La segunda muestra de sangre avant-progresiva de REUTER MOTZER GROHOWSKI

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El año 2022 estuvo repleto de grandiosas novedades avant-progresivas, siendo una de ellas la segunda obra fonográfica del trío REUTER MOTZER GROHOWSKI: portando el título de “Bleed”, este disco que ahora reseñamos fue publicado por el sello MoonJune Records el 4 de noviembre del mencionado año pasado, sucediendo a “Shapeshifters” por dos años y pico. La asociación del maestro alemán MARKUS REUTER [Touch Guitars y loops] y los dos maestros estadounidenses TIM MOTZER [guitarras acústico-eléctricas de 6 y 12 cuerdas, guitarra barítono, guitarra eléctrica, guitarra e-bow, efectos electrónicos y loops] y KENNY GROHOWSKI [batería y percusión] ha vuelto a crear una serie de composiciones aventureras y mayúsculas penetradas por un altivo ingenio vanguardista desde donde se tienden puentes entre las áreas más radicales del prog y del jazz-rock. Entre los tres han añadido partes de mellotrón, piano eléctrico Fender Rhodes y órgano Hammond en algunas instancias del repertorio contenido en este disco. La sesión de grabación para las improvisaciones que conforman la base del repertorio de “Bleed” tuvo lugar en un solo día: el 2 de mayo de 2022. La locación fue el NRS Recording Studio de Nueva York y la sesión estuvo bajo la supervisión de Scott Petito. Las correspondientes labores de mezcla y masterización estuvieron a cargo, respectivamente, de Stefano Castagna (en su Ritmo&Blu Studio de Brescia) y de Lee Fletcher. La producción fue realizada por REUTER, mientras que el arte gráfica es de autoría de MOTZER (con un aporte de diseño gráfico de Bernhard Wöstheinrich, compañero de REUTER en ANCHOR AND BURDEN). Pasemos ahora a los detalles de lo que REUTER MOTZER GROHOWSKI nos ofrecen en “Bleed”.

Todo comienza con la pieza homónima, la cual dura poco más de 11 ¼ minutos. El esquema de trabajo expuesto en ‘Bleed’ se centra mayormente en un encuadre inteligente y solventemente articulado de avant-jazz, psicodelia progresiva y exploraciones densas que se sitúan a medio camino entre los paradigmas de STICK MEN y de DAVID TORN. Mientras va avanzando la pieza (y eso se nota prístinamente a poco de atravesar la frontera del cuarto minuto), el groove de la batería se torna más filudo, lo cual lleva al trío a insuflar una intensidad más aguerrida a su actual excursión. Ya en los dos últimos minutos, la Touch Guitar elabora unos fraseos flotantes que, aunque no carecen de energía precisa, establecen un creativo contrapeso frente a la neuróticamente vivaz ingeniería rítmica. ‘Causatum’ sigue a continuación para virar hacia un territorio más calmado, elaborando unos paisajes sublimemente ensoñadores a través de la diversa paleta sónica expuesta por los instrumentos de cuerda. La batería sigue dando rienda suelta a sus inclinaciones avant-jazzeras, pero esta vez, su soltura es manejada con una refrescante sobriedad. Para las últimas instancias, el bloque sonoro se encauza por un sendero de misteriosos minimalismos que giran en torno a un eje bien definido. ‘Sybilline’ dura un poco más que la pieza homónima y cumple inicialmente con la misión de exponer elementos inquietantemente nebulosos en base a una tensión contenida que se refugia bajo una apariencia crepuscular. Ya a mitad de camino, el empuje del trío se torna más contundente desde un punto de vista envolvente, lidiando con algunos vericuetos lúgubres pero sin adentrarse realmente en los mismos. El cuarto tema del disco se titula ‘Monolith’ y es el más extenso del mismo al durar 14 ½ minutos. Su estrategia expresiva consiste en mezclar musculatura, vibraciones tenebrosas y vorágine oscurantista en una cruza entre el modelo Crimsoniano de la fase 73-74 y la faceta más agresiva del polivalente maestro JOHN ZORN (más algunos trazos de una versión desarticulada de PRESENT). Los motivos se van armando y desarmando con una fluidez impecable, y cabe resaltar que los ornamentos ocasionales de los teclados ayudan a capitalizar la sofisticación progresiva inherente a esta ilación de delirantes excursiones. Un cénit del álbum cosechado a partir de la siembra de los temas #1 y #3.

‘Oracle Chamber’ se sitúa dentro de un terreno emparentado con el paradigma de los STICK MEN mientras se pone a jugar con tonalidades orientales en su desarrollo temático. Es como si los ecos de la vitalidad exhibida en las dos piezas precedentes se hubiesen reformado con un nuevo sentido arquitectónico. ‘Impenetrable’ vira radicalmente hacia la amplificación de la dimensión deconstructiva del trío, alternando pasajes signados por una liberalidad surrealista con otros donde reina la cacofonía osadamente cerebral con llameante mando. Lo informe regula el acto musical con inaudita lucidez. ‘Free In The Now’ es un jam que nos muestra a los tres músicos nuevamente dispuestos a explorar su faceta más calmada, desarrollando una ingeniería musical sustentada por esquemas jazz-rockeros y arreglos expansivos que se mueven a paso firme sobre un terreno prog-psicodélico. Las acentuaciones de la guitarra acústica imponen un etéreo contraste frente a los vuelos de la Touch Guitar. La batería, mientras tanto, elabora un swing suntuoso donde groove y musicalidad se fusionan en una única fuerza... y no son pocos los momentos en los que asume el protagonismo. Otro innegable cénit del disco. ‘Externalities Of The Truest Universality’ (un título bastante pretencioso, valgan verdades) trae el cierre del álbum. El grupo aprovecha el espacio de más de 8 ½ minutos de esta pieza para darle una nueva vuelta de tuerca a su faceta espacial. Aquí se da una extensa expansión de ambientes cósmicos arropados por unas vibraciones empíreas que, comenzando con un tenor un tanto indefinido, va alzándose de a pocos hacia una luminosidad envolventemente evocadora. Y bueno, todo esto fue lo que el genial colectivo REUTER MOTZER GROHOWSKI nos brindó en “Bleed”, una rotunda muestra de sangre avant-progresiva extraída de las más íntimas venas de este organismo tripartito. Esta muestra reafirma categóricamente el total compromiso que tiene el trío con el ideal de experimentar con nuevos horizontes dentro del rock artístico, por lo que solo nos queda recomendar este disco al 300% como parte de cualquier fonoteca propia de una mente melómana aventurera.

Muestras de “Bleed”.-

Bleed: https://markus-reuter-moonjune.bandcamp.com/track/bleed
Causatum:  https://markus-reuter-moonjune.bandcamp.com/track/causatum
Free In The Now: https://markus-reuter-moonjune.bandcamp.com/track/free-in-the-now

OIAPOK: una nueva luz dentro de la escena progresiva francesa

 

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Hoy tenemos la gran ocasión de presentar el disco debut del ensamble francés OIAPOK, el cual emergió de los residuos del brillante y actualmente inactivo grupo CAMEMBERT, más específicamente, de la mente del bajista y compositor Pierre Wawrzyniak. “OisoLün” es el título de este disco cuya publicación oficial está pautada para el 9 de febrero del presente año... dentro de muy poco. Se trata de un álbum conceptual de temática ecologista cuyos mensajes centrales se sitúan ambivalentemente en el terreno de la urgencia y en de la esperanza. Los formatos de la publicación son en CD y en vinilo azul. Asentado en la bella ciudad de Estrasburgo, el ensamble de OIAPOK está conformado por el antes mencionado Wawrzyniak, Etienne Agard [trombón], Fréderic Durrmann [trombón y silbidos], Mélanie Gerber [voz], Guillame Gravelin [arpa], Clarissa Imperatore [xilofón, vibráfono, flautas y percusiones], Mathieu Lenormand [batería] y Valentin Sylvain Metz [guitarras]. Esta nutrida paleta sonora se beneficia con la presencia del maestro italiano Paolo “Ske” Botta aportando algunas labores a los teclados y, de paso, haciéndose también cargo de la mezcla de casi todos los temas del disco. El material contenido en “OisoLün” fue masterizado por Udi Koomran. La línea de trabajo de OIAPOK se sitúa en una cruza entre rock progresivo y jazz fusion con algunos matices telúricos, ciertos momentos de vitalidad extravagante y otros marcados por un colorido grácil que es muy propio de la tradición avant-progresiva francófona.  Casi todo lo que suena aquí fue grabado en el Downtown Studio, pero las intervenciones vocales fueron grabadas en LéLa Frite’s Studio. Udi Koomran, veterano músico y productor de música vanguardista en el jazz y el rock y viejo amigo de CAMBEMBERT, se hizo cargo de la masterización. Veamos ahora los detalles del repertorio de este disco, el cual está dedicado a Adèle W, hija de Pierre.

