Never Too Old To Rock 'n' Roll - 40avo Aniversario de Jethro Tull

Practicamente todos los fans del progresivo recordamos lo que dijo Ian Anderson en una famosa rola aparecida en 1976: “You’re never too old to rock ‘n’ roll, if you’re too young to die”. Lo cual desde el punto de vista de los fans pudiéramos parafrasear como “Nunca es tarde para ver en vivo a los grandes del rock progresivo”. Este Agosto 6 por fin pude presenciar un show de Jethro Tull, esta vez en el Filene Center del parque nacional Wolftrap en Vienna, Virginia, que estuvo lleno a reventar (aproximadamente unas 6,000 personas). Coincidió que la ocasión fue muy especial, pues Jethro Tull salió al escenario para celebrar su aniversario (de Rubí, para ser precisos) numero 40, como parte de un tour que los llevara primero por Europa, Turquia, los EEUU, Rusia, y después seguirán en la península Arabiga y el Asia (India, Singapur, Dubai).
En efecto, en Febrero de 2008 se cumplieron 40 años de que el grupo se presento en el Marquee Club en la Wardour Street del Soho, donde fueron apercibidos y luego contratados por los recién estrenados agentes de Procol Harum Terry Ellis y Chris Wright (que por cierto gracias al éxito de Jethro Tull formarían el año siguiente la trascendente Chrysalis Records).

A pesar de los rumores en sentido contrario, desde aquel entonces la banda nunca se desbandó, “ni siquiera por un momento”, a decir de Anderson. De hecho, de las grandes bandas del rock progresivo, Jethro Tull debe ser la mas longeva en actividad sostenida e ininterrumpida, ya que aunque Yes también se formo en el 68’, el grupo del otro Anderson (Jon) ha sufrido varias rupturas y ahora se encuentra en un paréntesis. King Crimson se formo en 1969 pero también ha tenido largos periodos de inactividad. Por otro lado, los Moody Blues (que mas bien son considerados precursores del rock progresivo), empezaron en 1964 pero se separaron por tres años durante los 70s. Hasta Diciembre de 2007, Jethro Tull ha tocado 2,898 conciertos desde 1968, según la cuenta que lleva http://www.ministry-of-information.co.uk/setlist/ (en promedio 74 conciertos por año durante 39 años). A Tull no se le da el crédito suficiente por la gran influencia que ha tenido en la música rock.

Los demás miembros que forman parte de Jethro Tull durante el tour son el guitarrista Martin Barre (39 años en la agrupación), el baterista americano Doane Perry (cumpliendo 24 años con JT), el tecladista/acordeonista John O’Hara y el bajista David Goodier (de reciente ingreso, el séptimo bajista en la historia de su line-up).

La banda toco alrededor de hora y media, iniciando despues de que el grupo folk irlandés The Young Dubliners levantara el animo del publico mayoritariamente cincuentón. Mis expectativas se fundaron en la informacion de su website que indicaba que se visitaria material de sus “tres primeros albumes” de final de los 60’s (ademas de la colita Brick/Aqualung/Locomotive que ha sido material obligado por casi tres décadas).

Ian Anderson, el excéntrico vocalista, flautista y compositor del grupo, acababa de celebrar su cumplemenos numero 61 el Domingo anterior. El show de Jethro Tull fue energico y teatral, sin ser fastidioso. Anderson saltaba en brinquitos controlados de un lado al otro del set, y cuando era pertinente nos ofrecia con delicada gracia su patentada postura de “flamingo con flauta transversa”, para luego darle agresivamente a la armonica o a la guitarra acústica. Talvez el unico sinsabor de su performance fue desde luego su desmejorada voz, que aunque sigue siendo potente ya no demuestra la capacidad de infleccion de antaño, lo cual resta brillantez a su cantar.

Abrieron el show con "My Sunday Feeling" de su primer album, para luego continuar con la “Serenade To A Cuckoo”. Despues de "Nursie" y "A Song for Jeffrey," les acompaño el Cuarteto de Cuerdas Calliandra, cuatro miembros del conservatorio de New England, para tocar "Reasons for Waiting", “Too Old To Rock'N'Roll...”(Anderson, que es un excelente cuenta-historias, se refirió a los 65 años cumplidos de Mick Jagger antes de iniciar esta rola), “Farm On The Freeway” (pilar del album “Crest of a Knave” de 1987 cuando sorprendentemente obtuvieron el Grammy por la mejor performance de Hard Rock/Metal), y “Bourée”.

En partes se podía oir la flauta aunque Anderson estaba haciendo otra cosa. Seria que el tecladista cubria la fluta usando el sintetizador o seria que usaron alguna grabación? En al menos una ocasión David Goodier cubrio las partes de flauta usando un glockenspiel. En “Reasons for Waiting”, varias melodias que en el album original son tocadas en flauta, en su lugar fueron interpretadas por el Cuarteto de Cuerdas Calliandra.

Siguieron con “A New Day Yesterday”, “For A Thousand Mothers”, y la clasica “Dharma For One” con un extendido solo de Doanne Perry. Al terminar Ian Anderson hizo referencia a la molestia que le causaban esas audiencias exaltadas y pasadas de copas (como esa “horrific and annoying audience of Belo Horizonte last year”), o los mosh-pits fuera de lugar.

Para la segunda parte nos refrescaron con “Heavy Horses”, una pieza de finales de los setentas, que fue seguida de una versión abreviada de "Thick as a Brick," esa maravillosa obra maestra que le dio a Jethro Tull su primer hitazo a nivel mundial. Inmediatamente después interpretaron mi pieza favorita "Aqualung," donde brilla con especial acento la guitarra del introvertido Martin Barre.

Para el encore, terminaron con "Locomotive Breath," con una brillante interpretación del tecladista O’Hara que recibio una gran ovacion de parte de la concurrencia.

A pesar de la poco optima calidad del sonido (el Filene Center es un recinto abierto), disfrute enormemente el ver por primera vez a este grupo seminal, pionero y baluarte del progresivo, afanoso destructor de reglas, librepensador y explorador de nuevas armonias y liricas, y por supuesto otro magnifico ejemplo de que en ocasiones se paga con creces el ir en contra de las tendencias del mercado.

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KANSAS retoma su "Two for the Show" - reedición 2008

HOLA A AUTOPOIETICAN Y TODOS LOS AMIGOS PROGRESIVOS, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Tengo en mis manos desde el primer día del presente mes de agosto a toda una joya progresiva en una reedición fabulosa – me refiero al ‘live’ de KANSAS “Two for The Show”, cuya edición original de 1978 era en doble vinilo y que ahora, 30 años más tarde, se halla remasterizado y ampliado a doble CD. En su momento, “Two for the Show” apareció en el momento cumbre de la banda tanto a nivel artístico como comercial, con dos discos de estudio precedentes (“Leftoverture” y “Point of Know Return”) que la habían puesto en las grandes ligas del negocio y con una fanaticada que parecía ampliarse hasta el infinito. El tocar en campos polideportivos, estadios y grandes teatros desde inicios de 1977 les llevó finalmente en 1978 a dar mega-conciertos que duraban 2 ½ horas y más. Este disco recoge temas de varios conciertos de su gira tripartita desarrollada desde 1977 hasta 1978, pero se nota un sentimiento bastante fluido en la escucha.

