"Noega": celebración y expansión del folclore asturiano



HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

 

Hoy es el momento de hablar de EDUARDO GARCÍA SALUEÑA en el contexto del ambicioso proyecto “Noega”, un Poema Sinfónico para banda de gaitas, quinteto instrumental y recitador. La mención de GARCÍA SALUEÑA no es novedad para quienes seguimos la trayectoria del grupo asturiano SENOGUL, uno de los más refinados campeones del sueño del rock progresivo en la Península Ibérica en el nuevo milenio (también forma parte de CUAC! y otros proyectos por allí), pero ahora lo apreciamos estrictamente como entidad musical individual. Bueno, no estrictamente: “Noega” es una inmensa obra creada para conmemorar el XX aniversario de la Banda de Gaitas Noega. Esta obra cuenta con la participación de dicha banda, además de un quinteto conformado por el propio GARCÍA SALUEÑA a los teclados, la ex-SENOGUL Eva García Toca a la batería, Dani Álvarez a la flauta, whistles, Uilleann pipes y bouzouki, Héctor Braga al cello, arpa, violín y voz y Horacio al contrabajo; también actúa un ensamble de percusionistas, además de las participaciones de recitadores como Lluís Xabel Álvarez "Texuca" y Fran Molinero. GARCÍA SALUEÑA no se apoyó exclusivamente en su propio ingenio musical (que lo tiene a raudales) para la ingeniería integral de este Poema Sinfónico, sino que también ha recogido y adaptado varios temas tradicionales asturianos (Alborada, La Cruz De Mayu, Xota De Remis, etc.). El disco en sí está registrado a partir de una actuación en la Plaza Mayor de Xixón que tuvo lugar en agosto de 2011: la edición final, a cargo del sello Resistencia, se concretizó en octubre de 2012. Noega es el nombre del asentamiento fortificado prerromano que constituye la raíz arquitectónica y cultural más antigua de Gijón, y dentro del contexto específico de este Poema Sinfónico, ese nombre ancestral nos remite a la confluencia de una actitud de reencuentro con las raíces más profundas con una actitud de ampliación de la mirada en contacto con otros lugares. Más detalles sobre el meticuloso y ambicioso concepto de “Noega” se pueden descubrir en una entrevista que se hizo a Fran Molinero y GARCÍA SALUEÑA, publicada el 21 de diciembre de 2012 en este enlace del blog “Renacer Eléctrico”: http://renacerelectrico.blogspot.com/2012/12/noega-poesia-y-musica-para-la-historia.html , además de esta emisión radial del pasado 19 de diciembre archivada en el blog de Radio KRAS (enlace: http://radiokras.net63.net/index.php?id=1300 ).



 

Con la dupla de ‘Anuncia’ y ‘Fundación’ nos confrontan dos recitaciones sucesivas: una marcada por un tono alegre y burlón, otra signada por un tono solemne mientras que las iniciales capas de teclado van asentando un aura cósmica rebosante de elegancia. Así las cosas, durante la segunda mitad de ‘Fundación’, una flauta se mete a insertar cálidos colores nostálgicos antes de que ‘Noega’ refleje la primera exploración grupal: un estupendo ejercicio de jazz-fusión en alternancias de 5/4 y 3/4 que logra crear una ambientación lírica limpia y cristalina, la misma que es adornada a mitad de camino por el concurso de gaitas y tambores. Con ‘La Segunda Muerte De Noega’, el piano y una nueva recitación elaboran una aureola de expectativa antes de que ‘In Hoc Signo Vinces’ instale un hermoso viaje de encrucijadas de jazz y sinfonismo: la manera que el ensamble de gaitas, el violín y la flauta alternan el rol protagónico en las expansiones melódicas ostenta una precisión contundente. La dupla de ‘Les Fontes Escondíes’ y ‘La Muyer Que Te Lluchó’ asienta un fundamento de lirismo contemplativo que resulta el perfecto anticipo para el tenor elegíaco que atraviesa ‘Foriata Na To Ciudá’, y acto seguido, la atmósfera nostálgica de ‘La Fonda De Lola’: esta última pieza se mete de lleno en las más profundas evocaciones de la patria chica, movida por un candor genuinamente conmovedor, el candor solitario del emigrante que mira la tierra propia como algo distante, y casi ajeno podríamos añadir. Un cambio de registro emocional tiene lugar con ‘La Xuba Lo Sagrao’ y ‘No Más Alto, El Llar’, que se encargan de animar gestos alegres con sonoridades y ritmos coquetos basados en el jazz-fusión de raigambre latina, aunque queda claro el carácter permanente del compromiso con el folclore asturiano en el ideario de GARCÍA SALUEÑA. Los saltarines esquemas rítmicos de la batería y los espacios llenados por el violín y las gaitas desbordan belleza en medio de una gracilidad contagiosa.

 

La secuencia de ‘Suaña’ y ‘Noega: Ente Les Dómines’ (la primera de ellas incluye una recitación) se orienta hacia lo contemplativo; la intervención de la gaita en la segunda incluye un estándar que nos recuerda a la introducción de ‘La Verbena Hermética’, uno de los temas más destacados del disco debut de SENOGUL. La dinámica con la que ingresan los elementos cósmicos provistos por el sintetizador en su intrigante compañía a la gaita genera un universo sónico muy especial, mientras se hace eco de las evocaciones folclóricas que necesariamente trae consigo el ímpetu expresivo del gaitero. Todo esto sirve como preámbulo al ahora en que ‘Xotes’ concretice algunos de los dinamismos más pletóricos de todo el Poema Sinfónico: esta pieza irradia una luminosidad exultante mientras hila sus variantes de folk, jazz de vanguardia, fusión y matices progresivos. A partir de aquí, seguimos por el camino sin retorno de musicalidad exultante gracias a que ‘Un Glayíu Qu’anuede’ retoma algunas de las ideas melódicas previas en el repertorio del Poema Sinfónico y les proporciona una arquitectura majestuosa donde la pomposidad y la elegancia se funden en una sola dinámica. La secuencia de ‘La Mestura De Les Augües’, ‘Ralagares D’Agora’ y ‘Ente Los Cielos / Noega Reprise’ opera como conclusión sistemática de las ideas y atmósferas más coloridas del Poema: yendo desde ágiles luces de una tarde primaveral hasta los misteriosos ensueños cósmicos del ámbito sideral, para finalmente aterrizar en un paisaje nocturno marcado por una sobria majestuosidad, el concepto de “Noega” completa su trayecto sonoro con un esplendor imponente e inapelable. EDUARDO GARCÍA SALUEÑA hace relucir su mente de visionario ecléctico y su corazón enraizado en la tierra originaria en este Poema Sinfónico que dignifica con luminosa categoría la actual vanguardia musical de España.        

