La réplica avant-progresiva de UNIT WAIL

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos topamos con el ensamble francés UNIT WAIL. Fundado y dirigido por el teclista Vincent Sicon Vantalon, este quinteto instrumental desarrolla un estilo avant-progresivo muy dinámico que hace que el aura oscurantista del rock in opposition y el frenesí tenso del Zeuhl converjan en una fuente sónica de expresividad rotunda. El grupo se completa con el guitarrista Frank W. Fromy (de por sí legendario dentro de la tradición avant-progresiva francesa por su membrecía en SHUB-NIGGURATH), el baterista Philippe Haxaire, el bajista Adrian Luna (de origen peruano, cabe añadir) y otro teclista llamado Emmanuel Pothier. El disco que el grupo edita ahora a fines de 2013 es “Retort”, el segundo dentro de su currículum vitae que sucede a “Pangaea Proxima”, del año pasado. ONE SHOT, GUAPO, HAPPY FAMILY y CARTEL CARNAGE son nombres que vienen pronto a nuestra mente a la hora de buscar referentes descriptivos para la propuesta estética que nos brinda UNIT WAIL: oscura, densamente extrovertida, atravesada por una equilibrada tensión y alimentada por sonoridades agresivas sujetas a una arquitectura sobriamente meticulosa. Todas estas referencias, a su vez, nos llevan más atrás hacia el paradigma de PRESENT: si el dúo de teclados logra imponer un lugar protagónico en cada una de las diez travesías musicales contenidas en este disco, sin duda que los guitarreos del maestro Fromy saben hacerse notar con sus perpetuamente amenazantes fumarolas inspiradas en el estilo de Roger Trigaux. Y cómo obviar el ensamblaje rítmico de Luna y Haxaire: la refinada crudeza del bajo del primero y los persistentes recursos de complejidad provistos por la batería del segundo construyen la columna vertebral idónea para el bloque grupal.

Yendo ahora a los detalles del repertorio de “Retort”, notamos que la dupla de ‘Kakodeamon’ y ‘Peregrinatio’ pone las cartas sobre la mesa con honestidad y poder de convencimiento: ambas piezas se caracterizan por expresar un vigor electrizante y estilizado, llamativo a través de su tendencia a dar prioridad a lo denso y lo oscuro en sus desarrollos temáticos y atmósferas. En cuanto a diferencias de detalle, ‘Kakodeamon’ da más espacio a la elaboración de pasajes etéreos, mientras que ‘Peregrinatio’ ostenta una mayor robustez en los momentos más agresivos. Con ‘Tertium Comparationis’, la banda explora en cómo hacer que el ahondamiento en grooves jazzeros en la dinámica rítmica y el realce de efectos cósmicos de sintetizador motiven matices renovadores en el constante oscurantismo al cual se apega tan convincentemente; de hecho, el resultado es óptimo, un cénit individual del álbum. ‘Concupiscentia Effrenata’ sigue a continuación con una estrategia basada en climas Crimsonianos articulados en una sonoridad jazz-psicodélica, mientras que la dupla de ‘Pumapunku’ y ‘Numinosity’, por su parte, establecen sendos ejercicios de enfatización en explotaciones de jams a modo de variantes ingeniosas dentro del esquema de trabajo propio del RIO francófono: una genial confluencia de space-rock y post-rock con su inefable filtro oscurantista a lo RIO.

Con la secuencia de ‘Agathodeamon’, ‘Coincidentia Oppositorum’ y ‘Fixatio’, el quinteto refuerza y expande su propuesta sonora con tremendas dosis de vigor y creatividad. En efecto, tenemos con ‘Agathodeamon’ una ágil combinación de funk Crimsoniano con atmósferas esenciales del paradigma de PRESENT, mientras que ‘Coincidentia Oppositorum’ retoma el predominio del groove jazzero y ‘Fixatio’ despliega una fastuosa síntesis de las ambientaciones centrales de los tres primeros temas del álbum. Ocupando los últimos 6 ¾ minutos del álbum, ‘Aqua Permanens’ exhibe un nivel de frescura suave que la banda solo había mostrado a ratos en el repertorio precedente. Sin tratarse de una composición calmada per se, esta pieza revela una dimensión contemplativa dentro del universo sónico del grupo que, al fin y al cabo, funciona muy bien como cierre. 

Todo esto fue “Retort”, una estupenda exhibición de música progresiva vanguardista que confirma por enésima vez que los paradigmas del Zeuhl y del rock-in-opposition francoparlante todavía sirven como coordenadas legítimas de creatividad en nombre del torcimiento y la remodelación del discurso rockero. UNIT WAIL nos ha dado toda una gozada para ir cerrando el año progresivo 2013 con grandiosa intensidad: gracias a Soleil Zeuhl por darle un espacio a esta banda en el circuito fonográfico, una banda que ciertamente vale la pena descubrir.

Muestra de “Retort”.-

Kakodeamon: https://soundcloud.com/udi-koomran/unit-wail-kakodeamon

CAILLOU - una nueva figura de la vanguardia progresiva francesa

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Tenemos hoy en nuestras manos el disco homónimo del debutante grupo francés CAILLOU. Conformado por Charles Lucas [al bajo], Matthieu Jérome [a los teclados], Philippe Gleizes [a la batería] y Rudy Blas [a las guitarras], este ensamble instrumental cultiva una inspirada y enigmática mezcla de Zeuhl, jazz experimental, psicodelia y jazz-fusión de vieja escuela. En el caso del baterista Philippe Gleizes, quien justamente gesta y dirige a CAILLOU, no tenemos exactamente a un novato, pues él cuenta con una buena experiencia en el universo Zeuhl como colaborador en el proyecto del teclista Paul Brousseau KOLKHÖZE PRINTANIUM y, sobre todo, en el proyecto solista de Christian Vander OFFERING. El sello Soleil Zeuhl ha posibilitado la edición del homónimo disco debut de esta banda que se inserta con total naturalidad dentro del gueto avant-progresivo francófono contemporáneo que también congrega a NEOM, SETNA, XING-SA, ONE SHOT, SCHERZOO y ATHANOR, por decir algunos nombres. De hecho, con varias de estas bandas que acabamos de mencionar comparte CAILLOU aires de familia, por lo que ya tenemos presente lo que cabe esperar del cuarteto que ahora nos ocupa: esquemas rítmicos bien armados, ataques sónicos elaborados con exquisito refinamiento, hermanamiento de los discursos del jazz y el rock, manejo moderado de atmósferas oscuras. “Caillou” fue grabado a fines de octubre de 2012 en el estudio La Grande Boutique: un año después, ya es una entidad concreta en el mundo fonográfico.

