EDENA GARDENS: un nuevo impulso para la psicodelia progresiva danesa

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
En esta ocasión tenemos el placer de presentar el nuevo trabajo de estudio del trío danés de música jazz-prog-psicodélica llamado EDENA GARDENS. El disco en cuestión se titula “Agar” y fue publicado a inicios de eeste mes de abril por el sello El Paraiso Records. Este grupo está conformado por Nicklas Sørensen [guitarras y efectos], Martin Rude [guitarra barítono y bajo] y Jakob Skøtt [batería, teclados y recursos electrónicos]. El nuevo disco sucede al homónimo del pasado año 2022 y a otro en vivo llamado “Live Momentum” que salió al mercado a inicios de este año 2023. Conocemos a Sørensen por PAPIR y ØRESUND SOUND COLLECTIVE, a Skøtt, por CAUSA SUI, y a Rude, por sus diversos proyectos de rock y jazz-rock (algunos de ellos, junto al propio Skøtt). El trío se armó en Copenhague a partir de varios ensayos donde se gestaron jams con raigambre jazz-rockera y orientaciones densas que iban desde el krautrock hasta la psicodelia pesada, incorporando trucos stoner y post-rockeros y siempre manteniendo la inquietud progresiva como núcleo central. Los componentes de EDENA GARDENS se han mantenido muy compactamente unidos en su agenda común, tal como lo demuestra la existencia de dos discos de estudio en tan poco tiempo: su interconexión musical se traduce en genuinos momentos de composición en tiempo real, los cuales solamente exigen rápidas labores ulteriores de arreglos y reconstrucciones. La producción y la mezcla del material recogido en “Agar” corrieron a cargo de Jakob Skøtt, y también él se hizo cargo del arte gráfica. Jonas Munk fundió como ingeniero de sonido en las sesiones de grabación, y posteriormente, también de la masterización. Veamos ahora los detalles de este disco en cuestión. 
 
Durando 7 minutos y pico, ‘Forst’ abre el álbum con una peculiar fuerza de carácter que está obviamente proyectada para indicar varios de los aspectos estilísticos de la banda. Toda la ingeniería sonora de este momento inicial se centra en vibraciones etéreas y contornos relativamente líquidos que impulsan la fluida articulación entre el prog psicodélico y el jazz-rock, con añadidos esparcimientos de rocío post-rockero. La sobriedad emanada de los fraseos de ambas guitarras es la misma que dirige sus interconexiones mientras, de forma leve pero imposible de ignorar, el trío aumenta la musculatura de su esquema musical. Muy cautivador este inicio de álbum. ‘Sombra Del Mar’ (así, en español) sigue a continuación para aportar un cierto aumento de densidad con el fin de explorar matices más gráciles dentro de la paleta sonora del trío. Así las cosas, el bloque grupal se enfila por atmósferas señorialmente oníricas donde las huellas de mesurado vigor rockero se exhiben como si fuesen oasis imaginarios de relax contemplativo. Bueno, algo de esto hay, pero la densidad reinante a través de esta elegante parsimonia es lo que más llama nuestra atención. ‘Veil’ es la pieza más extensa del álbum con su espacio de 12 ½ minutos. Apelando a una activación de los filos más adustos de la tradición psicodélica a través de un filtro stoner y con bien afilados recursos de sofisticación, lo que suena parece una cruza entre los GURU GURU de la etapa1971-72 y los PINK FLOYD de la fase 1969-70 donde los elementos extra de MOGWAI ayudan a aggiornar la estrategia creativa en curso. Lo que había de reflexivo en la pieza anterior se deriva hacia algo sistemáticamente introspectivo bajo un abrumador ropaje ceremonioso. La efectividad evocadora de los espacios vacíos dejados por la guitarra y el bajo se apoya consistentemente en la áspera precisión con la que se arma el parsimonioso swing de la batería. Los sutiles ornamentos de sintetizador ayudan a enriquecer la esencia apacible de esta pieza. La ilación de la miniatura ‘Halcyon Days’ y ‘Dreich’ inicia la segunda mitad del repertorio. Operando casi como un continuum, esta dupla remodela ligeramente la atmósfera primordial del tema precedente para darle un poco más de fastuosidad mientras realza su potencial de misterio. En algunos momentos, hasta parece sombrío, algo que aprovecha el bajo para destacarse en varios momentos dentro del entramado sonoro.
 
‘Ascender’ es otra miniatura caracterizada por establecer algunos modismos embrujadores sobre un swing tribal, algo así como un atisbo de una ceremonia mística. Este minúsculo jam es realmente muy atractivo y tal vez pudo haber gozado de un mayor desarrollo, pero es que llega el momento de la emergencia de ‘Montezuma’. Esta pieza sigue rizando el rizo de lo evocador y le añade retazos de elementos ensoñadores que ya conocemos de otros pasajes precedentes del disco. Se trata, en el fondo, de una síntesis de los espíritus centrales de los temas #2 y #3. Un plus es la presencia de un fabuloso solo de guitarra, tal vez el más impresionante de todo el álbum. ‘Crescent Helix’ es la segunda pieza más extensa del repertorio- dura poco menos de 10 minutos – y también es la encargada de cerrarlo. Comenzando con un prólogo de exploraciones aleatorias cargadas de mesurada incandescencia, pronto esta efímera tormenta abre paso a un paisaje muy sereno donde el grupo regresa a la plenitud etérea que fue tan dominante en la pieza que inició el disco. Por su parte, el vigor muscular y la dejadez engañosa de los guitarreos están emparentados con el tercer tema. Para la instancia epilogar, el trío se torna más impetuoso en su groove, algo que aporta un dramatismo extra al asunto poco antes de aterrizar en una nebulosidad plácida. En fin, todo esto fue lo que el colectivo de EDENA GARDENS nos brindó con “Agar”, un disco muy interesante que encarna un nuevo impulso para la siempre prolífica escena de la psicodelia progresiva danesa (y lo mismo podemos decir sobre el disco homónimo que le precede). Ojalá que estos obvios índices de ímpetu creativo sigan rindiendo frutos fonográficos en el futuro próximo. En sí mismo, este trío es un punto de referencia muy importante para la producción de rock artístico escandinavo de estos últimos años, y más específicamente, este disco es algo que merece ser destacado para el presente año 2023.
 
 
Muestras de “Agar”.-
Sombra Del Mar: https://www.youtube.com/watch?v=MbF6qqKLqHE
Veil:  https://www.youtube.com/watch?v=kVP4Na0YvMI

Segunda espiral sónica de los italianos MONKEY DIET

 

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Estamos de plácemes en ésta, nuestra nueva visita al escenario progresivo italiano: tenemos aquí el nuevo disco del grupo prog-psicodélico MONKEY DIET, conformado por Gabriele Martelli [guitarra y sintetizador], Roberto Bernardi [batería] y Daniele Piccinini [bajo y sintetizador]. Este disco titulado “Ant Death Spiral” fue publicado el pasado 25 de marzo por el sello Black Widow Records y el grupo se empeña en llamarlo EP a pesar de que dura cerca de 40 minutos. Este trío que incluye a un expatriado de los muy celebrados ACCORDO DEI CONTRARI nos sorprendió muy gratamente en abril de 2017 con su álbum debut “Inner Gobi”, y ahora, con “Ant Death Spiral”, el trío afianza y capitaliza la intensidad expresionista inherente a su propuesta musical con una serie de exhibiciones de incrementada fiereza rockera, eso sí, sin renunciar a la estilización vigilante que es tan propia del art-rock. En este disco, la gente de MONKEY DIET cuenta con una cierta cantidad de colaboradores: el guitarrista Eric Gales, el sintetista Silas Neptune (cuyo verdadero nombres es Silas Wynne, de OZRIC TENTACLES), la cantante Donella Del Monaco (la misma de OPUS AVANTRA), el vibrafonista Nicola Schelfi y y el teclista Riccardo Lolli. La producción del nuevo material recibió su mezcla de parte de Sga Vaccari; el arte gráfica es de la autoría de Russ Mills. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio de “Ant Death Spiral”. 