 

 

 

Muestra de “Noega”.-

Xotes - http://www.youtube.com/watch?v=EsyCyhE9cdQ
Noega: Ente Les Dómines - http://www.youtube.com/watch?v=t4z7VUT28tM

He aquí un golem progresivo creado por LE PORTE NON APERTE

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

 

Hoy es el momento de hablar de LE PORTE NON APERTE, banda formada en 2010 y asentada en Florencia cuya alineación consiste en: Sandro Parrinello [voz], Filippo Mattioli [órgano, sintetizadores, piano y coros], Jacopo Fallai [guitarras eléctricas y acústicas], Marco Brenzini [flauta], Giulio Sieni [batería, percusión y coros] y Daniele Cancellara [bajo]. Su línea de trabajo consiste en una vocación retro-progresiva genuina y sin disimulos, una exploración nostálgica que a veces parece fijarse bastante en los paradigmas de LA MASCHERA DI CERA e IL BACIO DELLA MEDUSA, pero apelando mayormente a recursos un poco más “rústicos”, semejantes a MALIBRAN, el A PIEDI NUDI del primer disco y el NUOVA ERA de los dos primeros discos. Cuando el grupo recurre a momentos de bien calculada arquitectura melódica, salen a colación coloridos ágiles propios del PFM clásico en su faceta extrovertida, pero son los legados de MUSEO ROSENBACH, BUON VECCHIO CHARLIE y BIGLIETTO PER L’INFERNO los que más se hacen notar (además de algo del NEW TROLLS de “Ut” y el IL BALLETTO DI BRONZO de “Ys”). Para decirlo en palabras concisas y directas al punto, LE PORTE NON APERTE practica un sonido retro-prog orgullosamente italiano desde su faceta más áspera. El disco conceptual “Golem”, publicado a inicios de año por el sello Ma.Ra.Cash Records, es un fiel testimonio de este orgullo.

 

‘Preludio Al Sogno’ es una pieza solista de piano ceremoniosamente terrorífica en su ambientación general, así como los efectos de voces que la circundan; se prepara así el terreno para que emerja ‘Il Re Del Niente’ e imponga una vigorosa mezcla de expresionismo vitalista y colorido melódico. La secuencia de ‘La Città Delle Terrazze’  y ‘Binario 8’ supone un efectivo realce del dramatismo potencial del esquema sonoro esencial de LE PORTE NON APERTE, con un ensamble instrumental que exhibe un afiatamiento muy fluido: la flauta sabe hacer lucir su presencia en los momentos donde aparece, mientras que los guitarreos usualmente ocupan un lugar central en el ensamblaje de los demás instrumentos, sin por ello negar espacios a los teclados para que aporten ornamentos y solos en momentos bien calculados. Por su parte, Parrinello que explota muy bien la vibración ronca de su canto y el empleo de frases recitadas en medio de las cantadas. Esta dupla encarna el primer clímax del álbum. ‘Il Vicolo Dei Miracoli’ ostenta una ambientación blues-rockera apropiadamente estilizada, dueña de una cadencia sobria que refleja un aire de expectativa; a partir del engarce con el siguiente tema, ‘Rigattiere Dei Sogni Infranti’, el bloque sonoro se siente más lleno en base a la sofisticada elaboración de un clima más ostensiblemente fastuoso. En este último caso, además de las señoriales florituras de flauta, tenemos un poderoso solo de órgano que deja al oyente con la miel en los labios.

 

 

‘Nemesi’ es un breve pasaje de piano centrado en una ambientación grisácea sutilmente opresiva, un oportuno preludio a las expansiones dramáticas ofrecidas por la larga canción ‘Oceano – Nel Canto Della Sirena’, que en poco menos de 10 minutos de espacio nos revela una alternancia de enérgicas remodelaciones Floydianas de los legados de MUSEO ROSENBACH con alegres evocaciones de las dimensiones bucólicas propias de la peculiar tradición progresiva italiana: el compás de tarantela con que se arma el pasaje final resulta especialmente glorioso, un clímax realmente llamativo. ‘Giardini Di Sabbia’, canción construida en torno a las interacciones entre la flauta y el piano eléctrico, sirve como un momento de reflexión contemplativa antes del arribo de ‘Animale Del Deserto’, tema que cumple con la mágica función de capitalizar, en perfecta síntesis, la expresividad más intensamente esencial de la banda. Constando de dos secciones autónomamente tituladas ‘La Rivolta Della Tartaruga Elise’ y ‘Animale Del Deserto’, esta canción hace una sabia utilización de ornamentos psicodélicos de sintetizador y poderosos guitarreos en momentos estratégicos con el fin de revestir a su cuerpo central de un gancho electrizante y emotivo. Los últimos 9 ¾ minutos del álbum están ocupados por el instrumental ‘Imprevedibilità’: el piano ocupa el rol central, esta vez metido en la labor de crear un ambiente de ensueño que reconstruye con un aura suavemente surrealista la ambientación ceremoniosa que se había hecho presente en otros pasajes anteriores de piano. La clave está en el empleo de claves de jazz experimental mientras se van insertando efectos percusivos y vocales.

Todo esto fue “Golem”, un disco que obliga a prestar atención a LE PORTE NON APERTE como una nueva fuerza creativa dentro del escenario retro-progresivo que sobrevive y persiste en Italia. ¡Florencia siempre progresiva! 

 

Muestras de “Golem”.-

Il Re Del Niente: http://leportenonaperte.bandcamp.com/track/il-re-del-niente  
Oceano – Nel Canto Della Sirena: http://leportenonaperte.bandcamp.com/track/oceano-nel-canto-della-sirena


[Dedico esta reseña a mi amigo progresivo Alfredo Rojas por aportar alguna idea que influyó en mi percepción general sobre este disco.]

