BLANK MANUSKRIPT: un grandioso documento de conciertos en algunos lugares de Alemania y Austria

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos la debida atención al genial ensamble austriaco BLANK MANUSKRIPT, el cual publicó el disco en directo “A Live Document” el pasado 17 de abril. Aquí se recoge las actuaciones del grupo en los festivales Night Of The Prog (Loreley, Alemania), Woodstock Forever Forever (Waffenrod, Alemania) y ARGEkultur (Salzburgo, Austria), en sus respectivas ediciones del año 2022. La alineación efectiva de BLANK MANUSKRIPT consta de Peter Baxrainer [guitarras eléctrica, clásica y acústica, flauta dulce y voz], Jakob Sigl [batería, percusión, efectos de cintas y voz], Jakob Widerin [saxofón, flauta, guitarra eléctrica, percusión y voz], Dominik Wallner [órgano, piano eléctrico, sintetizadores y voz] y Alfons Wohlmuth [bajo, contrabajo eléctrico, flauta y voz]. Se trata del segundo registro en vivo de BLANK MANUSKRIPT pues ya existe “Session At ORF RadioKulturhaus” desde el año 2018. En este nuevo ítem en directo, el mismo grupo fungió como productor colectivo. Las labores de registro de los temas aquí contenido estuvieron en manos de Jakob Guggenberger y Show2Go, siendo así que el baterista-percusionista Jakob Sigl realizó la supervisión y la edición. La ulterior labor de mezcla estuvo a cargo de Hannes Plattmeier en los Ashfield Street Studios de Londres. Bueno, veamos los detalles del repertorio contenido en el disco que en esta ocasión reseñamos.

‘Foetus’ abre el repertorio con un aire de introspectiva solemnidad que algo tiene de etéreo merced a las minimalistas capas de sintetizador en el trasfondo, las mismas que se encargan de abrir paso al arribo de ‘Public Enemy’, una pieza que inicialmente ostenta un sólido gancho rockero sobre un medio tiempo hasta que llega el momento de insertar un hermoso interludio de talante pastoral con predominio de la flauta. Una vez terminado éste, el grupo regresa al vigor rockero con un fuelle convincentemente incrementado. Las dos últimas secciones alternan visitas tentativas a los mundos de GENTLE GIANT y de YES con un empuje rockero que se siente genuinamente actual. La dupla de ‘The Cult Of Birdman’ y ‘Twilight Peak’ sirve para que el grupo se explaye a sus anchas en armazones maratónicos de los diversos y versátiles recursos expresivos que la banda es siempre capaz de concretar. Con un espacio de alrededor de 16 ½ minutos, ‘The Cult Of Birdman’ es el tema más extenso del disco. Todo comienza con una sólida instauración de recursos de lirismo prog-sinfónico donde los teclados ocupan el epicentro del esquema melódico. A poco de pasada la frontera del tercer minuto, las cosas se agitan un poco para dar paso a un ejercicio de jazz-fusion con ribetes latinos y cánticos burlones de tenor Zappiano. La siguiente sección se extiende por efluvios etéreos que resuenan en cercanía con los PINK FLOYD de 1973-75, virando después hacia una moderada gracilidad Yessiana; esto, a su vez, sirve como puente hacia una festiva sección asentada sobre un compás complejo y llena de fortificante colorido. La ceremoniosa coda es el oportuno final para este cénit del disco. ‘Twilight Peak’, que dura poco más de 12 minutos, también abre puertas a las múltiples dimensiones de la visión musical de BLANK MANUSKRIPT. El primer cuerpo central ostenta una burlesa ceremoniosidad apoyada sobre una sincopada extroversión causi-cabaretera, mientras que el segundo se enfila hacia un solemne despliegue de vibraciones prog-sinfónicas. En medio de ambos se sitúa una llamativa sección de línea jazz-rockera que se condice a la perfección con el reinante esplendor sónico. 

La secuencia de las dos partes de ‘After The War’ sirve para mostrar el trayecto desde una introspección bucólica hasta un dramatismo razonablemente denso. La guitarra se luce una barbaridad y, más adelante, el saxofón hace lo propio para las instancias finales. ‘The Last Journey’ se regodea grácilmente en el sofisticado groove sobre el que sustenta mientras alterna pasajes marcados por un vigor frontal con otros donde la expresividad es notoriamente más contenida. El grupo opera con tremenda fineza arquitectónica mientras el desarrollo temático exhibe su extrovertido candor. ‘Silent Departure’ es una balada que se centra en una espiritualidad misteriosa y cálida a la vez, casi sonando a una remodelación Genesiana de un estándar de CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG. Los últimos 21 ½ minutos del evento están ocupados por la dupla de ‘Shared Isolation’ y ‘Alone At The Institution’, lo cual implica la concreción del perfecto clímax conclusivo para el repertorio; esto no es de extrañar pues son dos de los temas más destacados de “Krásná Hora”, su máxima obra de estudio (hasta el momento). ‘Shared Isolation’ comienza dando rienda suelta a una mezcla de exultaciones jazz-progresiva y pesados ribetes Crimsonianos. Tras esta musculatura emerge una sección solemne que ocupa buena parte del cuerpo central. Una sección ulterior se explaya en un filo psicodélicamente aguerrido donde el sintetizador elabora un largo y electrizante solo desde donde se dirige el groove general. La batería mantiene toda esta fuerza grupal controlada mientras ella misma desarrolla su labor más sofisticada de todo el álbum, asegurándose de que este explosivo clímax remate la faena con insuperable señorío. En cuanto a ‘Alone At The Institution’, se trata de otro inspirado ejercicio de confluencias entre el jazz-rock y el prog con añadidos toques Zappianos. Una mención especial va para el extenso solo de saxofón, así como va otra para la exigida labor del dúo rítmico. Todo esto fue lo que se nos mostró en “A Live Document” como una declaración de principios de parte de la gente de BLANK MANUSKRIPT de cómo expresar música progresiva vigorosa y ecléctica en un contexto de actividad real sobre un escenario. Realmente tenemos en esta banda austriaca a una de las más notables dentro del escenario del art-rock de la Europa Continental de hoy en día.

Muestras de “A Live Document”.-

The Cult Of Birdman: https://blankmanuskript.bandcamp.com/track/the-cult-of-birdman-2

The Last Journey: https://blankmanuskript.bandcamp.com/track/the-last-journey-2

Shared Isolation: https://blankmanuskript.bandcamp.com/track/shared-isolation-2

VITRAL: la loca devoción brasileña por el ideal del rock progresivo

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy viajamos a Brasil y nos topamos con el nuevo disco del grupo VITRAL, el cual se titula “Os Loucos” y fue publicado el pasado 30 de agosto, marcando una nueva referencia importante para el rock progresivo sudamericano del año 2023. La alineación formal de VITRAL consta del trío de Bruno Moscatiello [guitarras eléctricas y acústicas], Eduardo Aguillar [bajo, teclados y programaciones de ritmos] y Marco Aurêh [flauta traversa y flautas dulces contralto, soprano y sopranino], siendo así que Gustavo Miorim funge de invitado a la batería.
 