‘Hungry Horace’ abre el disco con pletórico entusiasmo, iniciándose con una actitud sigilosa marcada por unos serenos fraseos de bajo y voces de gente conversando mientras camina por unas salas o pasillos; de a pocos, los músicos abren camino a la instalación de un ingeniería muscular que se desarrolla con versátiles variables de ímpetu expresionista. Este mismo se soltará más ostentosamente en los dos últimos minutos, pero, curiosamente, con un manejo más contenido del nervio rockero; de hecho, la batería se erige como centro de la triangulación instrumental. Estupendo comienzo del álbum. Luego sigue la pieza homónima, la cual preserva y capitaliza el sofisticado vigor rockero que signó al muy buen tema de entrada, aunque con un talante un poco más ceremonioso y, sobre todo, un enfoque más propiamente progresivo. En efecto, ‘Ant Death Spiral’ concreta una integralidad sonora bastante majestuosa para la fusión de stoner, space-rock progresivo y hard rock clásico que se diseña para la ocasión, la cual a veces se torna un poco ceremoniosa a fin de permitir que el ingreso de nuevos colores sonores impacte en el compacto bloque musical; esto último resulta particularmente relevante en lo que se refiere a los aportes de los sintetizadores, los mismos que nos remiten al paradigma de los OZRIC TENTACLES pre-1992. Alrededor de la frontera del cuarto minuto, irrumpe un motif fusionesco-psicodélico cuya tajante delicadeza obliga al grupo a medir el desarrollo de un nuevo auge de la polenta rockera que, en medio de esta multívoco paisaje, habrá de trazar la vía para el suntuoso final. Un cénit caleidoscópico del repertorio. ‘Sleeping Sand, Death Cloud’ es el tema más extenso del álbum con sus 10 minutos y pico de duración, instaurando otro cénit del mismo. Comenzando con una grácil secuencia cósmica que pronto abre espacios a la irrupción de un pasaje rotundamente rockero, cuyo medio tiempo permite la ulterior exploración de matices refinados para la reinante pesadez, así como un retorno de la atmósfera cósmica. Es como si un jam perdido de los LED ZEPPELIN de la fase 1971-73 hubiese sido recuperado por la gente de CAUSA SUI para darle un aire un poco más Sabbathiano. El solo de guitarra, cortesía del invitado Gales, es simplemente formidable: su vitalidad se impone para guitar al esquema grupal hacia un culmen expresivo antes de que un viraje temático enfatice las vibraciones psicodélicas de la sección final. 

‘Marsquake’ tiene un factor hard-rockero que se reafirma mientras las agitaciones inspiradas en el estándar contemporáneo de la psicodelia pesada contemporánea ayudan a gestar sólidos recursos de sofisticación para el armazón sonoro. En ciertas instancias, la batería usa grooves jazz-rockeros, mientras que los ornamentos sintetizados se las arreglan muy bien para hacerse notar en varios pasajes del desarrollo temático. ‘Raptus’ tiene un comienzo impetuoso que ha de marcar crucialmente la ilación de diversos motivos y grooves que tiene lugar. La extroversión llega a una explicitación renovadora dentro de los confines estilísticos que hemos apreciado en lo que va del álbum; el fragor rockero es puntilloso sin renunciar al señorío bien perfilado. El cierre del repertorio lo trae ‘Special Order 937’, pieza que dura poco menos de 8 minutos. Prácticamente, esta pieza nos brinda una síntesis entre la musculatura contundente del tema precedente y el aura señorialmente fulguroso del tema #3. En los pasajes más etéreos (los cuales incluyen diálogos cinematográficos), el trío brinda otro momento de variedad contrastante en nombre de la recta fluidez del sendero multitemático. En fin, todo esto es lo que nos brindó el personal de MONKEY DIET con “Ant Death Spiral”, un disco categórico cuya espiral de arrolladoras sonoridades prog-psicodélicas se impone a punta de garra y nervio. No sólo se trata de un disco empapado de contundencia rockera, también es una obra meticulosa que merece un lugar destacado dentro de nuestras exploraciones melómanas de este año 2023. 

Muestras de “Ant Death Spiral”.-

Ant Death Spiral: https://monkeydiet.bandcamp.com/track/ant-death-spiral

Sleeping Sand, Death Cloud: https://monkeydiet.bandcamp.com/track/sleeping-sand-silent-cloud

Special Order 937: https://monkeydiet.bandcamp.com/track/special-order-937

La irrupción progresiva de GRAVITY FIELDS

 

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Hoy tenemos el gusto de presentar una estupenda novedad desde Barcelona, España: el cuarteto GRAVITY FIELDS, que está conformado por Alex Ojea [batería], Toni Munné [bajo], Jorid Prats [guitarra] y Jordi Amela [teclados], el cual ya tiene su disco debut “Disruption” en el mercado. Este lanzamiento fonográfico que brinda una creativa y vitalista convergencia entre el rock progresivo, el jazz-rock y la electrónica ha sido publicado el pasado 21 de abril poe el sello RedPhone Records, provocando un revuelo instantáneo en varios blogs hispanohablantes de difusión del rock artístico. Y no es para menos, pues se trata de un disco muy bien logrado, pero ya nos detendremos en sus detales más adelante. El cuarteto contó con la ocasional colaboración del flautista-saxofonista Pep Espasa en uno de los temas de este disco. Este grupo es novel, pero sus integrantes no lo son: de hecho, tres de ellos, Ojea, Prats y Amela, ya eran colegas en las bandas HARVEST y ON THE RAW, dedicadas al neo-prog y al jazz-prog, respectivamente. Es más, en los 90s existía el recordado grupo neo-progresivo DRACMA que congregaba a Amela y Prats junto a otros integrantes en variables alineaciones. El mencionado músico invitado Espasa es integrante de ON THE RAW. En fin, estos tres viejos conocidos se juntaron con Munné para formar GRAVITY FIELDS, cuya meta es la de cultivar la propuesta ecléctica que hemos descrito más arriba. La sucesión de los 11 temas que integran “Disruption” está armada bajo un concepto-guía centrado en el modo en que la especia humana está evolucionando a través de una senda que nos empuja hacia un futuro muy incierto. Ya es hora de revisar los detalles del repertorio contenido en “Disruption”.

