El puerto musical del proyecto RON CAINES / MARTIN ARCHER AXIS

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con toda la algarabía genuina de nuestros corazones, presentamos aquí el disco “Port Of Saints”, tercer trabajo gestado por el ensamble agrupado bajo el nombre de RON CAINES / MARTIN ARCHER AXIS, el mismo que fue publicado a inicios del mes de marzo de 2022 por vía del sello Discus Records. El nombre mismo designa que se trata de un ensamble con doble liderazgo, el de Caines [saxofones soprano, alto y tenor, kalimba y percusiones] y Archer [saxofones barítono y alto, órgano, piano eléctrico y efectos electrónicos]; los demás integrantes del ensamble en este disco son Johnny Hunter [batería], Gus Garside [contrabajo], Hervé Perez [grabaciones de campo, efectos electrónicos y procesamientos sonoros], Chris Sharkey [guitarra y efectos electrónicos], Byron Wallen [trompeta], Graham Clarke [violín], Ben Higham [tuba] y Corey Mwamba [vibráfono y efectos electrónicos]. El nombre de Martin Archer es muy importante dentro de la vanguardia musical británica del nuevo milenio, siendo él mismo el jefe del sello Discus Music, obviamente, el mismo que ha producido el disco que ahora estamos reseñando. Pero es que también nos suena el nombre de Ron Caines, lo que pasa es que tenemos que extender nuestra memoria hacia los dos primeros álbumes de esa banda que fue EAST OF EDEN, pionera de la movida psicodélica y el eclecticismo jazz-rockero dentro del underground británico de fines de los 60s e inicios de los 70s. Claro está, él siguió adelante con su carrera musical dentro de la vanguardia jazzera a lo largo de las décadas y era prácticamente inevitable que su camino se cruzara con el del maestro Caines. “Port Of Saints” es, como dijimos más arriba, el tercer disco de este proyecto y su repertorio consta de la suite homónima en tres partes, una de 28 minutos, otra de casi 19 minutos y la última de 27 ½ minutos. Caines se hizo cargo de todas las composiciones, mientras que Archer asumió las riendas de los arreglos y ordenamientos de las mismas. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en en diversas sesiones que tuvieron lugar en Church Studio y Discus Music Studio en los años 2020 y 2021. Bueno, vayamos ahora a los detalles del repertorio de “Port Of Saints”.

‘Port Of Saints Suite Part 1’, cuyas secciones se titulan individualmente ‘Franz Kline’, ‘Spanish Opening’, ‘Petite Afrique’, ‘Elegy’, ‘Port Of Saints’ y ‘Calypso Roto’, expone por sí misma la mayor parte de los enfoque musicales a ser desarrollados y asentados a lo largo del álbum. Todo comienza con algunos efluvios libres de saxofón y batería que manejan la tensión deconstructiva con suficiente refinamiento como para no mostrarse frontalmente chocante. De todas maneras, va quedando claro en el transcurso de los primeros minutos que hay una vitalidad creciente a ser instaurada con urgente inmediatez, llegando a aparecer un pasaje donde el contrabajo asume brevemente el rol protagónico. A poco de pasada la frontera del quinto minuto, la batería se detiene para que el saxo delinee nuevas florituras a través de retazos cibernéticos que van flotando con una aureola misteriosa. El nuevo groove que se arma a partir de allí ofrece más calidez sin ceder un ápice de la lógica deconstructiva que impera a lo largo de las interacciones instrumentales. La tercera sección se adentra en una sólida y evocadora maraña de evocadoras líneas de diversos vientos mientras la dupla rítmica crea un armazón ceremoniosamente lánguido: es momento para el explayamiento de una atmósfera crepuscular que, de alguna manera, rescata el legado del cool jazz con un incrementado talante propiamente vanguardista. La envolvente belleza de este pasaje sirve de semillero tanto para la elaboración de un lirismo entrañablemente melancólico como la posterior emergencia de un ágil ejercicio de coloridas vibraciones fusionescas: el primero de estos recursos es el centro nuclear de la cuarta sección mientras que el segundo impulsa la espiritualidad gentilmente extrovertida de la quinta. La última sección se alimenta fehacientemente de ese despliegue de vibraciones extrovertidas para elevarlas a niveles mayores de sofisticación y exuberancia. La secuencia de estas tres últimas secciones se funda en una gloriosa confluencia entre los paradigmas de SUN RA, NUCLEUS y los primeros años de WEATHER REPORT. Estupendo y electrizante inicio de álbum, una poderosa maratón de variados recursos avant-jazzeros.

La Parte 2 de la Suite contiene las secciones denominadas ‘Philip Guston’, ‘Labyrinth’, ‘Dada Blues’ y ‘Anubis’, y la Parte 3 hace lo propio con su contenido de ‘Flims’, ‘Oceania’, ‘End Game’ y ‘Note Chain’. ‘Port Of Saints Suite Part 2’ comienza directamente con un entramado de vientos, batería, contrabajo y percusión tonal que se concentra inicialmente en una extravagancia cálida y luego vira hacia una ambientación misteriosa que se inserta hondamente en la tradición del free jazz. Así las cosas, se abre un potencial de dinamismo posmodernista que no tarda mucho en brotar a lo largo y ancho de este frondoso y ambicioso jardín sónico. Hay un pasaje donde el vibráfono elabora un penetrante solo que no solo sirve para impulsar un colorido extra dentro de la instrumentación global, sino que también sirve para exorcizar un nuevo momento de agudos enmarañamientos entre los diversos vientos. La tercera sección está articulada en torno a un paisaje sereno signado por una grandilocuencia latente. De esta manera, se refuerza el puente hacia la última sección, cuyo foco central se instala en un nuevo ejercicio de formas libres donde las improvisaciones individuales encajan a la perfección dentro del persistente diálogo musical. Se nota la energía que opera y los músicos se encargan de encauzarla con impoluta disciplina. ‘Port Of Saints Suite Part 3’ tiene ciertas afinidades con la Parte 1 en lo que respecta a la elaboración de las sonoridades dialogantes iniciales, con un perfil bajo y una abierta actitud de deconstructiva sutileza, pero con  mucha prontitud se crea un clima de vivacidad compartida. A partir de allí, el terreno se prepara para que en algún momento se empiece a gestar un lugar para calculados zarandeos de parte de los instrumentos en base a una convergencia vivaracha; esto se emparenta muy cercanamente con lo que se nos brindó en los diálogos más intensos que se incluyeron en la Parte 2. Por unos minutos, la batería se esconde para dejar que el entramado de vientos, guitarra y vibráfono entre en una zona etérea arropada por un denso manto solipsista, pero cuando aquélla regresa, se pone al frente de la acción comunitaria y dirige una nueva vía para la luminosa jovialidad. Se produce un grácil encuentro entre la aspereza vibrante del avant-jazz y el colorido vivaz del jazz-fusion bajo una guía posmodernista que también deja algunos espacios para la inserción de algunos efectos cibernéticos. La algarabía crece y crece hasta que todo se termina convirtiendo en una tropelía caótica donde todos los instrumentos actuantes comparten una complicidad traviesa... eso es lo único que comparten. El epílogo vira drásticamente hacia un paraje sereno, sobriamente complejo, pero, sobre todo, jugando con climas ensoñadores. El final adecuado para la última parte del álbum.   