Inicia el repertorio ‘O Grande Exército Pagão’, una pieza que despliega un lirismo exquisito y expansivo tras un breve prólogo cósmico. Situándose en un punto intermedio entre los patrones estéticos de QUATERNA RÉQUIEM y PÄR LINDH PROJECT, esta pieza se enfila por una senda de imponente suntuosidad donde conviven encuadres melódicos barrocos con densas capas de talante gótico. En algún momento, el primero de estos recursos se traduce en una instancia pastoral, lo cual funciona como un oportuno enclave de serenidad en medio del vasto predominio del fulgor palaciego. Llega a continuación el turno de ‘Cíclopes’, un tema que se enfila hacia una profundización de la fastuosidad prog-sinfónica mientras se deja arropar por una atmósfera aristocráticamente ceremoniosa. Siendo el esquema sonoro un poco más robusto, ahora el camino trazado por el desarrollo se dirige hacia una cruza entre los EMERSON, LAKE & PALMER de 1972-73 y los YES de 1971-72. Dado que el órgano y la guitarra ocupan roles más predominantes dentro del entramado grupal, el ensamble se deja llevar por una renovada vitalidad a través de las variantes temáticas que tienen lugar. Con la dupla de ‘Via Appia’ y ‘Sete Povos Das Missões’, el ensamble sigue explorando su bien definida paleta sonora. El primero de estos temas mencionados se orienta, ostentando un prístino candor melódico penetrado por una vibrante vivacidad, hacia una mezcla de lo Yessiano con lo Genesiano, añadiendo algunos aires de los veteranos SOLARIS. Estos aires se dejan sentir en el modo en que se articulan las sofisticades bases armónicas de los teclados y los momentáneos solos de flauta. Por su parte, ‘Sete Povos Das Missões’ se deleita en la congregación de una notoria diversidad de ambientes y grooves, transitando fluidamente de lo melancólico a lo jovial. Si bien es verdad que tiene varios aires de familia con la pieza precedente, su desarrollo estructural tiene una formalidad más ambiciosa. ‘Reinos Do Norte’ refleja una suerte de síntesis entre el señorial barroquismo del primer tema y la refinada musculatura del segundo, llegando a retomar solamente un parte de la aureola sofisticada que se manifestó en ellos. La agilidad tersa y estilizada que signa a esta pieza pone al grupo en línea con sus compatriotas de CARAVELA ESCARLATE y TEMPUS FUGIT. 
 
Durando poco más de 8 ¼ minutos, ‘Montezuma’ se erige como la pieza más extensa del repertorio. El solemne prólogo ostenta unos aires cósmicamente contemplativos de matiz Floydiano antes de que una fanfarria de sintetizador abra paso a una explosión de altiva extroversión donde la luminosidad preciosista tan propia de la tradición prog-sinfónica se deje sazonar por algunos aires bucólicos que aporta la flauta. A partir de allí, se sucede una serie de instancias temáticas cuya integralidad nuclear nos recuerda mucho a la de ‘Sete Povos Das Missões’ en lo referente a sus proyecciones evocadoras tan bien logradas. A poco de pasada la frontera del quinto minuto y medio, emerge un breve interludio bucólico que plasma un lugar de solaz introspectivo antes de que surja el clímax definitivo, el momento de la máxima agitación de las llamas expresionistas del ensamble. El epílogo registra unas envolventes vibraciones ceremoniosas. ‘Nas Asas De Horus’, que dura poco menos de 3 minutos, exhibe un cálido matrimonio de piano y flauta al cual se le suman unos contenidos ornamentos de guitarra clásica. El mágico hechizo del bello centro melódico habla por sí mismo. El final del disco llega de la mano de la pieza homónima. El esquema de trabajo expuesto en ‘Os Loucos’ se enfoca en una síntesis de los recursos expresivos y atmósferas predominantes en los tema #2, #3 y #6. Resuenan varios pasajes marcados por una sofisticación saltarina que, además de contar con suficientes espacios para asentar un reforzamiento oportuno, también saben alternar espacios con otros pasajes un poco más serenos. Eso sí, éstos últimos también presumen de tener una garra particular, la cual se centra prioritariamente en el diálogo entre las líneas orfebres de la guitarra y los razonablemente complejos esquemas rítmicos de la batería. Los teclados cumplen con la doble labor de cimiento y orquestación mientras la flauta siempre se da maña para encontrar espacios adecuados para sus solos. En fin, todo esto fue lo que se nos reveló en “Os Loucos” por obra y gracia de la gente de VITRAL, un ensamble enérgico y talentoso que se sitúa, a paso firme, en las posiciones más elevadas del parnaso de la actual escena progresiva brasileña. Su loca devoción por el ideal del rock artístico ha rendido muy buenos frutos aquí.

 
 
Muestras de “Os Loucos”.-
Cíclopes: https://vitralband.bandcamp.com/track/c-clopes
Via Appia: https://vitralband.bandcamp.com/track/via-appia
Montezuma: https://vitralband.bandcamp.com/track/montezuma

El magnífico aporte de SPLINK para la escena progresiva británica del año 2023

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy se da el turno de presentar “Magnifique Eccentrique”, el EP publicado por el grupo británico SPLINK el 19 de agosto pasado (hace muy poco). El contenido de este ítem consiste en cuatro nuevas composiciones y una nueva versión de un tema que forma parte de su álbum del año 2020 “Free”. El cuarteto conformado por Matt James Evans [guitarras y sintetizador], Steve Butler [bajo], Tim Chapman [batería y percusión] y Vikki Ings [violín eléctrico] vuelve a lucir sus galones creativos dentro del art-rock ecléctico con proyecciones progresivas, allende el hecho de que esta nueva obra no sea particularmente extensa. El material aquí recogido fue grabado en los Snorkel Studios de Catford, Londres, 2023, siendo el propio grupo el encargado de la producción mientras que Nainesh Shah se hacía cargo de la ingeniería de sonido, la masterización fue realizada por Phil Scragg en los Red Lodge Studios.

 

4 de los 5 temas aquí contenidos duran poco menos o poco más de 6 ½ minutos: el primero de ellos dura 6 ¾ minutos y se titula ‘Descending Into Red’. Su prólogo misterioso y exótico evoca una aureola crepuscular que, al sentarse el ensamble entero, se concreta dentro de un cadencioso groove de tenor jazzero que emana una espiritualidad reflexiva. Mientras la pieza va avanzando, los guitarreos insuflan un vigor particular al esquema global sin atentar contra el lirismo reinante. Esto suena muy cercano al paradigma de los inolvidables BOUD DEUN hasta que llega un pasaje reggae a meter un colorido extravagante al asunto durante la breve sección final. ‘Swimming In Hot Water’ sigue a continuación para dar rienda suelta a la faceta más sofisticada del ensamble, trabajando con un electrizante jam donde se conjugan los discursos jazz-progresivo y psicodélico con una soltura bastante sofisticada. Dicha sofisticación se centra, no en poca medida, en la articulación de complejos esquemas rítmicos; éstos, a fin de cuentas, dan un aura sofisticada a la reinante extroversión. Cuando llega el turno de ‘Jupiter’s Child’, tema hilado con el precedente por vía de unas etéreas capas sintetizadas, el cuarteto regresa a su aspecto introvertido mientras recoge parte de la musculatura que dirigió la senda temática del segundo tema. En esta ocasión, no es el entusiasmo jovial sino la densidad emocional lo que motiva a la inspiración colectiva a través de sus bien perfiladas interacciones. Imaginemos cómo el patrón esencial de los históricos CURVED AIR pasa por el filtro de RESISTOR y nos haremos una buena idea de cómo funciona el magnetismo melódico de esa pieza. Es otro momento particularmente destacado dentro del repertorio. ‘Euphoric Wings’ se orienta hacia el jazz-rock con ciertos factores funky, asumiendo un talante un poco ceremonioso sin renunciar al colorido sonoro. Las florituras del violín flotan cómodamente alrededor del canto. El EP termina con el viejo tema en nueva versión al que hicimos alusión en el primer párrafo de la presente reseña: éste es ‘Canterbury ’23’. La llamativa vitalidad inherente al centro melódico y al swing permiten a la pieza ubicarse cómodamente dentro de una cruza entre los paradigmas históricos de CARAVAN e ISOTOPE con una dosis extra de nervio rockero que sitúa a la banda en directas conexiones con MORAINE y CURVED AIR.  

