Siguiendo al IMPULSO DE LOS SONIDOS INCONSCIENTES

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Formado en 2008 como Impulso con el formato de trío, el joven y talentoso grupo argentino IMPULSO DE LOS SONIDOS INCONSCIENTES ha seguido un camino muy creativo hasta el momento de su disco “Mente Y Gravedad”, uno de los ítems más robustos que ha aportado en lo que va de 2012 el país gaucho en pos del ideal del rock artístico en el ámbito hispanoamericano. No se trata del primer disco de esta banda, pues el grupo registró en 2009 un EP titulado “Estallando El Parlante Del Silencio Al Volumen Más Alto” con su formación inicial. A partir de 2010, ya con la inclusión del teclista/flautista Osvaldo Emanuel Pin, el grupo se puso a trabajar en el nuevo material que habría de con formar “Mente Y Gravedad”, material que se fue fermentando en varios conciertos a lo largo de 2010 y 2011, hasta que a inicios de 2012 se convirtió en una entidad completa y concreta,  disponible para descarga gratuita y para escuchar en Bandcamp [en el enlace http://impulsoprog.bandcamp.com/album/mente-y-gravedad].

En su propia página web, el grupo define su misión musical como “mezcla exacta entre el rock, la improvisación, la canción y la experimentación”: nos parece que esta concepción encaja con el muestrario de “Estallando El Parlante Del Silencio Al Volumen Más Alto” tanto como con el de “Mente Y Gravedad” (que incluye dos nuevas versiones de sendos temas del demo), aunque sin duda su concretización más focalizada se da en este último ítem. La magia peculiar de “Estallando El Parlante Del Silencio Al Volumen Más Alto”, según nos parece, reside principalmente en el vigor expresivo tan robusto con que el grupo da rienda suelta a sus volcánicos instintos rockeros: ‘No Sé Qué Pasa’, ‘Insensatez’ y el extenso jam ‘Montones De Cosas Apiladas Sobre El Agujero Negro Encima De Mi Escritorio’ son muestras cabales de este factor. La aridez del momentum plasmado en “Estallando El Parlante…” es atrapante, sin duda, pero no refleja completamente la misión artística que IMPULSO DE LOS SONIDOS INCONSCIENTES se propone como leitmotiv.   

Pasamos ahora revista a los detalles de “Mente Y Gravedad”, disco donde se refleja fehacientemente la susodicha misión. El primer tema ‘Perdido’ recibe de plano los influjos de COLOR HUMANO y PESCADO RABIOSO, asimilando además las aristas machacantes del estándar stoner: psicodelia frontal e inocultada que rinde homenaje al legado local y a la esencia mundial. Durando poco menos de 3 minutos y medio, resulta una tremenda apertura para el álbum, el cual sigue adelante con ‘La Puerta De Tannhäuser’, pieza de una ambiciosa duración de 9 minutos y pico. Para esta ocasión, la permanente estrategia de poderosas atmósferas stoner se remodela con una sofisticación especial inspirada tanto en HAWKWIND (de la etapa 74-75) como en PINK FLOYD (de la etapa 69-71), amén de algunos coqueteos con el estándar del post-rock. Todo ello explica la elaboración de ambientes contrastados y el uso de ágiles explayamientos instrumentales. Los dos siguientes temas, ‘Respirar’ y ‘El Tiempo Acá’, exhiben dimensiones más cálidas y líricas dentro del ideario musical de la banda: el primero es una suerte de híbrido entre PESCADO RABIOSO y el JETHRO TULL pre-1971, mientras que el segundo nos remite a una especie de INVISIBLE remodelado con magnéticos tintes pesados. ‘Correr’ establece una síntesis efectiva y rotunda de los ambientes predominantes en los dos primeros temas, mientras el grupo sigue explorando su propio potencial de generar contundencia rockera a través de los cuidados desarrollos melódicos en curso.

Con su magia introspectiva, ‘Dos Gatos Negros’ es un blues progresivo que sirve para que la banda nos muestre abiertamente su faceta contemplativa: la influencia de INVISIBLE es claramente perceptible, así como las reminiscencias a la labor pionera de AVE ROCK. Así las cosas, ‘Obertura Clerica’ elabora un aura aleatoria de expectativa gradualmente intensificada para que ‘Catalina Maple’ reinstaure el vitalismo reflexivo esencial de la banda, haciendo uso de acrecentados recursos de sofisticación con miras al manejo fluido de las variaciones de ambientes y motivos que tienen lugar. El clímax del epílogo es uno de los momentos más incendiarios de todo el álbum… ¡y eso se agradece! ‘Tema Furioso Que Está En Mí’ parece aferrarse al mencionado clímax final de la canción precedente porque exhibe un impulso contundente de furia y rabia explosiva en varios pasajes de su esquema compositivo; la emergencia de un interludio suave ayuda a que surja un momento de respiro en medio de este sólido fragor musical. ‘El Loco De Chacabuco’ es un blues-rock progresivo cuyas aristas más agresivas se perfilan claramente por la línea de  las tradiciones de PESCADO RABIOSO, BLACK SABBATH y URIAH HEEP, también contiene un interludio más sutil que nos remite al lirismo etéreo arquetípico de Invisible. Portando un título tan combativamente poético como ‘Las Canciones También Se Enojan’, la última canción, completa el cuadro sónico de la banda con un solvente manejo de cadencias jazz-rockeras, recursos space-rockeros y un manejo moderado de la suntuosidad propia del prog sinfónico.

Tenemos en “Mente Y Gravedad” un catálogo de estupendas experimentaciones psicodélicas de casi 68 minutos de duración: IMPULSO DE LOS SONIDOS INCONSCIENTES demuestra con este disco que su vigor y sus ganas de hacer rock artísticamente interesante se complementan acertadamente con el talento creativo y la fuerza de carácter necesarios para expandir el lenguaje del rock a partir del remodelamiento de algunas de sus tradiciones más ambiciosas. Recientemente, este grupo ha vuelto a formato de trío tras la partida de Pin, pero queda la valoración de “Mente Y Gravedad” como un testimonio de cómo se puede dar nueva vida a varios legados de la tradición rockera y crear algo que suene contemporáneo. Como testimonio final de la presencia de Pin en la banda, IMPULSO DE LOS SONIDOS INCONSCIENTES registró en Bandcamp un poderoso jam titulado ‘Geiser 421’ [http://impulsoprog.bandcamp.com/album/geiser-421], el cual se explaya en una duración de 21 minutos a través de enérgicos climas lisérgicos y un estupendo pulso en el manejo de densidades sónicas: se siente cómo las leyendas de AGITATION FREE y GURU GURU resurgen ante nuestros complacidos oídos. Mientras se va asentando en esta nueva fase de su trayectoria, este grupo merece que se le preste atención: no debemos esperar demasiado tiempo para sus próximas entregas, las cuales seguramente servirán para afianzar su posicionamiento dentro de los linderos más agresivos de la vanguardia rockera argentina del momento.     