 

“Port Of Saints” es una auténtica joya del avant-jazz contemporáneo cuyo bizarro eclecticismo le hace brillar con infinito fulgor. La gente de RON CAINES / MARTIN ARCHER AXIS se ha lucido a todo dar con esta nueva obra fonográfica que asevera convincentemente que aún quedan muchas áreas por explorar dentro de la experimentación jazzera contemporánea: esta travesía tan aventurera ha llegado a tierra firme con convincente energía.  

Muestra de “Ports Of Saints”.-

Port Of Saints Suite Part 1 - Franz Kline / Spanish Opening / Petite Afrique / Elegy / Port Of Saints / Calypso Roto: https://discusmusic.bandcamp.com/track/port-of-saints-suite-part-1-franz-kline-spanish-opening-petite-afrique-elegy-port-of-saints-calypso-roto

Una nueva intersección en el trayecto del trío japonés KOREKYOJINN

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy venimos a informar sobre una nueva intersección que se ha dado en el trayecto del genial trío japonés KOREKYOJINN; resulta que el baterista Yoshida Tatsuya y el guitarrista Kido Natsuki dan la bienvenida al bajista Koganemaru Kei en las filas de este trío surgido a fines de los 90s. Tras seis discos de estudio y algunos en vivo, Nasuno Mitsuru deja la banda y Koganemaru Kei es presentado como su reemplazante con la publicación de “Junction”, disco que registra una selección de temas de discos precedentes tal como quedaron grabadas en vivo en dos ocasiones: el 3 de febrero pasado en el estudio Jirokichi en el distrito tokiota de Koenji y el subsiguiente 18 de abril en el estudio Goodman de Akihabara, otro distrito tokiota. La publicación de “Junction” tuvo lugar en formato digital el pasado 2 de setiembre en el blog de Bandcamp del trío. Si el nombre del nuevo guitarrista nos suena de algo es que él funge como guitarrista en KOENJI HYAKKEI, el alucinado proyecto Zeuhl del maestro Yoshida.

El material recogido aquí se reduce a una serie de temas procedentes de casi todos sus álbumes, desde su segundo disco “Arabesque” del año 2004 hasta “Mesopotamia”, el cual data del pasado año 2022: eso incluye a las piezas homónimas de estos álbumes mencionados. Claro está, también aparece el tema justamente titulado ‘Junction’ pertenece a este reciente trabajo de estudio. Tampoco pueden faltar ‘Swan Dive’, ‘Xenon’, ‘Isotope’ ni ‘Fall Line’ (la pieza homónima del quinto disco, que data del año 2015), piezas fundamentales para la instauración y el reforzamiento del poderoso ideario musical de KOREKYOJINN, el cual se centra en una cruza de jazz-rock y heavy prog con recurrentes elementos añadidos que se inspiran en estándares del math-rock, el RIO y el prog-metal. Teniendo en cuenta el contexto en el que se realizaron estas grabaciones en vivo y la cualidad inherentemente vitalista que tiene la logística inmediata de estar en un estudio ejecutando material que tiene entre 1 y 23 años de edad, pues el resultado se traduce en una serie de ejercicios de potente rock sofisticado donde el nervio y la inteligencia arquitectónica se fusionan en una sola energía exteriorizada con genuino afán progresivo. “Junction” sirve, ante todo, como un testimonio oficial del entusiasmo nuevo que el trío siente con la incorporación de su nuevo integrante, una manifestación del celebratorio estado de ánimo que los KOREKYOJINN sienten en esta nueva intersección dentro de su vigente trayectoria musical. ¿Será también un mensaje de promesa de una pronta gestación de nuevo material? Ojalá que sí... Pero, mientras tanto, disfrutemos de esto, que el Dios Destino se encargará del resto. 

Muestras de “Junction”.-
Isotope: https://korekyojinn.bandcamp.com/track/isotope-3
Fall Line: https://korekyojinn.bandcamp.com/track/fall-line-2
Swan Dive: https://korekyojinn.bandcamp.com/track/swan-dive-3

NANOT y el auge de la cultura jazz-progresiva griega

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el placer de presentar al trío jazz-progresivo griego NANOT y a su homónimo disco debut, el cual fue publicado el pasado 7 de setiembre (hace muy poco) y que, de manera instantánea, resulta ser una gran revelación dentro de esta vertiente progresiva para el presente año año 2022. Este ensamble afincado en Atenas está conformado por Thanos Hatzianagnostou [batería y percusión], Thodoris Kotsifas [guitarras] y Yiannis Papadopoulos [teclados]. Hatzianagnostou es el compositor de todo el material contenido en “Nanot”, cuyos detalles pasamos a revisar ipso facto.

La pieza titulada ‘Generosity’ abre el repertorio y lo hace con un generoso despliegue de vigor expresivo donde se alternan efluvios aguerridos elegantemente delineados con pasajes serenos arropados por un exquisito preciosismo. El enfoque general que se da a la ilación de bloques melódicos donde esta pieza se enraíza se asiente en la tradición del jazz-fusion de los 70s (especialmente, RETURN TO FOREVER y los WEATHER REPORT post-1975). La presencia de un solo de batería supone un impulso expresionista adicional para la luminosidad esencial de este estupendo tema de entrada que, como es natural, concluye con una fastuosa efusividad. ‘Floating Bodies’ sigue a continuación para darle un viraje relativamente sosegado al colorido siempre patente del sonido grupal, realizando una exhibición concreta de cómo se puede combinar el groove magnético del jazz-rock contemporáneo con el señorío particular de unos HAPPY THE MAN. Esto último se pone muy en claro cuando llega el momento del lucimiento del solo de sintetizador. ‘The Well Of Human Wisdom’ es una hermosa pieza que comienza heredando algunos ecos evocadores y sosegados de la pieza precedente, pero procede a revestirlos de una refrescante exuberancia que se siente muy cómoda con la gran dosis que recibe de la herencia de la tradición del Canterbury (GILGAMESH, NATIONAL HEALTH) en el armazón de sus variadas texturas y tonalidades. El solo de piano de tenor impresionista que emerge a mitad de camino sirve para sembrar el camino para la ulterior emergencia de un desarrollo musical más claramente vitalista, muy caleidoscópico y muy vivaz. Un gran cénit del álbum. ‘Kampos’ se centra en un jam jazz-rockero plácido y apacible que acoge algunos ornamentos progresivos a lo largo del camino, algo así como una cruza entre los WEATHER REPORT de 1976 y los CAMEL de 1977 con algunos matices a lo HAPPY THE MAN añadidos a la ingeniería sonora. Con el muy optimista título de ‘The Gift Of Existence’, el quinto tema del álbum exhibe una mesurada extroversión a lo largo del desenvolvimiento de su bloque multitemático, aplicando un equilibrado balance entre el jazz-rock y el prog sinfónico. Incluye una sección cantada, algo inaudito en el esquema general del presente álbum.
 
