ANTONIO SEVERI: música para las reflexiones matutinas

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos atención al genial guitarrista italiano ANTONIO SEVERI, integrante del grupo boloñés STEREOKIMONO, quien el año pasado editó su trabajo solista “Sunday Morning” con una base fundamentalmente predominante de guitarras acústicas. Si en el grupo STEREOKIMONO se trabaja una propuesta progresiva innovadora y ecléctica donde se llenan espacios sonoros con solvencia e ingenio – de hecho, se trata de una de las mejores bandas progresivas italianas de los últimos años –, ANTONIO SEVERI ha optado en esta aventura en solitario por investigar en sus propias inquietudes dentro de un discurso musical más relajado. Es fácil caer en comparaciones o paralelos con ANTHONY PHILLIPS o el lado folk de MIKE OLDFIELD cuando aborda discos compuestos con este tipo de enfoque, pero ante todo cabe apreciar a “Sunday Morning” como un trabajo donde se apuesta por la belleza como ideal a través de varios recursos de serenidad y suavidad emocional. Veamos los detalles del mismo a continuación.

Tres de los cuatro primeros temas del álbum despliegan diversas encarnaciones de soltura refrescante y relajada: ‘Sailing’ exhibe una actitud etérea, ‘La Grande Maraglia’ elabora una majestuosa serenidad que a ratos porta una controlada tensión, y ‘Fra’ se manifiesta en una calidez sobria, algo tímida, pero patente sin lugar a dudas. Dentro de este bloque, el tercer tema, ‘Blinding Light’, nos remite a un aura de reflexiva introversión a modo de efectivo contrapunto. Ahora que contamos con una buena perspectiva de lo que nos aguarda en el conjunto entero del repertorio del disco es cuando se nos ofrece la pieza homónima, la misma que nos devuelve un poco a la calidez tímida de ‘Fra’, acercándola un poco a lo introvertido pero con una fuerza de carácter que se hace sentir en las agitaciones de las cuerdas mientras el núcleo melódico se desarrolla. ‘Onde’, pieza en la que Severi nos lleva a los parajes más sofisticados de este viaje musical, transportándonos s través de hermosas series de arpegios que emulan las olas del mar con sublime exquisitez. Los ornamentos de guitarra eléctrica que entran a tallar en el clímax intermedio le dan un aire casi “orquestal” al desarrollo temático. Sin duda, se trata de un magnífico cénit del disco. La prestancia virtuosa con que SEVERI antes nos había regalado ‘Onde’ deja paso al retorno a la extroversión etérea que se impone en la arquitectura de ‘Il Fiume’, y acto seguido, a su variación juguetona en ‘Slow Train To Tucson’. Estando estas dos piezas en orden sucesivo, él músico puede explayarse a sus anchas en los matices más vitalistas de su propuesta.

Un viraje de tenor aflamencado emerge en ‘Colors’: SEVERI se siente cómodo explorando estos parajes tan particularmente reconocibles… y que sin duda suponen un desafío para el músico, un desafío del cual sale bien parado al manejarlo con una estilización sólida y bien articulada. ‘A Rainy Afternoon’ ostenta una majestuosidad otoñal que sirve como perfecto puente de tránsito hacia la serenidad crepuscular que nos regala ‘Il Vecchio E Il Mare’, un tema bellísimo que se focaliza en retratar meditaciones de una gesta y no tanto el drama de la gesta misma. La amalgama de múltiple guitarras acústicas porta una magia delicada donde cada nota y cada escala ocupan su justo lugar con la dosis adecuada de color. Así concluye “Sunday Morning”, un trabajo donde ANTONIO SEVERI nos muestra en su total desnudez la dimensión contemplativa de su ser, convirtiéndola en una música donde su guitarra y su corazón son dos caras de una misma entidad.

Muestras de “Sunday Morning”.-

Onde: http://www.youtube.com/watch?v=2qJEJRa4ls8

Sunday Morning [en vivo]: http://www.youtube.com/watch?v=V3sS42nz6oI

Cuneiform Records reprend le PRESENT

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Hoy es momento de evocar y exaltar los dos primeros discos del grupo belga PRESENT,  gestado por el guitarrista-pianista Roger Trigaux como proyecto colateral a su membrecía en UNIVERS ZERO, pero que pronto pasó a ser un grupo con actividad real en conciertos en vivo, pasando instantáneamente a ser un referente de alcurnia para el rock-in-opposition belga en el mismo nivel que el “grupo matriz”. Bueno, Trigaux se vio obligado a abandonar la matriz a fin de mantener a flote y desarrollar esta nueva vida sónica que había creado. Es una gran alegría para los conocedores y apreciadores de esta vertiente progresiva europea el que el sello Cuneiform Records decidiera reeditar sus dos primeros discos, “Triskaïdékaphobie” y “Le Poisón Qui Rend Fou”, en versiones remasterizadas y ampliadas con bonus tracks. El primero de estos discos fue publicado originalmente a fines de 1980 por el sello independiente francés Atem Records, mientras que el segundo lo fue a inicios de 1985, aunque sus sesiones de estudio habían tenido lugar en 1983. Qué bueno que ya existía el sello Cuneiform Records desde el año 1984 y tuvo interés en publicar ese segundo disco. 

Es fácil de imaginar que la razón de diversificación que dio origen a PRESENT no procede de la incompatibilidad de visiones musicales, dada la naturaleza vibrantemente tétrica y misteriosa del repertorio del grupo: además, tenemos en el disco debut “Triskaïdékaphobie” al baterista-percusionista Daniel Denis y al bajista Christian Genet, hasta hace poco compinches de Trigaux en UNIVERS ZERO, no solo como miembros del grupo, sino también aportando mucho de su propia energía para el desarrollo de las piezas del repertorio. Vamos, que no están en plan de meros músicos invitados. La cosa iba por el lado del deseo de parte de Trigaux por asegurar un espacio casi exclusivo a sus propias ideas musicales, especialmente en lo que se refería a poner más énfasis en la fuerza del lenguaje del rock a la hora de practicar el paradigma progresivo vanguardista que él mismo había ayudado a forjar como miembro de UNIVERS ZERO. El cuarteto inicial de PRESENT se completó con el teclista Alain Rochette. “Triskaïdékaphobie” es, ante todo, un discazo, todo un prodigio de cómo el RIO puede gestar una música cautivadora y rica en matices y ambientes a pesar de trabajar con ideas compositivas que están más del lado de la pulsación y lo minimalista que de los parámetros híper-melódicos del progresivo sinfónico estándar. La extensa pieza de apertura ‘Promenade au Fond d’un Canal’ ofrece una ingeniosa secuencia de esbozos sonoros internamente fraccionados que, en conjunto, completan un hermoso cuadro musical de contrapuntos, atonalidades ligeramente agresivas e inteligentes juegos con vacíos y pulsaciones: una mezcla muy bien armada de la herencia del KING CRIMSON 73-75 y UNIVERS ZERO, el referente inapelable. Rochette utiliza sus intervenciones de piano como pasadas constantes de barniz para los muros sonoros creados por la sección rítmica, mientras que Trigaux va dando rienda suelta a sus inquietudes Frippianas, con iguales dosis de entusiasmo y sutileza. Tras estos 19 minutos de tensión elegante e inquietante, las cosas se ponen incluso más siniestras con “Quatre Vingt”, un tema menos largo que apenas pasa los 15 minutos y medio de duración. Esta vez Trigaux toca el piano, dándole así un mayor espacio a las teclas blancas y negras en una alianza bien equilibrada con Rochette. Al igual que la pieza anterior, hay una homogeneidad fácil de notar y muy bien lograda de ambiente, pero en cambio, hay un mayor cambio de motivos y una mayor variedad de matices. La dupla rítmica ejerce una mayor dosis de potencia, a la par que aumenta a exhibición de sus inquietudes de naturaleza jazzera. El carácter explícitamente expresionista de esta pieza la convierte en la más llamativa del disco. En fin, ‘Repulsion’ (composición de Trigaux, Genet y Denis) muestra un aura terrorífica de manera directa con esa secuencia monolítica que se hace perturbadora con pasmosa facilidad y sin aspavientos: es un terror que grita en silencio.