Todo esto fue lo que salió de los cuarteles de SPLINK encapsulado en este EP, un trabajo bastante recomendable dentro de cualquier buena fonoteca dedicada al rock progresivo y otros géneros afines. “Magnifique Eccentrique” es un disco literalmente magnífico que no decepcionará a quienes buscan nuevas estrategias expresivas dentro del rock artísticos de nuestra era. Un gran aporte para el rock progresivo del año 2023 desde tierras inglesas. 
 
 
Muestras de “Magnifique Eccentrique”.-

Swimming In Hot Water: https://splinkband.bandcamp.com/track/swimming-in-hot-water
Jupiter’s Child: https://splinkband.bandcamp.com/track/jupiters-child

PASAJERO LUMINOSO y el arte de arrojarse a la piscina de la fusión contemporánea por quinta vez

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Nos llegan buenas nuevas desde la avanzada musical argentina, pues cualquier noticia sobre el grupo de música fusión jazz-progresiva PASAJERO LUMINOSO es buena noticia. Resulta que el pasado 1 de setiembre, el cuarteto conformado por Juan Pablo Moyano [guitarras, efectos y sonidos], Pepo Limeres [teclados], Fabián Miodownik [batería y percusión] y Pablo Castagneris [bajo] publicó su nuevo disco “Pool”. El disco fue grabado en diciembre del pasado año 2022 en Estudio Soundrec con Ricardo Sanz a cargo de la organización de las sesiones de grabación. La mezcla estuvo a cargo de Nicolás Sanucci en Estudio Pan, estando ulteriormente la masterización en manos de Pablo López Ruiz. Ocasionalmente, el cuarteto contó con las colaboraciones de Daniel Maza al canto y de Pikiki Aguirre al tambor piano. Este es el quinto disco de la banda y el primero que dura menos de 40 minutos.

 

Durando poco más de 5 ¾ minutos, ‘Por Viaje Vendo’ abre el disco con toda la alegría del mundo... ¡Y no es un eufemismo! Conjugando los legados del Larry Coryell clásico y el Pat Metheny de sus cinco primeros discos grupales sobre una ágil ingeniería rítmica que debe algo a los WEATHER REPORT de la fase 1975-78, el grupo celebra meticulosamente la jovialidad en sí misma. El infatigable dinamismo de la batería y las virguerías fulgurosas de la guitarra crean un tándem que dirige la sofisticación esencial de la composición con pulso firme. No hay mejor manera de terminar esta pieza que gritando gol (lo cual sucede literalmente). El tema que sigue a continuación es ‘Yo Soy Gratis’ y, al durar 7 minutos, es el más extenso del repertorio. Su línea de trabajo es también extrovertida, pero de una manera más comedida, apelando a la fusión brasileña dentro de la tradición del jazz contemporáneo para articular su núcleo temático junto a su ambientación general. En algunos pasajes donde se intensifica un poco más el asunto, la calidez adquiere tonos excelsos en beneficio del acrecentamiento de la belleza melódica en curso. El tercer tema, titulado ‘Al Fin Zarpamos’, sigue por una línea similar mientras le da una vibración ecléctica al asunto, incluso exigiendo que la garra salga más al frente, lo cual significa que también se da un regreso al fulgor exultante del tema de apertura. La estilización y el refinamiento virtuoso son los mismos, la sofisticación y el vigor, un poco mayores. ‘La Jaula Invisible’ se enfoca en una amable gracilidad, la misma que se deja arropar por una atmósfera líricamente cristalina mientras la agilidad latente se planifica para que salga al frente en algún momento específico. Las señoriales pautas temáticas del teclado se completan con las ingeniosas líneas del bajo, todo ello mientras el canto crea una conexión con el oyente. ‘Cabeza De Radio’ vira hacia la senda de un mágico encuadre jazz-progresivo donde predomina lo solemne en nombre de la gestación de una vitalidad remodelada para el esquema sonoro grupal. A través del desarrollo temático, el nervio expresivo se incrementa de forma sostenida, llegando incluso a un punto de exquisita tensión. Es en este momento que se prepara el camino hacia una coda circundante y contundente, cerrándose así un cautivador círculo musical donde el ensamble explora las dimensiones más grisáceas de su caleidoscopio sónico. Otro clímax decisivo del repertorio, al fin y al cabo. 
 

‘Ser Humano Vivo’ se explaya mayormente en un aura de gentil suavidad y sedosa introspección que hace que los instrumentos actuantes ejerzan una meticulosidad muy especial a la hora de conectarse con la exigida sutileza. Los iniciales solos de guitarra y piano eléctrico se alternan con fluidez, siendo así que, a mitad de camino, la batería insufla unas efímeras cadencias fulgurosas. El ascenso de expresividad es muy breve, pero resulta eficaz a la hora de darle un nuevo brío al lirismo inicial que se retoma en la segunda mitad. Con su espacio de poco menos de 2 ¼ minutos, ‘Naturaleza Muerta’ pone el broche final al disco y lo hace estableciendo la clausura idónea para el desarrollo temático de la pieza precedente; la sutileza es la norma aquí, haciendo que la estructura compositiva, centrada en un enfoque etéreo del jazz-fusion de raíz latinoamericana, adquiera un gentil halo cinematográfico. Todo esto es lo que el talentosísimo personal de PASAJERO LUMINOSO nos brindó con éste, su nuevo disco. “Pool” es una obra hermosa que demuestra fehacientemente la gran capacidad que tiene el personal de PASAJERO LUMINOSO para arrojarse a la piscina de la fusión contemporánea con una genuina actitud triunfante. En conclusión, muy recomendable.

 
 
Muestras de “Pool”.-
Por Viaje Vendo: https://pasajeroluminoso.bandcamp.com/track/por-viaje-vendo

Al Fin Zarpamos: https://pasajeroluminoso.bandcamp.com/track/al-fin-zarpamos
Cabeza De Radio: https://pasajeroluminoso.bandcamp.com/track/cabeza-de-radio

[Un agradecimiento especial a Lucas José Fernández de Radio Nacional Córdoba por haber facilitado nuestra adquisición de un ejemplar de este hermoso disco (y otros): le dedicamos esta humilde reseña.]

La apuesta ganadora de los suizos SCHENELLERTOLLERMEIER por el no. 5

 
HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Con bastante retraso llega esta reseña del cuarto disco del excelente trío suizo SCHENELLERTOLLERMEIER, el cual extrañamente se titula “5”; bien es verdad que “X” era el título de su segundo álbum, así que ya hay un antecedente de títulos raros dentro de su trayectoria discográfica. Como sea, se trata de un trabajo publicado por el sello Cuneiform Records el 13 de noviembre del año 2020 tanto en CD como en vinilo; sucedió por tres años a “Rights”, justamente el referente fonográfico que puso a SCHENELLERTOLLERMEIER en un lugar relevante dentro de la vanguardia rockera europea. El ensamble conformado por David Meier [batería y percusión], Andi Schnellmann [bajo y guitarra ocasional] y Manuel Troller [guitarras y efectos] cultiva una modalidad ingeniosamente ecléctica de rock experimental donde convergen el math-rock, el avant-jazz, la versión más filuda del así llamado rock-in-opposition, el brutal prog y la psicodelia de talante Crimsoniano. En lo concerniente al material contenido en “5”, todo lo que hay allí es de la autoría conjunta de los tres integrantes, siendo grabado en enero de 2020 en el estudio Suburban Sound, siendo así que Manuel Egger fungió como ingeniero de sonido. Él mismo, junto al trío, se encargó de la mezcla en el mes de abril en el susodicho estudio. La ulterior labor de masterización estuvo a cargo de Rashad Becker. Bueno, ya es hora de detenernos en los detalles estrictamente musicales de “5”.
 