La dupla conformada por el tema que se titula como el álbum y la banda y ‘Walking In The Sky’ sirve para que el disco siga exhibiendo varios recursos de su paleta sonora. ‘Nanot’ se puede describir básicamente como una síntesis entre la jovialidad señorial del tema #1 y el fulgor aristocráticamente augusto del tema #3. Definitivamente, con su excelsamente refinado manejo de los cambios de motivos y atmósferas que tienen lugar en su seno (incluyendo un cautivador solo de piano a lo Chick Corea), este tema conforma otro momento culminante del álbum. Por su parte, ‘Walking In The Sky’ se adentra nuevamente en la faceta más meditabunda de la banda, esta vez para explorar ciertas texturas experimentales que permiten insuflar una especie de etérea densidad al mayormente plácido desarrollo temático en el cual se centra el tema. Ocupando un espacio de poco más de 10 ¼ minutos, ‘The Talking River’ entra a tallar para cerrar el álbum. Las ensoñadoras y minimalistas refulgencias del inicio se conectan directamente con el espíritu general del tema precedente, mas las cosas empiezan a intensificarse desde poco antes de llegar a la frontera del segundo minuto, no ciertamente para modificar el espectro sonoro, sino para darle más espacios de diversificación integral. El trío vuelve a hacer gala de su habilidad para fusionar con impoluta fluidez el garbo del jazz-rock y la elocuencia suntuosa del rock progresivo cuando, alrededor de la frontera del cuarto minuto, el motivo principal se asienta con ágil autoridad. Para cerrar la pieza, el trío elabora una coda vibrante sobre un swing parsimonioso. Todo esto fue lo que “Nanot” nos brindó y todo lo que el colectivo de NANOT tiene por ahora para ofrecernos; este debut es el inequívoco manifiesto de que este grupo jazz-progresivo basa su propio ideario estético en un esplendor musical imponente, por lo que valdrá la pena esperar qué nuevas obras gestará en el futuro próximo. Por lo pronto, éste es el disco que hay y nos parece totalmente recomendable.
 
 
Muestras de “Nanot”.-
The Well Of Human Wisdom: https://nanot.bandcamp.com/track/the-well-of-human-wisdom
Nanot: https://nanot.bandcamp.com/track/nanot
The Talking River: https://nanot.bandcamp.com/track/the-talking-river

WE USED TO CUT THE GRASS: la gran revelación del avant-prog estadounidense en el año 2022

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la muy placentera ocasión de presentar al ensamble estadounidense de música avant-progresiva WE USED TO CUT THE GRASS por la ocasión de la publicación de su álbum debut el pasado 11 de febrero, álbum titulado “We Used To Cut The Grass #1”. Este colectivo afincado en Nueva Jersey y con nombre Zappiano tiene como líder y principal compositor a Cody McCorry, quien se hace cargo del bajo, los teclados, los sintetizadores, el Theremin, la sierra y algo de guitarra. Los demás integrantes que van y vienen a lo largo del repertorio de “We Used To Cut The Grass #1” son Faye Fadem [batería y percusión], Kevin Grossman [batería y percusión], Joe Gullace [trompeta y trompeta electrónica], Sam Greenfield [saxofones tenor y barítono, y clarinete], Tom Monda [guitarra], Ian Gray [trombón], Sean Marks [saxofón barítono], Ben Karas [violín y viola], James McCaffrey III [guitarra], Matthew Trice [saxofón alto], Jennifer DeVore [cello], Seamus Leonhardt [batería], AJ Merlino [vibráfono], Daimon Santa Maria [DJ], Alex Silver [saxofón tenor] y Timothy Adedigba Ogunbiyi [piano eléctrico Fender Rhodes]. Los procesos de ingeniería de sonido y mezcla del presente disco estuvieron en manos de James McCaffrey III en el estudio Hangar In Wall Township de New Jersey, mientras que la masterización fue realizada por Angel Marcloid en el Angel Hair Audio. Los productores fueron Cody McCorry y James McCaffrey III. McCorry no es ningún absoluto extraño dentro de la escena progresiva estadounidense, pues ya le conocemos de THANK YOU SCIENTIST y KARMIC JUGGERNAUT (aquí toca también McCaffrey), bandas que generan sus propios enfoques de vanguardia progresiva. WE USED TO CUT THE GRASS (nombre Zappiano) es el proyecto más osado de todos aquellos en los que está involucrado McCorry, y su blog de Bandcamp registra actividades desde octubre del año 2015, con EP o canciones sueltas. “We Used To Cut The Grass #1” es, repetimos, el primer trabajo de larga duración de este ensamble, siendo publicado de forma independiente en CD y como descarga digital. Bueno, vayamos ahora a los detalles de su repertorio.

Con un espacio conjunto de casi 7 minutos, las dos partes de ‘Visitors Pomp’ se encargan de abrir el repertorio del álbum con una aureola extrovertida que exhibe mesuradas vibraciones joviales dentro de un bloque perfilado por una rigurosa arquitectura sónica. La primera parte ostenta cierta densidad en algunas partes, y también inserta algunas locuciones que dan al conjunto un aura un poco dadaísta. A propósito, el solo de guitarra que emerge a mitad de camino es brutal. En cuanto a la segunda parte, ésta se desata en una jovialidad más fulgurosa cuya grácil jovialidad se sustenta sobre un esquema rítmico bastante frenético; los ornamentos de los metales también colaboran bastante al respecto. ‘DEVO Variations’ sigue a continuación para que el grupo explore esquemas sonoros más modernistas y tecno-amigables dentro de su innegociable visión avant-progresiva. Los artilugios propios del hedonismo escapista del pop-rock de fines de los 70s se insertan naturalmente dentro de un encuadre sonoro donde se fusionan el FRANK ZAPPA de la etapa 78-82 y el paradigma de THE RESIDENTS. La serie de los seis siguientes temas del álbum se centra conceptualmente en el personaje Shep, siendo el primero de ellos ‘Shep’s Lounge’, el mismo que ocupa un generoso espacio de poco más de 8 minutos. Aquí, el ensamble desarrolla una especie de homenaje al ZAPPA de la fase 69-72 con elementos añadidos que parecen proceder de los primeros años de WEATHER REPORT. El tenor predominante en el swing básico es blues-rockero, pero el ensamble va mucho más allá al crear una exuberancia fastuosa que nos recuerda a otros grandes nombres actuales del avant-jazz-prog como SLIVOVITZ y LED BIB. El camino trazado hacia el explosivo clímax final es impecable. Un cénit decisivo del disco. ‘Shep’s Nightcap' desarrolla una interesante cruza entre el usualmente llamado nu-jazz y la fusión contemporánea sobre la base de una ingeniería rítmica compleja e inusual. La intensidad generalizada en las interacciones instrumentales es palpable, pero nunca sale al frente, siempre se mantiene en un lugar de discreción para dejar que los ornamentos de vientos, cuerdas y percusión sobresalgan en algo a través del bloque general. De esta manera, nunca perdemos de vista la evocadora belleza del gentil motif central. 