Esta reedición de “Triskaidekaphonie” viene con dos joyitas nada desdeñables: dos versiones en vivo de temas de UNIVERS ZERO que son ‘Dense’ del álbum “Ceux Du Dehors” y ‘Vous Le Saurez En Temps Voulou’ del “Heresie”. Registrados ambos en un concierto que tuvo lugar en la ciudad de Bruselas en enero de 1981, en el Centro Cultural Halles de Schaerbeek, son muestras claras y directas del tipo de frenesí espartano y filudo que la banda era capaz de plasmar tanto en los discos de estudio como en el vivaz contexto de un escenario en vivo. El vigor oscurantista expuesto con una aridez espartana se hace sentir cuando se compara con las versiones más ornamentadas con vientos y violines que se lucen en las versiones originales. Pero… ¡esto es PRESENT! En 1985, Roger Trigaux y sus secuaces forjaron un magnífico sucesor de “Triskaïdékaphobie” en “Le Poisón Qui Rend Fou”, disco espectacular donde la banda mantiene la misma esencia densa y siniestra RIO, algo para lo cual aporta la presencia de la cantante Marie-Ann Pollaris con sus vocalizaciones enigmáticas y embrujadoras; es una pena que sus intervenciones sean tan esporádicas como colaboradora invitada, pues de lo contrario tal vez este repertorio hubiera contado con un matiz especial de particular relevancia. Pero para nada queremos utilizar este factor como objeto de crítica, pues el disco me parece estupendo tal como está. En todo caso, se nota un cierto realce de lo jazzero en el comportamiento de la sección rítmica (conformada por el genial Daniel Denis y el nuevo integrante, el bajista Ferdinand Phillipot), pero el núcleo de la columna vertebral del sonido grupal sigue patentemente orientado hacia la creación de oscuridad desafiante al modo de un ambiente propicio para el exorcismo de los demonios interiores. Otra cosa que ese nota es un énfasis en el despliegue de fuerza sonora en las porciones más tiradas hacia lo rockero – especialmente en las intervenciones de guitarra –, pero que quede claro que se trata de una diferencia de grado, no de estrategia creativa.

 

La primera parte de la suite homónima abre el disco con unas contundentes pinceladas de guitarra muy Frippianas, las cuales abren el camino para el desarrollo de la ilación de varias secuencias sostenidas sobre disonantes y minimalistas juegos de acordes a piano, sobre los cuales la guitarra flota varias veces como una opresiva nube de inquietud. La dupla rítmica de Denis y Philippot es simplemente magnífica – pocas veces encontraremos a un Denis haciendo tanta gala de su fibra e ingenio como arquitecto rítmico, incluyendo a los discos de UNIVERS ZERO. En la frontera del minuto 11 emerge un pasaje de piano hermoso, que reposa sobre un clima emocional sereno... aunque más justo sería decir que engañosamente sereno, pues cuando unos espartanos acordes de guitarra entran para dejar al ensamble regresar al espectro sonoro, nos reencontramos con la sombría inquietud de antaño, solo que esta vez portando un aura más reflexiva que propiamente opresiva. Los últimos 40 segundos son llenados por el reprise del primer motif. El disco sigue con ‘Ersatz’, una muestra de ingeniosa mezcla entre el Crimsonismo ochentero y el jazz, desplegado a través de unos medidos 5 minutos. Atención a la clase y pulcritud de Denis: este tipo de genio hay que oírlo detenidamente para creerlo. Lo jazzero se apodera de la escena en la coda que ocupa los últimos 20 segundos, logrando así completar su función de interludio oportuno entre las dos partes de la suite homónima. La segunda parte de ‘Le Poisón Qui Rend Fou’ se expande sobre un clima notoriamente circense, aunque claro, las coordenadas musicales que marcan la esencia de la banda los llevan a crear un ambiente propio de un festival macabro en el cual los artistas están dispuestos a sacar a la luz los más profundos temores del ser humano y burlarse insolentemente de ellos. En esta pieza, la tendencia orquestada del ensamble sale a relucir de una manera más imperiosa que en el repertorio precedente – la total fluidez con la cual los instrumentos van aportando sus elementos particulares dentro del todo da como resultado una amalgama sonora compactamente integrada en su estructura interna. Los retazos entrecortados y oscuro de guitarra y bajo de la sección de cierre hubieran llenado de orgullo al KING CRIMSON de la etapa del “Starless and Bible Black” y “Red” – en lo personal, hubiéramos preferido un desarrollo más ‘brutal’ del clímax y no un fade-out tan repentino, pero bueno, se trata de un buen final. 

En fin, la pieza que cierra el repertorio oficial del disco, titulada ‘Samana’, aligera un poco las cosas con una disposición más jovial durante sus primeros dos minutos y medio. Luego, las cosas se ponen más acorde con los pasajes más solemnes de la 1ra. parte de la suite, alternando éstos con otros pasajes más juguetones. El último medio minuto contiene un motif sereno, crepuscular, que huele a despedida y donde PRESENT exhibe su máxima expresión de refinamiento en lo que respecta a este disco. El primer bonus track de esta reedición es un vídeo en archivo QuickTime de un concierto de PRESENT a fines de enero de 1982, el último con la alineación original de la banda aún vigente, en la localidad francesa de Livry-Gargan. El otro bonus de “Le Poison Qui Rend Fou” es un disco entero donde se registra esa misma actuación en vivo de forma íntegra. El repertorio de este concierto ofrece una estupendo repaso de las dos largas composiciones del disco debut, además de las entonces nuevas composiciones ‘Ersatz’ y la primera parte de la suite ‘Le Poisón Qui Rend Fou’. Y como si esto fuera poco, también aparece ‘Chaos Hermetique’, una composición que aportó Trigaux a UNIVERS ZERO para las sesiones de “Heresie”. Ya conocemos esta pieza por la reedición de este clásico paradigmático del rock-in-opposition continental, pero lo que escuchamos aquí es una versión con un filo más agresivo y una vitalidad más árida, logrando así darle a la pieza en cuestión una dimensionalidad nueva a la vibración atosigadoramente tétrica que le es inherente.