Un nuevo paso a través del universo de JARDÍN DE LA CROIX

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En el transcurso de la segunda quincena de febrero pasado, el ensamble español JARDÍN DE LA CROIX ha vuelto a las andadas con su ahora tercer trabajo de estudio “187 Steps To Cross The Universe”. Como siempre, se trata de un disco publicado por Noma Records; como siempre, la banda sigue ahondando en su genial alquimia de prog-metal y math-rock con oportunos tintes de psicodelia pesada; como siempre, la ingeniería sónica resultante exhibe una muscularidad soberbia donde la continua emergencia de imponentes vendavales rockeros se articula en torno a las inteligentes interacciones entre la dupla guitarrera de Ander Carballo/Pablo Rodríguez y la dupla rítmica de Carlos Schonert/Israel Arias. En esta empresa específica, el cuarteto ha contado con los ocasionales aportes de Marcos Álvarez y Cecilia Tallo [cuerdas], Daniel Maganto [guitarra acústica] y Daniel Cherene [efectos de vocalización]. En líneas generales, cabe adelantar que lo que se muestra en “187 Steps To Cross The Universe” es que todo sigue bien en el hábitat sonoro de JARDÍN DE LA CROIX, revigorizado por nuevas estrategias para explorar y expresar su energía esencial.



 

Vayamos ahora a los detalles del disco en cuestión. Su repertorio consta de tres piezas que duran entre 7 ¼ y 7 ¾ minutos y una que se explaya hasta la frontera de los 10 minutos. Aquéllas son las tres primeras: ‘Man Made Lightning’, ‘Topsy’s Revenge’ y ‘Colorado Springs’. ‘Man Made Lightning’ brinda una tormenta luminosa desde el primer instante, un gallardo despliegue de riffs incendiarios e intensas cadencias rítmicas donde los momentos de fuerza explícita se matizan ocasionalmente con momentos de autoconstricción signados por inteligentes juegos armónicos de las guitarras duales. Hay un pasaje que se inicia a poco de pasada la barrera del cuarto minuto que es particularmente brutal, y luego sigue un pasaje un poco más contenido donde la dupla rítmica incorpora sutiles elementos funky dentro de la permanente garra rockera. ‘Topsy’s Revenge’, por su parte, comienza con la guía de un esquema armónico que suena a una cruza de FATES WARNING y SCALE THE SUMMIT, invitando a transitar por densos senderos sonoros mientras afila su propia arquitectura (un poco a lo KING CRIMSON a ratos): el enfoque central de esta pieza es el jugar con arreglos sincopados y variaciones bien medidas en torno al esquema armónico inicial. Cuando surge ‘Colorado Springs’, parece la banda quisiera explotar la veta abierta anteriormente en ‘Man Made Lightning’ pero con una mayor dosis de sofisticación y un dominio más arrollador de las sonoridades explícitamente aguerridas. Finalmente, ‘Talking With Planets’ se expande en sucesivos despliegues de matices diversos, empezando con el efecto vocal inicial que imita al didgeridoo como antesala cósmica a las etéreas armonizaciones de las guitarras duales. A partir de ahí se desarrolla un efectivo collage de motivos donde el grupo maneja coloridos y ambientes variados en una impecable ilación que va desde lo etéreo hasta lo incandescente (¿tal vez sonando a un bizarro híbrido de GURU GURU, ISIS y CANVAS SOLARIS?). Se nota en cierto sentido el impacto de ‘Topsy’s Revenge’, y la marca de dicho impacto se adentra más a fondo en la tierra sónica que el cuarteto pisa con impetuosos niveles de gallardía, especialmente con el majestuoso último motivo que finalmente habrá de desvanecerse en un sólido fade-out. 



Todo esto fue “187 Steps To Cross The Universe”, 32 minutos y pico de sofisticada erupción de lava rockera que vuelven a poner a España en un sitial importante dentro de la variopinta escena progresiva internacional: por lo pronto, ya lo podemos escuchar en Bandcamp (enlace: http://jardindelacroix.bandcamp.com/album/187-steps-to-cross-the-universe). Si con motivo de su disco anterior “Ocean Cosmonauts” se confirmó que JARDIN DE LA CROIX es siempre una apuesta segura por el placer de escuchar música de calidad y carácter, el nuevo disco eleva las apuestas y refuerza dicha seguridad. 

THIEVES' KITCHEN brinda nuevas alegrías para el ideal del rock progresivo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy es momento de referirnos al grupo anglo-sueco THIEVES’ KITCHEN, el cual acaba de editar su nuevo disco “One For Sorrow, Two For Joy”. Hoy por hoy, la alineación oficial de la banda está reducida al trío de Amy Darby [voz], Phil Mercy [guitarras eléctricas y acústicas] y Thomas Johnson [piano, órgano, sintetizadores y mellotrón]… sí, sí, el mismo Thomas Johnson que formó parte de ÄNGLAGÅRD hasta las fases de grabación de “Viljans Öga”. El ensamble se completa con la continua participación de dos invitados en la dupla rítmica del baterista Paul Mallyon y el bajista Brad Waissman (ambos del grupo SANGUINE HUM), y no solo eso, también la flautista sueca Anna Homlgren, quien sigue activa en los actualmente renovados ÄNGLAGÅRD.

El origen de THIEVES’ KITCHEN es muy curioso: coincidiendo con el final del pasado milenio, el ensamble se forjó como una escisión de GREY LADY DOWN, la cual ejercía una línea de trabajo muy nostálgica de los esquemas del neo original (MARILLION, IQ), para remodelar y reorientar esta nostalgia hacia una sonido retro-progresivo de raigambre sinfónica con mayor énfasis en sonoridades clásicas de los 70s: “Head” y “Argot” fueron testimonios definitivos de esta reorientación de la visión musical del guitarrista Phil Mercy y el teclista original Wolfgang Kindl. El tercer disco “Shibboleth” (2003) fue el primero con Amy Darby en el rol de vocalista y también el primero en iniciar un proceso de eclecticismo dentro de la maduración musical de la banda por vía de la inserción de elementos y factores propios del jazz-rock, el folk y el Canterbury. Este proceso se fortaleció a niveles importantes con el cuarto ítem “The Water Road” (2008), y para entonces Johnson ya había reemplazado a Kindl. A continuación, la banda pasó por un largo periodo de hiato debido a problemas de tendón sufridos por Mercy, pero como no hay mal progresivo que dure cien años ni oídos progresivos que puedan resistir tanta impaciencia, el grupo ha resurgido con “One For Sorrow, Two For Joy” con el formato de trío mencionado en el párrafo anterior… ¡y vaya si no les ha salido bien! Este disco nuevo es muy homogéneo en cuanto a las estructuras sónicas y atmósferas que maneja de forma predominante: ojo, no estamos diciendo que se trata de un trabajo monótono o falto de interés melódico, sino enfatizando el hecho de que Darby, Mercy y Johnson se han concentrado en armar un repertorio consistentemente orgánico en su estructura interna en un regreso al énfasis en el factor sinfónico. La maquinaria sónica elaborada en los desarrollos y arreglos de las composiciones se siente más prolija en cuanto a la interacción entre los instrumentos y menos focalizada en expandir colores y matices a través de multiformes recursos: el estilo es más condensado, en líneas generales.