KANSAS muestra aquí todas las facetas de su oferta musical con total brillo igualmente repartido en todas ellas: la predominante pomposidad sinfónica, los momentos pesados llenos de sofisticación, los elementos blues-country-bluegrass que llaman a la tierra natal, los momentos peculiares donde emergen solos de guitarra acústica, piano o batería,… todo está allí plasmado con vigor. El librito contiene copiosas fotos (incluyendo a un Steve Walsh bailando a lo Jim Morrison para enamorar salvajemente a las chicas del público, y también a un Robby Steinhardt mirando a la nada mientras se interna mentalmente en sus línea de violín... ¡imágenes impredibles!) y comentarios históricos, aparte de la transcripción de la dedicatoria al joven fan que perdió la vista en un serio accidente de tráfico tras un concierto de esta gira. El hecho de que las guitarras o teclados duales (dependiendo del rol de Livgren en el momento dado) se repartan en diferentes canales de audio ayuda a disfrutar de y entender la inteligencia vertida en las interacciones instrumentales de la banda. Claro está, también ayuda a realzar la labor de Steinhardt, protagonista en numerosas ocasiones desde su rol de violinista.

El CD1 contiene las versiones definitivas de ‘Icarus’, ‘Portrait (He Knew)’, ‘Mysteries and Mayhem’ (más frenético de lo usual), ‘Journey from Mariabronn’ y ‘Magnum Opus’; versiones muy fieles a las de estudio de ‘Paradox’ y ‘The Wall’; una versión forzadamente recortada de ‘Song for America’; y por último, la omisión de ‘Closet Chronicles’, una de las piezas más impresionantes del “Point of Know Return” y uno de los picos absolutos del “Two for the Show” en vinilo. Pero esta omisión específica se resuelve gloriosamente en el CD2, el cual contiene en total 11 canciones extra. Pero no es con el recuperado ‘Closet Chronicles’ que comienza el CD2, sino con ‘Hopelessly Human’, el cual abría parte de los conciertos de la primera mitad de esta híper-gira. Esta versión expandida comienza con un breve preludio etéreo, seguido por las primeras 16 barras de ‘Incomudro’, para luego dejar paso a la canción misma. ‘Child of Innocence’ y ‘Belexes’ nos transportan a tiempos anteriores de la gloria comercial de KANSAS: ‘Child’ viene precedido de un estupendo jam en clave R’n’B, mientras que ‘Belexes’ es ejecutado “a mil por hora”, siendo así que la velocidad extra le resta dramatismo pero lo compensa con una mayor explosividad. ‘Cheyenne Anthem’ tiene la peculiaridad de que llena más los espacios de violín y sintetizadores duales en el juguetón interludio, lo cual se traduce en un excitante realce de la dimensión orquestal del mismo. ‘Lonely Street’, ‘Down the Road’ y ‘Bringing It Back’ nos muestran, sin tapujos ni excusas, la faceta más provinciana de KANSAS: ‘Lonely Street’ nos muestra a un Walsh genialmente inmerso en el dolor tanático y destructivo del protagonista (un cowboy de mala muerte que añora vengar con sus propias manos la muerte de su novia prostituta), mientras que ‘Bringing It Home’ mantiene a Steinhardt dibujando mil y una siluetas con su violín, a veces acompañado de la potente guitarra de Williams. Con esta versión me quedo definitivamente convencido de que esta canción pertenece más al grupo que al autor original J. J. Cale (como pasa con Hendrix y el ‘All Along the Watchtower’ compuesto por Dylan).



‘Miracles Out of Nowhere’ es ciertamente una de las más bellas y envolventes composiciones de Livgren: en esta versión se incluye un solo de órgano a cargo de Walsh, donde se alternan estilizadas estratagemas barrocas y retazos hard-blues rock de tipo Jon Lord. También demos mencionar los nuevos arreglos de múltiples teclados que reactivan el colorido contrapuntístico del interludio a fin de sacar provecho de los condicionamientos propios del vivo. ¡Y qué tremendo baterista es Phil Ehart! - el solo de 5 ½ minutos que elabora aquí muestra al desnudo las influencias recibidas de Barriemore Barlow y Carl Palmer, a la par que su dinamismo particular. Este solo deriva en una versión electrizante de ‘The Spider’, una de las composiciones más laberínticas que se hayan gestado jamás en el mundo de KANSAS. Se nota que la edición en fade-out iba camino hacia la emergencia del riff de bajo de ‘Portrait’: ¿no debió haberse aprovechado esta re-edición para seguir mejor esta secuencia de un tirón? Muy posiblemente sí... pero es lo que hay y lo que hay ya es de por sí grandioso.

En mi humilde opinión, se trata posiblemente de la mejor reedición progresiva para este año 2008: ciertamente, es un testimonio de la esencia musical más puramente versátil de KANSAS en la plenitud de su esplendor creativo.

KHARMINA BURANNA y el arte de mantener vivo el rock progresivo

HOLA A TODOS LOS AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Ahora que hemos entrado de lleno en la segunda mitad del año 2008, es confortante que aún se pueda contar con buena y nueva música progresiva en el Perú, a pesar de lo poco fructífera y menos atendida que es la escena vanguardista en el rock de dicho país. El quinteto KHARMINA BURANNA es la nueva promesa progresiva en el Perú, y ciertamente, por lo escuchado en su estupendo y enérgico disco debut “El Arte de Seguir Vivos”, esta promesa ya está firmemente cumplida. Editado por el sello chileno Mylodon Records (que también tiene en su catálogo a otros grupos peruanos como FLOR DE LOTO y SUPAY), su presentación oficial al mercado tuvo lugar la noche del 1 de agosto del presente, en un emotivo concierto que tuvo lugar en el barrio limeño típicamente bohemio de Barranco. La alineación pentapartita que registró este disco en una labor que se ha extendido por dos años está conformada por Ángelo Pérez-Palma (voz, armónica y guitarra acústica), Daniel López Gutiérrez (teclados y glockenspiel), Víctor Otárola (batería y percusión), Mauricio Hooker (bajo, flautas traversa y dulce, y coros) y Eduardo Valcárcel (guitarras eléctricas y acústica).