El tema encargado de abrir el repertorio es ‘Rage’, el cual se basa en una inteligente exhibición de matrices del post-rock y del space-rock que se entrecruzan dentro de una amalgama progresiva equitativamente marcada por el vigor rockero y el preciosismo musical. El esquema melódico fluye con total claridad a través de las intervenciones de la guitarra y los teclados mientras el dúo rítmico brinda una solidez señorial al firme swing creado para la ocasión. Tras este buen inicio de álbum emerge ‘Mutants’, un tema más ágil que muestra un convincente pulso jazz-rockero para darle un viraje más grácil al esquema de trabajo sonoro iniciado por el tema de apertura. Los teclados se lucen particularmente con sus enérgicos solos, los cuales están un tanto emparentados con el paradigma de NIACIN, mientras que el bloque grupal íntegro hace gala de su pericia para gestar y sustentar grooves llamativos y exquisitos. Con la subsiguiente dupla de ‘The Escape’ y ‘Coyote’, el grupo avanza a paso firme con su estrategia de refinadas exploraciones sónicas. La primera de estas piezas mencionadas se mete más de lleno en el discurso jazz-rockero con matizadas pretensiones progresivas, haciendo que el motif central se explaye en una confluencia de garra y calidez; respecto a este detalle, nos recuerda un poco al patrón de los propios ON THE RAW. En cuanto a ‘Coyote’, que es el ítem más extenso del disco con sus 6 ¼ minutos de duración, se trata de una excursión en el área del jazz-fusion con un pie en el sonido contemporáneo y otro en la nostalgia de fines de los 70s: digamos que hay algo de los WEATHER REPORT de la etapa 78-82 operando en el desarrollo del sofisticado groove sobre el que se activan los 2/3 iniciales de la ingeniería de esta pieza. Una mención especial va para la majestuosamente refinada labor de la batería a través de los diversos ambientes que tienen lugar aquí. La ilación de los temas #2 al #4 completa un cénit del disco. Cuando llega el turno de ‘Saturno Park’, el grupo se pone a jugar con un dinamismo más directo y un gancho explícito, amable aunque sin renunciar a la sofisticación estructural, tal como se nota en ciertos quiebres rítmicos y cambios de atmósfera que tienen lugar a lo largo del camino. 

‘The Hard Core’ prosigue por la senda de llamativa y magnética extroversión trazada por el tena precedente y le da un giro por la vertiente del hard rock progresivo con tintes jazz-rockeros. Es así como hubiesen sonado los JOURNEY de los tres primeros discos si hubiesen surgido en el nuevo milenio arrastrando las influencias del prog y el prog-metal de los 90s mientras las actualizan dentro de una pomposidad contemporánea (algo así como una cruza entre ECLAT, FATES WARNING y SPECIAL PROVIDENCE). ‘Gliders’ se enfila hacia unas atmósferas evocadoras de tenor prog-sinfónico que acusa influencias de CAMEL y GENESIS a través de filtros ostentosamente aggiornados. La sobria vitalidad y la belleza inherentes a los motivos orgánicamente agrupados son realzadas eficazmente por las capas orquestales sintetizadas y los solo de guitarra y teclado que van emergiendo a lo largo del camino. La alternancia entre serenidad y robustez preciosista que realiza la batería es crucial para dejar que el desarrollo temático brille con luz propia. Otro momento culminante del disco. ‘Detuned Love’ se caracteriza por establecer una síntesis entre los espíritus expresivos anteriormente plasmados en los temas #2 y #3; o sea, se trata de un encuentro fluido y ágil entre el jazz-rock de tenor progresivo y el jazz-fusion meticulosamente refinado. La guitarra goza de un cierto protagonismo dentro del entramado sonoro grupal, e incluso gesta una breve instancia de desahogos psicodélicos a lo STEVE HILLAGE alrededor del ecuador de este tema en cuestión. ‘Ingravity’ se encarga de darle un nuevo giro de tuerca a la faceta prog-sinfónica de la banda con un talante evocador, aunque todavía preservando un vigor jazz-rockero de manera convincente. ‘Prime Time’ sí se mete de lleno en un regreso a las arenas del jazz-rock con tenor fusionesco, y lo hace con un fulgor llamativo que algo tiene que ver con los ornamentos cósmicos que entran en tallar en ciertos pasajes estratégicos. El cierre del repertorio llega de la mano de ‘Transition’ y su misión consiste en completar fehacientemente el matrimonio de jazz-prog y space-rock que el tema anterior solamente indicó con relativa cercanía y al que apuntaba parcialmente el primer tema del disco. El esquema sonoro de esta pieza final es muy rico en matices, exhibiendo un caleidoscopio de múltiples enfoques expresivos que se organizan dentro de una compacidad impoluta y, sobre todo, conectándose coherentemente con muchos de los estándares elaborados en varias piezas precedentes. 

En fin, que para decirlo de forma resumida, “Disruption” es toda una gozada musical que refuerza la relevancia enorme de la presencia española dentro de la multiforme escena progresiva internacional. La gente de GRAVITY FIELDS se ha lucido a lo grande uniendo colectivamente sus ideas y energías para gestar un disco recomendable al 400% (un ciento por cada integrante) en cualquier buena fonoteca dedicada al rock artístico de nuestros tiempos. ¡Imperdible irrupción en nuestras agendas melómanas de este año 2023! 

Muestras de “Disruption”.-

Mutants: https://gravityfields.bandcamp.com/track/mutants

Coyote: https://gravityfields.bandcamp.com/track/coyote

Gliders: https://gravityfields.bandcamp.com/track/gliders

Transition: https://gravityfields.bandcamp.com/track/transition

El peculiar equilibrio progresivo del ensamble finlandés QUMMA CONNECTION

 

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Hoy presentamos “Equilibrium” del ensamble finlandés QUMMA CONNECTION, uno de los más notables trabajos fonográficos de música progresiva producidos en Escandinavia en el año 2022 y que se nos pasó por alto en su momento. Exactamente, su publicación tuvo lugar el 5 de diciembre del 2022 y ahora que lo acabamos de descubrir, nos sorprende gratamente con su musicalidad tan versátil y tan rica en matices. Hablando del líder de este proyecto, Qumma (cuyo nombre real es Rami Talja) es un músico especializado en el bajo (especialmente, sin trastes), el Chapman Stick y la Warr Guitar; también hace algunas programaciones y efectos de sonido. El ensamble de QUMMA CONNECTION se completa con Pate Kivinen [órgano Hammond, sintetizadores y programaciones], Anti Pesonen [guitarras eléctrica y acústica] y Pasi Rupponen [batería]. El buen Qumma se encargó de componer todo el material aquí contenido, y no sólo eso, también es el autor del diseño gráfico del álbum. Él y Pesonen realizaron los arreglos del repertorio, mientras que este último se hizo cargo de la mezcla. Veamos ahora los detalles de este disco.