El repertorio del disco comienza con sus dos piezas más extensas, una que dura poco más de 8 ¾ minutos y se llama ‘209 Aphelion’ y otra que dura poco menos de 11 minutos bajo el título de ‘Before And After’. El primero de estos temas mencionados se inicia con un talante razonablemente sigiloso donde las intrigantes puntuaciones del bajo van marcado prestamente los puntos de acceso de los otros dos instrumentos para que se sumen a la amalgama arquitectónica diseñada para la ocasión. Así las cosas, el terreno está preparado para que se imponga un groove marchoso y llamativo, cosa que se concreta a poco de pasada la frontera del cuarto minuto. El trío preserva por un buen rato el dinamismo conquistado, el cual finalmente habrá de aterrizar en un epílogo sereno arropado por un aura de misterio. En cuanto a ‘Before And After’, también pone a las puntuaciones del bajo como núcleo central del pasaje inicial, pero se nota que la ingeniería de este crescendo ostenta una dosis mayor de tensión (contenida en su mayor parte) en comparación con la sección prologar del tema de apertura. A su vez, esto exige que el ascenso ocupe más tiempo para llegar a su futura maduración. Algunos recursos cibernéticos emergen cuales mini-travesuras posmodernas mientras los traqueteos van reforzando la senda trazada, y es así que en el sexto minuto se nota la inminente emergencia del groove central (a concretarse poco antes de llegar a la frontera del octavo minuto). Una vez que la musculatura del trío halla su foco central, se arma una perfecta mezcla de agitaciones avant-jazzeras a lo John Zorn y math-rock estandarizado. La agilidad de la batería se arma de suficientes vibraciones mecanicistas como para sustentar solventemente las sutilmente complejas marañas de la guitarra y el bajo. El seco golpe final es la culminación apropiada para este alucinante viaje musical. Dando un giro radical, ‘Tectonics / A Sore Point’ se adentra en una exploración en ambientes minimalistas marcados por una espiritualidad densa con ciertos ribetes oscurantistas. ‘A.o.E.i.n.E.o.A’ sigue, hasta cierto punto, por esta senda; se mete de lleno en lo oscurantista al modo de una idea perdida de los UNIVERS ZÉRO de la fase 1979-81 que se remodela con sutiles agitaciones distantes. Es el imperio de lo noctámbulo atravesado por texturas minimalistamente surrealistas. 

 

Cuando llega el turno de ‘Velvet Sun’, vuelve a salir el sol y, con él, la dimensión más extrovertida del trío. Nuevamente lucen los Sres. Meier, Schnellmann y Troller sus galones de la habilidad para crear figuras arquitectónicas con una soltura vivaz que sabe por dónde no ir para evitar desbordarse. La refinada garra que opera en el matrimonio de guitarra y bajo asume una exuberancia especial con los vitalistas ornamentos que emergen del complejo swing de la batería. El armazón de la interacción epilogar (relativamente emparentado con el paradigma de los KING CRIMSON de los 80) se revela como el lugar a donde se dirigía toda la secuencia previa de vibraciones avant-rockeras; he aquí la idea de composición percusiva en su máxima expresión. ‘Animate Become’ se adentra un poco más en el estándar del brutal prog (con ciertas afinidades con PAK) en medio de un ambiente de caos controlado. El ensamble se mueve fluidamente sobre los imposibles grooves que sustentan al inquietante enclave temático en curso; realmente suceden muchas cosas en los 3 ½ minutos que la banda se otorga para concretar este trayecto sónico que, aunque coquetea abiertamente con la implosión, no llega a ese punto. Total fidelidad a la ingeniería a través de la genuina organicidad que constantemente crean los integrantes del grupo. ‘Made Of Thin’ cierra el álbum con una nueva incursión en el minimalismo y lo hace con una actitud más radical que en cualquier otro lugar anterior del repertorio; hay una parsimonia altiva y solipsista que indica la intención de ocultarse detrás de una neblina inexpugnable. Un altivo contraste frente al vitalismo explícito que signó a las dos piezas precedentes. En fin, “5” es un disco fabuloso e intenso que confirma a SCHENELLERTOLLERMEIER como uno de los más creativos y poderosos colectivos que hay dentro de la avanzada rockera europea del nuevo milenio: una apuesta ganadora, definitivamente. La investigación en la discografía de este trío es totalmente recomendable, así como la inclusión de varias de sus publicaciones en una colección que se precie de ser buena.

 
 
Muestras de “5”.-
209 Aphelion: https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/209-aphelion-2
Before And After: https://cuneiformrecords.bandcamp.com/track/before-and-after-2

 

ANCIENT VEIL y el bálsamo musical de la eterna juventud progresiva

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy tenemos en nuestras manos el nuevo disco del grupo italiano ANCIENT VEIL, el cual se titula “Puer Aeternus” y fue publicado por el sello MaRaCash Records el pasado 13 de noviembre. El grupo asentado en Génova está conformado por Alessandro Serri [voz, guitarras clásica, acústicas de 6 y 12 cuerdas, y eléctrica, flauta, armónica y programación de sintetizadores], Edmondo Romano [flautas dulces alto, soprano, tenor y bajo, saxos soprano y sopranino, salmoé, clarinetes, flautín bajo y voz], Fabio Serri [piano, órgano Hammond, sintetizadores y voz], Massimo Palermo [bajo] y Marco Fuliano [batería]. La gente de ANCIENT VEIL recibió, a lo largo del álbum, las colaboraciones de Martin Grice (saxo alto), Francesco Travi (fagot), Natalino Ricciardo (corno francés), Marco Gnecco (oboe), Olmo Arnove Manzano (percusión) y un cuarteto de cuerdas integrado por los violinistas Roberto Piga y Fabio Biale, la violista Ilaria Bruzzone y la cellista Kim Schiffo. También hay intervenciones vocales de gente que asume roles determinados: Simona Fasano (Madre Naturaleza), Alessandro Serri (Puer, Hermes y Kore), Lino Vairetti (El Creador), Elisa Marangon (El Alma). Tony Cicco (Cantor), Roberto Tiranti (Cronos), Fabio Serri (Mercurio) y Sophya Baccini (Thoth). En esta larga lista de colaboradores vemos nombres asociados a DELIRIUM, OSANNA, FORMULA TRE y LA MASCHERA DI CERA, además de una solista con relevancia propia como Shopya Baccini. “Puer Aeternus” no es solamente el disco más ambicioso de ANCIENT VEIL hasta la fecha en cuanto a su esquema sonoro, sino que también tiene altas proyecciones intelectuales al ser un álbum conceptual que se centra en los caminos que sigue la condición humana para desarrollarse en el mundo que le rodea. Desde lo místico, lo filosófico, lo ecológico y lo poético en simultáneo, la secuencia de los 18 temas que se congregan en este disco elabora la idea de que el hombre, como ser viviente que busca realizar su esencia mientras dura su vida, se ve arrojado a miles de caminos de aprendizaje y desconcierto, el drama de la incertidumbre de los continuos altibajos, la sensación de tener que transformarse con las pruebas de la vida pero con renuencia para efectuar dichas transformaciones, el deseo de acrecentar su yo en detrimento del cultivo de un auténtico vínculo con el mundo que es, al fin y al cabo, su más auténtico hogar. Encarna al niño-dios Yaco, para decirlo en breve, y la narrativa específica del concepto de este álbum, el Puer Aeternus a veces renace como Hermes y otras, como Kore. 