 

Muestras de la obra de IMPULSO DE LOS SONIDOS INCONSCIENTES.-

El Tiempo Acá [vídeo-clip]:  http://www.youtube.com/watch?v=g426xXyjmmc
La Puerta De Tannhäuser [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=CuhGiJ3cDJo
Catalina Maple: http://impulsoprog.bandcamp.com/track/catalina-maple  
Geiser 421: http://impulsoprog.bandcamp.com/album/geiser-421

El maravilloso resurgir de 2112 y su circo prog-metalero

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Hoy es el turno de 2112, leyenda viviente del prog-metal argentino, y su disco “El Maravilloso Circo De Los Hermanos  Lombardi”, editado el primer día de mayo del presente año 2012. Este disco muestra a 2112 como una fuerza musical vigente a través de su muy curtida veteranía y a despecho de la inconstancia de su presencia efectiva dentro del escenario fonográfico de su país. Doce años y ciertos cambios de alineación tuvieron lugar desde el tiempo del tercer disco de la banda “Glory Lies Ahead”. Hoy por hoy, 2112 ha abandonado su tradicional esquema de power-trío para operar como un cuarteto donde permanecen el guitarrista Juan Tambussi y el baterista Sergio Moscatelli, mientras que el bajista uruguayo Gabriel Costa le da un brisas de radiante frescura a la dupla rítmica y el cantante Germán Ivaldi (el miembro de más reciente ingreso) hace de sus participaciones vocales el ingrediente final para la compleción de las proyecciones melódicas del grupo. Este disco ha tomado bastante tiempo para completarse, e incluso provocó que se hiciera una especie de postergación de la celebración del vigésimo aniversario del disco debut de la banda (“Alterando Las Divisiones”), pero a la luz de los resultados auditivamente palpables, cabe concluir que el empleo adicional de tiempo para darle forma conclusiva al concepto de “El Maravilloso Circo De Los Hermanos  Lombardi” ha valido la pena. Tal vez estamos ante el mejor disco del grupo hasta la fecha.

La pieza que nombra en su título a los dueños del Maravilloso Circo abre el disco con un motivo introductorio tremendamente electrizante, dejando luego paso a un cuerpo central asequible que suena a un híbrido del THIN LIZZY clásico con el RUSH de “2112” (¡reveladora simetría!), además de algunos desarrollos y quiebres rítmicos que nos remiten claramente al DREAM THEATER de “Train Of Thought”. El grupo pone toda su carne en el asador desde el punto de partida con esta canción que es la más larga del repertorio. Esta actitud de plena confianza en su propia muscularidad musical que se confirma con la secuencia de los dos temas siguientes, que son ‘Doble Tiempo Alternado’ y ‘Marea Sepia’. Portando ambos un desarrollo menos extenso, cabe especificar primero que ‘’Doble Tiempo Alternado’ exhibe un swing de corte heavy-funky al estilo Zeppeliniano con algunas alusiones a los recursos de sofisticación que en su momento Soundgarden elaboro para su propia maduración post-grunge. Por su parte, ‘Marea Sepia’ empieza apelando a climas más controlados dentro de un esquema pop-rockero en el que el grupo explora las facetas más sutiles de su agenda estilística; pero además, la dupla rítmica elabore algunos pasajes de tendencia jazz-rockera en su dinamismo arquitectónico a fin de permitir la fluida incepción de algunas variantes rítmicas a mitad del camino, lo cual determina que el momento final adquiera un cierto matiz épico. ‘Capitán Beatty’ es el primer instrumental del álbum, el cual se puede muy bien calificar como un tributo simultáneo al RUSH 76-78 y al RUSH 93-95: el despliegue de vitalidad rockera se reviste de majestuosa ingeniería melódica con una saludable dosis de cambios de ritmos y ambientes. Luego sigue la secuencia de las canciones ‘Mi Río’ y ‘Mi Desierto’: la primera suena como una semi-balada de RAINBOW, mientras que la segunda nos remite parcialmente al aura de ‘Doble Tiempo Alternado’, aunque con un arreglo patentemente más sencillo.

La segunda mitad del disco se inicia con ‘El Montañés’, pieza llamativa sobre un medio tiempo que reitera el aire accesible y relativamente sencillo que había marcado los dos temas precedentes, un poco como la faceta más asequible de SATRIANI: algunos breves interludios en 7/8 y un espectacular (aunque no muy extenso) solo de guitarra hacen la diferencia dentro del calculado desarrollo melódico de la canción en cuestión. Le sucede el segundo instrumental del disco, ‘Ingeniero Marconi’, tema que reitera la lógica de progresiones complejas y refinada ilación de variantes y contrastes de la que el encuadre instrumental ya había hecho gala en ‘Capitán Beatty’. En comparación, las ideas melódicas contenidas en este instrumental portan una ambientación un poco más extrovertida, y además, la dupla rítmica explora dinámicas un poco más ligeras. Con ‘Caída Atmosférica’, el grupo explora nuevamente el dinamismo constreñido de la semi-balada, coqueteando en buena medida con las amplias pautas de la etiqueta del rock alternativo, aunque sin dejar de recurrir a trucos de energía fiera propias del estándar heavy. ‘Canción Del Espacio Para Cantar Con Amigos’, la segunda canción más extensa del repertorio, establece una vía intermedia entre el tono amigable de piezas como ‘El Montañés’ o ‘Mi Desierto’ y la actitud más sofisticada que hallamos en los dos primeros temas. El tercer y último instrumental del disco es ‘La Amenaza De La Estrellita Negra’, tema que desarrolla un refrescante enfoque Dream-Theatero a la esencia del RUSH más filudo de los últimos dos decenios. Durando casi 5 minutos, ‘Christine Watkins’ cierra el álbum con una actitud sólida donde las armazones normalmente ostentosas del prog-metal estandarizado se articulan dentro de una ingeniería de grooves bastante llamativos que, una vez más, nos recuerdan al legado de Rush en sus manifestaciones más rugientes: el robusto impacto inherente a esta canción es tremendamente apropiado para concluir el álbum.

2112 se ha superado a sí mismo en varios aspectos con este nuevo disco: “El Maravilloso Circo De Los Hermanos Lombardi” es una esplendorosa exposición de excitantes postales rockeras donde   la exhibición de colorido musical, florituras y trucos se hace con muy buen gusto y una estricta fidelidad a los ideales de energía y vigor esenciales al lenguaje rockero. Prog-metal de gran factura significa rock progresivo con énfasis en las tradiciones del rock duro clásico y el heavy 80ero, o también metal reformulado por vía de un compromiso con los ideales del rock artístico: sea cual sea el enfoque que se dé a esta vertiente rockera, 2112 domina sus estándares con buen pulso e ingenio a raudales. ¡Muy recomendable este circo musical!

Muestras de “El Maravilloso Circo De Los Hermanos  Lombardi”.-

Doble Tiempo Alternado [vídeo-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=VmcWZueejd0 
Los Hermanos Lombardi: http://2112.bandcamp.com/track/los-hermanos-lombardi
Ingeniero Marconi: http://2112.bandcamp.com/track/ingeniero-marconi
Christine Watkins: http://2112.bandcamp.com/track/christine-watkins   

TOHPATI BERTIGA o el genial desmadre del jazz-prog indonesio

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy nos dirigimos a Indonesia para hablar de TOHPATI BERTIGA. Se trata de un power-trío liderado por el virtuoso y casi trabajólico guitarrista indonesio Tohpati (también miembro de SIMAKDIALOG y TOHPATI ETHNOMISSION), signado por una explosiva combinación de elegancia y rotundidad en el lenguaje del jazz-rock progresivo: de hecho, TOHPATI BERTIGA amenaza con su disco debut “Riot” en convertirse en un referente del jazz-rock progresivo contemporáneo a nivel mundial. El bajista Indro Hardjodikoro y el baterista Adiyta Wibowo completan el bloque sonoro de este trío. Grabado en el estudio Semar Audio Lab de Yakarta con mínimas sobremezclas, el repertorio de “Riot” está diseñado para que el grupo exprese allí sus impresiones e inquietudes dentro de un esquema sonoro rudo y directo, aunque infinitamente lejos de renunciar a la exquisitez que naturalmente se deriva tanto del talento individual de cada componente específico como de la perfectamente afiatada maraña musical en que se integra esta colectividad. Vayamos al repertorio en sí para tratar de justificar nuestras entusiastas palabras.
  