‘My InnerSpace’ abre al álbum con un muy interesante enfoque híbrido entre ambient y prog atmosférico, concretando una serie de viñetas sonoras de tenor cinematográfico donde lo misterioso se impone como la fuerza expresiva prioritaria. El carácter asertivo de las notas de Stick en medio de las capas de sintetizador aportan un matiz arquitectónico al asunto, y pronto arribará la guitarra acústica para hacer lo propio con un talante aún más decisivo, lo cual apunta hacia una fastuosidad incrementada del motif principal. Sigue a continuación ‘The Rite’ con el propósito de establecer el primer reflejo de energía grupal dentro del repertorio, y lo hace con una exhibición de garra estilizada que nos remite a una cruza entre los paradigmas de GORDIAN KNOT y los STICK MEN. El enfoque solemne con el que se arma el groove central de la pieza (alternando diversos niveles de soltura) permite a la banda crear unas sonoridades grisáceamente intensas, las cuales resultan particularmente electrizantes en los pasajes más marchosos. Todo salió bastante llamativo, como también es el caso del tema siguiente, el cual se titula ‘eXMania’. Aquí opera un incrementado músculo rockero, el cual se alimenta de la tensión inherente a la compleja y aguerrida ingeniería rítmica diseñada para la ocasión. La triangulación de guitarra, Warr Guitar y teclado inunda espacios con una furia elegante y señorial que se sitúa en un posicionamiento muy cercano a los territorios de AT WAR WITH SELF y FATES WARNING, añadiéndose matices Crimsonianos propios de inicios del milenio. En realidad, el esquema compositivo es relativamente sencillo, pero la amalgama de los instrumentos recrea el desarrollo temático hasta el punto de instaurar una vivacidad muy especial para el mismo. ‘Paraati’ regresa en cierto modo al talante cinematográfico que marcó a la estructuración melódica del tema de apertura, pero le brinda una suntuosidad progresiva con un sistemático e imponente fulgor. Ya opera aquí un cierto factor jazz-progresivo en la elaboración del groove y las intervenciones de la guitarra, algo así como una composición de BURNT BELIEF que fue remodelada por LIQUID TENSION EXPERIMENT. Cuando llega el turno de ‘Wirvatuli’, el impacto de la pieza precedente vira hacia un esquema de hard rock progresivo, lo cual aumenta tanto el vigor como las vibraciones ceremoniosas. La vitalidad implícita al esquema sonoro en curso se mantiene bien contenido por el swing armado desde la dupla rítmica. 

‘Skeleton Waltz’, a despecho de su título, no está a ritmo de vals sino de blues-rock, eso sí, con suficientes remozados y reactivaciones de inspiración progresiva como para sonar a un híbrido de GORDIAN KNOT y YES. Un híbrido bastante notable en verdad: las orquestaciones y solos de los sintetizadores, las agitaciones elegantes patentes en los sobrios solos de guitarra y la precisa fineza de la dupla rítmica se conjugan en esta pieza para erigirla como un auténtico festín para los oídos. ‘Chaos Theory’ consiste básicamente en una síntesis entre los espíritus expresivos de los temas #2 y #3, una labor que se enriquece con la incorporación de elementos jazz-rockeros a la ya de por sí sofisticada exhibición de colores rockeros que tiene lugar. El nervio arquitectónico de la batería se comporta a las mil maravillas a la hora de sustentar la compacidad de esta diversidad multitematica. Dos nuevos cénit consecutivos dentro del álbum. ‘Korpin Tanssi’, con sus casi 2 ¾ minutos de duración, es el tema más breve del álbum, pero dice mucho con su sucesión de gozosas viñetas cuasi-circenses arropadas por un manto vodevilesco. El siguiente tema es el más largo y se encarga de cerrar el repertorio: se titula ‘My OuterSpace’ y dura poco más de 12 ¼ minutos. Su esquema es uno repleto de cálido y convincente lirismo desde el cual se impulsa el continuo desarrollo del cuerpo central. Aquí hallamos los más exultantes solos de guitarra, los cuales resultan esenciales para impulsar al bien delineado esquema melódico hacia un esplendor suntuoso que se deja guiar equitativamente por las pautas del hard prog, el sinfonismo moderno y el jazz-prog. Un gran cierre para un magnífico repertorio. Todo esto fue “Equilibrium”, un disco refinado y enérgico que goza de suficiente diversidad en sus ideas y arreglos como para hacernos sentir una enorme curiosidad por todo lo que han hecho hasta ahora el colectivo de QUMMA CONNECTION y el propio Qumma a título individual. Hemos descubierto un poco tarde a este artista finlandés, pero nos alegra mucho haberlo hecho a través de este excelente disco que resulta totalmente recomendable en cualquier buena fonoteca de música progresiva de los últimos años y décadas.

Muestras de “Equilibrium”.-

The Rite: https://qumma.bandcamp.com/track/the-rite

Skeleton Waltz: https://qumma.bandcamp.com/track/skeleton-waltz
Chaos Theory: https://qumma.bandcamp.com/track/chaos-theory

MY SLEEPING KARMA: el alma resiliente de la psicodelia alemana de nuestros días

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy prestamos atención al que hasta ahora es el último trabajo fonográfico del grupo alemán de psicodelia pesada progresiva MY SLEEPING KARMA, el cual se si titula “Atma” y fue publicado el 29 de julio del pasado año 2022 por vía del sello Napalm Records. Sí, un poco tarde llega esta reseña, pero por fin nos damos abasto para terminar la redacción de la misma. El colectivo conformado por el guitarrista Seppi, el teclista Norman (Norman Mehren), el bajista Matte (Matthias Vandeven) y el baterista Steffen (Steffen Weigand) nos ha brindado una obra muy muscular y muy generosa en texturas poderosas con este disco donde el propio Steffen fungió como productor e ingeniero de sonido. El lugar de la grabación fue el New Life Studio de Erlenbach am Main. El ulterior proceso de masterización corrió a cargo de Andreas Balaskas en los Masterlab Studios, mientras que la hermosa arte gráfica es de la autoría de Sebastian Jerke. El sello austriaco Napalm Records se encargó de la publicación de “Atma” en CD y en vinilo (tanto en el usual color negro como en color transparente con manchas turquesas y púrpuras). Se trata del sexto trabajo de estudio de esta banda formada en la región de Aschaffenburg en el año 2005 como un proyecto colateral de algunos integrantes de THE GREAT ESCAPE. Tras debutar en el año 2006 con un álbum homónimo, el grupo fue publicando discos de forma sostenida hasta el año 2015, que fue cuando “Moksha” salió al mercado; así pues, “Atma” era el primer disco de MY SLEEPING KARMA en 7 años y se puede decir que el grupo ha vuelto al ruedo con renovadas energías, al modo de un alma resistente que se rehúsa a morir tras un solitario letargo. Veamos ahora los detalles de su repertorio.  