Durando poco menos de 3 ½ minutos, ‘Hum Hum’ abre el disco con una aureola minimalista cuya actitud de letanía conjura imágenes de languidez introspectiva. Luego sigue ‘Victor’, que con sus 7 ½ minutos instaura una vitalidad muy a contrapelo con el tema de entrada: esta vez se muestra a nuestros oídos un vibrante híbrido de WEATHER REPORT y ZAO post-1975, con ciertos enlazamientos vinculantes al Zeuhl de nueva generación. Este tema incluye una de las más alucinantes intervenciones del guitarrista Blas en todo el disco, aunque queda claro que las bases de piano eléctrico y el imperioso swing armado por el baterista Gleizes conforman el centro neurálgico de casi todo el desarrollo temático de la pieza en cuestión. A continuación sigue ‘Tomahawk’, uno de los dos temas que duran más de 8 minutos: centrándose en la alternancia de un motivo psicodélico con base rítmica tribal y otro de línea jazz-rockera, el grupo se toma su tiempo para llevar su gusto por la musicalidad desafiante y sofisticada hacia niveles aguerridamente monumentales de expresividad. ‘Païens’ tiene un lirismo más pulido, a medio camino entre la tradición fusionesca estadounidense y el Canterbury pero con una robustez propia de los legados de HONEYELK y ZAO; la misma descripción aproximativa vale para ‘Dancin’ Dogz’, el tema que sigue a continuación, el cual incluso realza el aura celebratoria introducida por ‘Païens’.   

Con la secuencia de ‘Goban’ y ‘Spirales’ se inicia la segunda mitad del disco: el primero sirve como un improvisado preludio al segundo, armando un crescendo tan mágico como inquietante (casi a lo GOBLIN) para que todo derive finalmente en una temática articulada en torno a los paradigmas de ESKATON y ZAO. ‘Les Carpates’ es el otro tema que dura más de 8 minutos, y de hecho, dura casi 9: tenemos aquí otro ejemplo de cómo la banda sabe explorar los aspectos más filudos de su esencia musical sin dejarse desbordar por ella misma, sino por el contrario, preservando muy bien el control sobre la expresividad por vía del armado de un groove impecable y los desarrollos de poderosos diálogos entre guitarra y teclado. Blas se enrolla muy bien conjugando simultáneamente la soltura virtuosa de un MCLAUGHLIN y la neurosis vitalista de un FRITH. El riff cadencioso que signa el pasaje final es marcadamente Crimsoniano: un cierre monumental que completa el que para nosotros resulta el momento cumbre del álbum. La dupla de ‘200 Toiles’ y ‘Nebuleuse Part 1’ se encarga de finiquitar la cuestión con sendas exhibiciones de sutileza: el primero de estos temas se centra en atmósferas grisáceas relativamente afines al modelo de UNIVERS ZERO, mientras que el segundo elabora un sencillo ejercicio de lirismo envolvente a lo SCHERZOO. Bueno, esto no es todo, pues a dos minutos de acabado el fade-out de ‘Nebuleuse Part 1’, se inicia otro tema (un hidden track) que establece una retoma de los ambientes predominantes en ‘Toiles’ pero con dosis aumentadas de musculatura y solemnidad.

Y bueno, ¿cómo se puede culminar esta reseña de “Caillou” sino vertiendo palabras de emocionado elogio para este vibrante catálogo de música avant-progresiva? CAILLOU se evidencia como una entidad muy interesante para los amantes del Zeuhl y del jazz-rock, en particular, y para quienes aman la vanguardia en el rock en general. ¡Recomendado!

Extractos de “Caillou”.-

Païens: https://soundcloud.com/caillou1/pa-ens

Victor F. [extracto]: https://soundcloud.com/caillou1/victor-f

CAILLOU tocando en el festival de Cauberotte (2012): http://vimeo.com/41342670

Llenando espacios musicales con ÜNDER LINDEN

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Hoy nos centramos en el estupendo grupo platense ÜNDER LINDEN y su reciente segundo disco de estudio “Espacios Intermedios”, que al igual que su homónimo disco debut de, ha sido publicado por el sello Viajero Inmóvil. Desde hace varios años que el grupo, uno de los más notables de la avanzada sinfónica argentina del nuevo milenio, opera como sexteto con dos teclistas, Gabriela González y Ezequiel Flores, siendo sí que la alineación se completa con el bajista Jorge del Cin, el baterista-percusionista Mario Gimeno, el violinista Roberto Medina y el guitarrista Juan Cortés. Este último es el que tiene la membrecía más reciente dentro del grupo, y de hecho, el rol de guitarrista ha sido un lugar bastante variable en el tiempo que ha pasado entre el primer disco y éste. De hecho, son varios los guitarristas que han dejado registrado algo de su labor en el repertorio de este disco: Juan González deja la impronta de su guitarra acústica en ‘Regards From The Garlic Sea’, Jati Signoro aparece en pleno en el bonus track y hace overdubs en otro par de temas, y por lo demás, se le reconoce a Nacho Scarsella (guitarrista en el disco debut) su participación en las labores de composición y arreglos en tres temas.

El disco se inicia a punta de rotundo vigor con ‘Nam Madol’, pieza que dura cerca de 6 minutos. Empezando con un prólogo solemne en clave blues-rockera, luego el grupo vira hacia un motivo entusiasta y pletórico de espíritu extrovertido, para luego volver a dar un nuevo giro hacia un motivo lento marcado por un aura reflexiva, que es el que habrá de cerrar esta primera excursión musical. Cabe destacar que los riffs de guitarra se prodigan en plasmar un vigor robusto, aunque no para meter elementos de heavy metal al bloque grupal sino para aportar matices importantes a la fastuosidad sonora general: algo parecido a lo que encontramos en otros grupos sinfónicos argentinos de nueva generación como JINETES NEGROS y WILLIAM GRAY. El terreno está preparado para que ‘Quarks’ entre a tallar con su bien estructurada ingeniería melódica: la alternancia de compases en 15/8 y 14/8 en la estructura rítmica hace que se instauran encantadores juegos de cadencias para sostener los sucesivos solos de teclado, guitarra y violín. Los siguientes 6 minutos del disco están ocupados por ‘Tributo’, cuya primera mitad parece establecer lazos de familia con el estándar de languidez contemplativa Floydiana; la segunda mitad cambia radicalmente hacia una extroversión florida donde se funden los legados de CAMEL y YES. ‘Regards From The Garlic Sea’ nos remite a aires palaciegos de inspiración renacentista: si pensamos en un híbrido entre el MIKE OLDFIELD que se aferra al folk y ANTHONY PHILLIPS, entonces nos haremos una idea razonablemente certera de lo que nos tiene deparado este bellísimo tema para nuestro disfrute melómano. ‘Intentango’ nos lleva inicialmente hacia una remodelación sinfónica de tendencia Cameliana del estándar del ritmo de tango marca la ingeniería sonora; la segunda mitad consiste en un cuerpo lento donde la guitarra se erige en principal protagonista dentro de la arquitectura centrada en una espiritualidad nostálgica. Se trata de un tema muy hermoso; se sienten cortos sus 4 minutos y pico de duración.