Un gol desde el centro del campo y otro olímpico, eso es lo que se ha anotado Cuneiform Records a la hora de resucitar los dos primeros discos de PRESENT en el año 2014: dos golazos de antología para integrarse en cualquier buena colección de clásicos indiscutibles del rock progresivo de todo el mundo.

Muestras de PRESENT.-

Promenade Au Fond D’un Canal [extracto]: https://soundcloud.com/cuneiformrecords/present-promenade-au-fond-dun-canal

Ersatz: https://soundcloud.com/cuneiformrecords/present-ersatz

[La información básica de esta doble retrospectiva de PRESENT está inspirada en los enlaces http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/present_triskaidekaphobie.html y http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/present_lepoisonquirendfou.html, ambos de La Caja de Música.]

NARANJA MECÁNICA: memorias del prog cubano de los 90s

Hoy descubrimos algo del no muy difundido pero ciertamente existente rock progresivo cubano: NARANJA MECÁNICA. Este grupo emergido en 1991 bajo la iniciativa del trío nuclear de Igor Urquiza [guitarras eléctrica y acústica], Ernesto García [bajo, guitarra española y voz] y Manuel Clúa [flauta y percusión], pronto se amplió a su quinteto definitivo con los ingresos del tecladista-vocalista Alejandro del Valle y de bateristas como Jorge Luis “El Piro” Barrios y Alden del Toro. La última actuación de la banda tuvo lugar en la Sala Ernesto Che Guevara de la Casa de las Américas en marzo de 1995, y es justamente de esa presentación de donde sale la mayor parte del repertorio del CD “1993-1995”, publicado por el sello mexicano Luna Negra en el año 2001. 

‘En Algo…’ es el breve prefacio de menos de 2 minutos de duración que inicia el festival con aires de fusión tropical bajo el encuadre rítmico pautado por el piano y con las florituras de la flauta. Así las cosas, el grupo se prepara para entregarnos ‘Liturgia’, una pieza llena espacios a granel con su sólida mezcla de sinfonismo a lo YES y jazz-rock a lo MAHAVISHNU ORCHESTRA, además de los elementos de fusión centroamericana que se harán recurrentes en el esquema sonoro de la banda. Cerca del final parece que se da una cita del riff principal del clásico inmortal de KANSAS ‘Carry On Wayward Son’… vaya, qué curioso. ‘Desnudo (Historia De Un Acto)’ se enrumba más decididamente por el terreno del sinfonismo, adoptando un aura cínica en la letra, la cual se centra en la sátira social desafiando los estereotipos moralistas. ‘Abraxas’ cambia de registro para llevarnos hacia terrenos sonoros más etéreos, focalizado principalmente en atmósferas místicas aunque sin caer nunca en la languidez, por el contrario, el groove se mantiene casi siempre intenso y además, hay algunos pasajes donde el fulgor rockero de la guitarra brinda un oportuno complemento al lirismo cándido de la flauta. Tenemos aquí una de las composiciones más majestuosas del álbum, sin duda. ‘En La Fiesta’ es una cantata folklórica donde el grupo vuelva a prodigarse en cantar temáticas de sátira social: la dupla de guitarras acústica y española arma las bases armónicas mientras la flauta entra de vez en cuando para añadir matices juguetones al asunto. ‘Ficción Rural’ y ‘Crónica De La Cobardía’ muestran a la banda procurando explorar más a fondo su interés por las sonoridades acústicas. El primero de estos temas es un cálido instrumental de tenor pastoral ornamentado con algunas florituras manieristas de piano y percusiones latinas, mientras que el segundo despliega una sobria vitalidad folklórico-fusionesca en cierto modo emparentada con las líneas de trabajo de bandas como 0.720 ALEACIÓN (de México) o CONGRESO (de Chile).

Cuando llegamos al turno de ‘Rosa De Corcho’, la banda vuelve de lleno al área del sinfonismo dentro de sus propias pautas particulares: la arquitectura desde donde se traza el hilo temático de los motivos sucesivos es simplemente magistral, trazando diálogos pulcramente fluidos entre flauta, guitarra y teclado. El guitarrista Urquiza es autor tanto de este tema como de ‘Abraxas’: si en éste había explorado recursos expresivos mayormente reflexivos, ahora en ‘Rosa De Corcho’ explota meticulosamente la personalidad ecléctica del grupo, guiando el ensamblaje instrumental hacia una firmeza cohesiva a través de las variantes que tienen lugar. ‘El Muro De Las Lamentaciones’ también traza algunos recovecos progresivos muy interesantes, emulando en este sentido la estrategia musical de la pieza precedente, pero cabe advertir que en algunos pasajes el grupo decide bajar un poco la dosis de energía, creando un nexo estilístico con ‘Liturgia’. Hay un pasaje aflamencado que permite a la banda explorar coloridos nuevos dentro de su ya reconocible propuesta. ‘La Rueda De La Fortuna’, durando casi 8 ½ minutos, es el tema más extenso de este repertorio: su enfoque melódico es más conciso, aunque esto para nada significa que el grupo se dedica a practicar la monotonía: por el contrario, la banda sabe cómo mantener la vivacidad de la espiritualidad alegre inherente a la pieza y mantener intensos intercambios instrumentales entre las secciones cantadas.

‘La Ciudad Jardín’ nos devuelve un poco al magnetismo etéreo de ‘Abraxas’, aunque también cabe destacar el importante rol que mantiene el bajista dentro del entramado sonoro global: de esta manera, la pieza adquiere un filo expresivo emparentado con el vigor de ‘El Muro De Las Lamentaciones’ y ‘Rosa De Corcho’. El epílogo del álbum es ‘… En Nada’, y se trata básicamente de un reprise extendido de ‘… En Algo’: el solo de guitarra es simplemente espectacular, evocando tanto a JEFF BECK como al SANTANA de las mejores épocas. Esta enérgica despedida del disco es el broche de oro perfecto para este solitario disco de NARANJA MECÁNICA, genial testimonio y brillante testamento de la vanguardia progresiva cubana.  

Recordando la magia de 0.720 ALEACIÓN y su primer disco

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Hoy miramos hacia el pasado de la escena progresiva mexicana, deteniéndonos específicamente en la década de los 80s, para apreciar la homónima obra fonográfica del quinteto 0.720 ALEACIÓN. Formado por Eduardo Zamarripa [guitarras, piano y violín], Carlos Castro [batería y percusión], Job Hernández [bajo y guitarra], Abraham Viñas [flauta] y Carlos Torres [violín y quinta huapanguera] en 1984 con la intención de amalgamar los lenguajes del rock y del jazz en una perspectiva modernizada del folklore mexicano, 0.720 ALEACIÓN logró concretar una de las propuestas más notables del escenario progresivo que se iba forjando y reforzando, a trancas y barrancas, en ese país. La propuesta artística de este cuarteto es vital sin llegar nunca a lo agresivo, rico en matices, complejo a su manera, siempre atento a conservar un núcleo melódico sencillo a partir del cual puedan los instrumentos volar conjuntamente: fineza compositiva y compactos diálogos entre los músicos, éstas son las cualidades esenciales del repertorio que conforma el disco debut homónimo del grupo, publicado en 1986. 