Ocupando un espacio de más de 9 minutos, ‘Maya Shakti’ abre el repertorio con una convincente exhibición de fuerza de carácter que se explaya fluidamente sobre un medio tiempo sólidamente marcado por la batería. La potencia de los riffs y el aura sutil de las armonías se alternan en un ejercicio de muscular solemnidad donde los guitarreos se encargan de asentar una efectiva mezcla de stoner y post-rock. En el mismo ecuador del tema se arma un crescendo razonablemente dramático que desemboca en una dimensión neuróticamente afilada, oportunamente ornamentada por retazos luminosos de sintetizador; todo esto redunda en una exaltación de la ceremoniosidad general. Notamos afinidades sincrónicamente organizadas con CAUSA SUI y MY BROTHER THE WIND. Tras un inicio de álbum tan estupendo, las cosas se ponen aún más esplendorosas con el arribo de ‘Prema’. Esta segunda pieza asume un señorío renovador merced a la estructuración más equilibrada que hay entre los rotundos efluvios de la guitarra y los ropajes cósmicos de los teclados. Es como un doble viaje en el tiempo donde se forma una encrucijada entre los universos de RED SPAROWES y ASH RA TEMPEL para reformular un jam perdido de HAWKWIND. El asunto se torna más fiero cuando el swing armado por la dupla rítmica dobla su dosis de impetuosidad. Los golpes finales apagan certeramente las postreras llamas de este celebratoria hoguera sónica. La dupla de ‘Mukti’ y ‘Avatara’ permite al cuarteto seguir explorando más matices dentro de su firmemente delineado encuadre sonoro esencial. El primero de estos temas mencionados retoma la sofisticada garra del primer tema y trabaja con más ahínco un potencial lirismo dentro de este esquema de esquema; eso hace que la garra psicodélica en curso asuma algunas vibraciones evocadoras en el espíritu general de la primera sección. Por su parte, ‘Avatara’ comienza centrándose en una atmósfera solemne para su primer jam, girando drásticamente hacia otro más notoriamente telúrico en base a las cadencias tribales armadas por el matrimonio de batería y bajo. Así las cosas, el groove se transforma en algo exótico mientras el swing remodela todo con una ingeniería rítmica más frontal, lo cual se traduce en una fusión entre las espiritualidades de los dos primeras temas del álbum. Definitivamente, se trata del cénit del repertorio.

‘Pralaya’ hila varis motifs con una actitud pesada y contundente, ahondando en el nervio incendiario que es tan propio del paradigma stoner. En algún momento, el ensamble pone brevemente a la furia rockera a descansar antes de realizar otra arremetida punzante e implacable. En las últimas instancias de la pieza, los adornos que realiza la batería para su labor rítmica ayuda bastante a potenciar la musculatura con miras a un final auténticamente climático. ‘Ananda’ es la pieza que trae consigo el cierre del disco y su misión consiste principalmente en evocar y recoger los aspectos más ceremoniosos del repertorio precedente, logrando con ello abrir espacios para la definición de ornamentos progresivos emanados de los teclados. El núcleo central de la pieza radica en el modo en que la triangulación entre la guitarra, la batería y el bajo delinea los diversos trazos expresivos que tienen lugar. Todo esto es lo que nos brindó la gente de MY SLEEPING KARMA con el álbum “Atma”, un muestrario de rock artístico y aguerrido que sabe estructurar su fuego esencial con un señorío muy peculiar. Allí donde el nervio rockero muestra su poder sin perder la altivez se nota que está presente el colectivo de MY SLEEPING KARMA. Con varios meses de retraso celebramos su retorno al mercado fonográfico tras varios años de ausencia. 

Muestras de “Atma”.-

Prema: https://mysleepingkarma.bandcamp.com/track/prema
Avatara: https://mysleepingkarma.bandcamp.com/track/avatara

La innovadora magia prog-metalera de JASON BLAKE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos la muy especial ocasión de presentar “Subsequent Ruins”, disco del maestro estadounidense JASON BLAKE, experto en la Warr Guitar y miembro fundador de AZIOLA CRY, una de las bandas más importantes del prog-metal experimental estadounidense. El disco que aquí reseñamos fue publicado el pasado 17 de mayo. BLAKE cuenta con un colaborador de lujo: el baterista alemán Marco Minnemann, dueño de impresionantes trayectorias como solista e integrante de colectivos (THE ARISTOCRATS, LEVIN MINNEMANN RUDESS, etc.). Se trata de un disco conceptual centrado en una remodelación de la turbia leyenda del Flautista de Hamelin donde esta vez los encantos de la flauta están en manos de quienes dirigen y difunden los contenidos de los medios de comunicación virtuales y los programas televisivos. BLAKE grabó sus partes en el estudio Gravel Sound Recording (Chicago, Illinois) bajo la ingeniería de sonido de Amery Schmeisser; Minnemann grabó las suyas en los Lakeshore Studios (Lake Elsinore, California). El mencionado Schmeisser se hizo cargo de la mezcla, mientras que la masterización estuvo en manos de Andy Vendette. El ilustrador y fotógrafo alemán natural de Düsseldorf Hajo Müller, quien ha hecho portadas para PPRCUPINE TREE, STEVEN WILSON, STICK MEN, THE ARISTOCRATS, MARCO MINNEMAN, BLACKFIELD etc., hizo lo propio para el disco que hoy reseñamos. Bueno, veamos ahora los detalles de “Subsequent Ruins”.

El tema encargado de poner las cosas en marcha es ‘Obsolete Perception’, una inteligente exhibición de arquitectura rockera motivada por una confluencia entre los paradigmas de los STICK MEN y los KING CRIMSON del nuevo milenio, con añadidos matices de la faceta más extrovertida de los inolvidables GORDIAN KNOT. Las bases armónicas de la Warr Guitar se erigen como núcleo temático mientras la batería, con su sofisticado dinamismo, llena espacios con poderosa contundencia sin llegar al desborde en ningún momento. Tras este grandioso inicio de álbum sigue el turno de ‘Pretense Of The Herd’, tema que dura poco menos de 10 minutos. Su esencia expresiva está versátilmente desarrollada en una ilación de diversos grooves y atmósferas, sumergiéndose en las aguas del prog-metal experimental, tiende puentes con FATES WARNING y AT WAR WITH SELF mientras se mantiene enraizado en el área estética de AZIOLA CRY. Esta estrategia permite la concreción de un señorío ambicioso que se mueve desde lo más electrizante hasta lo más ceremonioso. En más de una ocasión, la batería asume un rol protagónico dentro del armazón sónico, y en el caso de la sección final, eso se traduce en la edificación de un cénit conclusivo masivamente espectacular. Una cumbre tormentosa y excelsa del disco. ‘Follow I (Emanated Hook)’ vira drásticamente hacia una atmósfera introspectiva cuya patente fastuosidad es manejada con oportuna sobriedad. Más allá de las vibraciones modernistas que vibran en la ingeniería operante de las capas armónicas, se siente la exaltación misteriosa de una voz interior que no quiere mantenerse callada pero que tampoco quiere crear sobresaltos gratuitos. Lo que suena aquí está emparentado con las facetas más serenas de los discos solistas de Tony Levin o Trey Gunn. Cuando llega el turno de ‘Emanated Streets Of Entanglement’, BLAKE y Minnemann se disponen a perpetrar un híbrido entre la magnificencia arquitectónica de la pieza inaugural y la vivacidad sofisticada de la segunda.