 

 

El título del álbum y de la pieza homónima que lo abre es el de la vieja nana popular sajona “One for sorrow, two for joy”, basada en la simbolización de la cantidad de urracas que uno ve volando en algún momento de la mañana. Darby recita la letra de la susodicha nana extendiéndola hasta “three for a girl, four for a boy, five for silver, six for gold, seven for a secret never to be told”. A partir de ahí emerge ‘Deor’, canción basada en “El Lamento de Deor” (poema anglosajón del siglo X cuya temática se centra en los dramas de la vida y la esperanza de sobrellevarlas y superarlas), cuya ambientación refleja un entusiasmo moderado, una especie de instinto épico que se concretiza de forma bien controlada para instaurar sin “estorbos innecesarios” la estructura melódica creada para la ocasión. ‘Hypatya’, basada en la intensa y trágica vida de la revolucionaria filósofa y matemática neoplatónica que vivió entre fines del siglo IV e inicios del siglo V d.C., es una canción que asume un aura más nostálgica, tal vez hasta triste pero sin recurrir a una densidad emocional especialmente arrolladora, sino más bien una añoranza evocativa propia de un tributo. Los solos de guitarra que entran a tallar son los elementos que más enfáticamente expresan esa aureola de añoranza; por su parte, el interludio centrado en la dupla de mellotrón de flauta y flauta real (esta última a cargo de Holmgren) da pie para que la pieza ahonde en sus recursos de serenidad expresiva. ‘A Fool’s Journey’ adopta un actitud más rockera en el rol de los guitarreos pero sin recurrir a una esquema rítmico: imaginemos una idea de un riff que brotó de unas sesiones de ensayo de DEEP PURPLE, domesticada por unos CAMEL metidos a explorar su espectro estilístico en la época de “Moonmadness” y finalmente reconstruida por los SPOCK’S BEARD de la etapa “Snow”, así nos haremos una idea de la onda que se desarrolla en esta canción. La organización de síncopas y quiebres en la estructura rítmica de la canción y la instalación de un expectante interludio (otra vez con la ocasional presencia de la flauta de Holmgren) generan una efectiva vivacidad al asunto. Mención especial al solo de Moog con que se enrolla Johnson a partir de la barrera del quinto minuto: no es mu yextenso… ¡pero sin duda es genial!

 

 

La penúltima canción, ‘The Weaver’, es el momento de puro relax pastoral: se trata de una balada centrada en la guitarra acústica, algo así como una cruza entre el estándar de RENAISSANCE y el disco debut de los suecos RAGNAROK. Esta canción se sitúa entre las dos piezas monumentales del álbum: ‘Germander Speedwell’, de 14 ½ minutos de duración, y ‘Of Sparks And Spires’, de 12 ¾ minutos. El caso de ‘Germander Speedwell’ (nombre de una flor azul que simboliza el deseo de buen viaje para los viajeros) en cuanto a ambientes predominantes y triste sobriedad del ensamblaje instrumental nos puede hacer recordar a ‘Hypatia’ en muchos sentidos, pero también vale recalcar como mérito individual de esta pieza es su imponente lirismo poético, plasmado especialmente en las bases y capas de los múltiples teclados de Johnson, los cuales se erigen en protagonistas sutiles de la armazón que envuelve el canto de Darby. ‘Of Sparks And Spires’ se acerca más al vigor rockero exhibido anteriormente en ‘A Fool’s Journey’, así como remonta vuelo a partir del acento épico mostrado en ‘Deor’ y lo capitaliza de una manera impactante. La banda goza de su propia excelencia con total naturalidad mientras navega a través de los diversos desarrollos temáticos y los hila en fabuloso efluvios melódicos. Posiblemente tengamos aquí los mejores solos de guitarra de todo el álbum, añadamos esto de paso. “One For Sorrow, Two For Joy” no merecía un final que no fuera éste, y definitivamente, THIEVES’ KITCHEN merece nuestra atención. ¡Recomendado!

Muestras de “One For Sorrow, Two For Joy”.-

Hypatia: http://thieveskitchen.bandcamp.com/track/hypatia
Of Sparks And Spires: http://thieveskitchen.bandcamp.com/track/of-sparks-and-spires

OBLIVION SUN - desde los más elevados lugares del mundo del rock progresivo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos atención a “The High Places”, el largamente esperado segundo disco de OBLIVION SUN, el vehículo musical co-dirigido por Stanley Whitaker y Frank Wyatt para mantener la llama del fabuloso legado progresivo de HAPPY THE MAN. Parece que fue ayer que el mencionado grupo se reformó con 3/5 de su formación clásica con el disco “The Muse Awakens”, cuya larga gestación pudo finalmente concretizarse en un fabuloso parto musical allá por 2004. Fue una pena que la reactivación de HAPPY THE MAN no prosperara en algo más consistentemente activo, pero la dupla de Whitaker y Wyatt siguió adelante, primero con un disco a dúo titulado “Pedal Giant Animals” y luego con la formación de este nuevo grupo OBLIVION SUN, el cual repetía exactamente el formato estructural de HAPPY THE MAN. Su disco homónimo de 2007 fue recibido por los seguidores eternos de HAPPY THE MAN como otra manifestación de gloria progresiva, y esos mismos elogios deberán reiterarse para “The High Places”. OBLIVION SUN está conformado ahora como cuarteto, con Whitaker usando su rol de guitarrista-vocalista y Wyatt desdoblándose a los vientos y todos los teclados, mientras que David Hughes se hace cargo del bajo y Bill B. Brasso hace lo propio con la batería y las percusiones. El inolvidable héroe colega de Wyatt y Whitaker, el virtuoso teclista Kit Watkins, no es de la partida como músico, pero sí se hace cargo de la producción de sonido. Publicado por el sello Prophase Music a fines de enero pasado, “The High Places” incluye cuatro temas que oscilan entre los casi 3 minutos y 6 minutos y pico de duración, más la ambiciosa suite homónima. Dicha suite es en realidad una expansión fastuosa de la pieza ‘Merlin Of The High Places’, la cual existía desde antes de la publicación del primer LP de HAPPY THE MAN (en el lejano 1977) y que los seguidores de la banda ya conocíamos por la selección de bootlegs titulada “Death’s Crown”. Tenemos, pues, en este disco, una combinación de nuevos retratos y viejos tapices traducidos al ambicioso lenguaje musical del rock progresivo.