Durando poco menos de 8 minutos, ‘Upload’ abre el álbum con un ejercicio de imponente muscularidad donde el grupo ofrece una versión Hendrixiana de HOLDSWORTH dentro de un encuadre general reminiscente al inolvidable paradigma de BOZZIO LEVIN STEVENS. Tras este esplendoroso comienzo, la sucesión de ‘I Feel Great’ y la pieza homónima completan la perspectiva artística del trío con mensajes claros al oyente: la primera se explaya en aires optimistas funk-rockeros que de alguna manera reciben las conjugadas influencias de TRIBAL TECH y el lado sofisticado de JEFF BECK, mientras que la segunda se enfila hacia una polenta tremendamente autoafirmativa, no exenta de ciertas vibraciones neuróticas, portando algunos resabios de Crimsonismo domesticado así como algunos estándares ostentosos del jazz-rock moderno y ciertos coqueteos con el prog-jazz-metal. ‘Middle East’ nos muestra un lado más cándido del espectro musical de TOHPATI BERTIGA, mas preservando la meticulosa vitalidad de siempre merced a los recovecos melódicos que se proyectan en la base nuclear de su cuerpo central así como al dinamismo generado por la dupla rítmica; más candidez se nos revela en la pieza que sigue a continuación, titulada ‘Pay Attention’, aunque vale decir que en comparación con el tema precedente, contiene ornamentos más suntuosos en lugares estratégicos. ‘Rock Camp’ nos devuelve a la aureola de extroversión puramente alegre anteriormente reflejada en ‘I Feel Great’, con añadidos matices humorísticos basados en viejos esquemas rocanroleros sin romper con el discurso jazz-rockero explayado con imponente vigor; por su parte, ‘Absurd’ nos remite a la vitalidad ampulosa e intrincada de ‘Upload’ con un extra de ocasionales recursos de corte free-jazz que sirven para generar tensión en medio de la reinante luminosidad. ‘Disco Robot’ alterna climas funk-rockeros oportunamente ornamentado con trucos psicodélicos y pasajes frenéticos que avasallan como un imparable río de lava. Una travesura intensa, es cierto, y tras esta travesura intensa llega ‘Lost In Space’ para proveernos de un momento de relativa calma bajo una atmósfera contemplativa consistentemente sostenida sobre un bien articulado swing sereno, aunque dejando algún espacio para que se desarrolle un breve interludio de matices minimalistas densos. En fin, los últimos 5 ½ minutos del álbum están ocupados por ‘Bertiga’, pieza diseñada para darle un broche exultante al disco, muy en línea con los recursos de vigor juguetón que antes signaron los esquemas de ‘I Feel Great’ y ‘Rock Camp’. Eso sí, el uso de trucos raros en algunos guitarreos la ponen más del lado de ‘Riot’.
  
En conclusión, hay que designar a “Riot” como un disco refrescantemente sorprendente en cuanto a la creatividad con la que se prodiga para aportar algo genuinamente interesante a la experimentación jazz-rockera de estos tiempos. TOHPATI BERTIGA es una entidad musical a la que vale la pena seguir la pista. ¡Gracias por miles a MoonJune Records por esta revelación!         
 

Muestras de “Riot”.-

Upload [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=51qhill09bg
Pay Attention [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=A5mrW-GF1gQ
Bertiga [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=_b96bh5XAW0 

DAAL y "Dodecahedron", la geometría progresiva del horror

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Hoy tenemos un nuevo motivo para alegrarnos en asuntos progresivos. Resulta que a solo un año de su disco precedente “Destruktive Actions Affect Livings”, DAAL, la criatura del teclista Alfio Costa y el baterista Davide Guidoni vuelve a lucir su talento progresivo moderno en su nueva obra “Dodecahedron”. Se trata de un disco conceptual extendido a través de 12 Partes, cada una de ellas inspirada en sendos relatos góticos escritos por seguidores de la banda. De hecho, todo empezó en octubre de 2010 cuando el dúo lanzó la idea en un foro internauta de amantes del rock progresivo de  invitar a la gente a que les enviaran relatos de horror inspirados en alguna pesadilla, o anécdota difícil de sus vidas, un trauma, etc., para a partir de ahí inspirarse en la realización de un concept-disc. Pues bien, ahora este disco se ha hecho realidad en “Dedocahedron”, no solo con el amplio arsenal de teclados, sintetizadores, baterías, percusiones acústicas, étnicas y electrónicas y recursos electrónicos varios que Costa y Guidoni suelen emplear, sino también con un nutrido destacamento de colaboradores: Ettore Salati (guitarras eléctricas, slide y clásica, itchemba, kehru), Luca Scherani (bouzouki), Roberto “Bobo” Aiolfi (bajos eléctricos con y sin trastes, contrabajo), Alessandro Papotto (saxo, flauta, clarinete), Vincenzo Zitello (arpa barda, flauta bajo), Marcella Arganese (guitarra clásica), Chiara Alberti (cello) y Sylvia Trabucco (violín en IV, XI y XII). Ahora pasamos a revisar el repertorio del disco con detalle.

Iniciado por un suntuoso preludio de tenor exótico, ‘Part I’ abre el disco con una exhibición sumamente elegante de vibración rockera patente y, a la vez, moderadamente desarrollada sobre un compás a medio tiempo: la amalgama de capas de teclado se articula a las mil maravillas con la arquitectura sostenida por la dupla rítmica y los espacios llenados por los riffs de guitarra mientras dura la expansión del llamativo cuerpo central. El epílogo se centra en un hermoso y estilizadamente inquietante motivo de guitarra clásica que sirve como una especie de puente a ‘Part II’, pieza que desarrolla un dinamismo etéreo. Las alusiones a sonoridades del Extremo Oriente en su sección introductoria y la parsimonia típicamente Floydiana del cuerpo central permiten al  ensamble elaborar una sonoridad convincentemente instalada bajo un ropaje de calmado misterio. La espiritualidad de ‘Part III’ tiene mucho que ver con el estándar oscurantista y tenebroso de GOBLIN así como con el patrón del progresivo escandinavo: es una pieza lenta pero rebosante de plena garra rockera. En sus dos últimos minutos se incorporan arreglos de tenor sinfónico que sirven para realzar la sensación de inminente peligro que ha marcado la esencia de su desarrollo temático. Cuando llega ‘Part IV’ volvemos al predominio de lo sutil, esta vez con aires de jazz de salón sabiamente remodelados por pautas psicodélicas: con la presencia del dueto de violín y cello se garantiza la permanencia de recursos de claridad melódica a través de este viaje sonoro específico. ‘Part V’ nos remonta al space-rock alimentado por coloridos fusionescos cuasi-arábigos, haciendo que el lento compás de base impulse la generación y persistencia del suspenso sin desmedro de la calma contemplativa reinante. Una vez más, tenemos un postludio de  guitarra clásica que nos guía a la siguiente parte: “Part VI” exhibe, en su amplia primera sección, una estructura krautrockera donde la combinación de futurismo robótico y vibración onírica nos remite a los tiempos del TANGERINE DREAM 75-78, para luego concluir con una fastuosa coda sinfónica donde se conjugan los estándares Floydiano y Yessiano  de una forma conmovedoramente majestuosa. Mención especial para el solo de guitarra, cuyo esplendor peculiar es imprescindible para que el ensamblaje instrumental global concretice la dimensionalidad épica hacia la que se proyecta. 