‘Rescatado’ también tiene bastante del estándar de CAMEL, así como del STEVE HACKETT del nuevo milenio, siendo así que esta vez empieza con un motivo etéreo y aterriza en otro expresivamente extrovertido: tal vez tengamos aquí el solo de sintetizador más impresionante de todo el disco. Se repite la misma sensación que teníamos inmediatamente antes con ‘Intentango’, que se trata de un tema demasiado atractivo que nos deja con la miel en los labios al terminar. ‘Disco Prog’ hace una mezcla de sinfonismo explosivo a lo U.K. y jazz-funky a lo YELLOW JACKETS, además de añadir un pasaje blues-rockero a lo JEFF BECK. La dupla de ‘Empatía’ y Un Día En La Luna’ ocupa los últimos 15 minutos del repertorio esencial del álbum. ‘Empatía’ retoma y revitaliza la fastuosidad vitalista que antes apreciamos en ‘Nam Madol’ y ‘Tributo’, aunque midiendo un poco más las dosis de nervio rockero en el arreglo global; ‘Un Día En La Luna’ sí exhibe de forma más rotunda ese punche, manteniendo la claridad de diseños melódicos a la cual es tan dado el grupo. 

 

El último tema que se escucha en este disco es ‘14/8 De Música’, registrado en vivo de un concierto que tuvo lugar en la Universidad de Tucumán a fines de 2011: en aquella ocasión el guitarrista de la banda era Jati Signorio (justamente el mismo que aparece en el DVD de edición limitada “Ünder Linden En Vivo – Sala Zitarrosa de Montevideo”). Cabe precisar también sobre este tema en particular que formó parte del repertorio de FAHRENHEIT, grupo de los 80s de donde surgieron varios integrantes de ÚNDER LINDEN. ‘14/8 De Música’ se enmarca en el compás que le da título para desarrollar una atractiva articulación melódica con bastante énfasis en cadencias sincopadas. ÜNDER LINDEN se luce ampliamente con “Espacios Intermedios”, un disco muy recomendable en cualquier buena discoteca de música progresiva actual.

Muestras de “Espacios Intermedios”.-

Quarks: https://soundcloud.com/jorge-dal-cin/quarks

Intentango [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=JTdDl5JcT9I

Un Día En La Luna [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=vZJuJBkW1a0

La marejada prog-psicodélica danesa de CAUSA SUI

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En este momento presentamos al grupo danés prog-psicodélico CAUSA SUI y su más reciente trabajo fonográfico “Euporie Tide”. Formado en setiembre de 2004 como cuarteto donde cada integrante gozaba de cierta experiencia en la escena del hardcore metal, la meta de esta nueva congregación era la de estructurar una modalidad rockera más cercana al legado de diversas fuentes progresivas, principalmente la psicodélica, además de ahondar en las raíces stoner del paradigma del rock pesado. CAUSA SUI ha venido manteniendo una actividad muy prolífica, contando ya con ocho discos de estudio en su currículum desde el año 2005 en adelante: cultivando un gusto exhaustivo por los jams, entre 2008 y 2009, el grupo ha editado tres registros de grabaciones bajo el título de “Summer Sessions”, y en 2011 publicó dos registros de las “Pewt’r Sessioss”. ¡Casi nada! Hoy por hoy, el grupo opera como trío conformado por Jakob Skøtt [batería y percusión], Jess Kahr [bajo] y Jonas Munk [guitarras, teclados y canto], siendo ésta la alineación que ha gestado y grabado el disco que reseñamos ahora.

‘Homage’ abre el álbum con una energética muestra de rock que se explaya a su gusto por un desfachatado espacio de 10 minutos. El poderoso vigor de la pionera psicodelia Hendrixiana, la efectiva pesadez del paradigma Sabbathiano y el robusto magnetismo del space-rock se conjugan grandilocuentemente en este jam bien centrado, lleno de ingenio que sabe cuándo no explayarse en innecesarios paroxismos. Esta vía de entrada es suficientemente atractiva como para mantener en el espíritu de oyente una actitud de firme atención hacia la experiencia que acaba de empezar, y así, ‘The Juice’ y ‘Echo Springs’ se encargan sucesivamente de afianzar la buena primera impresión aportando ambientaciones diversas. ‘The Juice’ exhibe un eficaz balance de los modelos de ASH RA TEMPEL y el PINK FLOYD de la etapa 69-71; el tempo de blues sirve para que la banda focalice la aureola grisácea inherente a la composición. Por su parte, ‘Echo Springs’ se construye sobre una cálida cadencia de inspiración jazz-rockera, la cual debe mucho al estándar de AGITATION FREE: pasamos así del refugio al interior del alma a una caminata renovadora por un mundo visto con una mirada más serena. En perfecto e inmediato contrapunto, la dupla de ‘Boozehound’ y ‘Mireille’ se encarga de reformar convincentemente el filo extrovertido del trío: el primero de estos temas lo hace de una forma más calculada, como para hacer más comedido el viraje de atmósferas, pero en el segundo ya se nota un vigor a niveles electrizantes (al modo del GURU GURU de “KanGuru” y el HENDRIX de la etapa de “Band Of Gypsies”) desde el cual la visión musical del grupo muestra abiertamente sus colores más sofisticados.