El repertorio se inicia con la pieza justamente titulada ‘OisoLün’, un relativamente breve prólogo que emite vibraciones introspectivas bajo un manto un tanto etéreo que permite a las vibraciones pastorales centrales asumir unas tonalidades muy sugerentes, especialmente mientras la pieza se va acercando al final. La dupla de ‘Summer 19’ y ‘Les Grands Equipages De Lumière’, que conjuntamente ocupa un espacio de poco menos de 13 minutos, sirve para que el ensamble empiece a explayarse explícitamente en varios de los delineamientos estilísticos de su propuesta musical. ‘Summer 19’ comienza con un talante cauteloso que hace que los suaves matices introductorios lideren solventemente el camino hacia el asentamiento de la atmósfera central. Ya tiene que llegar en el momento en que las cadencias jazz-rockeras tengan que agilizarse lo suficiente como para permitir el desarrollo de la juguetona ingeniería melódica, la cual se sitúa en un terreno intermedio entre el patrón más suntuoso del Canterbury y el dinamismo propio de bandas como THE WRONG PROJECT y MASAL. A partir de ahí, se da una fluida interconexión entre expresiones ceremoniosas y otras más joviales, con un predominio de las primeras. A continuación, ‘Les Grands Equipages De Lumière’ lleva los índices de jovialidad exhibidos en la pieza precedente hacia un nivel incrementado de señorío bajo unas coordenadas más controladas de expresividad. Como contrapeso a dicha disposición controlada, se genera desde la base rítmica una estructura bastante sofisticada (casi Zappiana) que permite a la amalgama instrumental operar con una soltura pulcra e impecable. Hay una actitud de hechizo magnífico en el complejo lirismo que sustenta a esta pieza, y ello la convierte en un cénit decisivo del álbum. Cuando llega el turno de ‘Le Concierge’, el ensamble ya ha establecido claramente los parámetros de su lenguaje. En esta ocasión, los arreglos vocales e instrumentales se asocian en la intención de ahondar en la faceta más solemne del ideario estético de OIAPOK. Mientras el bajo dedica la mayor parte del tiempo alternando acompañamientos al vibráfono y líneas melódicas, la batería preserva la cualidad sobria que exigen los diversos grooves que se van sucediendo. El suntuoso epílogo es envolvente y evocador a la vez.

‘Frogs Might Disappear’ es otro cénit definitivo del álbum, elaborando una suerte de síntesis entre la gracilidad colorida y sofisticada del tema #3 y el embrujo señorial del tema #4. También se trata del tema más extenso del álbum con sus casi 8 ¾ minutos de duración. Una vez más, el armazón rítmico y los aportes destacados de la percusión tonal operan como baluartes centrales de la arquitectura sonora global, incluyendo al canto. Las cosas se tornan particularmente joviales (rozando lo dadaísta sin llegar a tocarlo) durante la sección intermedia, la cual se centra en espléndidas vibraciones jazz-progresivas. Ya en la última sección, el viraje se da hacia un jazz-pop ornamentado con preciosistas aportes de los metales. En cuanto al todo, casi se puede hablar aquí de una hibridación de HAPPY THE MAN, ZAPPA, MASAL y PORTISHEAD. ‘So Empty It Looks Real’ cierra el disco con una nueva excursión en aires folk-progresivos que se deja arropar, en algún momento, por cálidas decoraciones fusionescas. En buena medida, su sección prologar comienza en esa ambientación dejada por la pieza inicial del álbum, y ahora el ensamble se hace cargo de elevar su potencial progresivo mediante acicalamientos muy bien perfilados. Hay un aura otoñal a lo largo de toda la canción que, a ratos, permite el ingreso de un claro de sol. Esto es todo lo que se nos ha brindado desde los cuarteles de OIAPOK con “OisoLün”; se trata de un disco que amenaza con convertirse en uno de los aportes más intrigantes e ingeniosos al escenario progresivo mundial desde Francia en este año 2023 que recién comienza. Dice mucho en menos de 40 minutos. ¡Atención a este grupo!

Muestra de “OisoLün”.-
Frogs Might Disappear: https://oiapok.bandcamp.com/track/frogs-might-disappear
So Empty It Looks Real: https://oiapok.bandcamp.com/track/so-empty-it-looks-real

Tercera misión progresiva de los estadounidense ISOBAR... ¡¡Cumplida!!

 

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En esta ocasión presentamos el tercer disco del grupo estadounidense ISOBAR, el cual está conformado por Jim Anderson [bajo], Malcolm Smith [guitarras] y Marc Spooner [teclados]. El disco en cuestión recibe el simple título de “Isobar III”, pero, como ya intuimos a partir de lo que hemos escuchado y disfrutado de los dos discos anteriores de la banda, no hay nada de simple ni inane en su propuesta musical. Como siempre, el trío recibe la asistencia permanente del maestro sueco Mattias Olsson a la batería y las percusiones (además de algo de Onde Magnétique*). Como también es habitual, el grupo también recibe la ocasional asistencia de dos vientistas: en esta ocasión, el trompetista Evan Weiss y el saxofonista Ben Bohorquez. Joanne Wu también aporta algo de violín en un par de temas. El disco se publicó hace muy poco, el 20 de enero pasado, y desde ya amenaza con erigirse como una de las más notables producciones progresivas estadounidense del recién nacido año 2023. La estrategia general de la gente de ISOBAR a la hora de componer y arreglar el material integrado en “Isobar III” consistió en dar más espacio a atmósferas y ambientes con diferentes niveles de sosiego expresivo en medio de un realce del factor jazz-progresivo, en comparación con la imponencia caleidoscópica que se exhibió en la magnífica sucesión de los dos discos precedentes. De todas maneras, la destacada presencia de varios aportes de teclados y la musculatura inteligente que es marca personal de Olsson sigue garantizando fehacientemente que en este nuevo disco de ISOBAR todavía habrá una solvente presencia de energía rockera, claro está, bajo obedientes pautas de preciosismo progresivo. El disco que ahora reseñamos fue grabado en los Dolores Gulch Studios y los Einsteinium Studios; los ulteriores procesos de mezcla y masterización estuvieron respectivamente a cargo de Robert Berry (en los Soundtek Studios) y Reiner Gembalcik (en el estudio Sienna Digital). Bueno, vayamos ahora a los detalles específicos del repertorio.