‘Deckard’ ocupa los primeros 6 ½ minutos del disco exhibiendo una elegante arquitectura sónica que es prácticamente marca de la casa: ambientes bien cuidados dentro de una ilación meticulosamente definida, motivos desarrollados con estilizado vigor, arreglos rítmicos complejos asentados con ágil soltura, perfecto equilibrio entre el swing del jazz y la sofisticación arquitectónica de la música de cámara en una remodelación genuinamente progresiva. Luego sigue ‘March Of The Mushroom Men’, pieza que compuso Stanley Whitaker inspirado por la estricta dieta que tuvo que seguir como parte de su tratamiento contra el cáncer unos años atrás; esta pieza exhibe un lirismo relativamente más sosegado que el de la pieza precedente, pero cabe resaltar principalmente que las dosis de elegancia y fastuosidad tanto en lo compositivo como en lo performativo siguen siendo las mismas. Rescatada de los tiempos del proyecto PEDAL GIANT ANIMALS (en el que Whitaker y Wyatt volcaron composiciones que no lograron formar parte del disco de retorno de HAPPY THE MAN “The Muse Awakens”), la dulce balada ‘Everything’ supone el primer momento vocal del álbum, y sobre todo, un pretexto para que el oyente se refugie en la rústica choza de la introspección reflexiva tras las sendas exhibiciones de envolvente colorido musical que se dieron en ‘Deckard’ y ‘March Of The Mushroom Men’. El rol dominante de la guitarra acústica y el canto de Whitaker en el desarrollo melódico (inteligentemente ornamentado por sutiles escalas de piano y suaves orquestaciones de teclado a cargo de Wyatt) resulta perfecto a la hora de transmitir un aura de intimidad del alma que se contempla a sí misma observando parte del orden cósmico, todo ello en un espacio de poco menos de 3 minutos. Por su parte, ‘Dead Sea Squirrels’ se mete en terrenos más filudos dentro del paradigma de exquisitez que siempre han ostentado HAPPY THE MAN y OBLIVION SUN: alternando esquemas rítmicos de 7/8 y 4/4, el cuarteto elabora un motivo signado por un auténtico gancho rockero que nos remite fácilmente a un punto intermedio entre el STEVE HACKETT 79-80 y las aventuras jazz-rockeras de JEFF BECK, coincidiendo con el estándar de otra banda estadounidense veterana del prog – HOLDING PATTERN.    

Los últimos 22 minutos y pico del disco están ocupados por la mencionada suite ‘The High Places’, la cual se ha reconstruido y ampliado de tal manera que cuenta con seis secciones sucesivas con títulos autónomos: ‘My Eyes’, ‘Awakening’, ‘Flowers’, ‘The Rules’, ‘The Cage’ y ‘Our Eyes’. La primera sección, que dura poco más de 6 minutos, está a doble cargo de asentar el ambiente general e instalar los motivos principales, lo cual da vuelo para que la segunda sección instale, en su corto espectro de dos minutos, unos pasajes enérgicos cargados de auténtica espiritualidad épica, seguidamente, la tercera sección se basa en un lirismo ágil (al modo de un CAMEL-con-YES). Vale resaltar que esta sección incluye un precioso solo de sintetizador en el que Wyatt logra emular solventemente la creatividad del inolvidable maestro Watkins. La cuarta sección es la segunda más larga de la suite, durando casi 5 ¾ minutos: sus cadencias predominantes son de tenor intimista y romántico, mientras que un breve interludio transita hacia lo juguetón con una cohesión perfectamente pulcra en el desarrollo temático. La coda de piano de esta cuarta sección crea el nexo con la siguiente, siendo así que ésta se encarga de perpetuar el mismo espíritu de solemnidad intimista, pero trasladándola  hacia una sonoridad un poco más fastuosa. Otra coda de piano nos lleva a la sexta y última sección, la cual se encarga de retomar y remodelar los aspectos más pomposos de la primera sección, lo cual permite a la guitarra gozar de un apropiado espacio para lucir un grandioso solo antes del último canto de Whitaker. ¡Un gran final para un excelente disco!

“The High Places” es un disco que no decepciona, se puede sentir un poco corto para los oídos acostumbrados a repertorios de 55-75 minutos de duración, pero con los poco más de 40 minutos que dura este disco, podemos decir que OBLIVION SUN se ha lucido como ha querido… y más. Estos veteranos todavía tienen la garra y la vitalidad de unos críos, y eso es motivo de celebración infinita en el actual escenario del rock progresivo: HAPPY THE MAN no está muerto, sino de parranda en las más elevadas esferas del mundo progresivo actual. ¡¡Recomendado al 150%!!

Muestras de “The High Places”.-
March Of The Mushroom Men: http://www.youtube.com/watch?v=VZuLy76eA6E
Everything: http://www.youtube.com/watch?v=aO2anfZK2t8

APARECIDOS: una refrescante aparición en el mundo de la fusión urbana

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

 

Hoy es el turno de APARECIDOS, ensamble ítalo-argentino asentado en Génova que actualmente está conformado por Facundo Moreno [guitarra clásica, charango], Santiago Moreno [guitarra clásica], Tommaso Rolando [contrabajo, bajo eléctrico], Marco Ravera [guitarra eléctrica], Santo Florelli [batería] y Manuel Merialdo [percusiones, glockenspiel]. Rolando y Ravera son integrantes de CALOMITO, accediendo a formar parte oficial de la banda con éste, su segundo disco, “Palito Bombón Helado”, el cual fue publicado por el sello AltrOck en noviembre del año pasado. Este sexteto dedicado a la fusión de jazz vanguardista, folclore hispanoamericano/tropical y las facetas más juguetonas del rock-in-opposition (a lo HAMSTER THEATER) surgió como iniciativa de los hermanos Facundo y Santiago Moreno, quienes emigraron desde su Buenos Aires natal a tierras italianas a inicios del milenio, abrumados por la terrible crisis económica que tuvo lugar en el crepúsculo de la era De la Rúa. Una vez instalados en Italia, los hermanos forjaron una trayectoria musical basada principalmente en la fusión latina y los folclores urbanos, estableciendo nexos con el teatro de la calle. “Lo Que Hay En El Charco” de 2009 fue el primer disco de APARECIDOS, y ahora, con una alineación modificada, nos trae “Palito Bombón Helado”. Las recurrentes intervenciones del violinista Mattia Tomassini y las ocasionales de Filippo Gambetta al acordeón diatónico ayudan bastante a preservar las ambientaciones (ya sean juguetonas o cálidamente relajadas, dependiendo del momento) diseñadas para buena parte del repertorio del disco: vayamos a los detalles del mismo.