Durando solamente 2 ¼ minutos, ‘Fichelscher Sun’ es un breve ejercicio de espiritualidad relajada con dupla de guitarras acústica y eléctrica; acto seguido, ‘Ju-Ju Blues’ elabora un magnético jam de blues-rock psicodélico que suena a un HENDRIX Floydiano. ‘Sota El Cel’ es un breve preludio minimalista cósmico a la monumental pieza ‘Euporie’, que se extiende por casi 11 minutos. Aquí, el grupo desarrolla una poderosamente llamativa síntesis del dinamismo y la expresividad que antes se expusieron en ‘Homage’ y ‘Mireille’. Durando poco menos de 9 ½ minutos, ‘Eternal Flow’ cierra el álbum con un enérgico ejercicio de espiritualidad lánguida, de tendencia minimalista, la cual exhibe imágenes sonoras de hogueras introspectivas a través de una cadencia lenta y cautivadora. La presencia de algunas atmósferas de tipo post-rockero se hace notar efectivamente.

 

Todo esto fue “Euporie Tide”, un manifiesto convincente de la psicodelia de nueva generación que se está haciendo en la escena underground escandinava: la verdad que este grupo danés CAUSA SUI es una entidad que vale la pena explorar en serio dentro de nuestras colecciones art-rockeras. 

Muestras de “Euporie Tide”.-

Homage: http://www.youtube.com/watch?v=EF7xq-vFWTY

The Juice [video-clip]: http://www.youtube.com/watch?v=ShaVBHvTfBc

Eternal Flow:  http://www.youtube.com/watch?v=m5tZbdGX-_4

Rescatando el legado de KHORUS

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Hoy descubrimos a KHORUS, cuarteto nacido en Sevilla en 1974 y que logró sobrevivir unos 4 años haciendo música progresiva mientras era ignorado por el sistema del negocio fonográfico. La idea de KHORUS y la composición de los temas surgieron desde la iniciativa de Fernando Carmona [guitarras eléctricas y electro-acústica] y Jesús Carmona [piano eléctrico y sintetizadores]. Siendo el primero autodidacta y contando el segundo con estudios de música en el Conservatorio de Sevilla, ambos compartían una común afición entusiasta por lo que entonces era el modelo de grandiosidad en el lenguaje del rock: el género progresivo. La línea de trabajo de KHORUS, completado por Juan Falero [bajo] y Juan Carlos Nieto [batería], consistía en un prog sinfónico de amplias connotaciones cósmicas y ciertos guiños al swing y las cadencias propias del jazz-rock. A pesar de haber cultivado un público de culto en sus actividades en vivo en varios lugares de Andalucía y gozar de un amplio respeto de parte de los organizadores de conciertos e ingenieros de sonido que los escuchaban tocar, KHORUS no recibió el más mínimo gesto de atención de parte de las casas discográficas a cuyas puertas llamó. En fin, el transitar de la banda terminó en 1978 sin poder presumir de haber grabado un disco por lo menos. El siguiente paso fue transformarse en BOLA BANDA ELECTRÓNICA, y de allí pasar a GRUPO Q, lo cual le dio más réditos comerciales a Fernando en su momento, pero ése es otro cantar. Concentrándonos en el caso de KHROUS, se valida el refrán de que hay mal (como el olvido) que cien años dure, por lo que el colectivo Arabiand logró en 2010 rescatar en el CD “Suite” el breve pero estupendo legado que KHORUS dejó para la vanguardia andaluza de aquel momento. La publicación concreta se dio en febrero del año 2011. “Suite” recoge: una suite progresiva simplemente titulada así, ‘Suite’, la misma que fue grabada como maqueta en el exclusivo (y único) estudio sevillano de PlaySur, y; dos temas registrados en vivo en un concierto que tuvo lugar en Huelva en 1978.

La suite abarca un espacio de más de 24 ½ minutos y se focaliza en una imaginería distópica marcada por un mundo híper-tecnologizado y un rol nulo del individuo como entidad capaz de autodeterminación. Así las cosas, St. K., el protagonista de este relato tiene que escapar del sistema político y esconder un valioso artefacto inventado por él en el Bosque de Khorus. Veamos los títulos de las secciones que la conforman: ‘Silencio Y Aparición’, ‘En La Entrada’, ‘Detectores De Controles De Inseguridad’, ‘Espías’, ‘Esos Ecos’, ‘Esperando’, ‘Ascenso’, ‘No Te Escondas’, ‘Perseguidos’ y ‘Evasión’. Hablando desde lo estrictamente musical, ‘Suite’ se enmarca dentro de un sinfonismo donde claramente se alternan ribetes cósmicos (afines a los estándares de PINK FLOYD, NOVALIS, PULSAR…) con estilizaciones melódicas bien consumadas (afines a YES y CAMEL). Tal vez se dé la sensación a veces de que una sección es demasiado corta pues goza de un obvio gancho melódico o invita a que el solo de guitarra en curso se imponga por un espacio mayor del que dispone de facto, pero en líneas generales cabe calificar a esta ‘Suite’ como impresionante y gratificante. Las ilación de las tres últimas secciones incorpora alegres grooves jazzeros a la cuestión, permitiendo así que la ‘Suite’ se cierre con un aura extrovertida. El hecho de que esta composición sea del año 1975 y anticipe por algunos años lo concretizado magistralmente por bandas como CAI, IMÁN y AZAHAR añade una importante dosis de admiración por el mérito de esta creatividad que se explaya ante nuestro oídos.

Los dos siguientes temas con los que se completa este rescate musical proceden de un registro en vivo de calidad mediocre en cuanto al aspecto técnico del sonido, pero de gran valor estético. El primero, titulado ‘1072’, despliega una ágil mezcla de energía esotérica a lo MAHAVISHNU ORCHESTRA con la ambiciosa estilización de FOCUS; cabe destacar especialmente los solos y ornamentos de guitarra que elabora Fernando, realmente monumentales, aunque queda claro que el brillo de la pieza se debe esencialmente al inteligente engranaje de la banda de forma integral. El segundo tema, ‘Dagas Flameantes En Los Horizontes Vencidos De Córdoba’, se centra en atmósferas flotantes de corte space-rock-sinfónico donde los teclados ocupan el rol protagónico en la colocación y desarrollo de aires arábigos. Funciona muy bien como cierre de la experiencia melómana del CD en tanto que su aureola cósmica es eficazmente envolvente… pero quién sabe si no hubiera funcionado mejor como parte inicial de otra suite… Pero en fin, es lo que hay y lo que existe de KHORUS tiene suficiente gallardía y suficiente creatividad para ser valorado como lo que es: un magnífico tesoro otrora perdido del rock progresivo andaluz que ahora ha sido rescatado para beneplácito de los conocedores coleccionistas de rock artístico. ¡Atención a esto!