El repertorio se inicia con ‘Are You Now Or Have You Ever Been?’, tema que empieza con unas escalas de piano diseñadas para asentar la atmósfera y el groove principales de la pieza. La ambientación tiene algo de ceremonioso y el esquema temático da amplio espacio a lo disonante, asentándose en una turbia neblina que, a rasgos generales, se siente un tanto tenebrosa. Ya más adelante, las cosas se agilizan un poco para adquirir un renovado fulgor. Es como si una partitura perdida de los franceses SCHERZOO hubiese sido descubierta y remodelada por los legendarios GENTLE GIANT para que, finalmente, cruzando el charco, un combo de HAPPY THE MAN y BUBBLEMATH le diese forma definitiva a la idea mientras exploran su faceta más suntuosa. Peculiar manera de comenzar el repertorio del álbum... Y muy efectiva, también. ‘Parts Of Harvey’ es el segundo tema del disco y su actitud es la de exponer una focalización ceremoniosa sobre un mayormente reposado groove de tintes jazzeros. La coalición de los sutiles fraseos del piano eléctrico y el firme pulso de la batería elabora el paisaje idóneo para que la guitarra y el sintetizador ornamenten grácilmente el trayecto del desarrollo temático. En algunos pasajes estratégicos, la amalgama instrumental se torna más vigorosa, pero la coda pone muy en claro cuál era la esencia saltante de esta pieza en cuestión. Con la dupla de ‘Face In The Blues’ y ‘Shadow Green’, el grupo se muestra totalmente dispuesto a seguir desplegando su versátil colorido musical y su energía. El primero de estos temas mencionados tiene un punto de partida muy cercanamente hermanado con el del ítem precedente, pero ostenta una dosis un poco mayor de fastuosidad progresiva merced a las orquestaciones de teclado que acompañan a las bases armónicas planteadas en tándem por el piano eléctrico y la guitarra. El grupo se ubica cómodamente en territorio de los inolvidables HAPPY THE MAN (etapa de 1978) hasta que vira hacia un dinamismo jazz-rockero situado a medio camino entre el hard rock clásico y el prog de línea Canterbury. Tenemos aquí el primer testimonio de abierta vivacidad según el canon de ISOBAR antes de que se dé un regreso al ambiente inicial para el epílogo. Es todo un cénit del álbum. ‘Shadow Green’, por su parte, realiza un similar juego de alternancias entre momentos introvertidos y otros juguetonamente vivaces, esta vez, con un enfoque más directamente sinfónico. El señorial motivo final añade un efectivo matiz grisáceo al caleidoscopio sónico. 

‘The Trouble With Buttons’ hace gala de las insinuaciones humorísticas de su título y desarrolla un cálido y ameno ejercicio de jazz-prog que nos remite a una cruza entre los DIXIE DREGS y THE TANGENT. El carácter pesado de algunos riffs y armonías de guitarra se encuadra muy bien junto a los diversos colores de los teclados, siendo así que el dúo rítmico maneja con impoluta prestancia la fluida ilación entre los diversos tempos. ‘4th Leg’ establece una inspirada síntesis entre el señorío imponente del primer tema y el preciosismo versátil de los dos que le siguieron. De esta manera, el ensamble logra robustecer aún más los pilares y recovecos de su lúcida visión ecléctica dentro del universo progresivo. ‘Objet’ se siente claramente asentado en una cruza entre CAMEL y HAPPY THE MAN mientras hace serpentear las bases armónicas desde las que brota su cuerpo central. El íntimo enmarañamiento entre los aportes respectivos de las guitarras y los teclados opera a paso firme desde principio a fin mientras la batería realiza una labor grandilocuente a través de su impoluta precisión. El penúltimo tema del disco se titula ‘The Mimos Polyglottos Alarm Clock’ y es el más extenso del mismo con su espacio de casi 10 ¼ minutos. Tras un preludio marcado por una atmósfera expectante donde las capas de teclado y los toques de la percusión tonal se unen en un paisaje ensoñador, el grupo saca de sí sus vibraciones más extrovertidas con el fin de realizar un ejercicio de vivaz altivez. Es en este punto que se revelan influencias de YES y GENESIS, aunque nos queda claro que éstas son replanteadas con un esplendor muy peculiar. A mitad de camino, se da un dramático viraje hacia una atmósfera misteriosa cuya calmada apariencia parece esconder algo inquietante tras su inescrutable manto, algo que no tardará en confirmarse cuando entran a tallar algunos riffs de guitarra un tanto cortantes. Poco antes de llegar a la frontera del octavo minuto y medio, surge una figura de agudos de teclado que anuncia el arribo de otra sección vivaz de la pieza. En esta sección se tienden inauditos puentes entre los universos de GENTLE GIANT y CAMEL, lo cual se traduce en un gran final mayormente luminoso pero con algunas inflexiones grisáceas que aportan unos sutiles aires extravagantes a la ingeniería sónica. Todo culmina con ‘Full Nelson’, pieza que dura 5 minutos y pico y cuya función es la de recabar elementos variados de los aspectos más joviales y suntuosos de los temas sexto y penúltimo. Es un cierre muy coherente para el álbum.

La misión de la gente de ISOBAR para “Isobar III” fue impulsar creativamente las cosechas respectivas de sus dos discos anteriores y podemos asegurar que la misión fue cumplida con gloriosas creces. No hay desperdicio en ninguna de las partículas sonoras que forman parte de este disco, al cual, desde ya, auguramos una muy buena recepción de parte de todos los amantes de la buena música progresiva en este año 2023. Aunque, en conjunto, este nuevo disco no nos impresiona tanto como “Isobar II”, nos muestra a una banda que todavía está en muy buena forma ; es por eso que lo recomendamos al 400% (un ciento por cada uno de los músicos permanentes... aunque técnicamente el grupo sea un trío). 

Muestras de “Isobar III”.-
Are You Now Or Have You Ever Been?: https://isobarprog.bandcamp.com/track/are-you-now-or-have-you-ever-been-2
Face In The Blue: https://isobarprog.bandcamp.com/track/face-in-the-blue
The Mimos Polyglottos Alarm Clock: https://isobarprog.bandcamp.com/track/the-mimus-polyglottos-alarm-clock

* El Onde Magnétique es un sintetizador análogo que opera con el playback, ya sea acelerado o ralentizado, de una nota o tono registrado en un casete para generar diversos registros. Olsson es muy célebre por usar artilugios sintetizados y teclados diversos, vintage o de última generación. 

ANCHOR AND BURDEN o la experimentación progresiva como peregrinaje radical

 

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Hoy tenemos el enorme gusto de presentar el nuevo trabajo fonográfico del supergrupo ANCHOR AND BURDEN, el cual está conformado por Markus Reuter [Touch Guitars y soundscapes], Alexander Paul Dowerk [Touch Guitars], Bernhard Wöstheinrich [teclados y efectos electrónicos] y Asaf Sirkis [batería y percusión]. Publicado el pasado 13 de enero por el sello MoonJune Records, este álbum titulado “Kosmonautik Pilgrimage” presenta a Sirkis como nuevo integrante de este ensamble asentado en la gran ciudad alemana de Berlín; de paso, también encarna uno de los más rutilantes lanzamientos progresivos de este año 2023 que recién comienza. Los orígenes de ANCHOR AND BURDEN se remontan hacia la segunda mitad de los 90s, cuando Reuter y Wöstheinrich integraban el proyecto CENTROZOON y sus mentes empezaron a enfocarse en la idea de contar con una dupla rítmica, algo para cuya concreción hizo falta esperar muchos años. Una vez afianzado el proyecto de ANCHOR AND BURDEN, Reuter convocó no a un bajista, sino a un segundo Tough Guitarist, Alexander Paul Dowerk, además del baterista Shawn Crowder. Con esta alineación, el colectivo grabó y publicó cinco discos entre fines de 2021 e inicios de 2022, logrando asentar y desarrollar su propio lenguaje. Tras verse obligado a abandonar el grupo, Crowder fue recientemente reemplazado por el maestro Sirkis, a quien Reuter conoce muy bien de otros proyectos (los discos en los que están acompañados por Mark Wingfield son inolvidables). Reuter y Dowerk se hicieron cargo de la producción de “Kosmonautik Pilgrimage”, cuyo material fue grabado en los Castle Studios de Röhrsdorf, Alemania; la mezcla fue realizada por Stefano Castagna en el Ritmo&Blu Studio, mientras que la masterización estuvo en manos de Lee Fletcher. Los dos primeros temas conforman el concepto ‘Sublevel Cells’; los temas 3-6 integran ‘Radion Crater Exploration’, y los dos últimos hacen lo propio con ‘Splinters Of Glory’. Veamos ahora los detalles de este disco.