  La secuencia de ‘Part VII’ y ‘Part VIII’ es bastante contrastada: la primera de estas piezas nos hace transitar por relajantes parajes de lirismo cándido alimentado por leves aires optimistas; la segunda se encuadra en una atmósfera cósmica repleta de pulsátiles vibraciones distópicas donde el space-rock y el jazz-rock se hermanan dentro de un encuadre progresivo contundentemente magnético.  ‘Part IX’ signa el regreso de las aristas más musculares de DAAL, y desde el primer instante del despliegue de su riff básico se advierte que estamos ante el cénit rockero del álbum. El esquema rítmico sostenido sobre bien articuladas cadencias sincopadas ayuda a la base nuclear de la pieza a nutrirse de un swing llamativo, así como a intercalar con perfecta naturalidad los intermedios electrónicos estratégicamente localizados. A partir de aquí, el dúo y sus compañeros de turno están preparados para hacer un nuevo viraje temático hacia áreas jazzísticas, esta vez con un tono contemplativo en el que se apuesta por un lirismo romántico, como utilizando el estándar de SHADOWFAX a través de un filtro de YELLOW JACKETS. ‘Part XI’ es como un tema hermanadamente vinculado a ‘Part IV’ con elementos adicionales inspirados en el vuelo onírico de TANGERINE DREAM y el VANGELIS de la época de “Antarctica”: fusión contemporánea con base ambient-electrónica, donde la presencia del dueto de cello y violín, una vez más, ayuda a sustentar el aspecto lírico del asunto. ‘Part XII’ concluye el disco al modo de un exquisito viaje sinfónico donde confluyen los legados de GOBLIN, CAMEL y el KING CRIMSON 69-70 bajo la fuerte influencia de los actuales patrones de HÖSTSONATEN y WHITE WILLOW: esta composición ostenta orgullosamente un esplendor musical digno de sus herencias y referencias colaterales, logrando retratar simultáneamente la melancolía y la inquietud con una paleta sónica arrolladoramente crepuscular. En muchos sentidos, ‘Part XII’ sintetiza un selección de atmósferas que se hicieron presentes en varias Partes precedentes, con lo cual se logra un gran final para otro grandioso disco de DAAL: “Dodecahedron” lleva a buen puerto su misión particular de distanciarse de la lógica de hiperbólicas aventuras eclécticas bajo la cual se trazaron los discos precedentes, y de esta manera, nos obsequia un nuevo repertorio donde el grupo reconstruye su propia esencia de manera fresca y cautivante. Dada esta consistencia creativa que DAAL sigue mostrando y afianzando durante el desarrollo de su carrera fonográfica, nuestro diagnóstico sobre “Dodecahedron” es: ¡recomendado!

Muestras de “Dodecahedron”.-

Dodecahedron Part II: http://www.youtube.com/watch?v=w9EbxEcydjM
Dodecahedron Part VIII: http://www.youtube.com/watch?v=DUoV9uL_xdg
Dodecahedron Part XI: http://www.youtube.com/watch?v=QjZ5XjxWy1M  

Ábranse todas las puertas y ventanas... ¡ECHOLYN está de vuelta!

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ECHOLYN ha vuelto al ruedo  progresivo contemporáneo y es un enorme placer nuestro traerlo a colación ahora… ¡porque este grupo ha vuelto con todo! 7 años después de “The End Of Beautiful” y a 12 años del fin de su receso post-“As The World”, el quinteto entra con su nuevo repertorio por las puertas y ventanas de nuestras mentes para estimularlas con sonidos majestuosos perfectamente hilados y vitalistamente ejecutados según las coordenadas esenciales de la banda a la vez que suena fresco y fulguroso como un nuevo día. El nombre de este disco es justamente como el del grupo, repitiendo así el título de su disco debut de 1991, y posiblemente el nuevo uso de esta denominación epónima signifique el afianzamiento de la personalidad artística que ECHOLYN ha venido proyectando rotundamente desde que resurgió de sus cenizas en los albores del nuevo milenio: en muchos aspectos, este disco encapsula un dinámico híbrido entre el swing extrovertido predominante de “Cowboy Poems Free”, el lirismo acentuadamente épico de su ambicioso master opus “Mei” y el colorido virilmente magnético de “The End Is Beautiful” (no somos los primeros en señalar esto). Han sido cuatro años de labor compositiva y coordinación de las sesiones de grabación y post-producción para llegar a la concreción de este disco (también llamado extraoficialmente como “The Window Album” debido a la aparición de una ventana dibujada en el centro de la carátula), aunque ECHOLYN no ha estado realmente ausente del mercado fonográfico por causa de las re-ediciones de discos previos. La formación del grupo sigue estando conformada por Brett Kull (guitarras, voz y coros), Paul Ramsey (batería, percusión y coros),  Ray Weston (voz y coros), Tom Hyatt (bajos y coros) y Chris Buzby (teclados y coros). Para esta nueva aventura, ellos recibieron las colaboraciones de Nina Beate  (violín), Kaveh Saidi (violín), Lori Saidi (viola), Rajli Bicolli (cello), Mark Gallagher (saxofón barítono) y Jacque Varsalona (coros). Bueno, pasemos ahora a repasar este disco en cuestión.    

Durando 16 minutos y pico,‘Island’ abre el disco con prestancia, carácter y fineza: prueba de ello es el bloque instrumental inicial, un estupendo retablo progresivo químicamente puro que dura más de tres minutos, gestado con una ágil muscularidad heredada de“The End Is Beautiful” y ornamentada con el colorido esplendoroso plasmado en esa dorada dupla de “Suffocating The Bloom” y “As The World”. El momento en que entra el canto de Ray Weston está preparado para que el grupo dé rienda suelta a sus prístinos instintos líricos, enfocándose en una armazón melódica llevadera, sumamente elegante, con una robustez principalmente sostenida sobre los hombros de los riffs guitarreros y la muscular dupla rítmica. Una secuencia de dos secciones más reposadas emerge poco antes de la barrera de los 7’30”, la cual nos hace evocar los tiempos de“Cowboy Poems Free” y “Mei”: la presencia de un interludio enérgicamente rockero ayuda a mantener viva la llama de la extroversión en el desarrollo de estos estupendos retablos melódicos, los cuales concluyen con un mayestático motivo final que deriva en un conmovedor fade-out. ¡Grandioso!, ¡¡grandioso!! Después de este climático inicio de álbum siguen dos piezas más breves:‘Headright’, un tema popero que tiene algo de THE BEE GEES en clave Motown, pero con un añadido dejo del lado más ligero del estándar del FLEETWOOD MAC 76-79;‘Locust To Bethlehem’, una canción inundada por un espíritu contemplativo que nos remite a los momentos más calmados de “Cowboy Poems Free”... y con una tremenda potencia emotiva en los arreglos vocales. ‘Some Memorial’ nos lleva parcialmente de regreso hacia las coordenadas más épicas del álbum. Haciéndose eco de la vibración contemplativa de la canción precedente pero llevándola hacia un nivel más rotundo de sofisticación musical, nos dejamos llevar de la mano por esas elegantes armazones de piano y múltiples guitarras hacia los tiempos de “Suffocating The Bloom”. Los aires de híbrido entre GENESIS y GENTLE GIANT que emergen desde el momento en que el bloque sónico se hace más filudo en aras de crear un clímax moderadamente denso permiten a la estructura compositiva del tema remontarse hacia una fastuosidad atrapante y magnética, la cual es finalmente clausurada con una coda lánguida donde la progresión armónica central es llevada hacia una faceta un tanto minimalista. ¡El retorno del espíritu de “Mei”!