Muestra de “Suite”.-

Suite: https://5lunasproducciones.bandcamp.com/track/suite

RICARDA COMETA o el art-rock como delirio lúdico

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión se da el momento de presentar al trío argentino RICARDA COMETA, conformado por los guitarristas Jorge Espinal y Luciano Vitale y la baterista Tatiana Heuman. Cabe señalar que el primero de los dos guitarristas mencionados es oriundo del Perú, pero emigró a inicios del nuevo milenio a Argentina. Extroversión neurótica, espiritualidad festiva y arquitectónica intrincada conforman el tridente básico que opera como cimiento de la propuesta de RICARDA COMETA; para decirlo de una forma más específica, dicha propuesta articula recursos del math-rock, el no-wave, la psicodelia obsesivamente pulsátil de herencia NEU! y el rock-in-opposition en sus dimensiones más áridas (pensamos en ART BEARS, ETRON FOU LELOUBLANC, MASSACRE). Todo esto hallamos en el disco homónimo de este trío, publicado en el pasado mes de mayo tanto en su blog de Bandcamp como en formato físico. El modus operandi de la banda se enfila totalmente hacia la creación improvisada y un continuo recurso de las guitarras preparadas (insertando chapas metálicas entre las cuerdas) en oposición a los muy acostumbrados pedales: estos indicios revelan cuán comprometido está el trío con el sentido de aventura propio del avant-garde en el arte del ruido. 

La dupla inicial de ‘Dale Matraca’ y ‘El Sin-Chapa’ pone casi todas las cartas sobre la mesa respecto a la intención de RICARDA COMETA de compartir con el oyente sonoridades y esquemas rítmicos rockeros que transmitan desfachatez dadaísta y vigor inteligentemente articulado mientras cuestionan severamente los estándares del rock en sí. Un poco menos laberíntico pero igualmente pertrechado en la lógica de lo machacón con miras a crear nuevas modalidades de incomodidad estética, ‘Mango Biche’ refleja una visceralidad inquieta y juguetona. El tema más largo del disco es ‘Más Allá Vente Más Pa Acá’, ocupando un espacio de 6 ½ minutos. Aquí el trío nos muestra un nuevo ordenamiento de su visión musical, uno más oscuro y perturbador, aunque no tanto por lo siniestro sino porque los afanes de desestructuración están siendo llevados hacia límites más amplios – así, el resultado final es osado, bien enmarcado en la densidad deconstructiva de la musique concrete, estrechamente conectado con el dinamismo postmoderno de los legendarios HENRY COW en su época de “In Praise Of Learning”. Más adelante, en ‘Tembleque’, el grupo volverá a investigar este lado oscuro de su esencia sónica, aunque con niveles de tensión más comedidos, incluso señalando cierta aureola reflexiva. En medio de estas excursiones peculiares, el trío se retrotrae hacia las pulsaciones machaconas con ‘Glaseando El Camote’ (en base a un manejo irreverente de cadencias Latin-jazzeras) y la neurosis lúdicamente dadaísta de los dos primeros temas con ‘Empina El Codo’. Finalmente, ‘Los Animales’ ocupa los 2 últimos minutos y pico del álbum con una vitalidad que bien suena a un híbrido del PRIMUS más aventurado y el estándar de MASSACRE.

Es un poco frustrante que este disco dure menos de media hora, pero dentro del contexto general de esta situación, se trata de una queja muy menor, pues la música que hace RICARDA COMETA merece una celebración por su ingenio y vigor.

Muestras de “Ricarda Cometa”.-

Dale Matraca: http://ricarda-cometa.bandcamp.com/track/dale-matraca

Más Allá Vente Más Pa Acá: http://ricarda-cometa.bandcamp.com/track/mas-alla-vente-mas-pa-aca

Una estupenda caminata musical con DUSAN JEVTOVIC

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

El guitarrista serbio afincado en Barcelona DUSAN JEVTOVIC se ha lucido tremendamente con su primer disco publicado por MoonJune Records “Am I Walking Wrong?”, segundo en su haber personal después de su trabajo debut “On The Edge”, que data del año 2009. Lo que JEVTOVIC y sus compañeros de viaje Bernat Hernández [bajo sin trastes] y Marko Djorjevic [batería] nos traen con “Am I Walking Wrong?” es una serie de excursiones bien armadas en una amalgama de jazz-rock, psicodelia y rock progresivo cuyo ingenio inherente es manejado sin desbordes ni exabruptos. En efecto, este ensamble de power-trío maneja las cosas con un buen sentido de la mesura y un nervio elegante que se amolda muy bien tanto a los momentos de expresividad pletórica como a esos otros momentos donde reinan la sutileza y la introspección. Y sobre todo, se nota un esquema sonoro muy macizo que solo en muy contadas ocasiones se enriquece con overdubs: la mayor parte del tiempo escuchamos al grupo en todo el crudo esplendor de sus diálogos musicales. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de este disco.

‘You Can’t Sing, You Can’t Dance’ empieza al modo del hard rock de vieja escuela al estilo clásico de JEFF BECK, con ciertos aires Zeppelinianos metidos allí en los momentos en que el guitarreo y la dupla rítmica se amalgaman al 100% durante el básicamente sencillo desarrollo temático. Por su parte, ‘Drummer’s Dance’ ofrece esto mismo pero con un dinamismo más complejo que nos remite al estándar jazz-progresivo con matices psicodélicos. El breve solo de Djordjevic tiene suficiente intensidad como para generar un excitante clímax antes del final. En medio de ambos temas, la pieza homónima nos muestra una traducción jazz-rockera del discurso Hendrixiano; aunque la guitarra de JEVTOVIC se hace notar en todo su esplendor muscular, es el baterista Djordjevic quien carga sobre sus hombros la senda de sofisticada vitalidad sobre la que se despliega la armazón de la pieza. Con esto ya tenemos 13 minutos y pico de certidumbre en torno a lo que nos espera de esta experiencia melómana, siendo así que ‘One On One’ retoma la nostalgia Hendrixiana y la lleva más a fondo hacia sus inmortales raíces: parece casi un homenaje a esos tiempos de “Band Of Gypsys”. ‘In The Last Moment II’ (cuyo título alude a una continuación de un tema incluido en su disco anterior “On The Edge”) es un jam introspectivo en 11/8 donde el grupo se prodiga en recoger la dimensión etérea del paradigma de MAHAVISHNU ORCHESTRA para barnizarla con pinceladas de densidad Crimsoniana finamente explayadas para que el colorido resultante sea todo menos chillón.