Durando poco menos de minuto y medio, ‘Caifán’ abre el disco con un imponente aire de algarabía, una vitalidad alegre donde lo lúdico se muestra con suprema exquisitez. La cosa se torna un poco más grisácea con ‘Tarahumara’, tema adonde la banda explora el desarrollo de algunas atmósferas densas mientras preserva hábilmente la calidez inherente a su propuesta musical. Con ‘Antes Que Amanezca’ nos topamos con una dimensión más serena del ideario musical de 0.720 ALEACIÓN: la presencia del piano añade una cierta profundidad al sonido grupal, donde también se destaca el carácter etéreo de las líneas de la flauta y las del violín mientras se entrecruzan cuales nubes que atraviesan el cielo en una tarde otoñal. Cuando surge ‘Danzante’ nos reencontramos con la alegría frontalmente celebratoria de ‘Caifán’, esta vez con recursos más expansivos debido a que el grupo saca provecho a la mayor duración proyectada para este viaje musical específico. La dupla que inicia la segunda mitad del disco, ‘Templo Mayo’ y ‘Campana Del Silencio’, ahonda en el paradigma estético de la banda y le brinda un fabuloso dual: ‘Templo Mayo’ es el epítome del folclorismo festivo cuyo lenguaje traslada tan solventemente 0.720 ALEACIÓN a su propio discurso, mientras que ‘Campana Del Silencio’ es un exquisito ejercicio de cómo pintar un paisaje sonoro donde los colores provistos por los instrumentos se explayan en consonancia mutua. ‘El Corredor’ recapitula la faceta extrovertida la banda con la adición de un breve intermedio reposado, mientras que el tema que cierra el disco, ‘Para Estos Tiempos Tan Ciertos’, se ajusta al formato de canción trovera con añadidos aires jazzeros. 

Hay varios bonus tracks breves que conforman minúsculas excursiones de fusión arqueológica diseñadas para poner fondo musical al documental “Memorias Del Olvido”. Aquí encontramos desde armazones rituales de percusiones y vientos ancestrales (‘Y Retiemble En Su Centro’) hasta desarrollos líricos inundados de plácida candidez (‘Todos Otra Vez’, ‘San Juan De Letrán’), además de ideas cercanamente emparentadas con la línea de trabajo plasmada en el álbum (‘Y Ahora Pa’ Dónde’, ‘Pese A Todo’, ‘Huapango De la Reconstrucción’). ‘Hijos Del Averno’ es un interesante ejercicio de disonancias, mientras que ‘Eolo Aquí’ es una muestra de pura abstracción sónica: es muy revelador que el ensamble se muestre genuinamente entregado a este tipo de experimentación, y a la vez es una pena que esta línea de trabajo no haya encontrado un mayor espacio de expansión. La serie de bonus tracks se cierra con los ceremoniosos redobles de batería de ‘Las Casitas’. 

Esto no fue lo único que hizo 0.720 ALEACIÓN: en 1986, ingresó al grupo el percusionista Gerardo Batíz, quien también tocaría algo de bajo, y en 1989 saldrá el segundo trabajo “Leyenda”, en formato de casete. En ese momento, el grupo tenía una alineación un tanto distinta a la que grabó el primer disco, pero eso será motivo de otra reseña en otra ocasión. Por ahora, nos quedamos con la idea de que  “0.720 Aleación” es una joya mexicana que merece un sitio dentro de cualquier buena colección de música progresiva.

Muestras de “0.720 Aleación”.-

Tarahumara + Danzante: http://www.youtube.com/watch?v=NnAJcgIiz1c

Amanece el nuevo sol de MACHINE MASS

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Hoy es el turno de MACHINE MASS y su reciente publicación fonográfica “Inti”, la cual sucede por dos años y pico a “As Real As Thinking”, el cual fue firmado por MACHINE MASS TRIO. Para esta nueva ocasión, el núcleo dual de Tony Bianco [batería, percusión y loops] y Michel Delville [guitarra, guitarra-sintetizador y loops] se asocia con el maestro saxofonista-flautista Dave Liebman. Aunque el material de “Inti” fue grabado allá en octubre de 2012 en una única sesión vespertina en los Red Rock Recording Studios de Saylorsburg (en Pennsylvania), recién ahora a inicios de 2014 nos lo trae MoonJune Records como ítem físico. ¡Y mil gracias por ello! El sonido del trío se siente muy lleno, y en eso colaboran las programaciones de loops y ornamentos computarizados de parte de Bianco y Delville: capas sintetizadas, bases de piano e ingeniosas líneas de contrabajo (muchas veces incluyendo pliegues de las cuerdas) operan como ingredientes esenciales para que se armen los viajes musicales perpetrados por este alucinante trío a lo largo del repertorio de “Inti”. Bueno, vayamos ahora mismo al repertorio en sí, ¿vale?

La pieza homónima abre el disco con un aura cósmica que resulta a la vez etérea e incandescente: el ensamble está empezando a conocerse y viaja en plena consonancia mientras se sostiene vivazmente sobre un groove sólido, el mismo que recibe de la mano de Bianco una estructuración intensa y compleja. Con ‘Centipede’, el trío encara una dimensionalidad más extrovertida de su núcleo sonoro: los solos alternados de Delville y Liebman son monumentalmente magistrales, homenajes geniales a la mejor tradición del free-jazz. Delville le da una musculatura particular a su guitarra, y esto justamente parece motivar a Liebman para explorar las cadencias más explosivas de su saxo. Cuando entra a tallar ‘Lloyd’, la banda se interna por un sendero marcado por una sofisticación imponente, dejando que los juegos de síncopas del esquema rítmico básico y la atmósfera de extravagante elegancia (muy a lo WEATHER REPORT de la época del “I Sing The Body Electric”) impongan las reglas para la expresividad. Lo siguiente que hace MACHINE MASS es rendir un tributo a la inmortal pieza ‘In A Silent Way’, un clásico inapelable del jazz de vanguardia que Joe Zawinul creó para el repertorio de Miles Davis: en manos de Delville, Bianco y Liebman, esta pieza se convierte en un viaje místico desde donde el oyente es invitado a explorar su faceta reflexiva dentro de una oscuridad espiritual que aspira a ser iluminadora. Se nota el nervio tribal en los instrumentistas, claro que sí, pero sobre todo, se nota su gran inteligencia para mantener bajo control los efluvios sónicos que tienen lugar en un nivel lisérgico. Cuatro primeros temas grandiosos para un disco del cual solo conocemos hasta ahora sus primeros 25 minutos. ¿Qué sigue después? ‘A Sight’, un tema que sigue en cierta medida la huella de ‘Lloyd’ pero con una aureola ceremoniosa más pronunciada: tal vez tengamos aquí los mejores solos de saxo soprano de todo el disco.