‘Shep’s Anxiety’ manifiesta una densidad ágil e inquietante bajo un ropaje señorial, todo ello en base a una cruza entre el RIO y el jazz-prog, lo cual hace que el ensamble se regodee en explorar los aspectos más sofisticados de su ideario musical. Suena aquí algo así como una confluencia entre CAMEMBERT, FRENCH TV y GUTBUCKET. ¡Excelente!, ¡otro cénit del disco! ‘Shep’s Mishap’, por su parte, exhibe un cuadro sonoro con envolventes tintes impresionistas, lo cual genera un interesante contraste frente al exquisito delirio caleidoscópico de la pieza precedente. La persistente narración añade otra capa de ceremoniosa espiritualidad a un desarrollo temático que, de por sí, está focalizado en una sobria majestuosidad. Pero también se da un viraje surrealista cuando la instrumentación se torna más tajante y copiosa. Cuando llega el turno de ‘Shep’s Enthusiasm’, el ensamble regresa de lleno al área del jazz contemporáneo, centrándose en una vivaz triangulación de batería, bajo y vibráfono a través de los impredecibles recovecos del laberinto musical en curso. ‘Shep’s Fitness Assessment’ cierra la secuencia conceptual con grandes y creativos aspavientos centrados en un despliegue jovialmente juguetón de construcciones y deconstrucciones inspiradas, por igual, en la academia vanguardista y el RIO. Las confluencias con la faceta más surrealista de ZAPPA, el paradigma de los legendarios RASCAL REPORTERS y la osadía sistemática de unos AKSAK MABOUL se expanden por doquier inmisericordemente; eso incluye una cita paródica de ‘Baker Street’, el celebérrimo hit de GERRY RAFFERTY. Una afectada narración anuncia el arribo de ‘Lay Down Scully’, la pieza que dura poco menos de 8 minutos y que es la encargada de cerrar el álbum. Su esquema de trabajo se centra en un ejercicio de jazz crepuscular propio de la tradición cool de fines de los 70s con trazos añadidos que se inspiran en el jazz vanguardista europeo (NUCLEUS, los SOFT MACHINE de la fase 71-73). Aunque es evidente que aquí impera un aire de nocturnidad, no es tanto melancolía como una serenidad contemplativa lo que se expresa a través del sencillo esquema melódico apoyado sobre el piano eléctrico y alimentado por el ensamble de metales. Llegó la inefable hora de descanso tras el sistemático fulgor matutino y vespertino que forjó e inundó a casi todas las partículas sonoras de las piezas precedentes.

Todo esto es lo que se nos brinda en “We Used To Cut The Grass #1”, una maravilla de álbum que revela a WE USED TO CUT THE GRASS como uno de los ensambles más notables dentro de las nuevas hornadas del jazz experimental y del rock vanguardista en simultáneo. Se notan las trazas de compacidad y completitud en la manera tan convincente en que se plasmó la versátil y aventurera visión musical de este excelso colectivo. ¡¡Uno de los mejores discos progresivos del año en cualquier vertiente!!

Muestras de “We Used To Cut The Grass #1”.-

Shep’s Lounge: https://weusedtocutthegrass.bandcamp.com/track/sheps-lounge-2

Shep’s Anxiety: https://weusedtocutthegrass.bandcamp.com/track/sheps-anxiety  

Shep’s Mishap: https://weusedtocutthegrass.bandcamp.com/track/sheps-mishap

Osados incidentes vanguardistas del ensamble italiano NICHELODEON (y otros)

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Esta reseña llega un poco tarde, pero al final llega: se trata de “INCIDENTI – Lo Schianto”, disco producido por el talentoso y osado compositor, cantante y multiinstrumentista italiano Claudio Milano en la primera mitad de setiembre del pasado año 2021 con la firma de NICHELODEON y otros (NOT ME, INSONAR y THIS ORDER). Más exactamente, NICHELODEON / INSONAR & RELATIVES. Este extenso y ambicioso catálogo de 15 piezas se encuadra dentro de diversas coordenadas vanguardistas que van desde el avant-prog hasta el RIO, pasando por la exploración electro-acústica y los enfoques de la academia posmoderna que se inspiran en los ya clásicos idearios del surrealismo y el dadaísmo. Las circunstancias y labores creativas aquí vertidas proceden de diversos tiempos en los últimos años hasta 2021. Milano se hace presente por todos lados con su canto, y además se hace cargo de algunas instrumentaciones a la melódica, el piano, el sintetizador, la percusión, los efectos electrónicos y las grabaciones de campo. La inmensamente nutrida cantidad de colaboradores de Milano que van y vienen a lo largo del álbum está conformada por: Paolo Siconolfi [recursos electrónicos, diseño sonoro y grabaciones de campo], Erica Scherl [violín], Evaristo Casonato [oboe, flautas, saxofón contralto y corno inglés], Paolo Tofani [iPad], Vincenzo Zitello [Theremin Moog], Laura Catrani [canto soprano], Coucou Sèlavy [diversos cánticos teatrales], Dalila Kayros [voz y grabaciones de campo], Cinzia La Fauci [voz], Stefano Luigi Mangia [voz], Massimo Silverio [ cello, guitarra eléctrica y voz], Paola Tagliaferro [voz y cítara], Paola Tozzi [voz], Vittorio Nistri [sintetizador, recursos sonoros y guitarra clásica], Stefano Giannotti [sintetizadores, pianos eléctrico y preparado, batería, percusión y armonio], Gianni Lenoci [piano preparado], Camillo Pace [contrabajo], Francesca Badalini [pianos de cola y preparado], Andrea Grumelli [bajos con y sin trastes], Andrea Quattrini [batería, percusión y recursos electrónicos], Stefano Ferrian [guitarra eléctrica], Raoul Moretti [arpa electrificada], Andrea Murada [percusiones étnicas y autofabricadas], Fabio Amurri [piano], Pierpaolo Spirangle Caputo [zanfona electrificada], Mimmo Frioli [batería, percusión y efectos de grabación], Giovanni D’Elia [bajo], Danilo Camassa [guitarras clásica y eléctrica], Mauro Corvaglia [guitarra eléctrica autofabricada], Domenico Liuzzi [saxofón tenor y fagot], Max Pieretti [sintetizador], Fulvio Manganini [Stick], Alessandro Palma [batería], Ulisse Tonon [acordeones. acordeón electrificado y piano preparado], Sisto Palombella [acordeón], Claudio Pirro [guitarras eléctrica y acústica], Marco Lucchi [Mellotrón], Luca Olivieri [glockenspiel], Lorenzo Sempio [guitarras, guitarra-sintetizador y efectos], Jody Bortoluzzi [sintetizador], Ivano Nardi [batería y percusión], Franco Poggiali [sintetizador], Daniele Onori [guitarras eléctrica y acústica]. A lo largo de los 76 ¾ minutos que dura “INCIDENTI – Lo Schianto”, disfrutamos de un catálogo de osadas aventuras musicales que proyectan hacia niveles renovadores los diversos aspectos del espíritu inquieto de Milano desde siempre. NOT ME es un proyecto de música académica electroacústica gestado en el año 2018 con una agenda libertaria, mientras que THIS ORDER es el producto goth-avant-metalero de la asociación de Milano con unos exintegrantes de la banda KARMA IN AUGE. Bueno, ya es hora de ver los detalles de este intensivamente exigente ítem fonográfico.