El disco contiene una fluida y dinámica combinación de sinfonismo y progresivo hard, sensible al influjo del blues-rock y pertinentemente alimentado con pasajes bucólicos de corte pastoral. Las referencias más recurrentes son YES, GENESIS, JETHRO TULL, PFM, KANSAS y GENTLE GIANT. Los esquemas compositivos más constantes en el repertorio de la banda se amoldan muy bien a la necesidad de expandir las ideas melódicas en jams desarrollados con vigor y buen gusto. El tema de entrada ‘Bosque De Piedras’ representa muy sólidamente el sonido multicolor y vigoroso de KHARMINA BURANNA, el mismo que repite su esplendor en el tema de cierre ‘Labra Un Lugar (Para Sonidos)’. Ambas piezas se despliegan en espacios de 13 minutos, sacando buen provecho de las posibilidades de expresividad expansiva en ilaciones multi-temáticas elaboradas con vigor y fuerza de voluntad: ‘Bosque De Piedras’ exhibe desde el primer instante un lirismo pulcro y exquisito, el mismo que se quiebra en los últimos minutos para dar paso a un ejercicio de tensa robustez, mientras que ‘Labra Un Lugar (Para Sonidos)’ ostenta de manera consistente una tendencia barroca a través de los diversos motivos que se van hilando. Comparando ambos resultados finales, podemos decir que el caso del tema de cierre es el más exitoso de los dos, y de hecho, el esplendoroso solo de Moog que se extiende en la sección final es un gran punto a favor. ‘Del Parque’ pone énfasis en el factor psicodélico en base a las fluidas amalgamas de guitarra, teclado y armónica en los parajes instrumentales más exultantes, los cuales ilustran la polenta propia del grupo sin mayores tapujos, aunque también sin renunciar a la complejidad propia del género progresivo. Es de destacar la manera tan exitosa con la que el grupo inserta climas tétricos y densos en las excursiones instrumentales de la segunda mitad, así como en el interludio de piano que antecede al último estribillo. El clímax conclusivo es excitante y vitalista a más no poder, tal vez el momento más explosivo del álbum: "¡El fin corona al pastor!". 

Por su parte, la canción homónima es nada más y nada menos que una de base blues-rockera que simboliza fielmente la prehistoria de KHARMINA BURANNA como banda de covers de blues y rock pesado clásico, aunque las pulidas elaboraciones sonoras en torno al motivo central durante el largo interludio instrumental nos remiten fácilmente al JETHRO TULL de los discos clásicos “Benefit” y“Aqualung”. De hecho, en los momentos relativos a los solos de órgano y guitarra nos damos cuenta de que no es un blues convencional el que inunda nuestros oídos, sino que entran a tallar mecanismos propios de la tradición sinfónica. ‘Sueños de Opio’ tiene un esquema bipolar, comenzando con una sección instrumental bastante pletórica, muy a lo KING CRIMSON-con-JETHRO TULL, y prosiguiendo con el cuerpo central cantado, en lo cual se centra en lo introvertido a través de un intimista paisaje lírico; la coda instrumental asume aires pastorales de tenor renacentista, bajo la guía del diálogo entre flauta dulce y violín (a cargo este último de la invitada Pauchi Sasaki). Como anécdota vale destacar que en esta misma canción hay otro invitado de lujo: Octavio Castillo, uno de los fundadores de la legendaria banda FRÁGIL, aportando ornamentos de flauta traversa en el jam inicial. 

 

 
Todo esto es lo que KHARMINA BURANNA ofrece en su disco debut “El Arte de Seguir Vivos”, un ítem muy relevante para seguir impulsando la vanguardia rockera que se está proyectando actualmente en la escena peruana. 


Muestras de “El Arte de Seguir Vivos”.-
Del Parque: http://www.youtube.com/watch?v=NXPvvkpntjM 
Labra Un Lugar (ParaSonidos): http://www.youtube.com/watch?v=tSy9rBCbPNo 

El reencuentro de Liquid Tension Experiment

La reciente breve gira que ha reagrupado a Liquid Tension Experiment despues de diez años de pausa comenzo en el pasado NearFest. Liquid Tension Experiment quizo asi poner a prueba la hipotesis de que aun mantiene una posicion atractiva en la escena del prog rock. Como recordamos, la banda se concibio a finales de 1996, cuando Mike Portnoy (baterista de Dream Theater), recibio una peticion de su discografica Carta Magna para formar una superbanda. De inmediato, Portnoy invito al tecladista de los Dixie Dregs Jordan Rudess y a Tony Levin, el talentoso bajista y estiquista de fama Crimsoniana. Mike esperaba originalmente trabajar con algun notable guitarrista que no fuera de su banda Dream Theater, pero debido a conflictos de programacion Portnoy finalmente invito a su compañero de banda John Petrucci, a formar parte del proyecto.

Su primer album, Liquid Tension Experiment 1 fue un exito creativo. En octubre de 1998, Liquid Tension Experiment se reunio en los estudios Millbrook de Nueva York para grabar su segundo album. Durante el periodo de sesiones, la esposa de John Petrucci tuvo un parto prematuro, lo cual obligo a los tres musicos restantes a continuar la grabacion de manera improvisada. Estas grabaciones dieron origen a un tercer album llamado "Spontaneous Combustion", que aparecio tardiamente en 2007. Tal experimentacion les permitio explorar y encontrar combinaciones instrumentales evidentemente expansivas. La colaboracion y la evidente quimica musical ese fin de año del '98, llevaron a Rudess a convertirse en miembro de tiempo completo de Dream Theater, reemplazando a Derek Sherinian en 1999.
Para el NEARfest X, La banda llego a Bethlehem un par de dias antes de su show para ensayar el material de sus dos albumes, lo cual seguramente se convirtio en un pequeño desafio para este grupo de virtuosos, dado que no lo habian vuelto a tocar desde hacia 10 años.

Por supuesto, Liquid Tension Experiment fue la banda titular la noche del sabado y toco de manera brillante, cada musico en su mejor momento. LTE sacudio el recinto con la precision, energia y la gracia de una gran orquesta sinfonica. Percibi a un Petrucci muy concentrado y preciso en la guitarra, mostrando su capacidad de tocar piezas largas y complejas con altisima destreza. Aunque Levin pudo mostrar su "borde metalico" al tomar el bajo, lamentablemente por una mala mezcla tecnica casi no se le oyo al tocar el stick. Rudess fue impecable al ejecutar el teclado (apoyandose en el digitalizador de partituras levantado sobre su Roland), generando una gran variedad de sonidos y arreglos de altos niveles compositivos, y Portnoy como siempre fue Portnoy ...! un monstruo de precision y el entusiasmo en los tambores y timbales. El setlist incluyo la mayoria de las melodias memorables de sus dos discos clasicos, entre ellas la genial "When the Water Breaks" , la metalizante fuga que es “Acid Rain”, la melodica “State of Grace”, la calmante “Kindred Spirits”, la hiperquinetica "Paradigm Shift" y su poderosa epica “Another Dimension” (donde John Petrucci levanto una merecidisima ovacion del publico). Asimismo, Rudess se lucio al dar ejemplo de su virtuosismo en una elaborada exploracion jazzeante de la pieza dramatica "Biaxident", complementado por un estupendo Petrucci y el resto de la banda, que dosificaba energeticamente toques diabolicamente metalicos.

Sin embargo, en medio de tanta magia, la sorpresa mas grande de la estupenda velada fue la presentacion de una magnifica version de la "Rapsodia en Azul" de Gershwin, una pieza desafiante con sus muchas modulaciones, en una interpretacion clasica e intensa, favorecida por el bien equilibrado sonido del recinto.

La banda se despidio en el encore con dos de sus rolas fundamentales: la deliciosa y percusionante "Osmosis”, donde pudimos sentir el extasis del Tony Levin de la era de Peter Gabriel, y la explosiva "Universal Mind", con sus magicas lineas funky del bajo de Levin, y sus solos zigzagueantes que dieron brillo a la compleja y delirante pieza, que el piano de Rudess cerro de un portazo con una estupenda variacion de la tradicional progresion de “Heart & Soul”.