La dupla de ‘Follow II (The Coercible Leach)’ y ‘A Bleak Outcome’ lleva al repertorio integral a su cima definitiva. El primero de estos temas mencionados regresa a lo introvertido, pero esta vez, con un hálito más etéreo, lo cual es favorecido principalmente por el despliegue de lirismo en torno al cual se trasporta el sugerente esquema melódico creado para la ocasión. Aunque se nota la garra rockera en cada partícula de sonido emanada desde las cuerdas y los efectos de la Warr Guitar, su magia evocadora sigue siendo la señal esencial de su embrujo musical. Por su parte, ‘A Bleak Outcome’ es la pieza más extensa del álbum con su espacio de 10 ½ minutos. En muchos aspectos, esta mini-maratón prosigue por la senda de ‘Pretense Of The Herd’ mientras utiliza recursos más aguerridos y ásperos a lo largo de las variantes multitemáticas que tienen lugar. Debido a este factor, la pieza adquiere un talante un tanto dramático en varios momentos, y no solo eso, también hay un incremento de la tensión expresiva mayor que en cualquier otro tema del repertorio precedente. El dúo quiere finiquitar el álbum con explosiones progresivamente contundentes, pero todavía deja un pequeño espacio para una coda relajada arropada por una espiritualidad crepuscular. Todo esto fue “Subsequent Ruins”, un disco hermoso y robusto cuyos masivos juegos de estilizaciones varias hacen que JASON BLAKE se erija como una figura importante dentro de la creatividad prog-metalera del presente año 2023. ¡Un disco muy a tener en cuenta!

Muestras de “Subsequent Ruins”.-
Pretense Of The Herd: https://jasonblake7d.bandcamp.com/track/pretense-of-the-herd

Follow II (The Coercible Leach): https://jasonblake7d.bandcamp.com/track/follow-ii-the-coercible-leash

A Bleak Outcome: https://jasonblake7d.bandcamp.com/track/a-bleak-outcome

El racional y progresivo ímpetu de los surcoreanos ARKITEKTURE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Con un poco de demora pero con mucho entusiasmo presentamos un disco publicado a mediados de diciembre del pasado año 2022. Nos referimos a “Rationalis Impetus” del grupo surcoreano ARKITEKTURE. Este quinteto surgido en el año 2021 de las cenizas de la veterana banda vanguardista SUPERSTRING (a su vez, fundada en 1998)* está conformado por Katie Dongju Ha [saxos alto y barítono, y flauta], Sangman Kim [bajo], Yuntae Kim [batería], Johan Ahn [órgano, pianos acústico y eléctrico, mellotrón y sintetizadores] y Wooah Min [violín y viola]. La propuesta musical de ARKITEKTURE se orienta firme y aventureramente por un sendero híbrido de avant-prog (recibiendo por igual influencias de UNIVERS ZERO y ESKATON a través de los filtros más contemporáneos de SKE y los inolvidables DISCUS) y prog sinfónico nutrido de una oportuna dosis de densidad (al modo de unos ISILDURS BANE pre-2003 y con insospechados antecedentes en ese efímero supergrupo japonés que fue PAZZO FANFANO DI MUSICA). También hay algunos recursos Crimsonianos que emergen en la mayoría de los parajes tensos del repertorio que aquí nos muestra este arquitectónico ensamble. En síntesis, su línea de trabajo se orienta hacia un prog vanguardista tan ecléctico como vitalista, alimentando el usual fulgor de sus composiciones con recursos de impacto denso u otros de agilidad razonablemente neurótica. “Rationalis Impetus” fue publicado por el sello Tripper Sound, cuyo personal también se encargó de la masterización de este material grabado en el Blue Red Studio (y previa mezcla en el Stockholm Mastering de Suecia). La distribución japonesa está a cargo de DiskUnion mientras que la estadounidense está en manos de Wayside Music. Bueno, vayamos ahora a los detalles de repertorio aquí contenido.

La pieza casi homónima abre el disco con fuerza de carácter y aire distinguido. El esquema de trabajo desarrollado en ‘Impetus’ se reparte a través de las secciones ‘One Ruler Let There Be’, ‘Unmoved Mover’, ‘Angel With Severed Head’, ‘Cogitatio’ y ‘Deus Medax’. Tras un breve preludio armado por un sigiloso piano, el ensamble se enfila por una explosión calculada de vibraciones impetuosas donde la amenaza de desborde es solo aparente, pues todo, en realidad, está bien ensamblado dentro de los fuertemente vitalistas entramados de cuerdas, vientos, teclados y batería. Más adelante, las cosas viran hacia una senda calmada con el propósito de sembrar allí lo que en poco rato será el florecimiento de un muy estilizado crescendo. Es como si un conglomerado de gente de FALLING INTO BIRDS y UNIVERS ZERO hubiese remodelado una idea perdida de THE ENID. Otro pasaje calmado surge con un talante un poco más sombrío, lo cual se traduce en una celebración de los misterios inherentes a los rincones más oscuros del espíritu humano. De este modo, cuando llega el momento de una nueva explosión extrovertida, ésta se manifiesta como una majestuosidad tensa y mágicamente encantadora. Los alternados talantes líricos del saxo alto y del violín ayudan a realzar la magnificencia esencial de las instancias finales. ¡Qué gran inicio de álbum! A continuación emerge ‘Abnormal Reversible Reaction’, la pieza más breve del repertorio con sus poco menos de 3 minutos de duración. Su enfoque es el de estructurar ciertas sonoridades de la tradición psicodélica dentro del entramado chamber-rockero propio del grupo; ellas están mayormente a cargo del órgano, mientras los demás instrumentos establecen coloridos diversos que oscilan entre lo travieso y lo grácil. La batería, que ostenta una intensidad superlativa semejante a la del veterano genio japonés Yoshida Tatsuya, se erige como insospechado protagonista del bloque sonoro. ‘Prayer For The Dying’ guarda una espiritualidad ceremoniosa que nos remite a los KING CRIMSON de la etapa 1970-74, aunque con una atmósfera grisácea propia del cruce entre el legado del RIO francófono y la faceta más solemne del retro-prog escandinavo. Haciendo honor a su mismo título, esta pieza está arropada por una neblina elegíaca a través de la ilación de sus variadas ambientaciones.... Y su desarrollo melódico es cautivadoramente hermoso. 

Cuando llega el turno de ‘Dark Matter’, el grupo saca de sí sus aristas más fieras. Este tema consta de cuatro secciones: ‘From The Outer Void’, ‘Extinction Anew Is Coming’, ‘Desperate Acceptance’ y ‘In God We Fall’. Todo comienza con un aire de expectativa tenebrosa signada por matices apabulladoramente cósmicos, siendo así que desde las primeras instancias del groove armado por la batería se anticipa la irrupción de un motif donde se hermanan los KING CRIMSON de 1973, los UNIVERS ZERO de 1977 y el peculiar paradigma de SKE. Todo se vuelve un poco más esplendoroso sin barrer un ápice de la inquietud un tanto tormentosa que se impone como el principal motor motivador de las ideas musicales creadas para la ocasión. Adicionalmente, algunos fraseos machacantes del piano eléctrico nos remiten al paradigma del Zeuhl. En su última sección, el grupo renueva sus recursos de solemnidad para impulsar una nueva acción densa y tensa con miras a un epílogo deconstructivo y una coda de piano solitario. A fin de cuentas, esta pieza nos parece el cénit definitivo del álbum. ‘The Decay’ cierra el álbum con un esplendor que, en muchos sentidos, se ofrece como una alternativa a los aspectos esenciales de la pieza precedente. Por otro lado, al igual que ella, dura más de 11 minutos y contiene varias secciones, esta vez, cinco: ‘Million Births Of Life’, ‘Milion Deaths Of Life’, ‘Civilitazion In Vain’, ‘All Momentary Beings’ e ‘Into Eternal Oblivion’. Todo comienza con un talante fulguroso, el cual no dura mucho de por sí, pero deja una huella poderosa en el modo de actuar de los instrumentos mientras se asocian para la siguiente sección: todo se apoya sobre un swing un poco más sosegado, pero destila una extroversión tremendamente asertiva mientras los bloques melódicos van resaltándose con sus respectivos perfiles bien delineados. Otra sección ulterior se orienta hacia un sinfonismo de tenor frenético, lo cual permite a la batería soltarse en un nuevo despliegue de contundentes vibraciones mientras el saxo sale al frente para guiar el nuevo foco melódico. Un nuevo interludio sosegado e introvertido no tarda en aparecer, dejando listo el terreno para el surgimiento de un motif ceremonioso y su subsiguiente replanteamiento fastuoso. Para el epílogo, el ensamble arma un cuerpo melódico exótico exaltado por el ya explosivo ensamblaje de los instrumentos actuantes. El último candado se cierra con una sola nota de piano.