  

La segunda mitad del disco comienza con ‘Past Gravity’, una estupenda balada blues-rockera cuyo esencial arreglo progresivo nos lleva a terrenos del estándar de KANSAS, y también un poco al área del post-rock en cuanto al manejo cósmico de algunos ornamentos flotantes de guitarra. Es una canción plácida y serena, pero para nada complaciente: se nota una tensión emocional inteligentemente “escondida” a lo largo del muy medido y básico desarrollo temático. ‘When Sunday Spills’ recibe la carga emocional de ‘Past Gravity’ bajo pautas muy similares, aunque el desarrollo armónico es más meticuloso y se incorporan interesantes variaciones de ambiente que, merced a la pulcritud de ensamble, portan una fluidez inconmensurablemente compacta (en estricta afinidad con ‘Some Memorial’). También cabe notar que la actitud emocional porta un crepuscularmente agradable tono melancólico al modo de una reflexión positiva respecto a las huellas dejadas por un momento especialmente hermoso, una huella perpetua de luz en medio de la niebla presente, la cual revela sus matices más oscuros en el etéreo clímax conclusivo. ‘Speaking In Lampblack’ prosigue por esta cadena de expresiones detenidamente reflexivas, ahondando en los rincones más abandonados del centro neurálgico del ego. La pieza muestra desde el mismo punto de partida un lirismo grisáceo y vulnerable que nos remite a los pasajes más misteriosos de “Mei”. La intensa espiritualidad motivada y alimentada por la preciosa armazón melódica de la pieza adquiere un candor especial a partir de la barrera del séptimo minuto, que es el punto donde el grupo y el ensamble de cuerdas de apoyo generan una sonoridad que llena espacios de manera imponente y delicada a la vez. Una vez más, ECHOLYN hace gala de su espeluznante maestría para explotar una dinámica consistente hasta el punto que implosiona sin perder su orden inherente, más bien, capitalizando la potencialidad de la ingeniería sónica en torno a la cual gira el desarrollo temático. ‘The Cardinal And I’ ocupa los últimos 7 ¼ minutos del disco, dándole un maravilloso broche del mejor oro al mismo. Mezclando bellos desarrollos melódicos al más puro estilo sinfónico con llamativos grooves de corte jazz-progresivo, la banda brinda un bloque sonoro enérgico y ligeramente furioso a la temática existencialistamente desesperada de las letras, pero siempre cuidando con extrema meticulosidad que la garra en curso se mantenga recubierta de sublime elegancia. La atmósfera temática que se explaya en los últimos 90 segundos es simplemente soberbia mientras el canto clama la disolución del yo como los rayos del sol.        

  

ECHOLYN ha hecho un reforzamiento de su individual esencia progresiva a través de una mirada creativa y recreativa hacia su propio legado con entusiasmo e ingenio, un ingenio cuya luz de creatividad parece nunca apagarse independientemente del nivel de regularidad que ha habido de disco a disco. “Echolyn” también aparece en edición limitada de doble vinilo, aparte del obligatorio formato digital… pero bueno, cualquier formato viene bien cuando de dejarse fascinar por la genialidad de los señores Kull, Weston, Hyatt, Buzby y Ramsey se trata. ¡Ítem obligatorio en todo Top 10 progresivo del año! 

Muestras de “Echolyn”.-

Island:  http://www.youtube.com/watch?v=LoyegXZm9g8
When Sunday Spills: http://echolyn.bandcamp.com/track/06-when-sunday-spills

The Cardinal And I: https://www.youtube.com/watch?v=wqsM8emz8ow

EOL TRIO traza nuevas líneas sonoras por el sendero jazz-progresivo

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es un buen momento de girar nuestra mirada a la escena jazz-progresiva de Francia y prestar nuestros atentos oídos al ensamble EOL TRIO, un grupo especializado en desarrollar una actitud modernista dentro del discurso del jazz-rock vanguardista a la par que valora las labores esenciales de composición y armonización colectiva en torno a ideas musicales bien definidas dentro de parámetros progresivos y nostálgicos de la tradición del jazz-fusion 70ero. La formación consiste en Denis Girard (teclados), Laurent David (bajo) y Xavier Girard (batería y pads electrónicos). En 2009, EOL TRIO lanzó su disco debut “Mister K” y ahora, 3 años después (más específicamente, desde febrero de 2012), se luce nuevamente con su segunda entrega “End Of Line”, un muestrario de estupenda musicalidad que pasamos a reseñar a continuación.     
 

‘Walking Downtown’ abre el disco con un aura mayestática que se impone sin atenuantes: la exquisita maquinaria sónica que la dupla rítmica establece de una manera vitalmente orgánica queda bien arropada por un piano tremendamente cadencioso, y luego por un órgano que llena más espacios con una actitud explícitamente colorida. Tras este llamativo inicio, ‘Smoke On The Tube Amp’ establece un golpe de autoridad con su potente manejo de un swing controlado: jazz-rock químicamente puro cuidadosamente arreglado con matices psicodélicos: no se trata de una pieza muy larga, pero sí causa un impacto importante para buena parte del repertorio que sigue, y de hecho, ‘Dollers’ sigue por esta tendencia en buena medida, aunque con las salvedades de que contiene una musicalidad más expansiva en su desarrollo temático y de que hay un nivel generalmente más ligero de intensidad rítmica: afinidades con NIACIN las hay. La secuencia de ‘Drums Solo’ y ‘Take Care Brother’ permite al trío virar hacia una dimensión relajada y crepuscular de su ideario sónico, un momento de emotividad introspectiva desde el cual se siembra el camino de ‘New One’, un tema que convierte lo introspectivo en una celebración de coloridos suaves y trazos sutiles, ejerciendo un moderado acercamiento a los estándares de HAPPY THE MAN desde un enfoque que en sus momentos más misteriosos nos remite a ELEPHANT9. ‘Bad Song’ no es, ni mucho menos, una mala canción: en todo caso, se trata de una pieza signada por una actitud bastante ligera, ligeramente inclinada hacia el jazz-fusión aflamencado, extroversión pura después de la aureola grisácea esgrimida por la banda a lo largo de la secuencia de los tres temas precedentes: los solos de Denis Girard al piano eléctrico portan el sello de la influencia de CHICK COREA, sin esconderlo. ‘Soft Tune’, por su parte, parece un testimonio de homenaje al SOFT MACHINE 73-74 reacomodado a un esquema de nu-jazz (oportunamente comedidos). El protagonismo es asumido por la dupla rítmica, mientras que la labor del teclista se concentra mayormente en delinear retazos de piano y trazar efectos cósmicos. A continuación sigue ‘Hard Tune’, pieza que también exhibe un esfuerzo frontal por asimilarse al nu-jazz, pero esta vez por vía de una recapitulación del vigor de ‘Walking Downtown’, y también con ciertas estilizaciones progresivas en varios solos de teclado. El disco se cierra con ‘MMW’, tema que se sitúa en la encrucijada entre la vibración alegre de ‘Bad Song’ y el dinamismo elegantemente controlado de ‘Dollars’, y si cabe enfatizarlo, ciertas manifestaciones del legado de WEATHER REPORT. El bajista se luce con particular enormidad en el último tercio de la pieza, lo cual le permite lucir algunos recursos de densidad en medio de la luminosidad que impera en el desarrollo temático.