‘Non Esistono’ abre el repertorio exhibiendo un ejercicio de atmosferas ígneamente sombrías en base al encuadre masivamente disonante de teclados y canto soprano; el epílogo trae al frente una amenazante neblina envolvente que parece esconder algo tras su manto de misterio. ‘How Hard Tune! La Canzone Dei Soli’ es la primera de las piezas propiamente atribuidas a NICHELODEON y adopta una fuerza de carácter muy especial en su espacio de poco más de 2 minutos y medio. Estableciendo algunas conexiones con el estándar de los legendarios ART BEARS, la canción establece una intensidad surrealista a través de sus confluencias deconstructivas de canto e instrumentación. ‘Variation On The Jargon King’ es un exultante tributo a una de las canciones más abstractas del amplísimo catálogo de PETER HAMMILL, dándole una aureola más palaciega, lo cual repercute en dos cosas: el despliegue de una instrumentación mucho más densa y la aplicación de una atmósfera verazmente tenebrosa. ‘Il Barbiere Degli Occhi’ es uno de los cénit del álbum, exhibiendo un aura de distinción a través de la aventurera soltura con la que se despliega el tortuoso desarrollo temático. El piano y el violín se encuentra y desencuentran para guiar conjuntamente el bloque instrumental que sustenta al canto de MILANO, mayormente centrado en sobrias evocaciones que, a veces, se sienten cercanas a la narración. Los pasajes climáticos están situados estratégicamente como faros que iluminan el retorcido lirismo que se impone a través de la perturbadora ingeniería sonora. Con la dupla de ‘Con Dedica’ y ‘Senza Ritorno’, MILANO sigue explorando diversos recursos inherentes a su concepción posmoderna del arte del sonido. Ambos temas tienen en común el enfoque de ostentar una solemnidad enigmática, pero si el primero cuenta con algunos matices juguetones a través de las múltiples capas vocales, el segundo exhibe una espiritualidad más propia de un exorcismo dadaísta que invoca a fantasmas antagonistas frente a las pautas de la razón iluminadora. ‘La Scatola’ encarna otro momento culminante y particularmente intenso dentro del disco y, en cierta medida, perpetúa la línea de trabajo plasmada en ‘Il Barbiere Degli Occhi’, aunque con un refinamiento más notorio, algo que se utiliza para establecer un astuto realce de la prestancia sólida y atribulada que caracterizó siempre al paradigma de NICHELODEON. Los arreglos percusivos, cuando emergen, añaden una importante dosis de musculatura al creciente caos controlado que, finalmente, aterriza en una atmósfera ceremoniosamente envolvente.

‘L’Ultima Sigaretta’ se centra principalmente en sintetizar la magnificencia retorcida de los dos primeros temas y la magnificencia avant-progresiva de la pieza inmediatamente precedente. La teatralidad intrépida siempre ha sido un aspecto fundamental dentro del mundo musical de Milano y aquí tenemos otra demostración cabal de ello; la resonancia facilitada por la instrumentación frontalmente abstracta que tiene lugar impulsa con total eficacia la inquietud desafiante que signa a esta canción. La instrumentación es cristalina y solipsista a la vez. ‘Idiota − Autoritratto (Tadzio’s Death)’ es un viaje a la faceta más reposada dentro de la deconstrucción sistemáticamente surrealista que inunda al presente disco. La trilogía ‘Ho Gettato Mio Figlio Da Una Rupe Perché Non Somigliava A Fabrizio Corona’ consta de las secciones ‘Ho Gettato Mio Figlio’, ‘Cento Vite’ y ‘Il Coro Dei Critici All’Ultima Sponda Del Commiato’, ocupando todo un espacio de 12 minutos y pico. Tratándose de una colaboración de Milano con THIS ORDER y contando con la colaboración de Coucou Sèlavy, el esquema sonoro se enfoca en apuntes rockeros donde se cruzan los universos del RIO, el gothy el avant-metal. Es como si alguna pieza perdida de BAUHAUS y otra de CHRISTIAN DEATH hubiesen sido encontradas por el colectivo de MR. DOCTOR y éstos los hubiesen fusionado bajo sus propias condiciones bajo la guía de los SHUB-NIGGURATH del primer álbum. Cuando llega el turno de ‘Sabbia Scura’, nos topamos con otra exquisita orgía de múltiples intervenciones vocales que mezclan la ansiedad oscurantista de los rincones más apartados del espíritu humano con la bizarra musculatura de un exorcismo de altas ambiciones. También hay algunos trucos vocales que añaden un fresco aire de travesura al asunto. ‘Del Mondo Gli Occhi − New Moses’ es una miniatura que brinda una remodelación más mesurada de los aires bizarros expuestos en la pieza de apertura. Con el arribo de ‘Nyama − Gettarsi Oltre’, pieza que dura poco más de 10 minutos y que está firmada por INSONAR, Milano y sus colaboradores de turno pueden seguir incidiendo en la creación de nuevos retorcimientos intrépidos. Hay reminiscencias de los ART ZOYD de la etapa 1982-85, así como de los paradigmas de HENRY COW y la faceta más abstracta de AREA; estas confluencias permiten que el desarrollo temático se asiente cómodamente a través de una meticulosa arquitectura grandilocuente. Otro momento particularmente grandioso dentro del repertorio.  