 

Ocupando casi 6 minutos de espacio, ‘Tanto Gofio Saremo’ juega con colores y sabores cubanos mientras le da un giro mediterráneo delicadamente extravagante (un poco a lo CALOMITO) desde donde el ensamble cuida la retorcida espiritualidad festiva en curso. ‘La Cumbia Ingles’ sigue a continuación incrementando el aura de alegría: con base de cumbia y florituras de charanguista-guitarreras propias del candor de la cultura criolla centroamericana, el ensamble establece un candor irresistible. Éste es el terreno apropiado para que en algún momento Marco Ravera luzca un solo a lo AL DI MEOLA, generando así un retazo de electricidad en medio del predominante candor. ‘Zamba Del Chaparrón’ parte, claro está, de la dinámica de una zamba, una manifestación de los aspectos reflexivos del folclore pampero. Eso sí, no hay duda de que el ensamble no gusta de quedarse estático en sus viajes sónicos, y ésta no es la excepción: los aires blueseros de la guitarra eléctrica (con slide) y las consiguientes trasmutaciones a cadencias de polca circense que ocurren en el interludio nos recuerdan fehacientemente que APARECIDOS está movido por una espiritualidad netamente extravagante. ‘Camino A Dos Rius’ nos muestra una fluida mezcla de ritmos mediterráneos y brasileños, elaborando un clima de agilidad propio de la idea de estar viajando; el aire coqueto que asume el desarrollo melódico merced a la perfecta amalgama de los instrumentos de cuerda es… ¡simplemente genial! Por su parte, ‘Saracinesca’ nos transporta a paisajes y atmósferas del Cercano Oriente a través de una especie de reconstrucción peregrina de los estándares de HAMSTER THEATER y STABAT AKISH. El ocasional canto de Tatiana Zakharova ayuda a darle un toque ceremonioso a ciertos momentos, mientras que la intensificación del esquema rítmico en la segunda mitad genera un clímax sostenido desde el cual el ensamble explora sabiamente el colorido inherente al motivo central.    

 

‘Amuleto’ tiene base de milonga, a la par que se alimenta del dinamismo jazzero a fin de ganar algo de cálida exuberancia en el desarrollo de su estructura compositiva sin perder la envolvente serenidad básica de la misma: la dupla de guitarras clásicas adopta un lugar más protagónico que nunca en todo el disco. Este momento de relativa calma reflexiva viene contrastada por la inescrutable vibración generada por la breve ‘Impro’, antes de que ‘Peperina En El Semáforo’ cierre el disco al modo de un cénit contundente. En efecto, esta pieza que ocupa los últimos 6 minutos y pico del álbum se basa en una curiosa mezcla de cadencias de milonga y texturas extremo-orientales, convenientemente encapsulada en una ingeniería jazz-progresiva que empieza envuelta en pura sutileza y termina manifestando su etérea luminosidad, sin reservas, a través de una elegante estrategia de dosificación. En los últimos pasajes, el grupo regresa a la sutileza inicial como anticipando la nostalgia de la despedida. Una hermosa manera de terminar un disco tan especial como es “Palito Bombón Helado”, un ítem que ha recibido miles de merecidos elogios en las redes dedicadas a la difusión del jazz, el rock progresivo y la música de avanzada en general. APARECIDOS ha logrado llamar la atención y en verdad que se trata de una banda muy digna de seguir conservándola: tengamos bien presente el nombre de este grupo a la expectativa de próximas obras que produzca en el futuro próximo.     

 

Muestras de “Palito Bombón Helado”.-
La Cumbia Ingles: http://aparecidos.bandcamp.com/track/la-cumbia-ingles
Saracinesca: http://aparecidos.bandcamp.com/track/saracinesca
Peperina En El Semáforo: http://aparecidos.bandcamp.com/track/peperina-en-el-semaforo

CHOLO VISCERAL: menú infernal de la nueva psicodelia peruana

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión presentamos al joven grupo peruano CHOLO VISCERAL, conformado por Joao Orosco a la batería, Manuel Villavicencio  al bajo, la dupla guitarrera de Arturo Quispe y Kevin Lara, Max Vega al saxofón y Nagel Díaz a cargo de los efectos sonoros. El grupo ha subido a la red de Bandcamp su homónimo disco debut en enero pasado (enlace:  http://cholovisceral.bandcamp.com/album/cholo-visceral), pero en sí esta banda ya tiene una cierta veteranía dentro del underground limeño. Hay una movida psicodélica desde donde se arman estupendos festivales de rock psicodélico y experimental: ensambles vigorosos y desafiantes como LIQUIDARLO CELULOIDE MACONDO, TABLA ESPACIAL y otras encarnan este ideal de deconstruir y remodelar el discurso del rock para reflejar las oscuridades eléctricas de nuestra psique. CHOLO VISCERAL pertenece a este ámbito, sustentando una de sus posiciones más robustas: confirmaremos esto tras repasar detalladamente el repertorio de este disco. A inicios de mayo, se dio la buena noticia para los fetichistas de las ediciones físicas: este disco se concretizó como CD real por vía del sello Tóxiko Records.