Como cerecita del pastel, Liquid Tension Experiment acaba de anunciar en Facebook que pronto saldra al mercado un CD/DVD en vivo grabado durante el tour conmemorativo, y que ya se han preparado planes para un nuevo album de estudio, asi como un “Bootleg” oficial de su show en Chicago el pasado 25 de Junio.

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Metrognom "Twangyluck" (2006)

HOLA AMIGOS PROGRESIVOS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

En el mismo día en que Joal Paiva, gran amigo progresivo y primo de Autopoietican me presentó a THE GOURISHANKAR, también hico lo propio con el grupo escandinavo METROGNOM, cultor de un sonido complejamente psicodélico, bañado en ambientes que oscilan entre lo denso y lo espacial, coqueteando ampliamente con el jazz-rock más ácido así como con el espíritu lánguido del post-rock, añadiendo ciertas dosis de la tensión expansiva de un VAN DER GRAAF GENERATOR. Quinteto noruego, su disco “Twangyluck” (2006) es clave para comprender los niveles de energía y creatividad que tienen lugar hoy en día en la marginalidad progresiva escandinava ahora que ANEKDOTEN no es lo que era antes, LANDBERK y ANGLAGARD son historia, y WHITE WILLOW está que no se decide a resucitar de una buena vez.

Aquí transcribo una reseña que originalmente publiqué en La Caja de Música en agosto de 2007. Espero que sea de su interés.

“La labor instrumental dell quinteto METROGNOM se caracteriza por su garra y por la consistencia con la que pueden sostener sus jams, los mismos que constantemente oscilan entre pasajes que tienden hacia lo aguerrido y otros donde se da notable prioridad a atmósferas flotantes. El repertorio revela una actitud muy ambiciosa a la hora de enarbolar ideas musicales y disponerlas en sus correspondientes arreglos: tres temas que oscilan entre los casi 14 minutos y casi 15 minutos de duración más uno que dura más de 20. El grupo se las apaña para mantener el interés en sus viajes instrumentales sin que los instrumentos melódicos (guitarra, saxos, teclados) se manden con pirotecnias ni sobregrabaciones exaltadas: estos ítems se concentran más en ambientes y estructuras armónicas, aunque cabe señalar que casi todos los fraseos solistas de saxo tienen una connotación jazzera muy oportuna para calibrar las armazones sonoras de la guitarra y el teclado de turno. Más bien, gracias a esto sucede que la sección rítmica se hace notar de una manera especial, y esto es algo bueno, pues su labor está muy inspirada en lo que se refiere a asentar las bases para las diversas secciones que se suceden en el repertorio. Al igual que muchos grupos escandinavos, la presencia de instrumentos prototípicamente añejos como el Mini-Moog, Theremin, mellotron, el sintetizador Akai (una reliquia en el sentido más literal de la palabra), así como del Hammond, juega un rol tremendamente gravitante en la elaboración de los vuelos instrumentales.

El tema de apertura ‘Max Planet (incl. The Sudden Turbulent Landing Procedure)’ comienza con un anuncio cuasi-robótico muy a lo HAWKWIND en su etapa más lisérgica, para luego dar lugar a un motivo en 6/8 que es todo un homenaje clónico al legendario himno progresivo ‘Watcher of the Skies’ de GENESIS, pero como si fuera ejecutado por un combo de músicos donde alternan miembros de ANEKDOTEN y LANDBERK, acompañados de Tim Blake (de GONG) y con ciertas pautas vandergraafianas completando algunas sutilezas del espectro sonoro. Su gancho y potencia lo convierten en una apertura adecuada para el disco, pero desde ya vale indicar que se trata del tema menos impresionante en lo relativo al manejo de variantes y recursos diversos en el desarrollo. Los tres temas restantes tienen mucho más de estos elementos. ‘Ten Peppermint Butterflies in a Ray of Moonlight’ comienza con una secuencia de leves sonidos causales al modo de estar probando la afinación de la guitarra y del saxofón, cuando el batallón completo entra a tallar con el motivo central, sólidamente llevado por la guitarra mientras que las capas y adornos de los sintetizadores sopesan aires cósmicos y texturas de carácter sinfónico, con matices tenebrosos muy propios de la línea germana de ELOY y NOVALIS. Cuando llegamos a la sección lenta, llegamos a un extenso momento ceremonioso marcado por una mesurada pastosidad: los rasgueos de guitarra acústica y las cortinas de mellotron dirigen el asunto mientras los solos de saxo y adornos de sintetizador explotan las alusiones de manera efectiva. Con el regreso de la sección principal tenemos una sólida recuperación de la dimensión más filuda de METROGNOM, bien encuadrada entre los alucinados fraseos del sintetizador y la esforzada labor percusiva del baterista, añadiendo algunos toques de tenor jazz-rock mientras nos acercamos al final. El final llega en forma de coda de guitarra acústica a la cual se suman climas distantes creados por los teclados.

El tercer tema es ‘Opening Ceremony to the Trolls Seventeenth Olympic Games’, donde el grupo vuelve a explorar sendas sonoras semejantes a las del primer tema, aunque con una vibración más dinámica y un mayor tesón en el armado de la diversidad de ambientes y los giros de compás. También hay espacio para momentos acústicos tenues, y de hecho, se logra en éstos una ambientación más introspectiva que en la pieza anterior, pues estos pasajes se concentran en lo evocativo y nunca se mandan hacia sonoridades fastuosas. La entrada abrupta de un pasaje inquietante está bien lograda, como una brevísima tormenta musical que opera como puente entre el pasaje acústico y el retorno de la faceta eléctrica del grupo. Los últimos 21 ½ minutos del disco están ocupados por ‘Tellus Will Tell Us Its Will’, el cual tiene una introducción de chapoteos de agua y una brisa misteriosa. El motivo de arranque es un pasaje lento y lánguido, algo así como una cruza entre el ‘Echoes’ de PINK FLOYD y el estándar del post-rock. Luego llegan los pasajes más frenéticos, en donde los músicos exploran su progresivo psicodélico ya familiar para el oyente. La alternancia entre secciones lentas y extrovertidas es manejada con excelente oficio por la banda. Uno de los detalles más significativos de este tema es la inclusión de vibraciones jazzeras en buena parte de su segunda mitad, las cuales nos pueden recordar un poco a COLOSSEUM o GNIDROLOG (más que al Canterbury o al jazz vangardista norteamericano).

Koenji Hyakkei en el NEARfest - 高円寺百景

Traducido al español, Koenji Hyakkei solo puede significar una cosa: Intensidad. El espectaculo que dio en el NEARfest este grupazo japones fue una pirotecnia multisonora en perpetua epilepsia, una explosion catarquica de convolucionados elementos estructurantes, un roller coaster a maxima velocidad donde en lugar de carrito y rieles se esta en la centrifuga oyendo a cien japoneses locamente iluminados tocando y cantando operetas en fast-forward, un performance intensamente polirritmico, condimentado con atonalidades catatonicamente dosificadas. Como otros bandas de Zeuhl (aunque no cantaron en Kobaian), la comprension lirica de Koenji Hyakkei se da a traves de como (tono, estilo, color) se interpretan y transmiten las vocalizaciones, en casos la voz puede ser tan fina y delicada como un instrumento de cuerdas.