‘Utoma’ y ‘The Secret Place’ son los siguientes temas del repertorio. El primero de estos temas mencionados recibe un impacto de ‘Inti’ en tanto que combina exploraciones aventureras y atmósferas etéreas. Como siempre, la batería de Bianco instaura su compleja majestuosidad señorial: si la mencionamos en este caso particular es porque nos parece que aquí se desarrolla uno de sus momentos más decisivos de lucimiento, ostentando su intrincada musicalidad al servicio del diálogo integral entre los tres ejecutantes. Por su parte, ‘The Secret Place’ nos revela un momento de lirismo introspectivo donde el trío se sumerge en una atmósfera calmada: el canto de la invitada Saba Tewelde sirve para redondear la faena con un toque adicional de magia. Con una extensión de 12 ¾ minutos, ‘Elisabeth’ resulta la pieza más extensa de “Inti”. Su estructura musical es estrictamente obediente a la ideología de las libres formas en tiempo real: Bianco construye y deconstruye pautas rítmicas, Delville elabora ornamentos y fraseos psicodélicos con claro tenor futurista, y por su parte, Liebman se da buena mañana para lucirse en algunos momentos estratégicos sin romper con el dinamismo ensoñadoramente surrealista que tiene lugar. Durando cerca de 5 minutos, ‘Voice’ cierra el álbum con un swing contagioso, moderadamente extrovertido: la prioridad que se da a la constricción no es obstáculo para que Liebman dé rienda suelta por última vez a su electrizante dimensionalidad performativa. En todo caso, resulta adecuado que un tema como éste dé el broche final tras la exigente aventura que supuso ‘Elisabeth’.

Todo esto fue “Inti”, una obra genial que refuerza el rol de MACHINE MASS como una fuerza musical sólida y valiente que llena de luminosidad la vanguardia jazz-progresiva de nuestros días. Al fin y al cabo, con un título que designa al astro rey en el idioma quechua… ¿qué se puede esperar sino esplendor de un disco como éste?

Muestras de “Inti”.-

Centipede: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/centipede

A Sight: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/a-sight

Elisabeth: http://moonjunerecords.bandcamp.com/track/elisabeth

ESVEDRA recorre el camino de Siddhartha progresivamente

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Hoy nos fijamos en la banda peruana ESVEDRA, procedente de la localidad de Huancayo. Fuera de la capital peruana de Lima, Huancayo es uno de los hervideros de música rockera más interesantes de ese país, siendo así que ESVEDRA encarna una iniciativa progresiva a la que vale la pena prestar atención. El grupo es un power-trío conformado por el guitarrista Gonzalo Escobar, el bajista Édgar Gutiérrez Mayta y el baterista-percusionista Luis Ángel Sarapura Carrillo: psicodelia, metal y rock duro tradicional son los tres ingredient6es primordiales con los que el grupo conjuga su particular propuesta progresiva. Sin duda, se trató de una de las más agradables revelaciones de la vanguardia peruana de 2013, y dicha revelación tiene su manifestación concreta en el breve disco conceptual “Proyecto Siddhartha”, inspirado en el ‘Siddhartha’ de Hermann Hesse.

Durando casi 3 minutos, ‘El Halcón’ abre el disco con un despliegue de vitalidad ácida y sofisticada que se moviliza muy bien a través de los pasajes rudos así como a través de los contenidos; tras esta reveladora vía de entrada, la sucesión de ‘El Camino’ y ‘La Orbe’ desarrolla una transición desde una exploración ensoñadora de paisajes exóticos hasta una actitud de atenta mirada hacia un firmamento luminoso, una transición que se maneja sostenidamente desde la introversión hasta la expresividad inquieta. ‘Kamala’ se orienta hacia la melancolía contemplativa en clave de blues-rock según las viejas escuelas de JEFF BECK y LED ZEPPELIN, siempre manteniendo un aire de sutileza en el núcleo melódico de la pieza. Nada de contrastes nos espera cuando entra a tallar ‘El Humano’, pues este tema se encarga de darle al talante contemplativo un giro etéreo: una vez más, el ensamble hace un buen uso de la sutileza a la hora de armar el tema en cuestión. ‘Karma’ retoma la aureola exótica que antes había signado la estructura de ‘El Camino’, esta vez para expandirla a través de recursos prog-metaleros que se concentran en los matices y no tanto en la pirotecnia. ‘El Río’, por su parte, nos devuelve a la vibración contemplativa presente en algunos temas anteriores, esta vez bajo la señal de PINK FLOYD, o sea, con un aire de languidez cósmica que nos recuerda al paradigma de ‘Echoes’ (y todos los demás que se inspiraron en este referente esencial de la vieja escuela progresiva). El disco se cierra con ‘Redención’, un breve reprise del riff central de ‘El Halcón’.    

Todo esto fue “Proyecto Siddhartha”, una estupenda carta de presentación desde una región rockera peruana situada fuera de la capital: ESVEDRA se hace notar como una banda a la que vale la pena prestar atención.

Muestras de “Proyecto Siddhartha”.-

La Orbe: http://www.youtube.com/watch?v=V3s95TyWUZo

El Río: http://www.youtube.com/watch?v=-W5jfH0VzGc

RANDOM... ¡a pedir de boca!

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos nuestros oídos al grupo argentino RANDOM, afincado en Tucumán. Su estilo prog-metalero experimental ya rindió buenos frutos en su disco debut de 2011 “Todo.s Los Colores Del”, y ahora, a inicios de 2014, nos trae su segundo trabajo de larga duración “Pidanoma”, el cual nos revela a un grupo que ha enriquecido sus recursos expresivos y su curiosidad creativa. El guitarrita-vocalista Raúl García Posse, el baterista Marco Luis Crosa y el bajista Pablo Lamela Bianchi le ha dado a su asociación musical un nuevo norte que implica ambiciones renovadas en su ideal de hacer rock artístico dentro de la vertiente progresiva de la escena metalera, lo cual supone necesariamente un abrir ventanas a aires de renovación dentro del palacio de la vanguardia rockera hispanoamericana. Vayamos a los detalles del repertorio de “Pidanoma”.

‘Corto Normal’ da inicio al disco con un vigor feroz y contundente que se engarza muy bien dentro de la vitalidad incendiaria de unos MESHUGGAH, así como de las ambientaciones cuidadas de unos NEUROSIS o ISIS. La banda explora un núcleo compositivo bien definido y elabora una ingeniosa armazón que sabe conservar muy bien su energía expresiva dentro de su lapso de seis minutos y pico. ‘Ojota Y Media’ se inserta abruptamente con un caricaturesco simulacro de mensaje radial, el cual abre paso a un no muy extenso viaje sónico que parece una versión krautrockera de metal industrial: el aura de espiritualidad mecanizada y distante resulta un idóneo intermedio entre la ferocidad del primer tema y el ambicioso despliegue musical que nos ha de mostrar seguidamente ‘Mee Chango’, pieza que dura casi 17 minutos. Sus expansiones instrumentales que van desde vendavales juguetones a lo PRIMUS hasta las complejas arquitecturas pulsátiles a lo TOOL, y de allí hasta elementos del stoner y las atmósferas emocionalmente opresivas de THE MARS VOLTA, la gente de RANDOM se prodiga en articular una bien hilada sucesión de pasajes sónicos que se dejan desarrollar a fin de asentar bien cada ambiente en su turno adecuado. Hablando de THE MARS VOLTA, el saxofonista de este grupo, Adrián Terrazas González, aporta interesantes ornamentos de saxofón durante el desarrollo de un extenso clima psicodélico que nos hace evocar a discos como “Amputechture” y “The Bedlam In Goliath”. No cabe duda de que con ‘Mee Chango’ se concretiza un cénit bárbaro para este disco.