Se nos pasó de largo este hermoso y rotundo disco del año 2022, pero nos pusimos a trabajar en esta humilde reseña apenas le prestamos atención: “Rationalis Impetus” es una inmensa gozada de música progresiva inteligente y electrizante gestada con el más puro refinamiento del cual es capaz el género humano. Esto no solo pone en un muy buen lugar a la gente de ARKITEKTURE, sino que también nos hace desear con ansias que existan más trabajos de su creación en el futuro próximo. ¡También Corea del Sur es patria del mejor rock artístico!

Muestras de “Rationalis Impetus”.-
Impetus: https://arkitekture2022.bandcamp.com/track/impetus

Dark Matter: https://arkitekture2022.bandcamp.com/track/dark-matter

[Dedicamos esta reseña al eminente musicólogo José Zegarra Holder como gesto de agradecimiento por habernos presentado este genial disco.]

* De hecho, el último disco de SUPERSTRING tenía, de por sí, un título arquitectónico.

NOISE SOLUTION: nuevas estrategias para la psicodelia progresiva estadounidense

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
En esta ocasión volvemos nuestra mirada al pasado año 2022, más exactamente, al día 8 de octubre del susodicho año, para revisar el disco homónimo del proyecto progresivo estadounidense NOISE SOLUTION. Este ensamble asentado en Batwood Los osos, California, está liderado por el multiinstrumentista Carl Dybowski, quien toca la batería, el órgano, el sintetizador, el mellotrón, la guitarra  y el bajo, además de cantar. En “Noise Solution”, él cuenta con las colaboraciones de Monty Ellman (guitarras), Tom Hensley (guitarra), Eli Jayson (saxofón alto), Lorenzo McNally (bajo), Peter Quinnell (soliloquios, letras y diversos efectos electrónicos) y Michelle Rutherford (canto). “Noise Solution” fue publicado de manera independiente tanto en vinilo como en formato de descarga digital desde el blog de Bandcamp del ensamble en cuestión. Dybowski se encargó de componer en exclusiva casi todo el material aquí contenido, salvo en un par de temas donde comparte la autoría con Quinnell. Las sesiones de grabación tuvieron lugar en los Planet Sea Studios. Dybowski, además de ser integrante del grupo THE FLOWER MACHINE, también tiene un disco solista del año 2019 que se titula “Last Stage West”; en general, las diversas propuestas musicales en las que él está involucrado se centran en un enfoque retro del lenguaje psicodélico dentro de un contexto progresivo. Bueno, veamos ahora los detalles de este disco.

La pieza homónima es la que justamente da inicio a las cosas. ‘Noise Solution’ impone una autoridad sónica a partir de una ceremonia híbrida de Canterbury, krautrock y space-rock; el ensamble despliega diversos vasos comunicantes con QUIET SUN, los SOFT MACHINE de los dos primeros álbumes, GILA y GURU GURU, todo ello a través de los filtros simultáneos de MOTORPSYCHO y MOONWAGON. La alternancia entre grooves explícitamente animados y otros más ceremoniosos funciona muy bien a la hora de brindar un aura de sogisticación a la ingeniería sónica. Gran inicio de álbum, de verdad. ‘Will You Remember?’ sigue a continuación con la misión de replegarse hacia una dimensión más sosegada, apoyándose en un esquema melódico bastante evocador. Lo que suena aquí es como una balada de los FLEETWOOD MAC originarios que pasó bajo una cirugía renovadora en manos de los PINK FLOYD de la etapa 1969-71. La dupla de ‘Naga Raga’ y ‘Of Penguins, Elephants, And Mellotrons’ sirve para que Dybowski y sus secuaces sigan explorando diversas vías expresivas. La primera de estas piezas mencionadas retoma la vitalidad sofisticada de la pieza de apertura para darle un dinamismo amplificado. Comenzando con unos pasajes dispersos y minimalistas de piano eléctrico que son ocasionalmente ornamentados por unos fraseos de guitarra con bastante fuzz, pronto se abre las puertas a un jam entusiasta instalado sobre un tempo alternante entre 3/4 y 5/4. Entre la compleja energía de la batería y el vibrante fulgor de los guitarreos, la instrumentación integral asume una musculatura bastante llamativa. Así las cosas, se siente aquí una conexión metafísica entre un cosmos musical forjado por una alianza entre NEKTAR y QUIET SUN y otro cogobernado por DJAM KARET y NEEDLEPOINT. El etéreo epílogo basado en capas de mellotrón y florituras de saxofón cierra este viaje musical con aires señoriales. Todo un cénit del álbum, posiblemente el momento más culminante de todo este repertorio. En cuanto a ‘Of Penguins, Elephants, And Mellotrons’, comienza con un explayamiento en climas atmosféricos que se dejan arropar por un manto crepuscular con toda naturalidad. El soliloquio añade un matiz reflexivo al asunto. El cuerpo central consiste en un jam lento en 3/4 donde el ensamble explora aires Floydianos en afinidad con bandas más actuales como ASTRA y DIAGONAL.
 
Lo que queda del repertorio es la secuencia de una miniatura de menos de un minuto y tres cuartos y las dos piezas más extensas del álbum, una que dura cerca de 11 minutos y otra que ocupa un espacio de 9 ¾ minutos. El minúsculo ‘The Doppler Effect’ exhibe un bucle sintetizado combinado con tenues capas de órgano, algo muy al estilo de los TANGERINE DREAM de los dos primeros álbumes. A partir de ahí emerge ‘Soft Sun’, otro cénit importante del disco. Su esquema de trabajo se centra en un retorno a la influencia Floydiana para ahondar en ella con magnífico y electrizante tenor, repartiéndolos en dos jams distintos. La energía y la suntuosidad plasmadas en este inspirado ejercicio de psicodelia progresiva están inteligentemente matizadas por el espíritu contemplativo y ensoñador que emana del razonablemente parsimonioso swing que arma la batería. Los creativos artilugios del bajo y las flotantes capas de teclado expanden un paisaje idóneo para que los guitarreos vayan brotando con la finalidad de aportar algo de musculatura rockera al bloque grupal. En medio de ambos jams emerge un misterioso y relajado solo de piano eléctrico, el cual parece incubar el incrementado vigor rockero diseñado para dirigir el segundo jam hasta llevarlo hacia un pletórico final. En fin, ‘Space Junk’, empieza con un riff en clave de stoner con añadidas vibraciones jazz-rockeras aportadas por la dupla rítmica. Estamos en un terreno híbrido de GONG, HAWKWIND y THE GRATEFUL DEAD. Es como si las coordenadas extrovertidas que signaron a los temas #1 y #3 hubiesen resucitado con un fuego renovado al cual se le añade adorno surrealistas. Un segundo jam se apoya en un groove machacón y aguerrido, incluyendo un breve pasaje deconstructivo, para que todo culmine con una coda cósmica. Como balance final, afirmamos que NOISE SOLUTION y “Noise Solution” son nombres que deben ser anotados en nuestra agenda de exploraciones en las diversas propuestas progresivas contemporáneas a lo largo de nuestro mundo actual. Fue una gratísima sorpresa conocer a este proyecto y esperamos sinceramente que pronto haya nuevas producciones de parte de NOISE SOLUTION. 
 