Todo comienza con ‘Corridor Of Silent Screams’, que es también el tema más largo del álbum con sus 9 minutos y pico de duración. Los estamentos iniciales se sitúan bajo una aureola de expectativa con patentes vibraciones psicodélicas y, poco a poco, se va reforzando un groove ceremonioso que es continuamente alimentado por los afilados aportes de las dos Touch Guitars. El muscular empuje de la batería sirve tanto para encauzar las interacciones entre los otros instrumentos como para brindar una incrementada sofisticación al groove. En líneas generales, el esquema de trabajo mantiene un perfil un tanto abstracto que nos remite a las facetas improvisacionales de KING CRIMSON y STICK MEN. Sigue a continuación ‘Cerebral Transfixations’, pieza diseñada para perpetuar buena parte el nervio expresivo que signó al tema de apertura mientras lo remodela dentro de una ingeniería peculiarmente densa. Las armonías se hilan y entretejen en una maraña que se va intensificando continuamente a través de la lógica de un frenesí contundente y delirante. La ingeniería rítmica es machacante y las capas de teclado son muy densas (casi a lo krautrock), factores que ayudan enormemente a dar forma al rutilante incendio sónico que tiene lugar. Un cénit del álbum. ‘Hissing Skin’ reestablece la densidad vigorosa que signó al tema de apertura y la eleva hacia un lugar de mayores acentuaciones posmodernistas al modo de una emergencia de energías inauditas que van tanteando el terreno que van llenando de a pocos con un enfoque metafísicamente tenebroso. Imaginemos un jam de los legendarios PRESENT que fue redescubierto y remodelado por los KING CRIMSON de 2003 bajo la guía de JOHN ZORN y nos podremos hacer una idea de lo que suena aquí. Organizando un esquema más definido para la posta que recibe la pieza que le precede, ‘The Core Is Organic’ es un fragor que da rienda suelta a sus llamaradas avant-rockeras con una explosividad contundente; por su parte, ‘Shivering Walls’ aterriza en una marea baja para dejarse llevar por una espiritualidad contemplativa bajo el cobijo de una tenue neblina crepuscular. En su desarrollo, genera un crescendo marcado por una tensión contenida. Esta trilogía ha resultado bastante efectiva a la hora de conectar diversas dimensiones dentro del universo sonoro de ANCHOR AND BURDEN. 

Cuando llega el turno de ‘Self Assembly’, el grupo se dedica a ahondar en la estrategia de tensiones sonoras que ya aplicó en algunas piezas precedentes, pero esta vez con un talante más fulguroso. El hecho de que el swing haga plena gala de su propia agilidad a través de su patente sofisticación avant-jazzera resulta crucial para el develamiento y el explayamiento de dicho fulgor; por su parte, el ácido vitalismo de las cuerdas revela una espiritualidad oscurantista que se preserva en un nivel un tanto comedido a lo largo de la duración de la pieza. ‘Secret Laboratory’ propugna una exploración en atmósferas etéreas donde lo espacial se revela como un refugio de lo inquietante y lo misterioso. Entre los artilugios futuristas de los sintetizadores y la libérrima soltura de la potente batería de Sirkis se arma el encuadre idóneo para los aportes de las cuerdas, los mismos que enfatizan un aura evocadora. Psicodelia progresiva de formas libres y pulsaciones deconstructivas. La dupla de ‘Royal Augmentation’ y ‘Crown Hive’, que ocupa un espacio conjunto de 13 ½ minutos, se encarga de cerrar el repertorio. El primero de estos temas mencionados se asienta sobre un groove fusionesco bajo una atmósfera psicodélica cuyas ricas y elegantes texturas mucho tienen de otoñal. A medida que avanza el jam, el esquema sonoro aumenta su densidad con el propósito de sacudir la fuerza de carácter que en un inicio se mantuvieron latentes en el corazón de esas texturas. Aquí se inicia un clímax a modo de epílogo que pasan a ser el quid de la cuestión para ‘Crown Hive’. En efecto, el cuarteto nos reserva para el final otro momento de sonoridades electrizantes y musculares, las mismas que se sustentan en los despliegues de virtuosismo vertidos en las aguerridas escalas y fraseos de las Touch Guitars. Mientras tanto, la batería acoge toda su garra interior para apoyar el dinamismo vigoroso en curso. La majestuosidad exhibida en las últimas líneas concretan una estupenda manera de concluir el álbum. 

Así pues, todo esto fue lo que el osado y talentoso colectivo de ANCHOR AND BURDEN nos ha brindado a lo largo del repertorio contenido en “Kosmonautik Pilgrimage”. La labor de los Sres. Reuter, Dowerk, Wöstheinrich y Sirkis conforma un peregrinaje serio y visionario por las arenas más radicales de la ribera avant-progresiva, encarando las aguas del presente y fijando la mirada en uno de muchos posibles horizontes del futuro. Por lo pronto, ya se avizora como un lanzamiento destacado para este año 2023 que acaba de comenzar: recomendado al 400% (un 100% por cada peregrino).

Muestras de “Kosmonautik Pilgrimage”.-
Corridors Of Silent Screams: https://www.youtube.com/watch?v=T7W9O6pKtT4
Cerebral Transfixations: https://anchorandburden.bandcamp.com/track/cerebral-transfixations
Secret Laboratory: https://anchorandburden.bandcamp.com/track/secret-laboratory

INVERNALIA: mirando a las tinieblas musicales

 

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En esta ocasión tenemos un disco muy especial en nuestras manos: se trata de “Tenebras”, obra del proyecto argentino de música progresiva llamado INVERNALIA, el cual surgió a partir de una idea de Aldo Pinelli de ir por una vía distinta de la del grupo HÁBITAT (del cual es líder durante su intermitente existencia) y de la de sus propios trabajos solistas, muy enmarcados en lo acústico. Tras el homónimo disco de debut publicado en el (ya un tanto lejano) año 2015, llega “Tenebras”; adelantamos que, según nuestra humilde opinión, supera a su antecesor en cuanto al encanto inherente a las composiciones. Incansable y prolífico como es y siempre ha sido, Pinelli ha publicado muchas cosas en los últimos años desde su rol solista (“EXPAMB” data de junio de 2021) o reformando momentáneamente a HÁBITAT para realizar el disco de estudio “Hans, La Niña Y El Príncipe”, que es un catálogo de versiones en español de algunos clásicos de la primera generación del rock progresivo italiano (reinterpretando canciones de BANCO DEL MUTUO SOCCORSO, CELESTE, PREMIATA FORNERIA MARCONI y LE ORME). También publicó hace poco un disco en vivo de los propios HÁBITAT que recoge una actuación de su gira de promoción del disco “Tratando De Respirar En La Furia”, en el año 2013. Bueno, concentrándonos en “Tenebras” ahora mismo, este disco fue realizado por el colectivo que gira, como es natural, en torno a la figura del maestro Pinelli, quien toca guitarras, bajo, teclados, percusiones y programaciones. Pero no está solo, pues aquí colaboran personas que están asociadas a Pinelli desde hace mucho tiempo: los bateristas Carlos Vidal, Roberto Sambrizzi y Gabriel Puig, el teclista Ricardo Henostroza, la flautista Aula Dolcera y el violinista Sebastián Calise. Este disco se publicó en el blog de Bandcamp de Pinelli en el último día de noviembre de 2021, pero la edición física llegó de la mano del sello connacional Viajero Inmóvil en el año siguiente. Casi todo lo que suena aquí fue grabado, mezclado y masterizado en el Estudio Melania por Pinelli, salvo algunas cosas que se grabaron en los estudios caseros de Vidal y Henostroza (este último también hizo algunas mezclas ocasionales). A propósito, el arte gráfica del disco está centrado en hermosas fotos que tomó Pinelli de varias calles tradicionales de Zürich (una ciudad muy relevante para el repertorio, como veremos más adelante). 

