35 minutos, durando cada uno de ellos entre 10 ¾ minutos y 12 minutos. ‘Vidange’ comienza marcado predominantemente por un jam jazz-rockero en 7/8, el cual proporciona un asiento de arquitectónica sofisticación para los viajes multívocos de los instrumentistas y los neuróticos soliloquios del vocalista; éstos transitan entre evocaciones ceremoniosas e invocaciones delirantes. De hecho, la intervención del frontman afecta fundamentalmente al entramado instrumental para que adopte una estrategia solemne, pero después de eso, el ensamble se aprestará en retomar el entusiasta jam en 7/8 con que se había iniciado la pieza. Curiosamente, el grupo abandona casi inadvertidamente la idea de priorizar el esquema de trabajo Zeuhl para focalizarse en una confluencia entre la exuberancia de RETURN TO FOREVER y la festiva gracilidad del jazz-prog francés de fines de los 70s (estamos pensando en los POTEMKINE del último álbum y los ZAO de los discos tercero al quinto). Solamente al final volvemos a una ambientación intensa donde lo atonal se resuelve fluidamente... y el cantante se siente feliz en emitir nuevas invocaciones enardecidas. ‘Miroir’ tiene una producción de sonido más opaca: este tema tiene un fuego más explícitamente explosivo que el precedente, aunque también es fácil de notar que persiste en esa mezcla de avant-prog y jazz-fusión con la que el grupo se da buena maña. Eso sí, hay pasajes intensos donde encontramos un impulso terrorífico (al menos, en parte), en diversos niveles de expresividad. Una vez más, el vocalista, cuyo rol es más firme aquí, colabora crucialmente con el desarrollo de este factor. Aquí notamos una confraternidad con sus compatriotas de ARACHNOID, así como una retorcida remodelación del legado de los primeros MAHAVISHNU ORCHESTRA. En fin, ‘Démascarade’ cierra el disco con un inesperado giro afirmativo hacia un jazz-rock melódico y relativamente suave, apoyado en parte por las sonoridades hipnóticas del piano eléctrico e ingeniosamente aumentado por los aportes de la guitarra solista. De hecho, en estas dos últimas piezas han sido muy profusos los fraseos férreos e ígneos de la guitarra; su presencia ha sido más protagónica que en cualquiera de los cinco temas precedentes. La delicadeza melódica del núcleo central de esta pieza no se pierde mientras el swing general aumenta en intensidad, sino que más bien, ésta pasa a un nivel más jubiloso. Como el grupo no puede con su genio, de todas maneras tiene que darle al asunto un epílogo rotundo al modo de WEIDORJE para el momento del clímax final.  ‘Démascarade’ ha funcionado como un muy buen cierre para este estupendo testimonio de las cosas interesantes que seguían perviviendo en los márgenes del underground francés con el sólido afán de mantener vivo el ideal de la música progresiva.

 

Este legado recuperado de PSEU es una banda que no debe pasar desapercibida para ningún leal amante del rock progresivo de línea vanguardista. “Pseu” es un ítem que merece un lugar privilegiado en cualquier colección fonográfica dedicada al género. En los créditos impresos en la edición de Musea Records, el grupo agradece la camaradería de grupos como UPSSALA, SOMBRE REPTILE, XALPH y los propios MINIMUM VITAL; con algunos de estos grupos compartió cartel el grupo que hoy traemos a colación. También hay menciones especiales a MAGMA, WEIDORJE, UNIVERS ZÉRO, ART ZOYD y ZAO, a quienes llaman compañeros de juerga musical. Creemos que en estas palabras finales se encapsula la descripción más perfecta de la línea de trabajo de PSEU. Gracias infinitas a este grupo por la música que creó y a todos los que participaron en la búsqueda de sus tesoros metidos en los cofres perdidos de la historia de la vanguardia rockera francesa.     
 
 
Muestras de “Pseu”.-
Satno Dance: https://www.youtube.com/watch?v=NruwV_C3_1Q
Vidange: https://www.youtube.com/watch?v=QNUoL_HwZOs

Miroir: https://www.youtube.com/watch?v=QNivX-umLyA