Lidereado por el polirritmico baterista y vocalista Yoshida Tatsuya, fundador del iconoclastico grupo Ruins y muchisimas otras bandas, Koenji Hyakkei ejemplifica un concepto unico, al fusionar aspectos del Zeuhl del legendario Magma, del avant-garde y del hardcore con coros Orffianos y un jazz fusionante de precision apabullante.

El grupo presento principalmente material de su ultimo album Anger Shisspa, asi como la rola “Avedunmma” de su primer album Hundred Sights Of Koenji, y dos rolas ("Bectem Pollt" y "Visqaguel") de su segundo album Nivraym.

A mi gusto, Aki Kubota se desempeño magistralmente, su voz en un tono perfecto, pulido y profundamente bello. Supongo que ella viene de hacer carrera como soprano, aun cuando su coloratura claramente se preste mas bien para ornamentaciones de grave fiereza y rapidos registros agudos .

Por supuesto que quede boquiabierto de ver a Yoshida Tatsuya tronar los tambores con la perfeccion con las que un samurai destruye cien jinetes en armadura en una pelicula de Kurosawa.
Como Christian Vander de Magma, el es el compositor y el pulsante latido irregular de la banda.

En una nota aparte, hago hincapie en el fabuloso trabajo del bajo conducido por Sakamoto Kengo. Ya que no hay guitarrista, el bajista debe tomar el doble rol de no solo acompañar a las (ya de por si tremendas) batacas, sino de llevar su sonoridad mas alla de la manera tradicional en que se toca el bajo.

De notarse es que las composiciones de Yoshida también me impresionaron porque balancean estupendamente los instrumentos, incluyendo la bateria, que puede escucharse claramente como un instrumento mas. Las composiciones estan estructuradas como si se tratara de un viaje veloz a través de espesas cordilleras. A medida que las rolas progresan, los niveles de energía suben y suben, para luego avalancharse estrepitosamente sin perdida de intensidad para finalmente desvanecerse en valles de inmediata y deliciosa frescura antes de escalar de nueva cuenta.

Un instrumento notable fue el teclado, tocado de manera impecable por el virtuoso Yabuki Takashi, quien creo innumerables momentos de armonioso descanso entre las descargas de inusitada intensidad que me recordaron al mejor Emerson. Su piano sono de lo mas natural, casi como si estuviera un Steinway en el estrado. De la misma forma resalta el trabajo de la vientista Komori Keiko, quien complemento las vocalizaciones de Aki con su sax soprano, llenado la sala con cautivantes (y en ocasiones chirriantes) interludios que le dieron un tono decididamente jazzeante a las explosivas composiciones de Yoshida. Con toda esta orquestacion, la banda logro crear una musica de alta densidad y complejidad, a la par de los trabajos de The Mars Volta, y King Crimson.

Si te hallas en busca de un desentumecedor de la rutina diaria, Koenji Hyakkei es tan recomendable como una maquina de electroshocks alemana. Sin lugar a dudas, Yoshida Tatsuya ha oido la musica del futuro (de que otra forma evitariamos el paralizante garrote de la infosaturacion?).

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TÉMPANO - "Memoria Selectiva"

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

A estas alturas del año 2008 no sé cuántos de ustedes, amantes del progre, habrán bajado el más reciente disco del excelso grupo venezolano TÉMPANO “Memoria Selectiva” (o “Selective Memory”), pero sin duda quienes ya lo hayan hecho lo tendrán muy bien atesorado en sus respectivas colecciones. Se trata de una obra de gran calibre, magistral en su colorido, contundente en su despliegue de energía y talento.

Muy en la línea de "Childhood's End", refleja el estilo multicolor y ecléctico que este veterano ensamble aporta al género progresivo. También se notan afinidades con los proyectos solistas que brotaron momentáneamente de TÉMPANO (iX y ODRAREG); esto indica la gran compenetración que existe entre la ideología del grupo y las propuestas de sus individuos componentes. Aunque el grupo anuncia que el disco fue grabado con técnicas propias de los años 70s (y de hecho el departamento de teclados está lleno de artilugios añejos como sintetizadores Moog, órganos Hammond y Farfisa, mellotron, etc.), se nota una vibración moderna en la producción de sonido. TÉMPANO me parece, sin lugar a dudas, uno de los nombres más notables entre los que aun se mantienen vigentes y productivos dentro de la escena progresiva mundial.

El dinámico tema de entrada ‘Victoria Pírrica’ establece un oportuno clima de agilidad y complejidad, reconstruyendo con alucinada agilidad los parámetros usualmente sombríos y chocantes del chamber-rock (tipo UNIVERS ZERO). ‘Falling Senses’ y ‘A Farewell to the Seasons’ muestran plenamente el ingenio prototípico de TÉMPANO para fusionar extravagancia y elegancia a través de la intensa belleza de los motivos compositivos en ellos mostrados. El primero de estos temas exhibe un esquema donde confluyen el chamber-rock y el jazz con adornos cósmicos, culminando con una alucinada coda envolvente; por su parte, el segundo tema refleja las influencias de YES, GENTLE GIANT y PINK FLOYD se hacen notar. Como siempre hay una pieza emparentada con HAPPY THE MAN en cada álbum de TÉMPANO, aquí tenemos a ‘Embestida’, una pieza dotada de gancho a través de su calculada complejidad. ‘Cristalizado’ permite al grupo explorar su lado más lírico e introvertido, el cual queda ahondado en el ensoñador tema de cierre ‘Aguas Profundas’.

Hasta el día de hoy, el disco sigue a disposición del público internauta para su descarga - el link es http://www.tempano.com/site/esp/enlaces.php - ¡no pierdan la ocasión!


Aquí me despido hasta otro momento.

SAENA - "Saena"

HOLA AMIGOS, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Una de las bandas latinoamericanas más estupendas que han surgido en el estilo progresivo durante estos primeros años del milenio es SAENA. Proveniente de México, este quinteto está liderado por José Luis Fernández-Ledesma y Margarita Botello, veteranos de la vanguardia musical de su país. Los otros tres músicos son también expertos creadores dentro de las diversas escenas fusión, experimental y académica.

El nombre del grupo proviene de un tema incluido en el disco “Designios” de José Luis Fernández-Ledesma: de hecho, dos de estos otros músicos actuaron como músicos de apoyo para Fernández-Ledesma en el mencionado disco y tema. El estilo de SAENA es un progresivo sinfónico ágil y sumamente lírico, con especiales coloridos emparentados con la fusión y el chamber-rock. Los violines de Sánchez ocupan un lugar particularmente destacado cuando los solos emergen, por lo que es muy común que las melodías y armonías tengan su norte en los diálogos entre ellos y el canto de Botello. En cuanto a las armazones y estructuras de los temas, los teclados arman bases armónicas poderosas y las guitarras timbres efectivos. Por su parte, la dupla rítmica acomete una labor fundante sólida a través de las fluidas variantes de motivos y ambientes que tienen lugar. La destreza técnica de Santos al bajo y al stick le permite colaborar varias veces con el aspecto melódico, creando puentes entre el violín y las bases de teclado y guitarra.