 

Ocupando los primeros 6 minutos y pico del repertorio, ‘La Rataza’ (término de la jerga criolla peruana con fuerte carga fálica) camina por coordenadas de vigor oscurantista que ponen bien en claro las reglas del juego artístico de la banda. Los momentos de exquisita salvajada lisérgica donde ciertos gritos ocasionales rondan entre lo ritual y lo catártico brindan un contrapunto inquietantemente perfecto a los momentos de energía relativamente mesurada que se desarrollan en buena parte de los pasajes centrales del viaje musical. Tras el breve mantra en fade-out que pone punto final a ‘La Rataza’ emerge ‘Menú De 4’, pieza que pone toda la carne en el asador desde el punto de partida con una bien hilada secuencia de riffs electrizantes y despliegues diversos de vigor rockero que mantienen un magnetismo consistente a través de sus variaciones. Los guitarreos crean una amalgama furiosa e inteligente a la vez, en plena combinación de stoner y space-rock, mientras que el saxo se añade a estas interacciones con perfecta fluidez. También es digno de resaltarse el estupendo nivel de soltura con el que el bajo transita de obrero del esquema rítmico en unos pasajes a brújula en el desarrollo temático de otros. Luego sigue ‘Kión’ con la misión de traducir la fuerza esencial de CHOLO VISCERAL en una auténtica tormenta cósmica desde donde los músicos exploran su capacidad de insertar juegos de misteriosas texturas en medio de pasajes enérgicos. Una vez más, el bajo aprovecha un momento específico del interludio para marcar la pauta de las dobles guitarras; dicho interludio se encarga de elaborar las proyecciones del aguerrido motivo inicial, el cual regresa para un bien desarrollado cierre. La gente de GURU GURU hubiera estado orgullosa de concebri esta idea para alguno de sus tres primeros álbumes… ¡pero esto es CHOLO VISCERAL, señoras y señores!

‘Silvia Escarmiento’ sirve como una ventana abierta hacia la dimensión introspectiva del ideario sónico de la banda: en base al esquema de trabajo del dueto de guitarras, la pieza se transporta por una controlada variedad de atmósferas que finalmente aterriza en un juego evocativo emparentado con el estándar del post-rock. Los últimos 10’50” del repertorio están ocupados por ‘Luzbel: El Pasaje Infernal’, tema que asume la misión de establecer un sólido clímax psicodélico para el mismo, alternando momentos en los que el grupo recapitula y capitaliza su rotundo filo rockero con otros en los que juega con flujos sonoros free-form que sirven para aliviar la tensión latente adentrándose en una misteriosa oscuridad donde la razón no puede explicar signos ni huellas. El violín del invitado Armando Córdova resulta el perfecto cómplice para esta empresa. 

CHOLO VISCERAL es, a fin de cuentas, una banda a la que vale la pena seguir la pista: su combinación de energía, preocupaciones eclécticas y funcionamiento afiatado como ensamble constituyen virtudes que no merecen ser ignoradas. ¡Psicodelia peruana hoy y para siempre!   


Muestras de "Cholo Visceral".-
La Rataza  -  http://cholovisceral.bandcamp.com/track/la-rataza
Luzbel: El Pasaje Infernal  -  http://cholovisceral.bandcamp.com/track/luzbel-el-pasaje-infernal

El etéreo abrazo musical de BATTLESTATIONS

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

 

Hoy presentamos al grupo belga sobre cuyos integrantes individuales no hay mucha información, pero que ya tiene dos discos en su currículum por ahora: BATTLESTATIONS. Este ensamble formado en Bruselas a inicios de 2009 cultiva una variante de post-rock que parece diseñada para obras distópicas o películas de ciencia- ficción, pues la sonoridad general de sus composiciones se muestra íntimamente hermanada con el aura flotante del space-rock en sus facetas más calmadas, así como con los estándares cibernéticamente reflexivos de línea ambient. Habiendo debutado fonográfico en junio de 2011 con un disco homónimo, le tomó menos de un año completar un nuevo disco titulado “In A Cold Embrace”, el mismo que pasamos a reseñar a continuación.

‘Prologue: Nature Morte//You’re Not Welcome Here’ ocupa los primeros 13 ¼ minutes del álbum, y lo hace pasando de una introducción envolvente signada por una parsimonia cósmica hasta un convincente despliegue de relajadas ambientaciones y texturas lisérgicas donde confluyen el estándar de MOGWAI y la faceta introvertida de GYBE!, conjuntamente reformuladas por una estilizada sensibilidad electrónica que muy bien podría hacernos recordar al TANGERINE DREAM de inicios de los 80s, así y el patrón antecedente del shoegaze. El grupo maneja con buen pulso la dinámica minimalista que se impone en el desarrollo temático de la pieza, permitiendo así que se mantenga un interesante nivel de colorido dentro de lo que evidentemente es el reinado de la musicalidad etéreamente grisácea. Un estupendo comienzo que prepara el terreno para la siguiente pieza ‘Comrade//The Way We Grieve’, pieza que lleva la esencial dimensionalidad reflexiva de la banda hacia un esquema de trabajo más filudo, casi al modo del MONO de los primeros años, aunque preservando también la perpetua huella del MOGWAI clásico en cuanto a su talante oscuramente meditabundo. Este detalle se hace notar particularmente en la última sección. En líneas generales, ‘Comrade//The Way We Grieve’ está atravesado por una atmósfera eminentemente cinematográfica donde se engarzan las pulsaciones de los riffs y rellenos armónicos de las guitarras y las capas orquestales de teclado, sobrias éstas en la superficie pero tremendamente influyentes en el trasfondo.

Con ‘Interlude: Time Stands Still’ se nos muestra una serie de planchas de teclado que emulan ambientes a lo PHILIP GLASS con semblanzas del minimalismo cuidadoso de un BRIAN ENO, un momento de misterioso relax que anticipa la emergencia de ‘Breaking Bad News//The Faces We Remember’. En efecto, esta pieza que dura casi 7 minutos está diseñada para reflejar los aspectos más ensoñadores del ideario musical del ensamble, portando varios aires de familia con las sonoridades que antes habían sido predominantes en ‘Prologue: Nature Morte//You’re Not Welcome Here’ pero que ahora son transportadas hacia rincones más escondidos de las vibraciones más solipsistas de la mente, allí donde brilla una luz encapsulada en sí misma. En fin, el disco concluye con ‘The Semblance Of Fate//Citizen Creep//The End’, pieza que en buena medida puede identificarse como una síntesis de las pautas de las piezas primera y cuarta, con dos añadido especiales: uno consiste en el énfasis que se pone en algunos parajes en desarrollar atmósferas etéreas a un nivel épico; el otro consiste en la creación de un aura de inquietante nostalgia en los dos motivos finales (un tanto Floydianos, valgan verdades), como si una vieja tristeza pujara por salir al frente después de haber sido bloqueada por la mente durante un tiempo. Este último recurso permite que se cree la situación perfecta para completar el viaje emocional que supone escuchar el disco disfrutándolo mientras se aprecia la integralidad de su repertorio.   