Los dos últimos temas de este disco están respectivamente acreditados a NICHELODEON y a NOT ME, a la inversa de la secuencia de la dupla inicial del repertorio. El primero se titula ‘La Montagna E Il Trono’, el cual se transporta fluida y minuciosamente a través de unos robustos recursos expresionistas que se enfilan hacia una labor híbrida entre el esplendor extravagante fulguroso de la canción precedente y los factores más majestuosos de las piezas #4 y #7. Los aportes de las maderas gestan unos interesantes contrapuntos a los enérgicos efluvios del violín; por su parte, el canto de Milano dialoga con las líquidas cabalgatas percusivas la mayor parte del tiempo. En fin, ‘Out Let − Viae Di (s)PHjga’ cierra este alucinado catálogo elaborando un explayamiento de fusión contemporánea que tiende extraños puentes entre lo cálido y lo amenazante, una paradoja sónica que, contra todo pronóstico razonable, funciona muy bien. A fin de cuentas, “Incidenti – Lo Schianto” es uno de los puntos de referencia más ambiciosos e intensos dentro de la variada trayectoria fonográfica de Claudio Milano, un veterano bastante curtido dentro de las esferas más radicales de la música italiana del nuevo milenio. Todo esto fue lo que se nos brindó a lo largo y ancho de “INCIDENTI – Lo Schianto”, un ítem que es un disco, pero que también es algo más que eso, es un trayecto repleto de incidentes osados y rotundos. Lo plasmado aquí por NICHELODEON y otros ensambles es un prodigio vanguardista de gran categoría, y por ello lo consideramos como totalmente recomendable en cualquier fonoteca abierta a las propuestas más sesudamente anti-convencionales que existen y seguirán existiendo en el gran universo de la música de nuestros tiempos.

Muestras de “INCIDENTI – Lo Schianto”.-
Il Barbiere Degli Occhi: https://claudiomilano.bandcamp.com/track/il-barbiere-degli-occhi-senza-valore-4
La Scatola: https://claudiomilano.bandcamp.com/track/la-scatola-senza-valore-7
Nyama − Gettarsi Oltre: https://claudiomilano.bandcamp.com/track/nyama-gettarsi-oltre-senza-valore-13
La Montagna E Il Trono: https://claudiomilano.bandcamp.com/track/la-montagna-e-il-trono-senza-valore-14

Estación #3 para el excelso ensamble iraní QUARTET DIMINISHED

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy hacemos un inusual viaje a Irán para toparnos con QUARTET DIMINISHED, un genial ensamble jazz-progresivo conformado por Ehsan Sadigh [guitarra], Mazyar Younessi [piano, sintetizador y canto], Sohil Peyghambari [clarinete bajo y saxo soprano] y Rouzbeh Fadavi [batería y percusión]. Más específicamente, presentamos aquí “Station Three”, el tercer álbum de esta banda, el cual fue publicado el 5 de enero del año 2021 (un poco tardía esta reseña, la verdad sea dicha). Una peculiar anécdota referente al disco que hoy nos ocupa es que el mismísimo Colin Bass (veterano bajista principalmente reconocido por su extensa membrecía en CAMEL) funge como invitado especial en el segundo tema del álbum, siendo, en efecto, un activo aportador de ideas para su integración en el mismo. repertorio contenido en “Station Three”. También es el segundo disco de QUARTET DIMINISHED donde está presente el vientista Peyghambari, reemplazante de Peter Soleymanipour. “Station One” y “Station Two”, los discos precedentes que fueron respectivamente publicados en los años 2015 y 2018, sirvieron para asentar y reforzar el lenguaje estilístico del grupo, lo cual impulsó la idea de que “Station Three” tuviese que ser un disco donde el grupo le diera un colorido y una intensidad extra a su estilo de jazz-prog contemporáneo. Los orígenes de la banda se remontan al año 2013 con la iniciativa de Sadigh de crear una propuesta musical colectiva donde se alternen pasajes articulados con otros improvisados dentro de un enfoque estético ecléctico donde se entrelazan el jazz contemporáneo, la academia vanguardista y diversas modalidades progresivas. Y bueno, ya es hora de detenernos en los detalles de los temas contenidos aquí, en “Station Three”.

‘Station Three’ abre el disco al cual da título expandiéndose por un generoso espacio de 14 minutos. Su pasaje inicial tiene patentes matices de minimalismo industrial que nos remite a una especie de cruza entre los universos de la banda japonesa JIZUE y la faceta etérea del glorioso iconoclasta JOHN ZORN. En medio de todo este despliegue de pulsaciones posmodernistas diseñadas para exhibir una mecanización fulgurosa, algunos trazos de lirismo aportados por el piano entran a tallar como un anticipo a la emergencia del cuerpo central, lo cual sucede poco antes de llegar a la frontera del cuarto minuto. Es aquí donde el grupo ya establece en enclave arquitectónico para desarrollar una intensa y neurótica ágil cruza de nu-jazz y avant-prog arraigado en la tradición del RIO francófono (estamos pensando específicamente en el paradigma de UNIVERS ZERO). Poco antes de llegar a la frontera del octavo minuto, el grupo rompe con la intensidad reinante y se arroja a una languidez oscurantista elaborada con un encuadre minimalista. Mientras va subiendo el nivel de controlada densidad, se prepara el terreno para una reiteración final del cuerpo central, esta vez con un colorido razonablemente incrementado. Gran inicio de álbum, sin duda. Acto seguido llega el turno de otra pieza de considerable extensión (12 ½ minutos) que se titula ‘Rhapsody’. Éste reemplaza los aires sombríamente amenazantes que fueron predominantes en la pieza de apertura por otros más inclinados hacia una aureola etéreamente misteriosa, la misma que se mueve a medio camino entre una honda nostalgia y un solipsismo metafísico. El canto ayuda bastante a darle un tenor evocador al desarrollo temático, el cual, comienza con un talante cósmico y sigue con un estupendo viaje fusionesco asentado sobre un grácil groove en un tempo inusual. Después sigue otra sección progresiva que ostenta un vitalismo rotundo y grisáceo, el cual sirve para que el grupo trabaje recursos de tensión con un enfoque majestuoso. La batería se luce de manera especial antes de que la coda brinde un bosquejo de señorial pesadez para una despedida de talante cinematográfico. 

‘Speechless Pt. 2’ (hay un tema titulado ‘Speechless Rhythm’ en el primer disco del cuarteto) comienza con arrebatadas escalas que parecen disponernos a otro ejercicio de nervio señorial desde el punto de partida. Pero no, se trata de la primera de una serie de viñetas sonoras que surcan varios caminos a lo largo de sus expansiones: deconstrucción, voracidad, serenidad, melancolía... En eso consiste la versátil ingeniería de esta tercera pieza del álbum, algo así como una pinacoteca de variadas ambientaciones. Todo concluye con ‘Mood Pt. 3’ (las dos primeras partes de ‘Mood’ se hallan en el segundo álbum del grupo). El prólogo es sigiloso pero no engañador, desde sus primeras instancias ya da indicios de una exuberancia que deberá brotar en algún momento, lo cual se da a poco de pasada la frontera del segundo minuto. Con la base dual de las alegres escalas de piano y las elegantemente sobrias líneas de las maderas, el encuadre global de la instrumentación cuenta con un terreno firme para enfilarse hacia un cuerpo central diseñado desde una cruza entre el prog y el jazz-rock. Existen algunas confluencias con lo que hacen otras bandas contemporáneas como LEMMINGS SUICIDE MYTH y GOGO PENGUIN, pero lo que hace aquí la gente de QUARTET DIMINISHED tiene su propia orientación con la inclusión de algunos aires fusionescos en el desarrollo temático. En líneas generales, aunque hay un fulgor palaciego que inunda implícitamente a la mayor parte del esquema musical, éste abre algunos espacios estratégicos a algunas ambientaciones más sutiles. Todo esto fue lo que se nos brindó en el disco “Station Three” desde los cuarteles del excelso ensamble iraní QUARTET DIMINISHED. Este disco es hermoso e imponente, y toda la obra que tiene publicada hasta el momento este cuarteto merece ser investigada por cualquier melómano interesado en conocer lo mejor que se hace en las áreas del rock progresivo y el jazz-rock fuera de los habituales circuitos europeo y estadounidense. ¡Totalmente recomendable!
 