En síntesis, “End Of Line” significa poco menos de 55 minutos de estupenda música jazz-progresiva, un deleite garantizado para los apreciadores y coleccionistas acérrimos de todas las variantes de jazz-rock y experimentación progresiva de base jazzera: EOL TRIO es un grato descubrimiento y este disco suyo de 2012 es un pretexto perfecto para indagar en el resto de su obra existente, y de hecho, con la existencia y persistencia de bandas como EOL TRIO, ELEPHANT9, JAGA-JAZZIST, CAMEMBERT, FONDERIA y otras, se puede afirmar categóricamente que la fusión experimentalmente estructurada de los ideales jazzeros y progresivos tiene una presencia muy consistente en la escena europea… ¡y vale la pena apoyarla!

Muestras de “End Of Line”.-

Dollers: http://www.myspace.com/eoltrio/music/songs/dollers-84377768 
New One:  http://www.youtube.com/watch?v=t71hKg-haeE   
Hard Tune: http://www.myspace.com/eoltrio/music/songs/hard-tune-87969811

Las andanzas póstumas de LA DESOOORDEN

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Hoy es el momento de hablar de un disco muy especial: “El Andarín” de LA DESOOORDEN. Especial en sí mismo porque se trata de un trabajo musical de estupenda factura, pero sobre todo, especial porque se trata del disco de despedida de esta talentosa y enérgica banda chilena de rock-fusión experimental. En efecto, desde antes de la edición concreta de “El Andarín”, LA DESOOORDEN anunció su inminente disolución tras 18 años de carrera y un repertorio fonográfico que culmina en este quinto disco... y por lo escuchado en este disco, se despide a lo grande. “El Andarín” exhibe nuevas muestras de vigor y colorido en estricta fidelidad a las ambiciones artísticas antes desarrolladas en sus dos entregas anteriores, “La Isla De Los Muertos” y “Ciudad De Papel”. Teniendo en cuenta que el grupo ostenta una concepción sofisticada de lo que significa desarrollar el concepto de fusión contemporánea dentro del contexto de la vanguardia rockera en el sentido más ecléctico y progresivo de la expresión, este disco incluye archivos de fotos y documentos audiovisuales dentro del disco (además de un ameno juego virtual). En sí, “El Andarín” es un disco conceptual narrado en “la historia de un personaje que recorre Sudamérica sin un rumbo definido conociendo personas y paisajes que su espíritu y el momento le van guiando” (como dice el grupo en su perfila de Facebook). A través de un espacio de poco menos de 1 hora, un excitante y diverso recorrido sónico es el que nos revelan Alfonso Banda Mayor [guitarras eléctrica y e-bow], Fernando Altamirano Barria [voz], Francisco Martín Subercaseaux [bajo, trompe, didgeridoo, berimbau], Karsten Contreras Kusch [voz, pifilka, caxixi, claves, cencerro, palo de agua, matraca, pito de samba, didgeridoo, zampoña, flauta], Peter Pfeiffer Jakob [saxofones tenor, barítono y soprano, quena] y Rodrigo González Mera [batería, percusión], apoyados por Henry Vélix Matus [arreglos de trompeta]. Durante las variadas instancias de este recorrido aportan recursos muy valiosos los siguientes colaboradores: Benjamín Ruz [violín], Cristopher Hernández [trompeta], Alejandra Zolezzi, Francisca Martín y Josefina Banda [voces adicionales].

El disco se echa a andar con la secuencia de ‘Clave Anfibia’ y ‘Campante Andarín’, la cual elabora un crescendo que va desde los tenues ruidos de la naturaleza (ranas, aves) hasta un colorido frenesí sensual de esplendor rockero donde los avatares del estándar psicodélico en clave blues-rockera se amalgaman muy bien con los rudimentos cuasi-tribales de la dupla rítmica. Este intenso inicio de camino se redondea con el brevísimo interludio ‘Viento De La Llanura’, el cual termina por abrir camino a ‘Puerto Allende La Pampa’: esta pieza es la primera instancia cantada del álbum, y lo hace rindiendo homenaje a las cadencias del folklore criollo argentino dentro de un encuadre sonoro propio de LA DESOOORDEN (y coincidente con sus coetáneos de MAR DE ROBLES, así como con el CONGRESO de la primera mitad de los 80s). ‘Las Alturas Reflejan Los Aires’ se traslada a ambientes más cadenciosos y brumosamente melancólicos focalizados en torno a un esquema rítmico basado en el modelo del malambo: los momentos de irrupción de los metales (aumentados con la trompeta) y los parajes más constreñidos se alternan con una fluidez simplemente maravillosa. A partir de este momento, se puede decir que el bloque sónico del disco ya ha instalado firmemente su semilla en el jardín mental del oyente. ‘Sueños De Carnaval’ ostenta un tenor más claramente extrovertido, pieza empapada de aguas alegres y torrentes danzarines propios de un motivo celebratorio como es el del carnaval andino (la recitación de “Se me hincha el corazón al andar / Es que son las piernas que no saben parar” resulta cabalmente simbólica de esta idea). La dupla de ‘Iniciación En La Selva’ y ‘Ayahuasca’ gira hacia el misterio místico de los rituales de trascendencia espiritual propios de las variadas idiosincrasias selváticas sudamericanas: el primer tema es un ejercicio de hipnóticas implosiones tribales inicialmente sazonadas con una mágica flauta étnica; el segundo da cobertura a la autoafirmativa ebullición febril del tránsito hacia dimensiones oscuras y, a la vez, iluminadoras, siendo así que la compleja armazón rítmica en 5/4 y la sólida robustez de los mecanismos sonoros generados por el ensamble lo convierten en un culmen espectacular del disco (uno de tantos).