“In A Cold Embrace” es el disco que debe confirmar el lugar importante que merece tener BATTLESTATIONS en las mentes y oídos de los melómanos interesados en apreciar el estado actual de la vanguardia rockera en el área del post-rock y hallar ideas refrescantes dentro de la oscuridad emocional naturalmente esencial al género. Este ensamble maneja con cuidado y vigor su discurso musical, que se puede describir sucintamente como un abrazo musical etéreo y calmado.

 

Muestras de “In A Cold Embrace”.-
Nature morte // You're Not Welcome Here: http://www.youtube.com/watch?v=UFRTrjEFqD8 
Comrade//The Way We Grieve: http://www.youtube.com/watch?v=E8Hhb-zc9Ts

El retorno al mañana de LA MASCHERA DI CERA

 

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

 

Hoy es el turno de hablar del nuevo disco de LA MASCHERA DI CERA “Le Porte Del Domani”, el cual es una secuela del clásico de LE ORME "Felona e Sorona". Vaya, una curiosa idea realmente, y estamos seguros de que LA MASCHERA DI CERA cuenta con suficiente madera y energía para ofrecer un homenaje realmente magnífico al mencionado concept-album de LE ORME, el cual cumple su 40mo. aniversario justamente en este año, y que en su momento significó un punto de referencia para el auge tanto artístico como comercial del rock progresivo italiano de primera generación. Completando esta actitud de tributo, “Le Porte Del Domani” contará también con una versión cantada en inglés. Para esta gesta, LA MASCHERA DI CERA regresa al formato de quinteto pre-"Petali Du Fuoco": Alessandro Corvaglia [voz, guitarras acústica, eléctrica y de 12 cuerdas], Maurizio Di Tollo [batería, percusiones surtidas, coros y algo de mellotrón], Agostino Macor [pianos acústico y Fender Rhodes, órganos Hammond y Crumar, mellotrón, birotrón, Chamberlain, Mini-Moog y otros sintetizadores, Corvaglizer, mandolina y campanas], Andrea Monetti [flautas] y Fabio Zuffanti [bajo, pedales Moog Taurus y campanas]. Para esta aventura, el quinteto contó con las asistencias ocasionales de los ilustres invitados Martin Grice (el heroico vientista de DELIRIUM) y la guitarrista Laura Maenga. Pasamos a reseñar la versión italiana de este proyecto.

 

 

Durando poco más de 8 ½ minutos, la pieza de apertura ‘Ritorno Dal Nulla’ empieza con un generoso preludio instrumental que porta todas las trazas esenciales de LMDC; en el desarrollo multi-temático se incluyen citas de los riffs de órgano y orquestaciones de Moog del primer tema de “Felona E Sorona” (‘Sospesi Nell’Incredibile’). Cuando poco antes de llegar a la barrera del quinto minuto emerge por primera vez la roncamente exquisita voz de Alessandro Corvaglia, la ambientación general se torna solemne con una majestuosidad imponente, llegando casi a hacernos creer que el bloque sonoro se ha asentado en territorio de HÖSTSONATEN. ‘La Guerra Dei Mille Anni’ parte de un ritmo marcial para elaborar una cadencia de danza pastoral, base para un ejercicio de hibridación DELIRIUM-PFM: la fastuosidad de los arreglos que marcan los pasajes finales es crucial para la conexión con la tríada que sigue a continuación.

La dupla de ‘Ritratto Di Lui’ y ‘Ritratto Di Lei’ se asienta en el ecuador del repertorio de una forma bastante reveladora: ambas piezas ostentan un aura intimista dentro de un ropaje sonoro cósmico donde la serenidad y la melancolía se funden en una sola emoción. Haciendo una comparación entre ellas, cabe advertir que ‘Ritratto Di Lei’ lleva esta ambientación hacia una dimensión más sofisticada. En medio de ambos retratos musicales, ‘L’Enorme Abisso’ encarna una elegante demostración de furia colorida, propia de las herencias de MUSEO ROSENBACH, ALPHATAURUS, BIGLIETTO PER L’INFERNO y la faceta más agresiva de  BANCO DEL MUTUO SOCCORSO que desde siempre conformaron el leitmotiv de la banda: de hecho, esta canción en particular focaliza un energizante retorno a los dos primeros álbumes. Si ‘L’Enorme Abisso’ significa una exploración en el núcleo definitorio de LMDC, lo mismo vale decir de ‘Viaggio Metafisico’ con un factor añadido de robustez, pues funciona como un poderoso recordatorio de la magia que podría haber resultado de un jam organizado por un combo de miembros de METAMORFOSI y OSANNA.



 

Tras la conclusión de estos contundentes viajes progresivos que celebran las dimensiones más musculares de la tradición sinfónica italiana, se suceden sendas demostraciones de ensoñación señorial encarnadas respectivamente en ‘Albe Nel Tempio’ y ‘Luce Sui Due Mondi’: con la ilación de estos dos temas, la banda explora el talante elegante de su faceta más introspectiva en su más auténtica majestuosidad, siendo así que las cortinas de teclados (especialmente las de mellotrón) asientan la arquitectura sónica en curso. El desarrollo climático de esta dupla prepara el terreno para el imponente florecimiento de ‘Alle Porte Del Domani’, pieza que ocupa los últimos 5 minutos y pico del álbum. Este epílogo instrumental elabora un impetuoso viaje de pulsaciones sinfónico-siderales, dueño del típico vigor de LMDC, y con sus infaltables citas de ‘Ritorno Al Nulla’ (la pieza que cerraba “Felona e Sorona”) antes del golpe final. Así se completa el concepto cósmico de “Le Porte Del Domani”, la nueva exploración de LA MASCHERA DI CERA en los legados y recovecos de su propia tradición nacional en busca de nuevos sueños y nuevas revitalizaciones. La idea salió bien y los más beneficiados somos los coleccionistas sinfónico-progresivos de siempre.

 

 

 

 

Muestras de “Le Porte Del Domani”.-

La Guerra Dei Mille Anni [vídeo-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=E89x7XsOFH8 

L'Enorme Abisso: http://fabiozuffanti.bandcamp.com/track/lenorme-abisso
Ritratto Di Lei: http://fabiozuffanti.bandcamp.com/track/ritratto-di-lei