En tanto que es un concepto, es necesario recalcar que Edmondo Romano fue el autor de la narrativa y todas las letras de “Puer Aeternus” (siendo Alessandro Serri el autor exclusivo de casi toda la música, excepto en algunas instancias donde Edmondo colaboró en ella). La producción corrió a cargo de Edmondo Romano, Alessandro Serri y Fabio Serri. Las grabaciones tuvieron lugar en varios momentos entre los años 2020 y 2023 en el Rising Mist Studio” y el Eden Studio, ambos ubicados en Génova. Romano estuvo a cargo de la mezcla en el Eden Studio, mientras que la masterización estuvo en manos de Simone Carbone en el Sound Shape Studio (también en Génova). El lienzo que ilustra la portada es un cuadro de Francesca Ghizzardi que data del año 2015. El disco está dedicado a la memoria de Vittorio De Scalzi. Veamos ahora los detalles estrictamente musicales del repertorio. Abre el disco ‘L’eterno Tempo’, un muy inspirado ejercicio de refinada calidez prog-sinfónica con proyecciones pastorales. ‘Il Distacco’ se conecta con él siguiendo este esquema de trabajo con una cristalina claridad melódica; la secuencia de estos dos primeros temas brilla por el modo en que se armonizan los vientos y los teclados. ‘La Caduta Sulla Terra’ vira de registro al desarrollar cadencias deconstructivas de tenor free-form. Nos toma de sorpresa esto, aunque sólo se trata de un breve puente hacia ‘La Visione Della Parte Mancante’, una evocadora balada pastoral que se focaliza en la sencillez introspectiva. ‘Nella Stanza L’intera Storia Umana’ retoma directamente el colorido mágico y encantador de los dos primeros temas y lo eleva por un refrescante ascenso de fastuosa luminosidad, recreando eficazmente el legado de CELESTE al mismo estilo de los momentos más magnificentes de aquel primer disco, ya lejano, de los propios ANCIENT VEIL. Tal vez hay también nexos con HÓSTSONATEN. Toma la posta ‘Il Senso Dell’insensato’ para enrumbar las cosas por un sendero un poco más sereno mientras el reino de la fastuosidad folk-progresiva se va reforzando con total fluidez. ‘La Miseria Del Mondo’ asume un aura roquera que nos remite a los paradigmas de ALPHATAURUS y MUSEO ROSENBACH en su motif inicial, el cual pronto alterna posicionamientos con otro más señorial donde el ensamble coquetea con el estándar del jazz-prog, siendo así que el saxo y el órgano se erigen como colíderes del entramado sonoro. Se dice mucho en este viaje instrumental que dura casi 2 ¾ minutos. 

‘La Comprensione Del Tempo’ es la segunda pieza más extensa del álbum con sus poco menos de 6 minutos de duración. Se trata de una envolvente balada folk-rockera que, con sus revestimientos prog-sinfónicos bien comedidos, va de a pocos escalando hacia una aureola aristocrática que llega a entablar confluencias con los paradigmas de YES y GENESIS. El solo de guitarra cerca del final irrumpe con una sobria fuerza de carácter; finalmente, la coda, con sus arreglos corales, adquiere un talante ceremonioso. Cuando llega el turno de ‘Amore E Potere’, la banda regresa a su faceta más introspectiva, usando un bloque melódico con aires crepusculares que adquiere cierta fastuosidad con los arreglos orquestales ubicados en un par de lugares estratégicos. ‘L’ascesa Di Hermes Nel Dio Visibile’, el tema más largo del repertorio con sus casi 6 ½ minutos de duración, regresa al imperio del sinfonismo con un nuevo momento de protagonismo para los diversos teclados (órgano, piano y sintetizador) en las secciones más expresionistas. El hecho de que el compás se sitúe en un tempo inusual añade sofisticación al asunto, la misma que permite al ensamble coquetear en más de una ocasión con el discurso fusionesco; de hecho, hay momentos en los que se nos aparecen conexiones con los legendarios MAXOPHONE y los más contemporáneos ZAAL. Posiblemente sea éste el cénit determinante del álbum. ‘Il Terzo Millennio’ y ‘La Culla Troppo Stretta’ son temas que prosiguen por esta senda prog-sinfónica, esta vez con un enfoque más propiamente enfocado en la claridad melódica y el preciosismo barroco-romántico. El primero de estos temas se centra en un ensimismamiento de connotaciones vespertinas, mientras que el segundo se deja llevar por una soltura animada donde las cosas fluyen de manera versátil bajo un generoso fulgor de mediodía. En lo que respecta a este último punto, ayuda bastante la intervención de un electrizante solo de guitarra eléctrica a lo Hackett. ‘Il Secondo Tradimento’ lleva al sinfonismo hacia un área un poco más densa, lo cual resulta idóneo para que los solos de saxofón impongan su presencia en el núcleo protagónico del entramado instrumental. Esta secuencia triádica encarna otro momento culminante dentro del repertorio.

‘Io E Ombra’ es una conmovedora balada de tendencia pastoral que nos remite por igual a los GENESIS de 1970-71 como a los LE ORME de 1972-74. Los arreglos orquestales se orientan hacia un preciosismo atmosférico muy común a los CELESTE de hoy en día. El decimoquinto tema del álbum es el que justamente le da título: ‘Puer Aeternus’ sigue, en buena medida, el camino expresivo de la canción precedente, aunque con un colorido mucho menos absorbente. De hecho, la serena alegría que se refleja en la estructura melódica se suaviza bastante con los circunspectos arreglos utilizados para la ocasión. ‘La Reviviscenza’ es un hermoso pasaje de guitarra clásica que hace justo honor a la tradición barroca. La dupla de ‘La Saggezza Della Natura’ y ‘La Nuova Aurora’ se encarga de cerrar el repertorio con solvente sensibilidad. ‘La Saggezza Della Natura’ comienza como un elocuente ejercicio de folk-rock que, a mitad de camino, asume una ágil prestancia progresiva donde los perpetuos aires conmovedores de la canción se apropian de un talante jovial. Los sucesivos solos de violín y saxofón ayudan a reforzar esta nueva ambientación. En lo referente a ‘La Nuova Aurora’, funciona como una conclusión reflexiva tras el despliegue de exhortaciones lúdicas con las que terminó la canción precedente. Siendo una pieza eminentemente sosegada, todavía se da abasto para abrir un espacio efímero a un explosivo solo de guitarra. Eso sí, su huella más permanente es la de los arreglos de maderas que emergen cerca de la conclusión. Unos ruidos de aves en un bosque y todo se acabó. Todo esto fue lo que se nos brindó con “Puer Aeternus” desde los cuarteles de ANCIENT VEIL. ¿Será tal vez el trabajo más notable que nos ha entregado este grupo italiano? Posiblemente sí: en todo caso, se trata de su concepción más ambiciosa para un trabajo fonográfico de línea progresiva con raigambre folk-rockera. A pesar de los años de veteranía que carga sobre sus espaldas, ANCIENT VEIL es una entidad que aún se muestra capaz de sacar un bálsamo musical de la eterna juventud progresiva desde sus propias entrañas. ¡¡Muy recomendable!!