‘Embracing Simplicity’ hace honor a su título trabajando, a través de un espacio de 6 ¼ minutos, un motif armado sobre una simple secuencia de dos acordes y con una armazón rítmica sencilla: a partir de esto, la banda explora variaciones de ambiente y crescendos, incluyendo algunos de los mejores solos que se prodiga JEVTOVIC en todo el álbum. Tras la simpleza alevosa del sexto tema, el séptimo, titulado ‘Third Life’, pasa al minimalismo en base a un esquema temático sutil y misterioso que la banda explora con la actitud de refugiarse en recovecos introspectivos para crear sobre el camino atmósferas y trucos extravagantemente etéreos. ‘Tra-Ta-Ta-Ta’ es un jam de rock duro brevísimo (dura menos de un minuto) que sirve de antesala para el divertido tema ‘Bluesracho’, el cual remodela la frívola alegría del blues-rock con un moderado manejo de nervio propio del rock duro. Se trata, sin duda, de una pieza amena y pegadiza, portando un optimismo frontal al modo que antes disfrutamos en ‘You Can’t Sing, You Can’t Dance’. ‘If You See Me Again’ cierra el álbum en perfecto contrapunto con el penúltimo tema, exhibiendo un constreñido ambiente de melancolía animado por el contraste entre evocativos desarrollos armónicos de guitarra acústica y ornamentos psicodélicos de la guitarra eléctrica.

Todo esto fue “Am I Walking Wrong?”, un disco agradable y muy interesante en el que el jazz-rock se muestra en una doble vertiente de búsqueda de vigores nuevos y rescates solemnes de algunos parámetros inmortales de la tradición rockera: DUSAN JEVTOVIC y sus secuaces se han lucido en este disco bastante recomendable.

Muestras de “Am I Walking Wrong?”.-

Am I Walking Wrong?: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/am-i-walking-wrong

In The Last Moment II: http://www.youtube.com/watch?v=mTJ5CfbPNs8

La nueva evidencia de TAYLOR'S UNIVERSE

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Habiendo registrado el disco “Worn Out” a inicios del presente año 2013 y volviendo a registrar otro nuevo titulado “Evidence” antes de que acabe el año, el talentoso y diestro multi-instrumentista danés Robin Christian Taylor ha evidenciado que se encuentra en una etapa creativa tremendamente intensa al mando de su proyecto jazz-progresivo TAYLOR’S UNIVERSE. Y no olvidemos mencionar la creación del antepenúltimo disco “Kind Of Red” que tuvo lugar en la primera mitad de 2012. Sí, realmente Robin Taylor está en una fase muy interesante como creador de música vanguardista desde su nicho escandinavo. Uno de los atractivos más notorios de “Evidence” es que en él aparecen como ilustres invitados dos veteranos de la primera generación progresiva danesa: el saxofonista-clarinetista Karsten Vogel y el guitarrista Claus Bøhling, de SECRET OYSTER (hay que añadir que Vogel ha venido colaborando varias veces con Taylor). Los demás músicos son el baterista Klaus Thrane y el teclista Thomas Thor Viderø Ulstrup: este último brilla con varios solos geniales de sintetizador en diversos momentos del disco. Taylor, por su parte, se reparte en las guitarras, teclados, bajos y percusiones como siempre, además de añadir algo de flauta. Adelantamos que el núcleo sonoro de “Evidence” tiene una inclinación mucho más pronunciada hacia lo lírico que en los trabajos precedentes: el muestrario de este álbum se distancia un poco del híbrido de chamber-rock, jazz-rock y progresivo vanguardista que se mostró tan ostensiblemente en “Return To Whatever”, “Kind Of Red” y “Worn Out” para centrarse en el factor jazz-progresivo de una manera notablemente focalizada. Además, teniendo en cuenta que la sección de vientos se reduce a un miembro (cuando en general estaba a cargo de dos músicos), se da la oportunidad de que los solos de teclado cuenten con más espacio potencial de expresividad... y en efecto, así es la cuestión. Vayamos a los detalles del repertorio de inmediato.

El repertorio del álbum consta solamente de cuatro piezas, siendo así que la primera se extiende por un espacio de casi 15 minutos y el segundo dura casi 12. ‘Buildings’ abre el álbum con un aura de serenidad otoñal, sostenida por suaves acordes de guitarra, flotantes capas de teclado y una impecable ingeniería etérea a cargo de la batería. En base a estos cimientos sónicos, se despliegan fraseos solistas de saxo, guitarra y clarinete, siendo así que cuando estamos en el octavo minuto se empieza a notar un crescendo de tensión manejado con elegancia. Poco antes de llegar a la barrera del undécimo minuto y medio, la pieza vira momentáneamente hacia un esquema rítmico más frenético, lo cual es aprovechado para que se descargue abiertamente la tensión hasta entonces contenida a través de los alternantes solos de guitarra y sintetizador. Esta emergencia climática dura poco, pero es efectiva para completar cabalmente la ambientación desarrollada y reforzada durante los primeros 11 minutos. El final de ‘Buildings’ llega con tonalidades cósmicas que se imponen de manera abrupta, incluyendo unas hermosas florituras de saxo soprano como lazo que ata un paquete de regalo: es una coda bizarra y efectiva a la vez. El segundo tema, ‘Red Afternoon’, cuenta con la intervención adicional de Louise Nipper al canto. Se trata básicamente de un jam semi-lento en clave de 8/8 que más adelante se torna a 7/8. El ensamble explora las posibilidades de una atmósfera reflexiva, colocándola como centro recurrente y elaborando una vitalidad que le permita mantener su magnetismo musical durante todo su transcurso. Muchos de los guitarreos que tienen lugar se apoyan en su filo psicodélico para brindar un elemento extra de vigor expresivo a la idea central: se notan confluencias con el factor evocativo del Canterbury (a lo GILGAMESH) y HAPPY THE MAN en la ingeniería sónica que el grupo elabora con pulso y buen gusto. ‘Marie Marolle’ comienza recibiendo el impacto de la pieza inmediatamente precedente en cuanto a la centralización de cierto tipo de atmósferas reflexivas, pero en el caso particular de este tercer tema del álbum tenemos un toque mayor de agilidad y extroversión merced a la robusta musculatura exhibida por la guitarra. La irrupción de un interludio juguetón empapado de aires sinfónicos instaura un clima de refinada extravagancia al asunto antes de que el cuerpo central retorne para impulsar otro fabulosamente electrizante solo de guitarra, esta vez sucedido por un solo de sintetizador no menos exultante. ‘Forever And A Day’ cierra el álbum con la mayor exhibición de colorido sonoro del álbum, instaurando una atractiva combinación de los legados de CAMEL, FOCUS y HAPPY THE MAN con oportunos matices añadidos afines a los estándares del jazz-prog contemporáneo (FORGAS BAND PHENOMENA y THE WRONG OBJECT, p.e.). Un broche de oro, sin duda, aunque tal vez merecía un final épico culminante en vez de un fade-out, pero bueno… se trata de una observación muy trivial, minúscula, para ser más exactos.    