Con la secuencia de ‘Sombras Y Fuego’ y ‘El Rescate De Mí Mismo’, LA DESOOORDEN nos lleva de la mano convincentemente hacia la segunda mitad de esta experiencia andarina. En este caso, ‘Sombras Y Fuego’ conforma un breve pero impactante diálogo entre las lúgubres sombras del didgeridoo y los saltarinas chispazos del trompe, un diálogo que abre la puerta a la sofisticada arquitectura de ‘El Rescate De Sí Mismo’, un vibrante ejercicio de jazz-rock ágilmente encapsulado en una ingeniería prog-fusionesca. ¡La esencia de LA DESOOORDEN en su más esplendorosa rotundidad! Virando hacia climas y cadencias más tropicales, ‘Las Armas Y Las Guaguas’ sir ve para que el grupo se retrotraiga hacia las dimensiones más constreñidas de su esencia musical, y lo hace con la usual solvencia lírica de siempre (así se armaron también varios momentos particularmente brillantes de “La Isla De Los Muertos” y “Ciudad De Papel”). Constreñido no quiere decir carente de vigor, y para demostrar justamente eso están el fabuloso solo de guitarra (una de las mejores intervenciones de Alfredo Banda en todo el disco) así como un efectivo intermedio rockero que emerge como un relámpago musical exquisito. Con ‘Llegando A Los Llanos’, el ensamble nos devuelve a los aspectos más cándidamente coloridos de la tradición hispanoamericana, esta vez al modo de un joropo deconstruido en clave de 5/4: otra genialidad que vale la pena destacar especialmente… y que lastimosamente solo dura poco más de dos minutos y medio. En fin, el álbum sigue explorando recursos de alegría con ‘Escape De La Favela’, el cual es una excursión en el folklore urbano brasileño motivado por los ímpetus de algarabía de los bloques sociales marginales. La combinación de exuberancia y rudeza propia de las festividades carnavalescas cariocas recibe en manos de LA DESOOORDEN una vitalista reestructuración progresiva, a la par que preserva su alegre visceralidad; en dinámico contraste, las letras reflejan sensaciones de urgencia y situaciones de peligro. ‘Preámbulo De Lluvias’ es una etérea semi-balada en 6/8 donde el grupo explora los aspectos más intimistas de su propio vitalismo, y justamente el explícitamente reflexivo talante de esta canción prepara el terreno para que ‘El Perro Que Me Guía Alegre’ muestre primero un ensoñador ambiente ensimismado y luego vire hacia una luminosa extroversión articulado según la más pura esencia de La Desooorden. ‘Mi Jardín Interno’, la coda del álbum, retoma el meditabundo ensimismamiento de la primera mitad de ‘El Perro Que Me Guía Alegre’ y lo encuadra dentro de un esquema fusionesco de predominantes matices andinos.

Bueno, todo esto fue la experiencia de “El Andarín”, el testimonio definitivo de todo lo último que tenía que dar LA DESOOORDEN como unidad de creación artística al ideal del rock artístico. Cabe destacar momentos personalmente favoritos según la escucha de cada uno, y en nuestro caso, destacamos ‘Iniciación En La Selva / Ayahuasca’, ‘Sombras Y Fuego / El Rescate De Mí Mismo’, ‘Llegando A Los Llanos’ y ‘’ como momentos signados por una resaltante magnificencia épica, pero aparte de todo eso, “El Andarín” es una obra integral y es como tal que cabe apreciarla de manera más concreta. ¡Cómo se va a extrañar a esta banda!... Pero su música quedará perenne en sus registros fonográficos, los cuales están disponibles ante los oídos atentos de quienes sepan valorar las vertientes más imaginativas e intensas del rock-fusión sudamericano. Este catálogo de andanzas póstumas de LA DESOOORDEN es, simultáneamente, un testimonio de la vitalidad de la presente vanguardia rockera chilena y una pieza de colección procedente de un tiempo pretérito siempre vivo.

Muestra de “El Andarín”.-
Puerto Allende La Pampa: http://www.youtube.com/watch?v=Sz1s_6MJPDM

¡Alerta jazz-progresiva! Aquí está SPECIAL PROVIDENCE

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Hoy es el momento de fijar nuestros oídos en Hungría, desde donde llega el cuarteto SPECIAL PROVIDENCE. Este ensamble instrumental es cultor de un exquisito jazz-prog con sabor contemporáneo y con solvente riqueza melódica, un intermedio entre TRIBAL TECH, PLANET X, LIQUID TENSION EXPERIMENT y los discos post-80eros de HOLDSWORTH, logrando así afinidades con otras bandas jóvenes como RELOCATOR y FROM.UZ. Formado en Budapest en 2004 bajo la iniciativa del teclista Cséry Zoltán y el baterista Markó Ádám, el grupo ya cuenta con tres discos de estudio y un DV D en vivo en su currículum. “Soul Alert” es el bello disco que nos ofrece SPECIAL PROVIDENCE en este año 2012, el primero con el nuevo miembro, el bajista Fehérvári Attila, mientras que Cséry, Markó y el guitarrista Kertész Márton siguen con sus respectivas membresías.
  

El primer tema ‘Babel Confusion’, el cual dura casi 7 minutos y medio, pone toda la carne en el asador sin miramientos ni timideces: jazz-prog puro y duro, sostenido por un swing limpiamente cimentado, claros delineamientos melódicos en los solos alternados de sintetizador y guitarra, elementos de sinfonismo, prog-metal y space-rock que entran a tallar en ciertos momentos con el fin de generar una sana diversidad en medio de la evidente arquitectura sónica en curso. Los siguientes 14 minutos y pico del disco están ocupados por la secuencia de ‘Lazy Boy’ y ‘Asparagus’, los cuales comparten una profunda inclinación por exploraciones líricas: el primero se desarrolla a través de un compás contagioso y la llamativa presencia de algunos interludios filudamente pesados; el segundo porta un espíritu más calmo, al modo de un híbrido entre los estándares de JAN HAMMER y de TONY MACALPINE, exponiendo una vibración un tanto intimista pero para nada carente de suntuosidad. ‘K2’ vuelve a la tipología colorida del tema de entrada en combinación con la agilidad más medida de ‘Lazy Boy’, mientras que ‘Untold Chapter’ explora concienzudamente los parajes más plácidos del ideario musical del grupo, esta vez con un aire a lo MAHAVISHNU ORCHESTRA remozado a través de una sucesión de filtros cuasi-Canterburyanos y sazones a lo CAB. Tal vez se trate de la pieza que muestra de forma más desnuda la esencia elegante de la creatividad musical que se fermenta en SPECIAL PROVIDENCE. Después sigue ‘Incredible Flower’, un tema bastante relajante donde el cuarteto se focaliza crucialmente en trabajar con sutilezas a fin de motivar un ambiente de serena melancolía. ‘Standing Still’, por el contrario, es un ejercicio de pura extroversión, un sano ejercicio de exhibicionismo técnico hecho con buen gusto y basado en el buen criterio de alternar con pulcra coherencia los rotundos pasajes recargados de electricidad rockera con otros más tirados a la pomposidad del sinfonismo: o sea, prog-metal bien cuidado. Cuando llega el turno de la pieza homónima, el grupo se anima a hacer una magnética síntesis entre la rotundidad poderosa de la pieza anterior y las estilizaciones más usuales que antes hemos encontrado en ‘K2’ y ‘Lazy Boy’. ‘Return To Childhood’ es un ejercicio de fusión de vieja escuela, un poco al estilo de RETURN TO FOREVER de la etapa de “Where Have I Seen You Before?”. El álbum cierra con el único tema cantado incluido en él, ‘Fences Of Reality’, cuyo misterio se reduce a ser una versión vocalizada de ‘Lazy Boy’ (aunque su letra no versa sobre ningún muchacho holgazán), con mayor punche rockero y menos desarrollos jazzeros. La voz del invitado Tanka Balazs se ajusta bastante bien a la ocasión. ¡Parece un tema de DALI’S DILEMMA! (no es necesariamente un reproche.) 
  