Muestras de “Puer Aeternus”.-

Nella Stanza L’intera Storia Umana: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/nella-stanza-lintera-storia-umana

La Miseria Del Mondo: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/la-miseria-del-mondo

La Comprensione Del Tempo: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/la-comprensione-del-tempo

L’ascesa Di Hermes Nel Dio Visibile: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/lascesa-di-hermes-nel-dio-visibile

La Culla Troppo Stretta: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/la-culla-troppo-stretta

La Saggezza Della Natura: https://maracashrecords.bandcamp.com/track/la-saggezza-della-natura

[Un saludo hacia el más allá para Guillermo Sabanes, a quien se dedica esta reseña.]

Recovecos vanguardistas en la cueva musical del crack español ÁNGEL ONTALVA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Nos complace enormemente presentar esta obra fonográfica del crack español ÁNGEL ONTALVA que se titula “A Haunted, Hidden World Of Caves”, la misma que fue publicada el día viernes 3 de marzo del presente año 2023 por el sello OctoberXart Records. Con el paso de los meses, resulta ser una obra muy destacada en lo que va del año dentro de la producción progresiva mundial realizada en España, lo cual no es novedad pues, ya sea como integrante de OCTOBER EQUUS o solista o asociado con otros, prácticamente cada cosa que produce este señor resulta ser una maravilla (siempre encuadrada dentro del rock y el jazz de vanguardia, o la experimentación con formas libres). Bueno, este disco, según palabras del propio ONTALVA, recoge composiciones nuevas, otras que fueron relegadas por no hallar un sitio adecuado en discos precedentes, tres que estaban destinadas para un proyecto grupal que no llegó a concretarse, y además, una versión remodelada de una pieza de un viejo disco solista que, en esta ocasión, recibió un arreglo especial de parte del maestro John Falcone. En “A Haunted, Hidden World Of Caves”, ONTALVA se multiplica en sus roles de guitarrista y bajista. Entre sus colaboradores se cuentan Víctor Rodríguez (teclados), Ivan Fedotov (batería y percusión) y el ya mencionado John Falcone (fagot, clarinete y saxo tenor); otros son, Vitay Borodin (violín) y Markus Breuss (trompeta). Vemos figuras de OCTOBER EQUUS y VESPERO en esta lista. Como es habitual, ONTALVA se hizo cargo de la composición del material, la producción del disco y las ilustraciones que conforman el arte gráfica. ¿Hace falta repetir que él también tiene un gran talento para las artes plásticas? En lo particular, esta portada revela imágenes más suntuosas y perturbadoras que otras portadas realizadas por ONTALVA. Los procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo de él y Amanda Pazos Cosse, mientras que Francisco Macías fungió de productor ejecutivo. Bueno, revisemos de una vez los detalles del repertorio de este hermoso álbum.

El inicio de todo lo trae ‘Golden Path’, pieza de poco menos de 3 minutos de duración que destila una agilidad única y vibrante donde la tensión inherente al desarrollo temático es manejada con un vigor palaciego. La exuberancia infatigable de la batería brinda un muy interesante contrapunto frente a los osados fraseos de la guitarra, los cuales llegan a un peculiar paroxismo en sus momentos finales. Luego sigue la dupla de ‘Stone Trees’ y ‘The Smoke Of Your Fires’, dos temas que instauran pautas importantes para el despliegue de una versatilidad operativa que juega a favor de la grandilocuencia del disco como un todo. El primero de estos temas mencionados es el más largo del disco con sus más de 5 ¾ minutos de duración. Se explaya en una aureola de serenidad contemplativa que permite la edificación de un efectivo sendero jazz-progresivo asfaltado con un delicado lirismo, el cual se enriquece más adelante con la presencia del violín, que entra en acción justamente en el momento en que el piano empieza a ornamentar su posición dentro del elegante entramado colectivo. En general, se respira aquí un aire crepuscular con ciertos matices grisáceos, pero también con bien delineados recursos de remanso. Por su parte, ‘The Smoke Of Your Fire’ se orienta hacia una confluencia de chamber-rock y RIO donde se notan las conexiones estilísticas con los HENRY COW del último álbum y el estándar de FORGAS BAND PHENOMENA, más algunos ribetes de la ECLECTIC MAYBE BAND. Todo fluye de una manera muy natural y controlada mientras algo inquietante se extiende pertrechado en su propio misterio bajo la superficie. Con su rol protagónico, el fagot parece dirigir el desarrollo temático hasta que llega la sección epilogar, la cual vira hacia algo que parece onírico pero que, más bien, se revela como nebuloso. ‘Tunnels’ establece una muy inspirada cruza entre la señorial serenidad del segundo tema del álbum y la majestuosa exuberancia del primero, con un especial énfasis en aquélla. Hay una vitalidad extrínseca que permite a los colores aportados por cada instrumento actuante unirse en un mágico lienzo sónico, el cual se sitúa entre lo evocativo y lo asertivo a través de una densidad oportunamente comedida. Todo un cénit del álbum. ‘Eye Of The Desert’ se eleva hacia una ceremoniosidad que se siente cómoda expandiéndose en un ambiente cósmico donde lo psicodélico y lo fusionesco unen fuerzas a la hora de concretar y enriquecer el esquema temático diseñado para la ocasión. El talante flotante de la ingeniería grupal no impide que en ciertos pasajes estratégicos se manifieste algo de musculatura.

 

‘The Lure And The Coordinates’ es la segunda pieza más extensa del disco (también con un espacio de poco más de 5 ¾ minutos) y resulta ser otro pasaje particularmente destacado del mismo. ONTALVA y sus compinches de turno regresan de lleno al camino de lirismo que brota del jardín musical usualmente cuidado por este señor. Los oleajes del piano y las seductoras líneas del violín arman un entramado llamativo que se enriquece poco después con los sugerentes solos de guitarra, los cuales exorcizan las influencias de Henry Kaiser y Fred Frith por igual. Al fin y al cabo, esta pieza cumple cabalmente con la función de llevar al álbum a un clímax de señorío jazz-progresivo. ‘Beehive On The Wall’ sigue, en parte, la senda trazada por la pieza precedente, añadiendo matices y texturas afines a los recursos de pletórica exuberancia que ya hemos advertido en otros ítems del repertorio. ‘Free In The Dark Hills’ es un tema marchoso con un marcado enfoque jazz-rockero y ciertos guiños al estándar del rock psicodélico de fines de los 60 en lo referente a su groove principal. En cuanto a lo melódico, incursiona en lo fusionesco con elementos exóticos orientales. En la sección epilogar, la trompeta crea una elegía al jolgorio que ya se desvaneció. ‘A Wide Vessel’ establece, en sus poco menos de 4 minutos de duración, un inusitadamente cálido trayecto a través de una área de envolvente calidez progresiva. Las orquestaciones de sintetizador abren la puerta a un swing elegante que, por causa de una ulterior intervención de la guitarra, adquiere momentáneos recursos de tensión. De todas formas, la pieza no tarda mucho en retornar a su swing primigenio para, a partir de allí, disponerse a aterrizar en un enclave ensoñador y cósmico. (Tal vez éste era el camino que pudo haber seguido el KING CRIMSON de 1971 de haberse adentrado más en la pradera del Canterbury.) Durando poco más de 2 ½ minutos, ‘The Place Where You Were Born (Without A Trace)’ cierra el repertorio. Se trata de una pieza que retoma y remodela a la que cerró el álbum “Songs To Say Goodbye”, publicado en febrero de 2021. El tenor elegíaco que marca a la esencia de esta composición revela ciertos vestigios de agilidad (un tanto contenida, mas no escondida) por obra y gracia de los gráciles arreglos de vientos, los mismos que también acogen algún breve solo de guitarra en medio de su bien perfilado entramado.