Todavía faltan dos piezas más, ‘Mia Gato Está Solo En La Oscuridad’ y ‘Guri Guri Tres Piñas’: estos dos últimos temas del álbum ocupan juntos más de 35 minutos de espacio. ‘Mia Gato Está Solo En La Oscuridad’ se proyecta sólidamente sobre el terreno sembrado por la pieza anterior, esta vez poniendo un poco más de énfasis en la presencia de sonoridades cósmicas… y esto significa que el factor post-metalero se torna más relevante a la hora de desarrollar las expansiones de las ideas musicales en curso. También significa que la guitarra se reserva espacios para priorizar atmósferas sobre pirotecnias o riffs típicos de lenguaje metalero: con esto, el baterista se erige en la principal figura que sostiene el núcleo desde donde se alimenta la llama rockera del trío. Los últimos seis minutos de este viaje se diluyen en un flotante ejercicio minimalista que nos remite a la faceta abstracta de la vieja escuela psicodélica. RANDOM ha estado luciendo monumentalmente su  peculiar dinámica progresiva a su antojo, y todavía nos queda degustar a ‘Guri Guri Tres Piñas’, con sus casi 21 minutos de duración. La mayor parte del desarrollo temático generado en esta pieza se mueve bajos las combinadas coordenadas de RUSSIAN CIRCLES, MOGWAI y el primer KAYO DOT: se proyecta una espiritualidad desolada a medio camino entre la apatía y la furia contenida, un recurso bien logrado por el trío. Alrededor de la barrera del décimo minuto, la banda gesta un pasaje de abierta densidad sónica que sirve de puente para un magnífico jam en 7/8 donde la banda explora una deliciosa parsimonia psicodélica sin despegarse de las pautas post-metaleras a las cuales ha decidido aferrarse para la ocasión. Así las cosas, el terreno está preparado para redondear la faena con pulso y vigor.

RANDOM ha avanzado varios pasos de gigante en su particular evolución estilística y éste es justamente el testimonio esencial que nos brinda el repertorio de “Pidanoma”.

Muestras de “Pidanoma”.-

Mee Chango: http://randomprog.bandcamp.com/track/mee-chango

Mia Gato Está Solo En La Oscuridad: http://randomprog.bandcamp.com/track/mia-gato-est-solo-en-la-oscuridad

Ø+SYN y RAPA NUI se asocian bajo un nuevo paradigma psicodélico sudamericano

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

El año 2014 comienza bien para las iniciativas prog-psicodélicas sudamericanas; más específicamente, nos referimos a la publicación de un trabajo prog-experimental realizado en tándem por los peruanos de RAPA NUI y los argentinos de Ø+SYN (léase: omasin). El sector argentino está conformado por el trío de Pablo Picco [violín, flauta, campanas, digeridoo], Gustavo Valerga [guitarra] y Matías Zanotto [tuba], mientras que el sector peruano lo conforma el dúo de Arturo Quispe [saxofón alto, campanas] e Israel Tenor [batería, machete, flauta traversa]. Dicho trabajo en común se titula “Eco Paradigma” y ha sido publicado en formato casete por el sello austriaco Feathered Coyote; pronto, el sello peruano Cuaderno Roto hará lo propio en formato CD-R.

La Parte 1 dura casi 26 minutos. Empieza con una inquietantemente grisácea aura siniestra donde los efectos ambientales, las improvisadas ornamentaciones percusivas y los fraseos del saxo adquieren un talante exorcista. Con el paso de los primeros minutos ya se arma un primer viaje musical colectivo donde las cadencias y atmósferas se encuadran en una lógica sonora bastante intensa, aunque nunca se desborda. Poco antes de llegar a la barrera del séptimo minuto, llegamos a un breve motivo pulsátil que coquetea abiertamente con una suerte de éxtasis deconstructivo: ciertamente, este momento se hermana directamente con la tradición rock-in-opposition de unos ART ZOYD. Una vez pasada la barrera del minuto 12 ½, el ensamble se mete a articular una sección tribal inteligentemente caótica que nos remite fácilmente al legado de AMON DÜÜL, aunque las intervenciones del saxo y la tuba todavía nos hacen evocar seriamente el estándar del rock-in-opposition. Tras un aterrizaje en un paraje lisérigo aleatorio, el ensamble se dispone a elaborar un paisaje relajado para los dos últimos minutos, aunque no exento de una inquietud emocional que siempre está presente, aunque sea de manera latente. Este paisaje relajado sirve de engarce con la Parte 2, la cual dura casi 27 minutos, y a su vez, como catapulta para que el saxo, al ingresar, dirija una nueva motivación exultante. De hecho, la nueva eclosión toma unos cuatro minutos en coger fuerzas para encauzarse en una filuda erupción psicodélica donde las formas caprichosamente intangibles del free-jazz se alimentan de la muscular energía focalizada, al unísono, en las capas cuasi-Frippianas de guitarra y las robustas cadencias de la batería. Cuando las florituras del saxo y del violín se unen a la amalgama cuales retazos cósmicos, llegamos al que tal vez sea el momento cumbre del álbum. La guitarra perpetúa su campeona presencia mientras llena espacios exaltadamente en un momento de eclosión donde la materia del Universo parece revertirse sobre su propia fuente de energía: toda una juerga lisérgica, en efecto. Cuando menos nos damos cuenta, la juerga se trastoca en un angustioso panorama espectral donde el minimalismo aparatoso en curso asume un talante ritualístico: en esto último repercuten los ornamentos percusivos empleados para la ocasión. Finalmente, la guitarra impone su presencia protagónica creando un gradual aterrizaje en un ensueño vibrante.  

 

Aquí tenemos, pues, una estupenda creación generada desde la especial hermandad psicodélica de Ø+SYN y RAPA NUI: “Eco Paradigma” es ciertamente un paradigma de integración musical en una aventura osada a través de parajes sónicos desafiantes. 

Muestra de “Eco Paradigma”.-

Parte 2: http://rapanuiperu.bandcamp.com/track/rapa-nui-yn-part-2

El nuevo amanecer progresivo de DELUGE GRANDER

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy volvemos a fijarnos en DELUGE GRANDER, uno de los proyectos permanentes del prolífico músico y compositor estadounidense Dan Britton, pues a inicios de 2014 ya está remeciendo la escena progresiva internacional con su nuevo trabajo “Heliotians”. Se trata de un ítem muy especial porque se edita en formato doble de CD y vinilo, con ejemplares limitados y numerados – 205 – cuya arte gráfica está hecha de forma artesanal, y eso incluye la transcripción de las letras… además de autógrafos de los integrantes actuales del combo. Este disco fue grabado y mezclado con la vieja estrategia de cintas analógicas, y usando instrumentos analógicos en su mayor parte. Todo esto, claro está, a nivel de producción independiente. Britton se hizo cargo del piano eléctrico, sintetizadores análogos (y solamente análogos), mellotrón, guitarras acústicas y dulcémele, además de algunas partes de canto. En esta nueva aventura de DELUGE GRANDER, sus compañeros de viaje son Christopher West [bajo, flauta, flauta dulce y canto], Cliff Phelps [guitarra y canto], Patrick Gaffney [batería], Megan Wheatley [canto] y Natalie Spehar [cello].