‘Año Bisiesto’ inicia el repertorio de “Tenebras” con un despliegue de gentiles coloridos sinfónicos sobre una ingeniería rítmica compleja y versátil, bastante prolija y tambien muy llamativa. Esta pieza dice mucho en su espacio de poco más de 2 ½ minutos. El segundo tema del álbum es el que justamente le da título y es el más extenso del mismo con su duración de poco más de 8 minutos. Todo comienza con un enclave gótico que se sitúa entre lo contemplativo y lo espectral, siendo así que este segundo factor se torna predominante mientras avanza el desarrollo temático. Esto es facilitado por las atmósferas de teclado y las secuencias rítmicas ornamentales que evocan una suerte de metrónomo abstruso, mientras algunas minimalistas escalas de guitarra van afilando eficazmente las recurrentes pulsaciones misteriosas. El epílogo libera la tensión con un ejercicio de dinámica extroversión bajo la guía de la guitarra, la cual elabora uno de sus mejores solos dentro del disco. ‘Tenebras’ resulta ser, a fin de cuentas, un cénit del repertorio. ‘Esquema Rúnico’ es un instrumental cautivador con numerosas variantes en sus atmósferas y esquemas rítmicos. Suena cercano al patrón de los GENESIS de la fase 1976-77 con algunos añadidos factores Crimsonianos. ‘La Silla Ardiente’ es otro momento particularmente hermoso dentro del álbum, elaborando un sólido despliegue de lirismo prog-sinfónico que se desarrolla a través de sobrios parajes románticos. La espiritualidad contemplativa inherente al esquema melódico se filtra muy coherentemente a través del solemne canto de Pinelli, mientras que los solos de guitarra brindan un cariz expresionista al asunto. Cuando llega el turno de ‘Perdiendo Sueños’, Pinelli y sus compañeros de viaje se centran en un ambiente más ligero para concretar el esquema sonoro y los arreglos sonoros del motif principal. De paso, cabe resaltar un excelente solo de sintetizador que emerge en la instancia final. ‘Balcones De Barcelona’, en contraste, se enfila hacia ambientes pastorales de corte renacentista. De la mano de la guitarra clásica que se erige en núcleo central del desarrollo temático, el tenor costumbrista de la pieza porta una oportunamente sobria majestuosidad.

 

‘Hielo Incandescente’ empieza centrándose en un cuerpo central de corte pastoral que, sobre un compás de 3/4, despliega una ambientación flotante con cariz evocador. A mitad de camino, emerge un pasaje prog-sinfónico que nos remite a un híbrido de LE ORME y GENESIS donde la suntuosidad melódica se alimenta eficazmente de la nueva agilidad. Es un ornamento muy peculiar el de las percusiones tribales que arman la coda en medio de ruidos forestales. Otro momento culminante del álbum. La dupla de ‘Tijeretazos En El Aire’ y ‘Zürich’ cierra el repertorio con un genuino despliegue de fuerza de carácter. El primero de estos temas mencionados se enfila por un despliegue de cálida gracilidad que, una vez más, se vincula muy íntimamente con el paradigma de HÁBITAT, al igual que en los casos de los temas #2 y #4. El vitalismo de los guitarreos y el candor del esquema rítmico arman el encuadre perfecto para el desarrollo temático. En cuanto a ‘Zürich’, éste contiene varias secciones, estando la primera enrumbada por estándares Crimsonianos en sus múltiples armonías de guitarra. Una segunda sección se emplaza en torno a atmósferas renacentistas para tender un puente hacia una tercera sección delineada por un sinfonismo vivaz con un talante mayormente cordial, más cercano a lo Cameliano aunque con añadidas tonalidades grisáceas que le dan un dinamismo un tanto misterioso al entramado instrumental. En fin, lo que se nos ha brindado desde los cuarteles de INVERNALIA con “Tenebras” es un catálogo de hermosas y sugerentes composiciones desarrolladas bajo el resabio más enigmático del estándar del prog sinfónico. Un catálogo de paisajes con diversas dosis de neblina y tinieblas circundándolos, un muestrario de tensiones filtradas a través de un meticuloso preciosismo que, desde hace mucho tiempo sabemos, es marca registrada del maestro Aldo Pinelli. Gracias a él y a sus colaboradores por una nueva aportación estupenda para la movida progresiva argentina. 

 

 

Muestras de “Tenebras”.-
Tenebras: https://proyectosaldopinelli.bandcamp.com/track/tenebras
Hielo Incandescente: https://proyectosaldopinelli.bandcamp.com/track/hielo-incandescente
Zürich: https://proyectosaldopinelli.bandcamp.com/track/z-rich

POIL UEDA: excelente alianza franco-japonesa en el mundo avant-progresivo

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy estamos frente a una nueva aventura del colectivo francés POIL, específicamente, un proyecto llamado POIL UEDA que congrega a los tres integrantes de la susodicha banda avant-progresiva francesa – el teclista Antoine Arnera, el guitarrista Boris Cassone y el baterista Guilhem Meier – junto a la japonesa Junko Ueda, quien está a cargo del canto y del instrumento de cuerda satsuma-biwa, y Benoit Lecomte, integrante de otro grupo importante dentro de la vanguardia actual francesa llamado NIL, quien toca el contrabajo. Los miembros del trío POIL también aportan labores de canto. Este ensamble ya grabó un disco que está programado para publicarse el próximo 3 de marzo (en CD, vinilo y CD + vinilo), el mismo que seriamente amenaza con erigirse como uno de los ítems fonográficos más importantes de este año que recién empieza: el disco en cuestión también se llama “Poil Ueda” y su concepción está basada en Heike-Monogotari, un cuento épico japonés del siglo XIII. El disco fue grabado en Hacienda por Stéphane Piot, mientras que las labores de masterización corrieron a cargo de RemyBoy. Lilas Mala realizó el arte gráfica. Este ensamble ya tuvo algunas actuaciones en vivo en el año 2021. Revisemos el repertorio de “Poil Ueda” ahora mismo.
 

La primera mitad del álbum consiste en tres partes de ‘Kujô Shakujô’, una pieza musical centrada en un cántico litúrgico budista Shōmyō con el que se exorciza a los malos espíritus; éste aparece en varias secciones del sutra precisamente llamado Kujô-Shakujô. La primera parte se inicia con una sostenida nota de teclado sobre la cual se alza el embrujadoramente evocador canto de Junko. Las vibraciones misteriosas de su voz invocan a los demás instrumentos a aunarse de a pocos dentro de lo que emerge como una exhibición aleatoria de plasticidades sónicas dentro de un enfoque surrealistamente minimalista. Lo que se explaya ante nuestros oídos es absorbentemente denso sin llegar a tornarse tétrico... aunque muy cerca está de ello; el asunto es que todo el entramado instrumental crea un crescendo muy efectivo a la hora de transmitir un aura metafísica con matices espectrales. La secuencia de las partes segunda y tercera se orienta hacia un dinamismo avant-progresivo que es, a la vez, bastante sólido y bastante grácil. El dinamismo de sus grooves centrales se basa en una cruza entre el paradigma Crimsoniano (de los 80s) y la faceta más cibernética del multiverso de JOHN ZORN, además de incluir algunos efectivos juegos de síncopas que se enraízan en el avant-prog de las últimas décadas (UNIT WAIL, SETNA, SCHERZOO). La segunda parte fungió principalmente como un puente de elevación sobre el cual se agita una estructuración bien definida para el despliegue de intensidad mística vertido en la primera parte, mientras que la tercera asume la función de instaurar una arquitectura bien definida para la renovadora musculatura en curso. Para el pasaje epilogar, el ensamble decide asumir una actitud más ceremoniosa, lo cual implica un ligero descenso de la musculatura para beneficio de la manifestación de lo etéreo; a su vez, esto conlleva la retoma efímera de la atmósfera predominante en la primera parte. Con sus poco más de 7 ¼ minutos de duración, se impone esta tercera parte como un primer culmen del álbum.  