Todo esto fue “A Haunted, Hidden World Of Caves”, una nueva obra notable dentro de la amplia discografía de ÁNGEL ONTALVA, ya sea solista o no. Bueno, éste es un disco solista y exhibe un nuevo derroche de ingenio musical a través de los varios recovecos que se van mostrando en la cueva artística de este maestro, una cueva plagada de hechizos musicales. Teniendo en cuenta la cantidad de meses que ha pasado desde la publicación de “A Haunted, Hidden World Of Caves”, hubiésemos preferido terminar esta reseña mucho antes, pero bueno, como dijimos en el primer párrafo y repetimos ahora, tenemos en este disco uno de los referentes más notables de la producción progresiva española de este año 2023. No hay que perder la pista al incansable ÁNGEL ONTALVA, quien tiene otro disco de este mismo año con el título de “Black Pyramid”, además de estar preparando el que será el nuevo trabajo de estudio del ensamble hispano-ruso SEAORM (sin contar un disco en vivo del grupo en cuestión publicado el pasado mes de octubre y otro directo solista unos meses antes). Concentrándonos exclusivamente en “A Haunted, Hidden World Of Caves”, sólo nos queda concluir que es  totalmente recomendable en cualquier buena fonoteca de música contemporánea.

 
 

Muestras de “A Haunted, Hidden World Of Caves”.-
Tunnels: https://octoberxart.bandcamp.com/track/tunnels  
Eye Of The Desert: https://octoberxart.bandcamp.com/track/eye-of-the-desert
The Lure And The Coordinates: https://octoberxart.bandcamp.com/track/the-lure-and-the-coordinates

OZRIC TENTACLES: florecimiento del loto space-rockero para el año 2023

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Nos topamos hoy con el nuevo disco de la veterana banda OZRIC TENTACLES, entidad veterana de la reactivación del paradigma progresivo del space-rock desde la década de los 80. El disco en cuestión se titula “Lotus Unfolding” y fue publicado el 20 de octubre por Kscope, tanto en CD como en vinilo. Como sucede usualmente con los discos de OZRIC TENTACLES y los trabajos solistas de su perpetuo líder Ed Wynne, se trata de un álbum conceptual con un foco abierto a varias interpretaciones, pero la idea guía que iluminó la creación del material contenido en “Lotus Unfolding” es la necesidad de mantener nuestras percepciones sensoriales en inspirada alerta de tal manera que podamos disfrutar lo más posible de la revelación de las maravillas de nuestro derredor con cada nuevo día. El núcleo performativo de los OZRIC TENTACLES para este trabajo consiste en el imprescindible Ed Wynne [guitarras, sintetizador, bajo y programaciones], su hijo Silas Wynne [sintetizadores modulares y teclados] y su ex-esposa Brandi Wynne [bajo], siendo ellos acompañados por: Saskia Maxwell, a la flauta; Tim Wallander, a la batería; Paul Hankin, a las congas, y; Gre Vanderloo, a la percusión y algunas programaciones de ritmos. La abundante presencia de capas y secuencias sintetizadas en los núcleos temáticos de la mayoría de las piezas aquí contenidas hace que “Lotus Unfolding” tenga lazos de familia con discos como “Paper Monkeys” (2011) y “Technicians Of The Sacred” (2015) en varias ocasiones, así como con el disco a dúo de Wynne y Gre Vanderloo “Tumbling Throught The Floativerse” (del año pasado). Pero, además, también hay varios recursos fusionescos que hacen que la logística instrumental se conecte con los aspectos más evocadores de la línea progresivo-psicodélica que es historia viviente. Ed Wynne se encargó de dirigir las diversas sesiones de grabación para este nuevo material en los Blue Bubble Studios de Fife, mientras que la ulterior labor de masterización estuvo a cargo de Adam Goodlet en el Re:Creation Studio. El arte gráfica es de Sally Clark y Steve McKeown. Veamos ahora los detalles del repertorio de “Lotus Unfolding”.

Abre el disco ‘Storm In A Teacup’, tema que ocupa un espacio de poco más de 9 ½ minutos para desplegar un ágil y llamativo ejercicio de vibraciones coloridas y optimistas a través de un electrizante hermanamiento de riffs de guitarra y capas de sintetizador. El frenético empuje de la dupla rítmica está competentemente ornamentado por ingeniosas líneas  de bajo; por su parte, la guitarra calcula meticulosamente los momentos en los que se deja llevar por su propio impulso expresivo en medio de este festivo tifón cibernético. Poco antes de llegar a la frontera del octavo minuto, las cosas se calman un poco para remitirse a un groove más mesurado a fin de que se pueda abrir la puerta a una ambientación fusionesca con ligeros matices reggae. Sigue a continuación ‘Deep Blue Shade’, una pieza que ostenta su tremendo gancho con un dinamismo bastante sofisticado que se aplica a su estrategia esencialmente tecno-pop. La estrategia se centra básicamente en darle una majestuosidad de tenor krautrockero a los efluvios y revestimientos electrónicos que envuelven al marchoso groove armado para la ocasión. El tercer tema del repertorio es el que justamente se titula ‘Lotus Unflolding’. La línea de trabajo plasmada en esta pieza homónima se orienta hacia atmósferas místicas y contemplativas, siendo así que la flauta, apoyada por capas cinematográficas de sintetizador, dirige el flotante lirismo con el que se arma el sigiloso prólogo. Una vez que se completa el bloque instrumental, el ensamble se dedica a explorar un mágico y encantador cruce de emplazamientos psicodélicos y elegantes pulsaciones jazz-rockeras. La calidez impregnada en la atmósfera general de la pieza permite a ésta instaurar un interesante contrapunto a los explícitos recursos de suntuosa extroversión de los dos temas precedentes. ‘Crumblepenny’ es la pieza más extensa del repertorio con sus poco menos de 10 minutos de duración y, en buena medida, su función es la de explorar los camino abiertos por la pieza precedente para darle una incrementada prestancia progresiva, así como una mayor dosis de intensidad rockera en medio del preciosismo reinante. Los aires exóticos aportados por el solo de guitarra acústica y algunos ornamentos sintetizados ayudan a reforzar el aura palaciega de la pieza. La secuencia de estos dos temas conforma un cénit definitivo del álbum. 

  

La dupla final de ‘Green Incantation’ y ‘Burundi Spaceport’ tiene la misión de cerrar con solvente grandilocuencia el disco que ahora nos ocupa, toda vez que los temas tercero y cuarto establecieron sólidas palancas de magnificencia art-rockera. El primero de estos temas mencionados se sostiene, en buena medida, en una retoma del espíritu místico y cálido de la pieza homónima, al menos durante su primera sección. Los ingeniosos fraseos de la guitarra acústica que atraviesan las luminosas paredes de los sintetizadores operantes generan un paisaje envolventemente étnico en medio de una atmósfera etérea. Alrededor de la frontera del tercer minuto y medio, una secuencia armónica sintetizada se apodera del centro temático y lo hace virar hacia un ímpetu rockero manejado con convincente robustez. El bloque sonoro es manejado con efectiva elegancia sin ocultar la nueva musculatura que acaba de brotar; de hecho, en algunos pasajes, la guitarra asume un asertivo rol protagónico dentro del entramado general. ‘Burundi Spaceport’, por su parte, despliega un nuevo ejercicio de extroversión space-rockera en confluencia con modismos y grooves jazz-fusionescos, todo ello tras un preludio sigiloso. La batería realiza su labor más notable dentro del álbum y también cabe destacar el sortilegio sónico emanado de algunos solos de sintetizador. Una pieza donde todo está tan equilibrado dentro de la maraña colectiva de los instrumentos actuantes es la idónea para cerrar este repertorio, sobre todo, si recoge buena parte de los aspectos más señoriales de algunas de las piezas precedentes. En fin, todo esto fue “Lotus Unfolding”, la nueva manifestación de la apuesta de la legendaria entidad OZRIC TENTACLES por el imparable florecimiento del discurso space-rockero a lo largo del desarrollo del mundo progresivo en sus casi 40 años de producción fonográfica (y justo 40 años de existencia a partir de un jam realizado en el Stonehenge Free Festival de 1983). Muy recomendable este disco, no nos cabe duda alguna al respecto. 