Con unos cálidos y breves sortilegios de violín y canto comienza ‘Astromelia’, tema donde el grupo demuestra desde el punto de arranque que su apuesta musical es por crear expansiones a través de las interacciones de los instrumentistas, apuntando siempre al reforzamiento de las ideas musicales en juego y la gestación de texturas abiertamente coloridas. Este tema de entrada mantiene un sentido controlado aunque patente de la majestuosidad. El ambiente se torna más cálido con el segundo tema, ‘Equinoccio’, el cual apela más fuertemente a sonoridades bucólicas merced al lugar destacado que ocupa la amalgama de acordeón y guitarra acústica; por su parte, la base rítmica del tema se basa en el folklore mexicano, lo cual aprovecha el grupo para adentrarse un poco en el terreno de la fusión. También hay un solo de batería de corte jazzero que aporta un quiebre momentáneo interesante y efectivo. ‘Venenos y Antídotos’ es el tema más largo del disco, y definitivamente uno de los más destacados en cuanto al manejo de matices y variantes en la composición y arreglos. Este tema es un genuino paraíso progresivo, donde cada pasaje es trabajado con impoluta prestancia y las interacciones entre los instrumentos ostentan una pulcritud exigida – todo ello sin recurrir al exceso de boato musical, manteniendo las sonoridades en un ambiente fresco.

Después del viaje musical policromático del tema anterior, ‘Playa Desierta’ nos lleva a parajes meditativos y melancólicos en un esquema más sencillo – el lucimiento estelar del violín permita a la pieza filtrar un poco de intensidad sin romper con la melancolía reinante. ‘Cosecha’ y ‘Final del Juego’ nos devuelven a lo sinfónico con un esplendor fácil de notar: ‘Cosecha’ tiene un cierto parentesco con ‘Venenos y Antídotos’, mientras que ‘Final del Juego’ descubre una presencia de tonos sombríos a través de los bien conjugados vuelos instrumentales. Podemos advertir una influencia recibida del chamber-rock a un nivel sutil, sin caer en nebulosidades oscuras ni inquietantes, pero sí hay algún elemento de tensión en los pasajes más climáticos. En medio de ambas piezas, ‘Estación de las 12’ apela a la incorporación de tonalidades ágiles y envolventes, algo así como un correlato más extrovertido de ‘Equinoccio’. Los últimos 10 minutos del disco están ocupados por ‘Octubre’, tema que se aparta de la aureola de misterio que se había hecho presente en varios parajes de ‘Final del Juego’ para retomar en parte las cadencias que habían sido predominantes en ‘Equinoccio’ y ‘Estación de las 12’, estando más cercano al aire extrovertido de este último.

La riqueza que se encapsula en cada tema amerita de una atención continua, un dejarse llevar del corazón junto a una alerta de parte de la mente – SAENA es un grupo que se propone enriquecer la vida y el espíritu de todo melómano dispuesto a prestarle atención. Yo, por mi parte, les presto mucha atención y desde este mismo momento anticipo que muchos pondrán a este disco en un lugar privilegiado dentro de las encuestas de los mejores discos progresivos del año 2008.


SAENA “Saena” (2008)
Luna Negra

Temas
1. Astromelia (8:44)
2. Equinoccio (9:01)
3. Venenos y Antídotos (12:12)
4. Playa Desierta (7:44)
5. Cosecha (6:56)
6. Estación de las 12 (6:02)
7. Final del Juego (7:19)
8. Octubre (10:10)

Integrantes
- José Luis Fernández Ledesma: guitarras eléctrica y acústicas de 6 y 12 cuerdas, piano, Fender Rhodes, sintetizador
- Margarita Botello: voz, piano, sintetizadores, acordeón, percusión
- Alejandro Sánchez: violines acústico y eléctrico
- Hugo Santos: Grand stick, bajo sin trastes, loops
- Adrián Zárate: batería

NEARfest 2008

Una vez mas la pase de maravilla en el NEARfest, disfrutando musica progresiva en practicamente todas sus formas y variantes. Esta vez ademas se cumplieron los 10 años de aniversario, lo cual predispuso a los organizadores a enlistar bandas de merecido renombre. Durante el fin de semana, Bethlehem se rindio a los pies de la fanaticada, quienes disfrutando del excelente clima visitaron sus pocos restaurantes en irremediable decadencia. Al tratar de visitar la abandonada siderurgica de Bethlehem Steel, una patrulla policiaca nos impidio el paso aunque nos permitio tomar una foto de los antiguos hornos, que aun se elevan majestuosos cual tributo a lo que alguna vez esta fabrica represento para la industria ferrocarrilera de este pais.

Durante el evento se celebro el paso de estafeta (foto superior) a un nuevo equipo de organizadores, pues Chad Hutchinson y Rob DeLuca (en la foto) se retiran para dar paso a un nuevo ciclo del festival. Otro que se retira es Roger Dean, quien hasta ahora fue quien diseño el logo del NEARfest, esperemos esto no sea motivo para que nos vuelva a visitar el proximo año con sus lienzos y posters de sus ya famosas portadas, aunque doy por sentado que vendra a promocionar su nuevo libro ilustrado proximo a publicarse en Octubre.

Las fiestas que se organizaron despues del show en el Hotel Confort Inn permitieron conocer a otros contertulianos y artistas y disfrutar de musica progresiva en vivo y la excelente cerveza de Pennsylvania. Como siempre resulto excelente ver de nueva cuenta a los amigos y compartir noticias y tips musicales.

Las salas para la venta esta vez no contaron con la presencia de la distribuidora y productora Wayside/Cuneiform Records, comandada por la alta conciencia que es Steve Feigenbaum, lo cual dio oportunidad y espacio a otros personajes del medio (mas sobre estos en un momento). Tuve a bien preguntarle a Steve el porque de la ausencia de su mesa de venta, que solia ser un suculento "showcase" de musica avant-garde de bandas como Fred Frith, Guapo, Nebelnest, y Thinking Plague, y algunas bandas renombradas como Soft Machine, Present, Picchio dal Pozzo, Djam Karet, The Mahavishnu Project, Happy The Man, Universe Zero y Von Zamla. Su respuesta me resulto inverosimil: "It is too much work, the logistical effort involved to bring the CDs, pay and lodging for the sales people, and bring back the remaining stock does not pay for itself. It just offers a low return on my investment". Aunque ciertamente es trabajoso traer y vender CDs, no creo que sea esta la razon principal, pues yo mismo vi en anteriores ocasiones como se vende su mercancia. Sospecho que Cuneiform Records se ha estirado demasiado ultimamente contratando los derechos de muchas bandas de alcurnia e imprimiendo sus inventarios, obligandole a conservar capital, aunque parezca increible.

Con el distribuidor que pudimos conversar un poco mas (y en español) fue con Leonardo Pavkovic (en la foto), dueño de MoonJune Records, quien anda distribuyendo el 4th de DFA (Duty Free Area), Mahogany Frog, Phil Miller in Cahoots, Arti & Mestieri (su primer disco en vivo en Japon), el "Storybook" de Finisterre, y algunos albumes de Soft Machine Legacy. Nos comento que trabaja desde Nueva York y que proximamente estara llevando a PFM al Peru.