 
Muestras de “Station Three”.-
Station Three: https://quartetdiminished.bandcamp.com/track/station-three
Mood Pt. 3: https://quartetdiminished.bandcamp.com/track/mood-pt-3

 

ED WYNNE AND GRE VANDERLOO: panoramas duales de un flotante multiverso musical

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOITCAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la ocasión de presentar el disco a dúo de ED WYNNE y GRE VANDERLOO: el primero es el eterno líder del veterano y emblemático grupo británico de space-rock progresivo OZRIC TENTACLES; el segundo es un sintetista-multiinstrumentista neerlandés experto en ambient y experimentación electrónica que, en los 90s, tuvo su prehistoria como teclista del inolvidable grupo prog-metalero LEMUR VOICE, y que ahora tiene su propio proyecto GRACEROOMS. Estos dos señores ya venían colaborando en el proyecto VITA VOOM desde el año 2020, y ahora, con “Floating Through The Floativerse”, el dúo concreta, bajo las firmas asociadas de sus meros nombres, su primera obra fonográfica de larga duración. Ésta fue publicada por el sello londinense Kscope el pasado 15 de julio, tanto en CD como en vinilo (de colores negro y azul, respectivamente). Aquí, WYNNE [guitarras, sintetizadores y programación de ritmos] y VANDERLOO [teclados, sintetizadores, batería, percusión y flauta] se hacen acompañar ocasionalmente por el bajista Paul Klaessen y el sintetista Silas Neptune (a quien conocemos de los propios OZRIC TENTACLES). El origen de “Floating Through The Floativerse” se remonta hacia inicios del año 2020 mientras se gestaba el que entonces era el nuevo álbum de los OZRIC TENTACLES “Space For The Earth”, y GRE, quien viajó a los Blue Bubble Studios (en la localidad de Fife) desde su madre patria, empezó a hacer nueva música con ED fuera de la que ya estaba siendo trazada para el otro disco mencionado. Una vez que ambos músicos se pusieron de acuerdo en desarrollar seis índices melódicos que ellos vincularon a la idea del Flotiverso, un lugar donde uno puede desprenderse de la fuerza de la gravedad por un breve momento. Este concepto poético es el elemento unificador de las siete piezas que conforman el presente álbum, cuya grabación se realizó en los mentados Blue Bubble Studios bajo la producción y la ingeniería de sonido de ED, pasando luego la masterización a manos de Adam Goodlet. El arte gráfica es de autoría de Valerie Fangman. Bueno, ya es hora de concentrarse en los detalles estrictamente musicales de “Floating Through The Floativerse”.

   

Se inicia el álbum con ‘Oilyvoice’, una pieza muy afín al patrón estético estandarizado de los OZRIC TENTACLES a lo largo de toda la década de los 90s en base a la influencia de los GONG de la fase 73-75; los momentos donde predominan las elevaciones cósmicas y esos otros donde se impone un genuino músculo rockero se van amalgamando con una fluidez y una naturalidad convincentes. Da gusto que una pieza que apuesta por una garra tan estilizada sea la que abra el álbum. Sigue a continuación ‘Seen The Sun’, el tema más extenso del repertorio con sus casi 11 ¾ minutos de duración. Su enfoque está más sistemáticamente centrado en las exploraciones electrónicas contemporáneas, apelando a ciertas confluencias con los TANGERINE DREAM de los últimos 15 años. El dinamismo cibernético es manejado con una vivacidad genuina que opera muy ágilmente a través de una arquitectura sónica cuyo centro nuclear gira en torno a los colores envolventes equitativamente vertidos por las secuencias de escalas sintetizadas y ritmos computarizados. Mientras tanto, los ornamentos space-rockeros que emergen en varios momentos estratégicos brindan un porte magnífico a a vivacidad electrónica en curso; la guitarra y el sintetizador también se lucen ocasionalmente con toques de virtuosismo progresivo y jazz-rockero. En una segunda instancia, la pieza adquiere un vigor extra donde el entramado instrumental se torna más denso, lo cual instantáneamente genera una inapelable intensidad expresiva. Para el último tercio, el dúo vira hacia un space-rock con base reggae, algo que también nos suena a los OZRIC TENTACLES. Un cénit del disco. ‘Magnetophoria’ sirve para que el ensamble se dedique a explorar grooves fusionescos de tenor jazz-rockero dentro de un cuerpo central abundantemente arropado por una voluminosa parafernalia electrónica. A pesar de que hay algo de ceremonioso en el espíritu general del desarrollo temático, su esencia es fulgurosa. Cuando llega el turno de ‘Pelmonauts’, el dúo decide jugar con parsimoniosos climas flotantes que parecen evocar vibraciones ritualistas que, hasta cierto punto, suenan emparentadas con algunas cosas que hizo VANGELIS en la primera mitad de los 80s, así como algunas de las primeras exploraciones electrónicas de STEVE HILLAGE. 

‘Floating Plates’ se hace cargo de regresar al factor étnico del space-rock electrónico, realizando un enfoque preferente en grooves de tenor reggae más algunos sutiles matices jazz-rockeros añadidos para la ocasión. Algunos solos de sintetizador ostentan un espíritu juguetón en sus fraseos, dado que ellos establecen una precisa consonancia con el swing central. ‘Infinity Curtains’ afianza un retorno pletóricamente vivaz al espíritu general de la pieza de apertura, apuntando a una sofisticación más grandilocuente en los arreglos y a un dinamismo más intenso en su groove básico. También tenemos aquí uno de los mejores solos de guitarra de todo el disco, el cual atraviesa las frondosas nubes sintetizadas que ya se han reforzando con gran fruición. Otro cénit definitivo del repertorio. ‘Starseeds’, que dura 9 ¼ minutos, es la pieza responsable de cerrar el disco. Su estrategia inicial consiste en establecer una vitalidad cadenciosa donde la extroversión y el colorido prevalentes a lo largo de todo el álbum puedan encontrar un encuadre un poco más sobrio para sus manifestaciones cósmicas. Más adelante, el groove asume una mayor soltura para que los guitarreos puedan aportar tonalidades jazzeras a sus solos y la gracilidad caleidoscópica de los teclados asuman un aura más expeditiva. En conclusión, ED WYNNE AND GRE VANDERLOO es un dúo que posee suficientes recursos creativos y logísticos para crear un microcosmos propio dentro del space-rock contemporáneo que, por supuesto, tiene en los OZRIC TENTACLES como un referente fundamental para su canon general. “Floating Through The Floativerse” es una evidencia inapelable de la creatividad que acabamos de mencionar, por lo que lo recomendamos como parte de cualquier colección de rock artístico que se precie de ser mínimamente buena. Esperemos que haya más colaboraciones así en el futuro próximo. 