 
La segunda mitad del álbum se desarrolla a través de las dos partes de ‘Dan No Ura’, un concepto inspirado en el combate naval del mismo nombre y cuyo desenlace supuso el declive definitivo de la rama imperial Haike en favor de la rama Genji. Todo ello está narrado en el poema épico del siglo XIII Heike Monogatari (Cantar de Heike). Durando poco menos de 3 3⁄4 minutos, la primera parte exhibe desde el punto de partida una ingeniería ácida y contundente que se condice mucho con la tradición híbrida de Zeuhl, RIO y math-rock que POIL siempre elaboró como su modus operandi. Así las cosas, el canto de Junko se hace notar en medio de esos espacios vacíos que deja la aventurera guitarra; mientras tanto, la dupla rítmica elabora una arquitectura rítmica tremendamente sofisticada, a la vez que los teclados buscan continuamente espacios estratégicos para gestar filudos ornamentos que dialogan de tú a tú con los robustos retazos de la guitarra. Otro gran cénit del álbum. Las primeras instancias de la segunda parte nos muestran un mundo enmudecido donde el silencio casi se impone totalmente en todos los espacios emergentes. El canto de Junko y las texturas de su satsuma-biwa asumen un aire un tanto lamentoso mientras las tenues capas de teclado exponen un paisaje fúnebre. En fin, el colectivo POIL UEDA y su disco “Poil Ueda” nos han causado una buena impresión. Parece mentira que este disco tan inmenso sea, a la vez, tan breve (dura poco más de media hora), pero, según la evidencia, su tiempo era el estrictamente necesario para que la asociación de los Sres. Arnera, Cassone, Meier y Lacomte con la dama Junko Ueda dijera todo lo que tenía que decir. Nos parece totalmente digna de elogios esta obra fonográfica tan aventurera y tan sugerente.  
 
 

Muestras de “Poil Ueda”.-
Kujô Shakujô – Part 3: https://poil.bandcamp.com/track/kuj-shakuj-part-3-2
Dan No Ura – Part 1: https://poil.bandcamp.com/track/dan-no-ura-part-1-2

JUHA KUJANPÄÄ: un encuentro entre lo nuevo y lo viejo

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy se da el turno de presentar el más reciente trabajo fonográfico del músico y compositor finlandés JUHA KUJANPÄÄ, el cual se titula “Old Ways, New Ways” y fue publicado el 9 de noviembre de 2022. Una de las más hermosas sorpresas dentro de la producción progresiva del recién fenecido año 2022, para ser más explícitos. KUJANPÄÄ toca aquí el piano, los sintetizadores y el órgano de fuelles, siendo sus colaboradores más recurrentes Timo Kämäräinen (guitarras eléctrica y acústica, y mandolina), Tero Tuovinen (bajo y contrabajo) y Jussi Miettola (batería y percusión). Otros colaboradores más ocasionales fueron Joakim Berghäll (saxofones), Verneri Pohjola (trompeta), Henri Haapakoski (flauta y saxofón), Jouni Järvelä (clarinete), Teija Niku (acordeón) y Emmi Kujanpää (kantele), además del trío de vocalistas conformado por Eeppi Ursin, Susanna Lukkarinen y Jouni Kannisto. El material contenido en “Old Ways, New Ways” fue grabado en Sonic Pump, Studio Arthur y otros muchos lugares de Helsinki en diversas sesiones entre los años 2019 y 2022, exceptuando al tema de cierre, que fue grabado en Villa Vikan, Persböle. Los procesos de grabación pasaron por el filtro de mezcla y masterización de parte de Tommi Vainikainen, mientras que el hermoso diseño gráfico estuvo a cargo de Teemu Raudaskoski. Bueno, vayamos ahora a los detalles estrictamente musicales de “Old Ways, New Ways”.
 
El tema que justamente da título al álbum es quien está a cargo de abrirlo, ocupando un espacio de poco más de 6 ¼ minutos: ‘Old Ways, New Ways’ es una pieza evocadora que, con su cándido fulgor, ilumina los espacios sonoros que crea con un esplendor serenamente festivo que algo tiene de saltarín. Encontramos aquí algunos paralelos con THE ENID y algunas conexiones con mundos tan diversos como los de MIKE OLDFIELD y de ANDREAS VOLLENWEIDER. Más adelante, con la irrupción del saxofón, el bloque sonoro recibe un impulso renovador que deriva hacia una mesurada fastuosidad. ‘Trekators’ se orienta hacia algo mucho más vivaz y ceremonioso, elaborando unos senderos jazz-progresivos para un motif basado en ambientes arábigos desde el enfoque de la fusión contemporánea. Las percusiones y los vientos parecen dirigir conjuntamente el groove y el colorido inherentes a la composición. Se trata de la pieza más enérgica del repertorio y un momento culminante del mismo. ‘Sepia’ y ‘Morning Star’ son las dos piezas más largas del repertorio, durando la primera casi 7 ½ minutos y la otra poco menos de 8 ¼ minutos. El primero de estos temas mencionados comienza con un delicado pasaje de piano que instaura el motivo y la atmósfera centrales de la composición. Con los sucesivos arribos del arreglo coral y de los teclados adicionales, el flujo temático adquiere una entrañable luminosidad con la que se enriquece eficazmente la ambientación cinematográfica en curso. A mitad de camino, el viaje musical regresa a su místico sosiego inicial, pero esto es tan solo un nuevo punto de arranque para otro crescendo de vibraciones contemplativas. En cuanto a ‘Morning Star’, se trata de una plácida y gentil excursión por los derroteros del prog sinfónico desde su dimensión más exquisita, añadiendo ciertos matices pastorales a la meticulosa ingeniería melódica que se va expandiendo delicadamente a lo largo y ancho de los espacios que se van creando. Definitivamente, tenemos aquí una cruza perfecta entre OLDFIELD y ANTHONY PHILLIPS. La fastuosidad elaborada durante los dos últimos minutos gesta un clímax crucial, con lo cual la pieza concreta un cénit decisivo para el álbum. 

‘Gates Of Heaven’ se encarga de hacer un contrapeso frente a la pieza anterior jugando con climas parsimoniosos que mucho tienen de crepuscular, pero no apelando a algo siniestro, sino a una espiritualidad envolventemente melancólica. Eso sí, se reitera la lógica del crescendo dentro de la ingeniería temática con un refinamiento muy particular. Con la dupla de ‘Matroskin’ e ‘In The Country’, KUJUNPÄÄ y sus colaboradores se enfocan en seguir desarrollando varios recursos de colorido para lo que queda del disco, esta vez, con un foco decisivamente inclinado hacia el folk-prog. ‘Matroskin’ es una estupenda balada bucólica encauzada por algunas estilizaciones sinfónicas sobre la base del rol protagónico que ocupa el piano. En lo referente a ‘In The Country’, tenemos un retorno a lo pastoral dentro de una atmósfera contemplativa bastante centrada en lo céltico. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Glow’, una pieza de piano solo que se centra en matices impresionistas, los mismos que, de manera un tanto sutil, recurren a cierto dramatismo en algunos lugares estratégicos. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Old Ways, New Ways” desde los cuarteles del maestro JUHA KUJANPÄÄ, una obra bellamente trazada con todos los contornos y matices de la más refinada orfebrería dentro del arte del sonido.

 
 
Muestras de “Old Ways, New Ways”.-
Trekators: https://juhakujanpaa.bandcamp.com/track/trekators
Morning Star: https://juhakujanpaa.bandcamp.com/track/morning-star
Matroskin: https://juhakujanpaa.bandcamp.com/track/matroskin

Los imparables tentáculos de la música de STICK MEN

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR. 