Leonardo, quien es Bosnio de nacimiento, hizo muchos amigos entre las bandas italianas cuando residio en Italia durante mas de 20 años. Leonardo fue quien llevo a PFM al Japon en el 2002, un tour recordado en Occidente gracias al DVD que Pavkovic arreglo para su produccion. Asimismo fue el quien trajo a Hatfield & The North y a Allan Holdsworth al NearFest 2007 y ahora en este 2008 a Banco.

Las compras estuvieron a la orden del dia, en especial cuatro de ellas por haber sido efectuadas directamente de los artistas: de las manos bataqueras de Yoshida Tatsuya recibi uno fenomenal llamado "Hauenfiomiume" donde colabora con el loquerrimo guitarrista Haino Keiji; de Radio Massacre International adquiri un album tributo a Syd Barret llamado "Rain Falls in Grey", cuya portada fue diseñada por el mismisimo Daevid Allen, de Gong; de la mesa del simpaticomico Ray Weston de Echolyn me hice con una copia recien masterizada de "Mei", obra clave del grupo; y del pionero sintetista (particularmente con el Moog) Larry Fast y su Synergy, un amplificante "Reconstructed Artifacts", su decima creacion.

Como siempre, Ken Golden de LaserCD, Greg Walker de Syn-phonic, y Bernard Gueffier de Musea estuvieron vendiendo cantidades industriales de CDs. A Golden le compre el ultimo BoxSet (DVD+4 CDs) de Rocket Scientists, los dos ultimos de Canvas Solaris, el ultimo de la banda italiana de Prog Metalico PathosRay, el DVD de Par Lindh Project en Polonia, el DVD del "Sola Scriptura" de Neal Morse, el album "Same and the Other", ultimo de los Aleuchatistas, el "Sleeping in Traffic: Part 2" de Beardfish, el "Water Road" de Thieves Kitchen, un remaster del primero de Univers Zero, y un excelente libro austriaco sobre rarezas para coleccionistas. De Greg Walker (en la foto) obtuve el "H" de Deformica, el ultimo de MediaBanda, y las partes 1 y 2 del "Chinese Songs" de la banda rusa Little Tragedies. De Musea compre el concierto de Banco en la Cd. de Mexico y el concierto en Tokio del '97, el primero y unico de Saena, y el "Hibridos" de Jose Luis Fernandez Ledesma.

Muchos otros hallazgos completaron mi carrito de compras, en total casi 30 CDs y 5 DVDs, incluyendo ejemplares de todas las bandas y artistas presentes en el evento.

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Black Bonzo y su prog retro

A pesar de que no me fue posible asistir al ROSFEST en Phoenixville, Pennsylvania, pude en cambio ver a un par de grupos el Sabado pasado en Vienna, VA, uno de los cuales participo un par de dias despues en dicho festival: Black Bonzo. El otro fue Birds and Buildings, otra reencarnacion producto de la inventiva de Dan Britton (Deluge Grandeur, Cerebus Effect) que comentaremos en otra ocasion.

El local estaba practicamente vacio cuando llegamos unos quince minutos antes de empezar el concierto, lo cual habla de lo mal promocionada que estuvo esta presentacion del grupo sueco. Curiosamente a mi lado estaba Steve Feigenbaum, dueño de la distribuidora de musica progresiva Cuneiform Records, lo cual habla positivamente de algun interes, aunque conociendo en las que anda Steve, casi seguramente estaba ahi debido a que Birds & Buildings presentaba su nuevo album.

Fue para los presentes claro que la primera impresion que tuvo el grupo al salir al escenario fue de espontanea decepcion por el bajo quorum. Seguramente que los creadores del hit numero 1 en Suecia, “Lady of the Light” (2004) esperaban un publico un tanto mas numeroso. Ahora que leo las notas del ROSFEST me entero de dos cosas: una, asistieron aproximadamente 750 personas a su concierto, y dos, que un maleante del aeropuerto decidiera mal hacerse del Melotron de Black Bonzo a su llegada sin que nadie lo olfateara (lo cual explica el problema que detallo mas abajo).

Afortunadamente para los que estuvimos ahi, el concierto fue fantastico, la banda se prendio inmediatamente e interpreto rolas de sus dos albums de estudio, tocando un rock muy potente y melodico al estilo no solo de Uriah Heep sino tambien del de muchos otros grupos progresivos de los 70s. El cantante de BB estaba del mejor humor y no dejaba de sonreir, lo cual bajo un poco las tensiones cuando el Melotron que les prestaron funciono imperfectamente durante la primera mitad del concierto.

Durante este tiempo, el tecladista Niklas Ahlund tuvo que ingeniarselas para tocar solo el Hammond y no fue sino hasta que el ingeniero de sonido echo a andar el Melotron que se decidieron a tocar “Lady of the Light”, una pieza muy entretenida que puso a todos los presentes de muy buen talante.

Todos ellos son muy jovenes, por lo cual no sorprende que su entusiasmo contagiante se transmita de forma por demas natural. El grupo esta formado por el excelente cantante Magnus Lindgren, el bajista Anthon Johansson, el guitarrista Joakim Karlsson, el tecladista Niklas Ahlund y el baterista Mikael Israelsson. Este ultimo hizo retumbar las batacas con tanta energia y vitalidad que me hizo recordar a Carl Palmer.

Aprovecho para comentar un par de las rolas. La primera es “Thorns upon a Crown”, pieza clave de su ultimo album Sound of the Apocalypse (2007), donde Lindberg y Johansson elevan coros al repetitivo ritmo del bajo de Johansson y el belicoso repicar de la bataca de Israel mientras que el Melotron de Ahlund se deshace en pegajosas melodias; es una rola complejamente orquestrada con muchos climax y pasajes suaves que me recuerda en partes a Kansas, y cerrando con un excelente trabajo de guitarra y de Melotron en delicioso contrapunto dialogante.

Black Bonzo cerro con otra excelente rola del mismo album llamada “Giant Games”, una de las piezas mejor logradas talvez por ser una mezcla de lo mejor del prog de los 70s, que de primera instancia suena inspirada ligeramente en Gentle Giant y luego pareciera ser una rola de Jethro Tull, la voz de Magnus elevandose mientras la guitarra de Joakim le marcha el paso, el Melotron en toda su potencia entableciendo un dinamiquisimo juego con el cantante y los demas instrumentos.

Conclusion: Black Bonzo es una estupenda maquina del tiempo que nos tempo-transporta al Londres de 1976 para recrearnos con juventud, calidad y excelentes composiciones la experiencia del rock progresivo de esa epoca.

Les dejo con este tubito donde interpretan “Lady of the Light”. Disfrutenlo!

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Nik Bartsch's Ronin - Zen - Funk Minimalista

Mezcle en la licuadora una dosis de minimalismo, jazz progresivo, ritmos funkies y percusiones alternantes, añada a intervalos irregulares hipnoticas notas circulares de piano y de guitarra acustica a contrapunto, licue y luego añada las melodias de un saxo en una progresion aritmetica ligeramente arabiga, acompañelos con un bajo de fondo en patron ritmico repetitivo y al calor de una bataca al galope, espolvoree reverberaciones y la sonoridad del palo de lluvia, licue de vuelta y finalmente no se olvide de ponerle unos borbotones percusionantes de piano.