Nuestro balance final es que tenemos en “Evidence” poco menos de tres cuartos de hora de gloria musical al más puro estilo de TAYLOR’S UNIVERSE; o sea, más de la misma calidad musical y más del esplendor creativo al cual nos tiene acostumbrados el maestro Robin Taylor. Esta banda parece ser inmune a decaimientos y errores: ¡disfrutemos de su música mientras siga significando algo importante dentro de la avanzada progresiva europea de nuestros tiempos!

Muestra de “Evidence”.-
Buildings: http://www.youtube.com/watch?v=XBzfsQs0k7Y 

LIQUID CASING nos trae una excelente proclamación prog-psicodélica

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Hoy nos topamos con un joven cuarteto estadounidense formado en Houston (Texas) a inicios del nuevo milenio: LIQUID CASING. Sus integrantes son el guitarrista-vocalista Alvaro Rodriguez, el bajista Jim Stettner, el saxofonista-teclista Okikiolu Olufokunbi y el baterista-percusionista John Pilate. Lo traemos a colación por causa de su reciente disco “A Separate | Divide”, el cual sucede a su disco debut de 2007 “An Empty Sparkling Light”; se trata de uno de los discos más ostentosos en cuanto a sonoridades poderosas y urgentes que se han hecho en el underground progresivo estadounidense durante el presente año 2013. Su propuesta musical se basa en un cruce entre las viejas escuelas del stoner y la experimentación progresiva psicodelia y las nuevas tendencias del post-rock y el post-metal. Este disco está conceptualmente armado en torno a una visión crítica de las políticas de división y la crisis de unidad cívica en las sociedades contemporáneas: sin duda, la agudeza de las armazones instrumentales que inundan el disco ayudan a darle un oportuno paisaje sónico a estas nociones. 

‘A Path Of Footprints Forged In The Midnight Sun’ abre al álbum con fuerza de carácter pura y plena: ese aire de HAWKWIND razonablemente aliviado de su esencial crudeza por la intromisión de eventuales aires space-rockeros a lo STEVE HILLAGE marca un estupendo inicio que inmediatamente después será capitalizado por ‘Alambrista’. Esta pieza perpetúa esa faceta árida de la psicodelia de vieja escuela que nunca pierde su esencia vigorosa a lo largo de los años y décadas, ornamentándola con pertinentes variables de ritmos y atmósferas que también beben de aguas más contemporáneas como las del post-metal  de RUSSIAN CIRCLES. ‘Fingerprint Armada’ vuelve a la airada y expresionista desolación de ‘A Path Of Footprints Forged In The Midnight Sun’, esta vez con un teclado que suena como órgano de fuelles, logrando darle un cariz un tanto épico al asunto. ‘The Line Which Divides’ es un tremendo vuelo instrumental que articula un inteligente híbrido entre el lado retro-kraut de unos THE MARS VOLTA y el vitalismo rotundamente crudo del GONG pre-“Flying Teapot”. ‘For A Memory Erased’, con sus 10 minutos de duración, se erige como el tema más largo del disco. Se trata de una canción con un pathos bastante descarnado, y aún así, renuncia a toda languidez y hace de su lamento una expresión de espiritualidad expansiva: eso explica que la instrumentación sea tan alevosamente maciza, basada en una ofuscada confluencia de los estándares de RED SPARROWES y RUSSIAN CIRCLES con aires añadidos del Floydismo añejo (aquella etapa del “Ummagumma”). 

‘Non Linear Solution’ es un excitante momento instrumental que se eleva a través de poderosas escalinatas sonoras explayadas en un crescendo que implosiona desde la energía propia de su motif básico. La banda sabe darle vueltas a esta mezcla de space-rock y post-metal sin perder la frescura ni el sentido de permanente excitación. ‘Checkpoints And Borders’ es una balada de base acústica en 3/4 donde la banda explora su lado intimista, cuasi-bluesera, antes de dejarse invadir nuevamente por sus demonios extrovertidos en ‘An End To A Means’. De hecho, ‘An End To A Means’ toma varios de los elementos más impactantes de ‘The Line Which Divides’ y ‘Non Linear Solution’, metiendo algunos factores stoner en la mezcla, y así lleva al álbum hacia su último cenit de explosividad psicodélica. Pero aún falta ‘Riot Path’ para cerrar el álbum, el cual despliega una densa serenidad emocional bajo ropajes de post-rock y psicodelia pesada, mientras que la dupla rítmica incorpora cadencias jazz-rockeras a su labor. Esto significa que el grupo tiene la intención de darle un broche de explícita sofisticación al disco, una idea muy efectiva, valgan verdades.  

 

Con “A Separate | Divide” tenemos una de varias muestras nuevas de la renovación tan interesante que viene experimentando en los últimos años el underground psicodélico estadounidense: LIQUID CASING nos ha sorprendido gratamente, vaya que sí.

Muestras de “A Separate | Divide”.-

Alambrista:  http://liquidcasing.bandcamp.com/track/alambrista

For A Memory Erased: http://liquidcasing.bandcamp.com/track/for-a-memory-erased

An End To A Means: http://liquidcasing.bandcamp.com/track/an-end-to-a-means

KORAI ÖRÖM y su ritual space-rockero para el año 2013

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El colectivo húngaro KORAI ÖRÖM vuelve a la carga con un nuevo disco publicado en marzo de 2013… y titulado justamente así “2013”. El ensamble conformado por los guitarristas Andor Kovács y Péter Szalai, Miklós Paizs (que está a cargo de la fuyara, el arpa judía y la trompeta), el teclista Gábor Borosi, el vocalista Tibor Vécsi, el bajista Zoltán Kilián, el baterista Viktor Csányi y los percusionistas Zsolt Nádasdi y János Jócsik, concretiza su noveno trabajo de estudio – el quinto con título del año de edición – para poner un nuevo grano de arena dentro de la vertiente space-rockera que nunca deja de crecer en el seno de la actual escena progresiva de Europa del Este.