Con cierta demora ofrecemos aquí nuestra óptica sobre el que hasta ahora es el último trabajo de estudio del glorioso trío estadounidense-germano STICK MEN: se trata del EP titulado “Tentacles”, el cual fue publicado por el sello MoonJune Records el primer día de abril del pasado año 2022. El colectivo conformado por Tony Levin [Chapman Stick ,Touch Guitars y vocoder], Pat Mastelotto [batería y percusiones acústicas y electrónicas] y Markus Reuter [Touch Guitars y soundscapes] se luce en esta primera muestra de estudio desde setiembre de 2016 con su muy celebrado “Prog Noir”, aunque se ha mantenido muy presente en el mercado con la publicación de varios discos en vivo (incluyendo algunos con las respectivas compañías de ases como David Cross y Mel Collins). Este EP dura casi media hora, pero resulta ser un aperitivo musical muy exquisito mientras el trío va preparando material para su próximo lanzamiento de primera duración; de hecho, estuvo a la venta durante la última gira del grupo (con una cantidad de ejemplares autografiados por los tres maestros). Es muy revelador que Levin se ponga también a tocar ocasionalmente la Touch Guitar que Reuter introdujo cuando recién ingresó al mundo de los STICK MEN. El material de “Tentacles” fue creado y producido por los Sres. Levin, Mastelotto y Reuter, para luego ser mezclado por Benjamin Schäffer en el Horus Sound Studio (propiedad del legendario Frank Bornemann, líder de ELOY), y después de eso, masterizado por Fabio Trentini. El arte gráfica estuvo a cargo de Hajo Müller. Bueno, ya es hora de repasar los detalles de este ítem fonográfico. 

‘Tentacles’ abre el repertorio del EP al cual da nombre, y lo hace elaborando una contenida explosión de complejos dinamismos rítmicos desde donde se organiza una exquisitamente furia ingeniería rockera. Los integrantes individuales saben cómo dejar sus respectivas marcas individuales en el desarrollo temático mientras se asocian en una amalgama compacta y pulcra a la enésima potencia. Se nota que el trío tenía muchas ganas de rockear a la manera progresiva en el contexto de un estudio de grabación desde hace tiempo. Una vez concluida la coda cósmica con la que se completa esta estupenda iniciación plasmada en la pieza de entrada, llega el turno de ‘Ringtone’, tema que cumple con la meta de exhibir unas vibraciones saltarinas dentro de una arquitectura rítmica más sobria, lo cual se traduce en un colorido sobrio que se inserta en una cruza entre el paradigma Crimsoniano de los 80s y el avant-jazz con elementos añadidos de psicodelia sombría. Hay algunos pasajes estratégicos donde el esquema sonoro del trío asume una aureola épica, y es en ellos donde el tema adquiere una garra renovadora. La sección epilogar abre vías para el regreso de la ambientación inicial. En el tercer tema del EP, titulado ‘Company Of Ghosts’, tenemos otro momento fenomenal del mismo. Ostentando una vitalidad contenida y apoyado sobre un groove sereno no exento de nervio, este tema nos muestra a un trío bien compenetrado a la hora de articular el cuerpo central bajo un manto de señorial neurosis. Si bien hay matices sombríos en la ingeniería musical, lo cual va acorde con el título de esta pieza, lo que más nos llama la atención de ella es su inteligencia estructural, la cual garantiza que la elegancia preciosista sea la pauta para los arreglos globales del desarrollo temático. Otro cénit decisivo del disco. ‘Danger In The Workplace’ prosigue mayormente por la línea de la pieza de entrada, aunque con una cierta tendencia a lo claroscuro en el interludio reposado; de este modo, el tema refleja un fulgor más denso y una neurosis más pronunciada.

Todo concluye con el arribo de ‘Satieday Night’, pieza que dura poco menos de 5 minutos. Su misión principal es la de explorar matices minimalistas con un particular énfasis en la estructuración parsimoniosa del esquema rítmico. Las líneas de la Touch Guitar van flotando cómodamente a lo largo del desarrollo temático, alternando enclaves etéreos con otros más explícitamente ácidos. Esto se puede describir como un ejercicio de atmósferas impresionistas dentro de un contexto psicodélicamente futurista. En fin, esto fue “Tentacles”, un trabajo bastante interesante de parte de estos ilustres veteranos de STICK MEN, el mismo que da debida muestra de lo imparables que son su energía y creatividad colectivas. No es posible estar totalmente satisfecho con lo que tenemos de ellos en nuestros estantes melómanos... ¡Siempre queremos que existan más discos de los STICK MEN! Tengamos, pues, paciencia.

Muestras de “Tentacles”.-
Tentacles:  https://stickmen-moonjune.bandcamp.com/track/tentacles
Company Of Ghosts: https://stickmen-moonjune.bandcamp.com/track/company-of-ghosts

Sexta vía en el eterno retorno progresivo de ELDER

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy viajamos a Alemania y nos topamos con el colectivo prog-psicodélico estadounidense radicado en Berlín ELDER, el cual está actualmente conformado por Nicholas DiSalvo [guitarras, teclados y voz], Jack Donovan [bajo], Michael Risberg [guitarras y teclados] y Georg Edert [batería]. También nos topamos con la que es su más reciente obra fonográfica de estudio, “Innate Passage”, el mismo que fue publicado el 25 de noviembre del pasado año 2022, tanto en CD como en doble vinilo blanco; el sello alemán Stickman Records está a cargo de estas modalidades de publicación. Se trata del sexto trabajo de estudio de esta banda formada en Massachusetts en 2005, siendo así que el año 2008 vio el debut homónimo de la misma... y a partir de allí, se avanzó el camino ascendente hacia la gestación y el cuidado de un sólido renombre dentro de la escena prog-psicodélica internacional. El teclista Fabio Cuomo aparece como invitado especial en el último tema del disco que aquí reseñamos; también en el álbum precedente “Omens” (del 2020) estuvo como invitado. En líneas generales, este disco se encarga de ahondar eficientemente en la línea de trabajo progresiva concretada a lo largo de la secuencia de los tres trabajos precedentes, comenzando con “Lore” (cuando el grupo todavía era un trío). Revisemos ahora los detalles del repertorio de “Innate Passage”.

 

Imponiendo su autoridad desde el punto de partida, ‘Catastasis’ instala la expresión del vigor grupal a paso firme, y lo hace comenzando con un breve prólogo cósmico que pronto abre camino a un motif ceremonioso con fuertes connotaciones stoner. La vitalidad es explícita y contenida a la vez, no tardando en asumir un aura sofisticada con el empuje de algunos refinados recovecos de la ingeniería rítmica y algunos solos de sintetizador. Así las cosas, una vez que se integra el canto al entramado sonoro, la atmósfera general de la canción ya está bien acomodada, completando una hibridación de post-rock, psicodelia pesada y stoner. Para cuando la pieza se encuentra en su último tercio, la banda sigue explorando matices rockeros signados por una meticulosa elegancia sobre un groove moderadamente complejo, lo cual sirve para crear un clímax genuinamente progresivo. Luego llega el turno de ‘Endless Return’, una pieza que instaura un primer cénit decisivo para el álbum. Lo que hace aquí el grupo es capitalizar la energía rockera vertida en el tema precedente para elevarla sobre la base de un groove efectivo y llamativo, además de impulsar un nervio más filudo en los riffs y solos de guitarra. De hecho, alrededor de la frontera del octavo minuto emerge uno de los mejores solos de guitarra del disco. El colectivo ostenta aires de familia con bandas como SQUINTALOO, MOTORPSYCHO, SPACE DEBRIS y ASTRA, enfatizando especialmente la faceta más vivaz del estándar del prog psicodélico. ‘Coalescence’ permite a la banda desarrollar unas vibraciones un poco más ligeras para armar esta nueva exhibición de su esencial polenta rockera, eso sí, sin perder de vista el criterio de sofisticación progresiva a la hora de articular la ingeniería rítmica que ha de sustentar las diversas secciones de la pieza. Ciertos aspectos post-rockeros entran a tallar en los guitarreos, mientras que el uso de algunas capas atmosféricas de teclado nos hacen recordar al legado del prog escandinavo de los 90s (ANEKDOTEN, LANDBERK). 
 