Ocupando los primeros14 minutos del disco, ‘Ulterior’ se focaliza mayormente en climas etéreos donde la atmósfera de patente densidad, lejos de sentirse pesada, se abre como una luz cósmica que nos regala un espectáculo nuevo para que sea apreciado en pos de enriquecer el espíritu. A poco de pasada la barrera del sexto minuto y medio, las cosas se intensifican con un esquema instrumental más robusto y un mayor ejercicio de vitalidad a cargo de la dupla rítmica. Aquí se da, pues, una estupenda conjunción de estilizaciones sinfónicas y groove jazz-rockero que se emparenta directamente con lo que hemos escuchado algunos años antes en el disco “The Form Of The Good”. En algún momento antes de la barrera de los 11’30”, el desarrollo temático se torna ceremonioso y majestuoso, impregnado de una espiritualidad propia del MIKE OLDFIELD de los tres primeros discos pero con un colorido exquisito que nos remite a las viejas tradiciones de YES y HAPPY THE MAN. Luego sigue la pieza más breve, ‘Saruned’, cuya dinámica tiene algo de grisáceo, tal vez con algunos leves matices siniestros que necesariamente nos han de remitir al estándar de la tradición gala del chamber-rock (UNIVERS ZERO, PRESENT), pero en lo referente estrictamente a la estructura de las ideas melódicas, la cuestión se inclina preferentemente hacia un sinfonismo bien definido, marcado además por ciertos tintes folklóricos.

Toda la segunda mitad de “Heliotians” está ocupada por ‘Reverse Solarity’: 21 ½ minutos en total. La presencia de la batería insufla un permanente carácter de sofisticación a la amalgama instrumental global, el cual se caracteriza mayormente por un lirismo a la vez extravagante y elegante, muy en onda con lo hecho en aquel primer disco “August In The Urals”, pero sin adoptar un nivel tan intensivo de ornamentos en su amplio desarrollo musical. Las bases armónicas que sustentan los diversos motivos ayudan bastante a darle una cualidad etérea a las muy vitalistas intervenciones de los instrumentistas, lo cual ayuda crucialmente a crear un aire de misterio para la pieza. Tal como dijimos líneas más arriba, la batería tiene una presencia muy importante dentro del esquema sonoro de ‘Reverse Solarity’, y podemos afirmar que aquellos pasajes donde Gaffney se hace notar con particular garra son culminantes dentro de la ambiciosa arquitectura musical. Hay algunos pasajes que nos pueden referir fácilmente al estándar del YES de la época del “Relayer”, así como a los estereotipos de HATFIELD & THE NORTH y de CARAVAN (sus composiciones más épicas), aunque bien es cierto que el filo jazzero implícito en estos modelos son llevados por DELUGE GRANDER con suficiente mesura como para no romper nunca el esquema melódico que se impone en cada momento preciso. Poco antes de llegar a la frontera del décimo séptimo minuto, emerge un motivo lento que resulta idóneo para dar un toque épico al final de la pieza, toque épico que se nutre de un aurea etérea notablemente semejante a la que marcó significativamente el núcleo de ‘Ulterior’.

“Heliotians” es un más que digno heredero de los dos trabajos anteriores de DELUGE GRANDER; sin igualar la magnificencia de ellos, tiene un gran atractivo como labor de rock artístico por méritos propios, y sobre todo, es un sano y agradable indicio de la buena salud y la frescura creativa que tienen Dan Britton y sus compinches para seguir aportando cosas valiosas al escenario progresivo actual. CD Baby es la primera distribuidora virtual que tiene en sus manos ejemplares de este disco.

Entrevista a DELUGE GRANDER sobre “Heliotians”: http://www.youtube.com/watch?v=Ml-ekaQCjH4

Nuestro primer encuentro con AMPACITY

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR MENDOZA.

Hoy nos encontramos con el ensamble prog-psicodélico polaco AMPACITY, un colectivo musical fundado recientemente por músicos que ya se conocen de otros proyectos anteriores de rock metalero y space-rock. Conformado por los guitarristas Jan Galbas y Piotr Paciorkowski, el teclista Marek Kostecki, el bajista Wojciech Lacki y el baterista Sebastian Sawicz, AMPACITY llevó adelante su primer catálogo de composiciones (tres en total) en el primer cuarto del año 2013, titulando al trabajo “Encounter One”. El quinteto se especializa en organizar una mezcla de psicodelia pesada, stoner y space-rock dentro de una ambiciosa armazón sónica que se enraíza en la vieja escuela progresiva: el grupo cita a HAWKWIND y a PINK FLOYD como principales influencias, pero también podemos notar algunos tufillos a lo BLUE OYSTER CULT, así como aires de familia con entidades contemporáneas en el área internacional como MY BROTHER THE WIND, SAMSARA, DOMO y CAUSA SUI.

‘Ultima Hombre’ (sí, el español empleado en este título es defectuoso) pone en marcha las cosas sin tomar prisioneros: energía electrizante, frenesí arrollador y vigor frontal son los factores que signan el manejo continuo de los riffs básicos y la estructura rítmica de la pieza desde los pasajes más explícitos hasta los más contenidos, todo ello con el elementos adicional que aportan los teclados en ornamentos y solos. El manejo de climas cambiantes es perfectamente fluido, dejando que la ilación de jams se sienta compacta; el clímax final en 5/4 es manejado con vitalidad incendiaria. Tras esta impactante gozada que dura poco más de 13 minutos llega ‘Asimov’s Sideburns’ para indagar en otras áreas de expresividad, áreas introspectivas que apuntan hacia una misteriosa mezcla de space-rock y post-metal donde la oscuridad se vale de la languidez para manifestar la inquietud de una forma sobria, que no por ello menos perturbadora. El último viaje sónico del álbum es ‘Masters Of Earth’, que dura 19 minutos. Se trata del único tema con letra (el canto está cargo de Jan Galbas) y también de la pieza con mayor dosis de polenta rockera: la pesadez es rotunda, la crudeza de los guitarreos es patente aunque para nada exenta de inteligencia, los momentos más relajados son manejados con equilibrada elegancia. Los arreglos empleados para transitar entre diversas atmósferas son adecuados, como por ejemplo, la inserción de un pasaje lisérgico a cargo de una lisérgica guitarra entre la potente sección de apertura y un siguiente pasaje propio del legado Floydiano (inspirado en la etapa del “Ummagumma”). Cuando la banda regresa al motivo inicial, lo remodela y amplifica para darle un aura majestuosa con miras a edificar el cierre perfecto, el mismo que habrá de llegar envuelto en efectos especiales que simulan una masiva distorsión cósmica. 

Se sienten pocos estos 42 minutos que tiene “Encounter One” para que AMPACITY exponga sus ases prog-psicodélicos que tenía bajo la manga, pero es de agradecer que exista el material, valioso por sí mismo para mantener vigente al ideal progresivo en Polonia y en el mundo.