El álbum abre y cierra respectivamente con ‘Dawn Raga’ y ‘Night Raga’. La primera de estas Ragas instaura un clima ensoñador bastante agradable, sacándole el jugo a un motivo constante que nunca llega a cansar a lo largo de su expansión de 7 ¾ minutos; la segunda Raga, por el contrario, se centra en espartanos diálogos entre las dos guitarras para cerrar el álbum con un tenor meditabundo que coquetea con ciertos estándares del post-rock. Lo que sucede en el medio es un estupendo catálogo de atmósferas y cadencias ingeniosamente elaboradas bajo coordenadas rockeras cósmicamente estilizadas. ‘Arab Spring’ impone climas exóticos bajo un revestimiento rotundamente electrizante, rebosante de ímpetu y vibraciones frenéticas; su temprana aparición en el repertorio lo convierte en un tema climático bastante motivador para el oyente. ‘Victory’ traduce este frenesí a un esquema rítmico más contenido cuya cadencia tiene mucho de los OZRIC TENTACLES de los primeros años; por su parte, ‘Periodic’ retoma el impulso rockero anterior con un arreglo musical más marcadamente sofisticado. ‘Afro’ recicla el vigor rockero esencial del grupo para ajustarlo a las exigencias del encuadre tramado entre los sintetizadores y el bloque percusivo, encuadre que diseña el motivo central de la pieza. Aunque se trata de un ítem tan colorido como cualquiera de los anteriores, porta un cierto hálito ritualístico que lo convierte en una refrescante brisa musical conveniente tras muchas exhibiciones de garra inapelable.

 

‘Deltoid’ regresa orgullosa y ostentosamente a las atmósferas y delineamientos arabescos, aunque en comparación con ‘Arab Spring’, aquí el grupo teje un aura etérea bastante oportuna para refrescar su constante sensibilidad enérgica y capitalizar su faceta más evocativa: hasta cierto punto, establece una continuidad con la frescura étnica de ‘Afro’, pero queda claro que la extroversión rockera es el factor predominante aquí. ‘J.M.J.’ mantiene la expresividad dentro de un margen relativamente contenido, haciéndose eco de la exultante magia de ‘Victory’ y ‘Periodic’. Durando solamente 3 minutos, ‘Dissolve’ desarrolla un sortilegio de tendencia minimalista antes de que ‘Night Raga’ emerja para finiquitar las cosas, tal como dijimos antes, con una languidez etérea y meditabunda. 

Todo esto fue “2013”, un disco que enfatiza sólidamente el modus operandi de KORAI ÖRÖM y que seguramente servirá para seguir asentándola como una de las propuestas más atractivas de la psicodelia étnico-progresiva actual.

Muestras de “2013”.-

Arab Spring: https://soundcloud.com/koraiorom/korai-r-m-2013-2-arab-spring

Deltoid: http://www.youtube.com/watch?v=uo4Khr3ByG8

La psicodelia voladora y plenamente identificada de 3AM

 

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Hoy se da la ocasión de presentar a 3AM, proyecto de experimentación rockera kraut-noise-psicodélica creado por el guitarrista peruano “Chino” Burga (LA IRA DE DIOS, LA GARÚA, etc.). Su primer trabajo “UFO Blues Tapes” ha sido editado en vinilo por el sello danés Levitation Records y en formato digital por el sello local Ogro Records. Bajo las fuertes huellas de las tradiciones del space-rock, el drone, la dimensionalidad oscura de la experimentación electrónica y el kraut ostentosamente pulsátil a lo NEU! (y algo de CAN también), Burga gesta un catálogo de sonoridades furiosas y vitalistas revestidas bajo bloques cibernéticos de guitarreos filtrados cibernéticamente, loops y efectos computarizados varios. En concierto, el proyecto se transforma en una acción dual gracias a la presencia de J.P. Kaiser, quien aporta una segunda guitarra para trasladar la fuerza de carácter del material de estudio hacia una dimensión amplificada. 

Vayamos ahora al disco en sí. El tema de inicio es ‘Can’t Stand’, y empieza con un fragmento de la introducción del clásico del cine de ciencia-ficción cutre ‘Plan 9 From Outer Space’ antes de que Burga dé rienda suelta a su mecanizado frenesí, inspirado al unísono por los legados del NEU! de los dos primeros álbumes y la faceta más rabiosa de SONIC YOUTH. ‘Endless Road’ sigue a continuación para remodelar este frenesí con un aura de distante melancolía (recordándonos de algún modo al VELVET UNDERGROUND clásico), pero igualmente apostando por una visceralidad incandescente. De hecho, a medida que nos vamos acercando al final, el vigor expresivo de la guitarra va in crescendo mientras el canto de Burga sigue ostentando su languidez terca. ‘UFO Blues II’ se proyecta hacia una densidad cósmica arrolladora relativamente semejante a la que hallamos en el estándar del primer ASH RA TEMPEL, una densidad que flota en el aire como una neblina pesada antes de que ‘The Calling’ haga una remodelación stoner de la dinámica cibernética introducida en la secuencia de los dos primeros temas. ‘The Calling’ incluye uno de los más fantásticos solos de guitarra en todo el álbum, muy a lo David Gilmour. ‘People Of The Dusk’, curiosamente, establece una síntesis bien definida de las atmósferas de ‘Endless Roads’ y ‘The Calling’. ‘UFO Blues I’ nos brinda otro momento de abstracciones solitarias de guitarreos recargados, un momento de tensa introspección que antecede a la explícita robustez de ‘Sonic’ – una perfecta mezcla de la vitalidad irreverente de HAWKWIND y la musculatura machacante de NEU! Llegamos ahora a la última canción del disco: ‘Girl’. Iniciándose con un fragmento de ‘Black Sunday’, otro clásico (y mucho mejor) del cine de horror, esta pieza se caracteriza por contener la secuencia rítmica más trepidante del álbum mientras que los guitarreos se dedican a explorar cadencias cósmicas a fin de darle a la intensidad reinante un factor un poco más “etéreo”.

Lo que nos ofrece 3AM con este disco debut es una muy interesante muestra de la pasión y el vigor que constantemente alimentan la creatividad que tiene lugar en el underground peruano. Mantengamos atentos nuestros oídos a esta escena.

Muestras de “UFO Blues Tapes”.-

Endless Roads: https://soundcloud.com/3am-ufo-blues-tapes/02-endless-roads

The Calling: https://soundcloud.com/3am-ufo-blues-tapes/04-the-calling