Muestras de “Lotus Unfolding”.-
Lotus Unfolding: https://www.youtube.com/watch?v=iMnQiB8KKBQ
Crumplepenny: https://www.youtube.com/watch?v=GQbxOHaQ2bI

Green Incantation: https://www.youtube.com/watch?v=fNy-wlDyL3I

Los efluvios del agua desde la óptica de los maestros rusos MAAT LANDER

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy echamos un vistazo al cosmos del trío ruso MAAT LANDER y nos topamos con que el grupo sigue explorando el concepto de la alquimia y los cuatro elementos, esta vez, con el disco “Elements: Water”. El disco en cuestión fue publicado el pasado 20 de octubre. Los formatos de la edición son tanto en casete como en vinilo (colores negro y azul marmoleado); Clostridium Records se hizo cargo del vinilo, mientras que VMS hizo lo propio con el casete. El trío conformado por Arkadiy Fedotov [bajo, sintetizadores, órgano y efectos], Ilya Lipkin [guitarras eléctricas y acústicas] e Ivan Fedotov [batería, wave drum y cajas de ritmos] continúa con este concepto iniciado en el álbum “Elements: Air”, el mismo que data de julio de 2021. Los hermanos Fedotov se mantienen ocupados con VESPERO y otros proyectos (p.e., el ensamble hispano-ruso SEAORM), y Lipkin sigue afirmándose como uno de los más notables guitarristas dentro de la actual escena progresiva de Rusia (siendo veterano integrante de THE RE-STONED). Colabora en un par de temas Alexander Sokolov al piano eléctrico y el sintetizador. El material contenido en “Elements: Water” fue grabado en el Rushus Studio y el VMS Studio en varias sesiones que tuvieron lugar en el año 2022. Los ulteriores procesos de mezcla y masterización estuvieron a cargo del propio Ilya Lipkin y de Janne Stark, respectivamente. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de este disco. 

Todo empieza con ‘Glass Dolphins’, una pieza cuyo prólogo es evocativo y distante, pero que no tarda mucho en abrir campo a un cuerpo central focalizado en un dinamismo grácil donde se hermanan muy bien los ácidos guitarreos y las mesuradas florituras sintetizadas. La batería le da un groove jazz-rockero al esquema rítmico, lo cual ayuda bastante a reforzar el talante sofisticado de la pieza. Luego sigue el segundo tema más largo del disco, ‘Land Of Dreams’, el cual dura poco más de 10 ¼ minutos. El tema comienza con un tenor etéreo que se explaya a través de un impresionismo crepuscular: algo envolventemente cálido arropado por una atmósfera ensoñadora que se conecta, en cierta medida, con la faceta flotante de DJAM KARET. Ya cuando entra en acción la batería, el trío elabora una temática marcada por vibraciones post-rockeras sobre un compás de 6/8, estando los efectos cósmicos del sintetizador al servicio del llenado de espacios marcados por los delicados traqueteos de la guitarra. Más adelante, cuando las cosas adquieren un mayor grosor, el esquema grupal se eleva hacia un señorío progresivo que parece recoger ecos del proyecto SEAORM, y es así como el tema se cierra con un esplendor muy especial. ‘Maat’s Sea Diaries’ sigue por esta pauta expresiva mientras vira hacia un refuerzo del nervio rockero. El vitalismo mesurado que empuja al centro temático del jam asume gráciles recursos de fulgor merced a las inteligentes cadencias de la batería. La miniatura ‘Brilliant Depth’ es una bella exhibición de tonalidades suaves a la guitarra acústica, la misma que abre la puerta a ‘Saphire Realm’, la pieza más larga del disco con su espacio de 11 ¼ minutos. La actitud y la prestancia inherentes a la comunión entre guitarra acústica y secuencias sintetizadas sustenta un eficaz sortilegio líquido durante varios minutos, desarrollando un crescendo célico. Ya cuando emerge la guitarra eléctrica para ejercer su autoridad de a pocos, el trío se enfila por una sesuda manifestación de estremecimientos a lo ASH RA TEMPEL que se asienta cómodamente sobre una cruza entre los OZRIC TENTACLES tempranos y MY BROTHER THE WIND. El pasaje final es un regreso parcial a la magia flotante del inicio con añadidas resonancias de la reciente languidez densa.
 

  

‘Möbius Strip’ tiene un prólogo marcado por una ingeniería cibernética muy propia del krautrock electrónico, siendo así que la ulterior emergencia del cuerpo central se mueve dentro de una solidez space-rockera que se mueva versátilmente a través de variadas atmósferas. Mientras los grooves van variando, se preserva eficientemente la artesanía refinada que el trío convierte en marca de la casa. Cuando regresan los recursos cibernéticos iniciales, el ensamble se pone a jugar con estándares motorik a fin de mantener firme el vigor rockero que ya, a estas alturas, está contundentemente afirmado. ‘Pulse Of Water’ es una composición dedicada a la memoria de Alexander Sokolov (quien es justamente el colaborador). Su modus operandi se focaliza en combinar aires y ambientes de los dos primeros temas del álbum, realzando el fulgor del primero y remodelando las vibraciones místicas del segundo para acomodarse a dicho fulgor. Los teclados utilizando llenas espacios con solvencia mientras aseguran el firme centro melódico, estando este último bien afianzado bajo la guía de las guitarras. Así termina el repertorio oficial del disco, pero todavía hay espacio para un bonus track: ‘To Infinity And Beyond’ es su título y dura poco más de 8 ¾ minutos. Su dinamismo space-rockero es el habitual dentro del mundo progresivo: elegante uso de masivas líneas y secuencias de los sintetizadores, ingeniosos esquemas rítmicos marcados por la batería y eficaces intervenciones de la guitarra a la hora de registrar una soltura refinada con ciertos ribetes punzantes (especialmente, en las instancias finales). Este tema es prácticamente hermano de ‘Maat’s Sea Diaries’. Todo esto fue “Elements: Water”, el segundo capítulo del concepto sobre los elementos que la gente de MAAT LANDER ha diseñado para su actual momento creativo de largo trayecto. Los efluvios del agua encuentran en este disco una idónea semblanza dentro del arte del sonido y un adecuado retrato que estimula la imaginación del oyente empático. Muchas gracias a Lipkin y a los hermanos Fedotov por este disco que recomendamos ampliamente para cualquier fonoteca de música progresiva y géneros afines de grandes proyecciones estéticas. 
 
 
Muestras de “Elements: Water”.-
Land Of Dreams: https://maatlander.bandcamp.com/track/land-of-dreams
Saphire Realm: https://maatlander.bandcamp.com/track/saphire-realm
Möbius Strip: https://maatlander.bandcamp.com/track/m-bius-strip