Todos los músicos de SPECIAL PROVIDENCE son gente de estudios musicales formales y también forman parte simultáneamente de otros proyectos de jazz, música orquestal o sesiones de apoyo: la confluencia de todas sus inteligencias y sus empujes se hace notar claramente en el repertorio de este disco “Soul Alert”, el mismo que se recomienda ampliamente como vía de entrada para empezar a investigar en esta banda. Uno de los detalles especiales que SPECIAL PROVIDENCE aporta al escenario actual del jazz-prog es su tremendo instinto melódico, lo cual repercute vitalmente tanto en la estructura casi “orquestal” del ensamble como en el tenor controlado de los solos que emergen a lo largo del camino en este tipo de empresas. ¡Recomendado!
 

Muestras de “Soul Alert”.-
Babel Confusion: http://www.youtube.com/watch?v=g7hoZlkMVsY
Untold Chapter: http://www.youtube.com/watch?v=5vAj2ukfeBs

Incredible Flower: http://www.youtube.com/watch?v=NTsepOKZpjI

COSA BRAVA y su carta musical para el año 2012

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

COSA BRAVA vuelve a la actividad fonográfica y hoy nos ocupamos de ello. En efecto, este ensamble de vanguardia progresiva que tiene en Fred Frith (legendario guitarrista de HENRY COW, ART BEARS, MASSACRE, SKELETON CREW y otros referentes más de la experimentación contemporánea) a su figura líder saca al mercado “The Letter” dos años después de la edición de su álbum debut “Ragged Atlas” (el cual había sido grabado en diciembre de 2008). Además de la permanencia de Carla Kihlstedt (violín, armónica bajo, voz), Zeena Parkins (acordeón, teclados, objetos raros, voz – con un currículum que incluye membresías en NEWS FROM BABEL y SKELETON CREW) y The Norman Conquest (manipulaciones de sonido), el grupo ha aumentado sus afiliaciones con el ingreso del bajista Shahzad Ismaily y del baterista/percusionista Matthias Bossi (también colega de Carla Kihlstedt en otros proyectos musicales, incluyendo a SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM). Con todo, esto no ha conllevado, como se podría razonablemente sospechar, un sonido más lleno en cuanto a agresividad, sino más bien un aumento de recursos a la hora de desarrollar los habituales coloridos excéntricos y desafiantes que COSA BRAVA convierte en marca propia. De hecho, este nuevo disco incorpora un mayor peso de los elementos World Music y folk que se amalgaman con otros dentro de su bizarra propuesta. Con una figura de larga trayectoria como Fred Frith al frente y una congregación de jóvenes veteranos cooperando activamente en la misión creativa, este ensamble encarna fehacientemente la comunión entre algunas tradiciones específicas del R.I.O. y nuevas concepciones sobre el ideal de hacer rock novedoso. Ocasionalmente, Michael Elrod y William Winant colaboran con el ahora sexteto aportando percusiones adicionales.
 

‘Soul Of The Machine’ abre el disco como un artilugio de ingeniería, un mecanismo que marca el ritmo robótico con el que la sociedad moderna da sus imponentes pasos de gigante a través del tiempo; de este modo, se abre camino para que surja ‘The Eyjafjallajökull Tango’, tema extravagantemente colorido, cuya juguetona complejidad suena como un intermedio entre KRONOS QUARTET y HAMSTER THEATRE, cálido pero denso, amable pero no exento de peligro. La secuencia de ‘Drowning’ y ‘The Wedding’ nos lleva hacia terrenos más oscuros e inquietantes: ‘Drowning’ es como una memoria perdida de un momento en la infancia donde el ambiente circense ocasional mostró una faceta aterradora, mientras que ‘The Wedding’ se basa en una remodelación abstracta de atmósferas folclóricas y flotantes ambientes psicodélicos, sucesivamente. La quinta pieza es justamente la que da título al álbum, y se caracteriza tanto por el peso que tienen los retumbos de la batería dentro del bloque instrumental como por la ceremoniosidad cuasi-gótica a lo SGM que aportan los arreglos vocales; también vale mencionar el uso de la máquina de escribir como utensilio percusivo directamente alusivo al hecho de escribir mensajes a la conciencia pública. ‘Slings And Arrows’ es una pieza abiertamente deconstructivista que se enraíza poderosamente en los legados Henry Cowianos de “In Praise Of Learning” y “Western Culture”, lo cual implica un manejo cuidadoso de texturas, un afán por crear y reforzar atmósferas misteriosas, y una sensación de esperar lo inesperado, que es justamente lo que ocurre cuando irrumpe una secuencia percusiva cuya robustez se retroalimenta con los descoyuntados efluvios guitarreros de Frith. La tensión que se liberó en la secuencia final de ‘Slings And Arrows’ despejó el camino para que ‘Jitters’ despliegue su propia arquitectura, neuróticamente dividida en secuencias reconocibles que se reiteran en ciclos bien definidos, manejados con un punche pulcramente equilibrado entre los músicos involucrados.

El octavo tema nos engancha de entrada por su título tan entrañable: ‘For Lars Hollmer’ – claramente, se trata de una pieza compuesta en honor a la memoria de una de las figuras más emblemáticas e influyentes de toda la historia de la vanguardia progresiva, el Maestro Lars Hollmer, teclista, acordeonista, percusionista y bizarro vocalista de SAMLA MAMMAS MANNA, ZAMLA MAMMAZ MANN, VON ZAMLA, etc. Esta pieza sirve para que COSA BRAVA explore fehacientemente sus aristas más expresamente líricas, aunque sin renunciar a su filo esencialmente experimental: pasando de pasajes relajantes a otros más cadenciosos de tendencia folk, el grupo construye una armazón musical evocativa y elegante, pulcra como la más lujosa porcelana, cándida como el más refinado terciopelo. La parte más emotiva es el final, con esa combinación de espartanas notas de acordeón, palmas y falsetes que retratan los últimos pasos del Maestro Hollmer hacia las Puertas del Más Allá. Esta celebración da lugar a otra, ‘Emigrants’, tema que porta aires indios y carpatienses que son ingeniosamente retorcidos por amenazantes síncopas psicodélicas en ciertos momentos estratégicos. ‘Nobody Told Me’ vuelve un poco a la languidez  oscurantista y abstracta de ‘Slings And Arrows’, aunque esta vez el grupo usa esta estrategia desde un punto de vista farsesco, usando un arreglo coral que suena como un aquelarre de espíritus vetustos que se explayan en sus quejumbrosas observaciones sobre el mundo que les rodea. La breve sección final se enfila hacia una sonoridad rockera ácida y adusta, un clímax tal vez demasiado efímero. Así las cosas, ‘Common Sense’ nos enfila hacia las dimensiones más serenas del ideario musical de COSA BRAVA, explayándose en climas contemplativos que encapsulan unas imperativamente elegantes secuencias de retazos auto-constreñidos donde reina un espíritu minimalista, y a la vez, candoroso. El final del álbum vira hacia una retoma del primer tema: en efecto, ‘Soul Of The Machine (Reprise)’ reconstruye la neurótica vivacidad maquinista que había servido de obertura para el álbum, dejando así que la luz de juguetona tensión ilumine los parajes que antes habían quedado arropados bajo la espiritualidad nocturna de ‘Common Sense’.

Todo esto fue “The Letter”, una tremendamente creativa misiva de música progresiva concebida desde las orillas más vanguardistas del plurivalente género. COSA BRAVA afianza su lugar como un referente especialmente valioso dentro de las vertientes de línea avant-progresiva desarrolladas en los últimos años.

Muestras de “The Letter”.-

The Eyjafjallajökull Tango:  http://www.youtube.com/watch?v=AoI-6noWQzs
Drowning [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=2p7Mjg38axA