Que simpleza irresistible, que clase de interaccion ritmica nos ofrece en su ultimo trabajo "Holon" (ECM, 2008), Nik Bartsch y su Ronin, en sintesis, un modelo funkie minimalista para armar, el funk jazzeante deconstruido y vuelto a armar en abstracto para confluir en comunicacion emocionalmente alineada con el oyente a intervalos progresivos.

Siendo ya su quinto album (y su cuarto de estudio), Bartsch extrapola el piano hacia terrenos percusionantes, patrones primarios que evolucionan (Bartsch los llama "Modulos") hasta completar melodicamente una historia hipnotizante de larga duracion y en una sola direccion, sometida al mas estricto control.

El grupo Suizo esta integrado por Bartsch mismo al piano y teclados, Sha en clarinete bajo y saxo, Bjorn Meyer en bajo electrico, Andi Pupato en percusiones y Kaspar Rast en las batacas.

Cada detalle incluido completa parte de la organica pintura, obligando a la audiencia a ensamblar en tiempo real un modelo musical que internaliza sincronizadamente la estetica del oyente y la de la banda. El climax de cada rola se construye paso a paso en base a efectos percusivos, progresando gradualmente de la tranquilidad Zen a la fluidez dinamica del Tao Te King para culminar en el paroxismo funkeante de instrumentacion dialogante, talvez al estilo del "Elephant Talk" del Discipline de King Crimson.

Evidentemente no se trata ya de Jazz ni de Funk sino de un tratado de la vitalidad del beat, en definitiva un discurso musical para iluminar el espiritu.

Les invito a oir un par de secuencias de "Stoa" (ECM, 2006) su penultimo trabajo.

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Oblivion Sun - La Resurrecion de Happy The Man!

Para aquellos que recuerden los ya clasicos LPs de Happy The Man, el reciente album de la nueva encarnacion de HTP, Oblivion Sun, empieza donde se quedo su ultimo esfuerzo, Muse Awakens, pero lo supera con creces. El nuevo elenco de Wyatt y Whitaker esta compuesto de Stan Whitaker en guitarra y voz, Frank Wyatt en teclados y saxo, Chris Mack en bateria, Dave DeMarco en bajo y Bill Plummer en teclados.

Haciendo un breve recuento historico de HTM, la banda inicio en la primera mitad de los 70s y despues de varias permutaciones logro establecerse en el panorama progresivo en base a un contrato con Arista Records. Despues de publicar sus dos unicos albumes de estudio, el grupo se desintegra al final de la decada una vez que el punk y el new wave capturaron el mercado. Antes de que terminara el milenio, en 1999, HTM sorprendio a sus fans con un magnifico album multifacetico de alta calidad compositiva: Muse Awakens. En 2006 el duo dinamico de Wyatt y Whitaker formaron Pedal Giant Animals inaugurandose con un album que incluia piezas que no entraron el paquete de Muse Awakens. Poco despues deciden formar Oblivion Sun en el 2007.

La musica suena casi como Happy The Man, los clasicos ritmos angulares mezclando funk y jazz con rock con interludios etereos en base a una cuidada orquestacion practicamente de camara. Sin embargo, en Oblivion Sun la composicion tiene mayor fluidez e intensidad, la ejecucion enfatiza el entrejuego instrumental dandole mayor fuerza interpretativa. Otro punto bueno es que la voz de Whitaker suena mejor que nunca. El album inicia extraordinariamente con "Fanfare", un interjuego dinamico de teclados, guitarra y el Fender Rhodes de altisima progresion y belleza. En la fantastica rola "Catwalk" notamos ciertos aires del primer Genesis. Tres de las piezas son instrumentales jazz fusionantes, "Noodlepoint" (con Wyatt al saxo), "No Surprises" (destacando el juego entre saxo y guitarra)y "Re:Bootsie" (rola funkie punteada por la guitarra de Whitaker donde el desconocido Plummer le da buena cuerda al sinte de Wyatt). Destaca la inclusion de dos piezas mas pesadas, "The Ride" y "Chapter 7.1". "Ride" es una rola roquera interpretada brillantemente por Whitaker. En "Chapter 7.1" las percusiones ritmicas progresivas muy al estilo de Tool se transforman en progresiones del Moog y del Hammond de mayor sutileza, con un trabajo de guitarra que sostiene y da forma a la breve pieza. Asimismo la guitarra melodica de Whitaker nos da una gran sorpresa en "Tales of Young Whales", una pieza progresiva de altisima belleza.

A mi que antaño me gustaban las composiciones mas atmosfericas de Happy The Man para pasar un momento tranquilo y leer una buena novela, a Oblivion Sun lo encuentro disfrutandolo aun mas que a su antecesor, talvez por ser mas energetico y cambiante, similar a lo que me ha ocurrido con lo ultimo de Djam Karet.

Definitivamente un gran debut, los integrantes de Oblivion Sun evidentemente han estado tocando juntos durante años ;-) pero ademas en este album consiguen añadirle a su añejo estilo actualidad y mayor atractivo. Musicalmente un album sobresaliente que garantiza transportarnos al paisaje de la foto, una caminata de fantasia por terrenos multi-texturizados gratamente iluminados .

Oblivion Sun, Happy The Man, Rock Progresivo, Progressive Rock

Musica Celestial - Oldfield y su Musica de Esferas

Mike Oldfield ha hecho publico el 25 de marzo su nuevo album de estudio titulado
"Musica de las Esferas". Este es el vigesimo tercer album de estudio de Mike Oldfield. El disco se grabo enteramente en el famoso estudio de Abbey Road, con un elenco integrado por una orquesta de 80 musicos, un coro, la soprano Hayley Westenra y el pianista Lang Lang. Oldfield mismo escribio el score musical en su Mac. El arreglo sinfonico fue creado por Karl Jenkins en base a los samplers que creara Oldfield en su computadora.

Aunque Oldfield ha transitado un largo camino desde 1972 cuando compuso Tubular Bells, su reciente trabajo no se aleja de los temas esenciales de su primera obra maestra. Musica de las Esferas toma prestadas varias ideas de Tubular Bells, pero se basa en una intrincada labor orquestal para enfatizar la belleza de las composiciones. Evidentemente se trata de musica clasica aumentada con instrumentacion electronica, con solos de guitarra acustica, un buen trabajo de vientos y el piano energetico de Lang Lang, que complementan y enriquecen los exuberantes paisajes sonoros de la orquesta sinfonica para crear armonias y melodias de altura. Como la primera palabra del titulo, el album cumple con lo que promete, esto es pura musica, soñadora, juguetona, extasiante, de manera muy similar a una banda sonora de cine bastante agradable.

Uno de los puntos flacos del trabajo es que con excepcion de la pieza "Empyrean", el resto del trabajo carece de puntos algidos o tensionantes capaces de atrapar y mantener el interes. Otra debilidad es que el score de Oldfield no aprovecha a la soprano mas que en una sola pieza, ni tampoco le da juego al pianista: son contados los momentos donde se destaque el piano del virtuoso Lang Lang. Esta es mi primera impresion, habra que oirlo mas para que decante y pueda asentarse en todo su sabor, emocion y gloria.

Como muestra les dejo con la hermosa melodia de la pieza "Shabda".

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