Muestras de “Floating Through The Floativerse”.-
Seen The Sun: https://kscopemusic.bandcamp.com/track/seen-the-sun
Magnetophoria: https://kscopemusic.bandcamp.com/track/magnetophoria
Infinity Curtains: https://kscopemusic.bandcamp.com/track/infinity-curtains

Nuevas revelaciones desde el cuartel avant-progresivo del maestro FRANÇOIS THOLLOT

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Nos complace enormemente tener la oportunidad de presentar el nuevo trabajo fonográfico del trabajólico compositor y músico francés FRANÇOIS THOLLOT, experto en un avant-prog híbrido donde confluyen el jazz-rock, el Zeuhl, el Canterbury y el RIO de tradición francófona. El nuevo disco en cuestión se titula “Soon The Apocalypse” y fue publicado el segundo día del presente mes de setiembre, como es habitual, en su propio blog de Bandcamp, como descarga digital. Se trata de su noveno disco dentro de una cadena de producciones musicales realizadas desde enero del año 2021 (“Alternatives”, el último disco hasta ahora, data del pasado mes de mayo), lo cual indica un síntoma claro y distinto de un espíritu tremendamente inquieto a través de la temporada de distanciamiento sistemático y la actual etapa de controlada liberación de movimiento público. Como siempre, THOLLOT se hace cargo de toda la instrumentación que suena aquí: teclados, bajo, batería, guitarra y programaciones. Tras las grabaciones vienen los sucesivos procesos de mezcla y masterización, los cuales, también como siempre, están en manos exclusivas del maestro THOLLOT. Bueno, repasemos ahora los detalles estrictamente musicales de “Soon The Apocalypse”. 

 

Los iniciales 6 minutos y pico están ocupados por el estrambóticamente titulado tema ‘My Teeth Are Salad, I Eat Teeth, I Get a Tooth Stuck Between My Salads’. Usando ágiles cadencias jazzeras desde el mismo punto de partida con la prestancia extrovertida exhibida en la triangulación de batería, bajo y piano eléctrico, el cuerpo central va desplegando fehacientemente una atmósfera juguetona que también tiene algunos matices de densidad. Es como un HAPPY THE MAN invadido y retorcido por ZAO mientras preserva su esencia magnificente y colorida. En las instancias finales, el factor denso se intensifica para crear una eficaz conclusión climática. Luego sigue ‘Limits’, tema que dura poco más de 7 ½ minutos y que se encarga de incrementar la sofisticación temática y el groove del bloque sonoro. Al inicio, el espíritu del esquema melódico resulta ser cálido y gentil en medio de la reinante intensidad. Más adelante, emerge un pasaje relajado donde se expande un sosiego sazonado por un nebuloso misterio, lo cual propicia un empuje para la nueva exaltación que surgirá poco después. He aquí un ejemplo de muchos de cómo la faceta más propiamente dinámica de la visión musical de THOLLOT porta un encanto irresistible. ‘Explorations’ expone algo bastante común en el ideario estético de THOLLOT: una confluencia de GENTLE GIANT, HAPPY THE MAN y el Zeuhl-jazz de unos ZAO o unos POTEMKINE. El lucimiento esplendoroso que se vierte en las intervenciones de los teclados causa un gran efecto en el espíritu general del esquema sonoro global. Algún interludio al viejo estilo del jazz-fusion añade candor al asunto. Acabamos de disfrutar de dos enormes cénit seguidos del álbum. ‘Tu Veux Du Poulet?’ es un ejercicio de jazz-prog signado por un desarrollo temático moderadamente grisáceo mientras el esquema rítmico se hace cargo de brindar una plasticidad sofisticada a la ingeniería sonora. Dicho esquema tiende a veces hacia una garra bastante peculiar, pero, principalmente, elabora un swing vivazmente alturado. ‘Smoke On The Fire’ combina la espiritualidad juguetona del tema de apertura con la versatilidad sofisticada y señorial del segundo, lo cual se traduce en una fluida alternancia de pasajes luminosos con otros un tanto oscuros (sin llegar a lo frontalmente tenebroso). Lo que persiste a lo largo de los poco más de 7 minutos que dura esta pieza es un vitalismo solvente y exquisito en los diversos grooves que se van sucediendo.

Cuando llega el turno de ‘Relative Majority’, el bloque sonoro se mete de lleno en el terreno del jazz-prog con un piano que asume el rol protagónico de forma inapelable. La magia de sus fraseos es totalmente cautivadora. La pieza homónima es la que cierra el álbum, y también es la más extensa del mismo con su duración de alrededor de 9 ¾ minutos. Diseñada para explorar y capitalizar los recursos y encuadres más densos de todo el repertorio precedente, esta pieza ahonda particularmente en los matices más tirantes y las atmósferas más misteriosas del paradigma de THOLLOT. También se nota que hay un enfoque más explícitamente arquitectónico en varios esbozos perpetrados por la dupla rítmica, lo cual ayuda permite sacar mucho provecho a varios pasajes de piano eléctrico que se explayan cuales efluvios inquietantes. Un solvente homenaje a un “universo paralelo” donde ZAO y PRESENT se funden en una sola voz musical, concretándose así un majestuoso cierre para el repertorio bajo unas pautas meticulosas y preciosistas que ya conocemos del paradigma estético de FRANÇOIS THOLLOT y, por extensión, del colectivo SCHERZOO. En conclusión, lo que se muestra en “Soon The Apocalypse” es una exhibición de grandiosas revelaciones musicales, una de muchas que este maestro francés viene aportando desde hace bastante tiempo a la vanguardia progresiva francesa del nuevo milenio; por tanto, que solo nos queda concluir con la noción de que THOLLOT sigue firme en su posición de figura notable dentro de la escena progresiva de nuestros tiempos.

 
 

Muestras de “Soon The Apocalypse”.-
Limits: https://scherzoo.bandcamp.com/track/limits
Explorations: https://scherzoo.bandcamp.com/track/explorations
Soon The Apocalypse: https://scherzoo.bandcamp.com/track/soon-the-apocalypse