‘Merged In Dreams – Ne Plus Ultra’ es, con sus casi 14 ¾ minutos de duración, el tema más extenso del álbum. También instaura otro cénit para el mismo. Todo comienza con una cierta aureola de solemnidad que retoma parte de la majestuosidad electrizante que signó a las dos primeras piezas del álbum. Un poco más adelante, el tema vira hacia un groove machacante que, al unísono, abre vías para el incremento de la garra rockera y para la expansión del señorío prog-psicodélico; este último recibe nuevamente algunos ingredientes del estándar del stoner. A poco de pasada la frontera del séptimo minuto, el fulgor de la pieza se va expandiendo más sobre los hombros de la tremendamente muscular hermandad entre las dos guitarras. El epílogo nos toma por sorpresa al exponer un ejercicio de cristalino minimalismo que evoca climas flotantemente oníricos de manera envolvente. Ello se da por vía de un delicado enmarañamiento de las guitarras y el bajo sobre la base de unas capas cósmicas de múltiples teclados que parecen inspirados en el paradigma de TANGERINE DREAM. Con las ulteriores puntuaciones de la batería se avizora una coda misteriosa y densa donde se cruzan los universos de RED SPAROWES y MONO. Conectándose con las escalas finales de sintetizador de ‘Merged In Dreams – Ne Plus Ultra’, ‘The Purpose’ concluye las cosas con la misión de dar unas nuevas vueltas de tuerca a la atmósfera con la que justamente concluyó el tema precedente, eso sí, con un enfoque más aguerrido. El centro neurálgico de orientación post-rockera se deja arropar por una pesadez contundente y electrizante. Todo esto es lo que se nos brindó en “Innate Passage” desde los cuarteles de ELDER,  un disco que refleja la consistente madurez de este grupo que ya está validado como uno de los más destacados de la nueva generación de jóvenes veteranos.

 
 
Muestras de “Innate Passage”.-
Endless Return: https://beholdtheelder.bandcamp.com/track/endless-return
Merged In Dreams – Ne Plus Ultra: https://beholdtheelder.bandcamp.com/track/merged-in-dreams-ne-plus-ultra

La segunda cruzada progresiva de los finlandeses VESILINJA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 

Hoy presentamos el segundo álbum del grupo finlandés VESILINJA, el cual se titula “Myrskyn Keskellä” y fue publicado el 16 de diciembre del pasado año 2022, tanto en formato de vinilo (por vía del sello Savusauna) como de descarga digital. El sexteto instalado en la localidad de Tuusula está conformado por Aake Salmi [voz, coros, guitarras acústica, de 12 cuerdas, eléctrica y pedal steel, flauta y sintetizadores], Niko Saarinen [órgano Hammond, piano eléctrico Fender Rhodes, sintetizadores Moog y Korg String], Jussi Portaanpää [batería y percusión], Jukka Kuusela [bajo y sintetizador], Antti Tuominen [voz, coros, guitarra eléctrica, sintetizador y piano] y Topias Ahola [voz, coros, saxofones alto y soprano, y clarinete]. El propio Ahola se hizo cargo del arte gráfica del disco. Este grupo que ocupa ahora nuestra atención comenzó como quinteto y sacó al mercado su primer disco, titulado igual que el propio grupo, en junio del año 2021. Siendo ese debut tan bueno como fue, por lo que percibimos en este nuevo álbum “Myrskyn Keskellä” la gente de VESILINJA ha dado un eficaz paso de gigante en cuanto a su ingeniería sonora y también en cuanto a su ingenio creativo. Este nuevo material refleja una excelente solidez y una avispada versatilidad dentro del esquema de trabajo retro-progresivo que el grupo tiene como norte estético; veamos ahora los detalles de este disco.

La dupla de ‘Rantaviiva’ y ‘Kyyhky’ ocupa los primeros 5 ½ minutos del disco, y lo hace con un generoso despliegue de colorido sónico. El primero de estos ítems es un prólogo propiamente dicho, el mismo que se centra en un ambiente pastoral centrado en las cercanas interacciones entre la guitarra eléctrica, la flauta y sintetizador en torno a las escalas de guitarra acústica que vibran en el centro nuclear. ‘Kyyhky’ emerge de inmediato para establecer un vivaz ejercicio de sonoridades retro-progresivas que establece cruzas entre los paradigmas de GENESIS (etapa 70-71), RARE BIRD y TRETTIOÅRIGA KRIGET. El desarrollo temático es llamativo y el swing es suficientemente ágil como para realzar eficazmente la espiritualidad optimista inherente al esquema melódico de la canción. ‘Horisontti’, que es la segunda canción más extensa del álbum con sus 9 minutos de duración, ofrece un dinamismo pertinentemente fastuoso para que el grupo se explaye convenientemente en su expresividad. Los solemnes fraseos de piano iniciales se complementan con los ornamentos de flauta y sintetizador que van emergiendo en una demostración de sobrio señorío. Mientras el ensamble entero va asentando la ingeniería sonora colectiva, la exposición de los diversos matices y atmósferas que se van sucediendo reflejan un refinamiento muy cuidado. A mitad de camino, un clímax expresivo que se sitúa a medio camino entre los legados de los RAGNARÖK del segundo álbum y los VAN DER GRAAF GENERATOR de la fase 1970-71 instaura un elegante recurso de tensión; no dura mucho, pero establece un efectivo impacto para lo que resta de la canción, pues la sección serena que le sucede opera como un contraste efectista. El pasaje final se mueve grácilmente sobre un terreno pastoral sobre el cual flotan unas nubes progresivamente suntuosas. A fin de cuentas, tenemos aquí un cénit fundamental del disco. Cuando llega el turno de ‘Syysitta, Kevätaamu’, el grupo le da un nuevo giro de tuerca a la mezcla de sinfonismo y climas pastorales, esta vez con una más pronunciada inclinación introspectiva. Hay una cualidad envolvente en la exhibición del contemplativo motif central. ‘Aikalainen’. por su parte, se adentra fehacientemente en el folk-rock al modo de unos STRAWBS o unos RENAISSANCE pre-1974. Una canción muy agradable que plasma fluidamente la calidez espiritual que es inherente a la composición.

‘Totuuden Torvet’ sigue por la senda de la segunda canción del álbum e incluso llega a crear un dinamismo más sofisticado por vía de las complejas líneas del bajo y la manera tan estilizada en la que se engarzan las armonías compartidas de los teclados y los saxofones. Imaginemos una composición perdida de GREENSLADE que fue remodelada por los GENESIS de 1970 con un guitarrista Yessiano a bordo. La canción homónima del disco es la más extensa del mismo (ocupa un espacio de 12 ½ minutos) y también es la que lo cierra al modo de un cénit definitivo. El prólogo Floydiano signado por el matrimonio de un sintetizador cósmico y una guitarra flotante no tarda mucho en ser reemplazado por un cuerpo central sinfónico con fuertes ribetes bucólicos; las florituras del saxo se sienten bastante gentiles mientras la dupla rítmica se mueve cómodamente a través de los diversos grooves que se arman a lo largo del camino. Siguiendo una senda entrecruzada de ELOY, GENESIS y NOVALIS, el grupo deja que los núcleos melódicos sucesivos se expandan de manera significativa. A poco de pasada la frontera del séptimo minuto, la pieza vira hacia una ambientación más extrovertida, la cual impulsa el armazón de una agilización tanto de la ambientación general como del patrón rítmico; a partir de allí, todo se enfila hacia una cúspide expresiva que concluirá con un hermoso solo dual de guitarra y saxo. Todo esto fue “Myrskyn Keskellä”, un disco que se destacó dentro de la escena progresiva escandinava como uno de los más refinados e interesantes en sus últimos meses. Nos agrada mucho ver que la propuesta musical de la banda finlandesa VESILINJA madura a gran velocidad y con mucha energía; este disco nos resulta muy recomendable.

Muestras de “Myrskyn Keskellä”.-
Kyyhky: https://vesilinja.bandcamp.com/track/kyyhky
Horisontti: https://vesilinja.bandcamp.com/track/horisontti
Myrskyn Keskellä: https://vesilinja.bandcamp.com/track/myrskyn-keskell