Muestra de “Encounter One”.-

Ultima Hombre:  http://ampacity.bandcamp.com/track/ultima-hombre   

DREAM THEATER asienta la razón de su nueva verdad dentro del contexto general

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Para DREAM THEATER, el año 2013 fue el momento de asegurar que tenía gasolina y energía suficientes para seguir operando su maquinaria metal-progresiva con el segundo disco post-Mike Portnoy. De hecho, ya resultaba significativo que decidieran denominar a su disco de estudio # 12 como la banda misma: por supuesto que a Portnoy esto le afectó mucho, pues fueron él y su padre quienes tuvieron la ocurrencia de ponerle este nombre tras verse obligada a renunciar al nombre de MAJESTY, pero es fácil ver por qué John Petrucci, James LaBrie  y los demás necesitaban darse este auto-espaldarazo. El grupo ya conoce las claves de su fórmula ganadora y los horizontes dentro de los cuales puede permitirse expandirse hacia nuevos cánones dentro de dicha fórmula: DREAM THEATER se sabe una leyenda viviente de la avanzada metalera estadounidense de los últimos 25 años, se ve a sí misma como un paradigma inmutablemente asentado sobre un trono rockero que nadie le cuestiona. Si la banda hizo su anterior placa “A Dramatic Turn Of Events” con miras a demostrarse a sí mismo que podía seguir siendo una entidad intensa tras la partida del peculiar y siempre problemático Mike Portnoy, ahora ha concebido esta placa homónima para mostrar al mundo la cosecha de esta reforzada fe en sí misma.

Con el baterista-percusionista Mike Mangini trascendiendo a su rol de “nuevo vecino del barrio” para aportar al proceso creativo del nuevo álbum, el equipo que completan John Peturcci, James LaBrie, John Myung y Jordan Rudess (quien ahora se pone a investigar en el Seaboard y el GeoSynrh App junto con sus infaltables teclados) nos brinda una nueva vuelta de tuerca a su modelo forjado entre 1992 y 1995, añadiendo algunas marcas de la época de “Six Degrees Of Inner Turbulence” más algunos guiños a la filuda voracidad que penetró tan intensamente los tres últimos discos con Portnoy. Estas pautas nos sirven para apreciar las ideas subyacentes a los cuatro primeros temas de “Dream Theater”. Los primeros 2 ¾ minutos del álbum están ocupados por ‘False Awakening Suite’, que con sus tres secciones ‘Sleep Paralysis’, ‘Night Terrors’ y ‘Lucid Dream’ hila una maraña sónica cercanamente emparentada con la suite ‘6DOIT’, abriendo paso al ejercicio e vitamínica metalización que es ‘The Enemy Inside’. Esta canción inspirada el trauma psicológico de quienes padecen de síndrome postraumático de guerra tiene suficiente gancho como para erigirse como primer single promocional: nada nuevo bajo el sol con una expansión melódica refinada que se desarrolla en una rotunda vitalidad rockera. ‘The Looking Glass’ tiene una ambición menos grande y una mayor agilidad (muy a lo RUSH, valgan verdades), lo cual le permite preservar su gancho melódico con total soltura  través de sus menos de 5 minutos de duración. Eso viene bien porque la pomposidad metal-progresiva que ya es marca registrada de la casa emerge a todo dar en el siguiente tema, titulado ‘Enigma Machine’, el segundo instrumental del disco: su apariencia de leftover del “Awake” retomado por LIQUID TENSION EXPERIMENT posibilita que se conjuguen muy bien el nervio y la prestancia ostentosa en su desarrollo temático.

La dupla de ‘The Bigger Picture’ y ‘Behind The Veil’ nos permite seguir explorando en lo que nos ofrece este disco: la primera de estas canciones es una power-ballad apoyada sobre una armazón rítmica donde se alternan las métricas de 4/4 y 7/8, mientras que la segunda expone un nuevo ejercicio de pomposidad aguerrida y preciosista. Teniendo en cuenta el esplendor sónico que emanan estas dos canciones, su impacto se hace sentir en la siguiente dupla de ‘Surrender To Reason’ y ‘Along For The Ride’. El primero de estos temas establece el matrimonio perfecto entre el legado del disco anterior y el paradigma sobre el que se proyectó, esto es, “Images And Words”. De hecho, su bien articulada diversidad temática tal vez daba para una expansión temporal mayor a la de los 6 ½ minutos que ha recibido aquí. Por su parte, ‘Along For The Ride’ regresa al formato de power-ballad pero con un aura menos pomposa que en ‘The Bigger Picture’, lo cual supone una invitación a que LaBrie trabaje la dimensión introspectiva de su canto: la sencilla belleza del motivo central recibe un viraje interesante a medio camino cuando Rudess realiza un hermoso solo de sintetizador en una clave distinta.

  

A cargo de cerrar el repertorio del disco, la suite ‘Illumination Theory’ contiene las secciones ‘Paradoxe De La Lumière Noire’, ‘Live, Die, Kill’, ‘The Embracing Circle’, ‘The Pursuit Of Truth’ y ‘Surrender, Trust & Passion’, extendiéndose por un espacio de 22 minutos y pico. Tras un pasaje introductorio góticamente ceremonioso que nos remite directamente al primer tema del álbum, la banda se sumerge en un jam poderoso donde lo suntuoso y lo aguerrido fluyen en un dinamismo bastante compacto. Al entrar a tallar el canto de LaBrie, el bloque instrumental se focaliza con rotunda precisión, logrando así plasmar una vitalidad inteligente que se apodera del oyente. En la frontera del séptimo minuto, el grupo vira hacia una ambientación flotante, casi Floydiana, la cual sirve en realidad como vía de entrada para un hermoso arreglo orquestal que debe mucho a la escuela romántica. Este ínterin es finalmente interrumpido por un inteligente juego de síncopas a cargo de la dupla Myung-Mangini desde el cual el grupo íntegro se impulsa hacia un nuevo ejercicio de sofisticación hiperbólica que es marca registrada de DT, un ejercicio que incluye la retoma del primer jam de la suite. (A propósito, esos fraseos de piano a cargo de Rudess son humanamente imposibles, como diría ZAPPA). La siguiente parte cantada es lenta, apropiada para que LaBrie se explaye en su intuición dramática… ¡Y cómo se emparenta esta sección épica con el final de la suite de “6DOIT”! Si bien esta sección cantada tiene todo el boato de un cierre glorioso, tras su conclusión viene un pasaje sinfónico de piano y guitarra eléctrica muy a lo YES que sí cierra propiamente la suite: este pasaje fluye cálidamente como el eco de una reflexión.

Todo esto fue “Dream Theater”, un disco diseñado no para impulsar a DREAM THEATER hacia nuevos territorios sino para reforzar una vez más su aún activo aporte a la historia y el presente de la vertiente metal-progresiva. Todavía queda energía para rato en esta maquinaria musical de Petrucci, Rudess, LaBrie, Myung y Mangini.

Muestras de “Dream Theater”.-

The Enemy Inside [vídeo-clip oficial]: http://www.youtube.com/watch?v=m_Zx3BzcUjA

The Bigger Picture: http://www.youtube.com/watch?v=WpgNV4Nvetg

Illumination Theory: http://www.youtube.com/watch?v=fFMDGSWhHbo