 
Muestras de “Noise Solution”.-
Noise Solution: https://noisesolution.bandcamp.com/track/noise-solution
Naga Raga: https://noisesolution.bandcamp.com/track/naga-raga
Soft Sun: https://noisesolution.bandcamp.com/track/soft-sun-2

Un nuevo sueño musical del maestro argentino DIEGO SOUTO

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos seguimos fijando en la escena argentina y nos topamos con “Onírico”, el nuevo sueño musical del maestro stickista DIEGO SOUTO (o SOUTO, a secas, como prefiere firmar sus discos), un sueño fonográfico publicado tanto física como digitalmente por el sello connacional Viajero Inmóvil el pasado 8 de marzo del 2023. En este disco, SOUTO, además del Chapman Stick, también se hace cargo de la guitarra, la melódica y los samples; sus colaboradores son Marcelo Armani (batería y samples), Joaquín Franco (batería y samples), Pablo Gignoli (bandoneón y samples) y Javier Mandatori (voz). La parte de este disco que se titula propiamente “Onírico” es la que va del tema #4 al #13, ya que los tres primeros temas están abarcados por el concepto de “Metaloops” El material contenido en “Onírico” fue grabado en los estudios Parásito de Luz y Bacanal (de Buenos Aires), Dreher (de Porto Alegre) y Hear Right Now (de París) entre los años 2016 y 2022. La mezcla estuvo en manos del propio SOUTO junto a Erni Vidal (otrora bajista de los legendarios ZONDA PROJECKT), mientras que la masterización fue realizada por este último en La Vizcachera Studio de Mendoza. El arte gráfica está compuesta de hermosas pinturas de Alejandra Fierro. Bueno, veamos ahora los detalles estrictamente musicales de este disco.

El repertorio de “Onírico” (como un todo) empieza con una secuencia de tres versiones muy personales de canciones clásicas del metal: ‘Enter Sandman’, ‘Iron Man’ y ‘Transylvania’, de METALLICA, BLACK SABBATH y IRON MAIDEN, respectivamente. De ahí viene el título de la sección que indicamos más arriba. La primera y última versiones reciben sendos tratamientos cósmicos al modo de ejercicios de psicodelia progresiva provista de una envolvente agilidad, mientras que en la segunda late una persistente ceremoniosidad envuelta en un suave manto crepuscular. En el caso específico de ‘Transylvania’, hay una mayor dosis de complejidad progresiva que, en muchos sentidos, da pistas sobre varias cosas que habremos de escuchar a lo largo del repertorio restante. ‘El Diablo En El Convento’ tiene un prólogo etéreo y sutilmente inquietante que anticipa la atmósfera forjadora de los pasajes más relajados del futuro bloque temático. Los pasajes más ágiles, por su parte, se delinean sobre grooves jazz-rockeros que permiten a los esquemas sónicos en curso explayarse con vibrante elegancia y cautivadora magia. ‘La Réplica Infernal’ ostenta una espiritualidad un poco más extrovertida, jugando con síncopas y armonías exóticas en un terreno muy afín al de los KING CRIMSON de los 80s (y los STICK MEN, también). Los peculiares colores del bandoneón añaden matices fusionescos al bizarro y sofisticado desarrollo temático. Una mención especial también va para la estupenda labor de la batería en su masivo aporte para el señorío de la instrumentación integral. Dos cénit seguidos para un álbum que ya promete mucho. Cuando llega el turno de ‘La Pesadilla’, SOUTO y sus compañeros de viaje le dan un viraje un poco más grisáceo al vitalismo suntuoso que ha venido in crescendo en la secuencia de los dos temas precedentes. Hay incluso algo de solemne que atraviesa al colorido sistemático de esta pieza, y esa solemnidad sólo se incrementará en ‘Sueños Húmedos De Muerte’, el tema que sigue a continuación. Aquí hay un despliegue de bellas y ensoñadoras líneas melódicas que se deja llevar por el impoluto pulso de la batería y el propio talante evocador que brota de sus entrañas. ‘ma3 poIF’ comienza con un recurso de minimalismo introspectivo antes de abrir paso a un cuerpo central diversamente dinámico.

La secuencia de ‘Dos Conciertos Para Un Mismo Sueño I’ y ‘Dos Conciertos Para Un Mismo Sueño II’ comienza con un ejercicio avant-jazz-progresivo que carga sobre sus hombros una serie breve y repetitiva de texturas sombrías, siguiéndole una reconstrucción de las susodichas texturas bajo una estrategia industrial. En esta última instancia, si bien el aporte del esquema rítmico es más adusto, la interacción entre Stick y bandoneón refleja una nueva calidez en medio de la bruma impresionista. Portadora de un delicado fulgor entrañable, ‘Despertar De Día Feriado’ sustenta un discreto pero sutilmente intenso colorido musical que evoca a la delicadeza del amanecer. ‘Maldigo Del Alto Sueño’ es una de las más famosas composiciones de la prolífica cantautora chilena Violeta Parra. Dada esta circunstancia, SOUTO y sus ilustres compinches deciden respetar el groove originario de la canción poniendo a los rasgueos de la guitarra acústica como base estructural del armazón instrumental. La grácil luminosidad del folclore criollo recibe una muy cuidada remodelación progresiva que se acerca más al universo de CONGRESO que al de KING CRIMSON o los STICK MEN. El final del repertorio llega de la mano de ‘Serpiente En Arrozal’, una canción dueña de un swing similar al de la precedente, pero con una arquitectura progresiva más contundente y, de paso, también más tensa. De todas maneras, el lirismo inherente a la composición se hace sentir sin tapujos. Hasta aquí llega el repertorio oficial de “Onírico” porque todavía quedan 4 bonus tracks ambientales de Stick solo (al estilo de los dos discos de “Arquitectura Sónica”) que solo aparecen en este disco en cuestión y no en las plataformas virtuales donde actualmente se difunde. “Mundo Sin Metrónomo” es el nombre colectivo de esta sección y su ilación conceptual se centra en eventos de la naturaleza, centrándose estilísticamente en atmósferas contemplativas. Sus títulos respectivos son ‘Viento Entre Los Árboles’, ‘Noche De Verano’, ‘Presagio De Tormenta’ y ‘Tormenta De Nieve’. Con todo esto tenemos completado el repaso de esta obra fonográfica, otra excelente obra de SOUTO diseñada para engalanar a lo grande la escena del rock progresivo y experimental argentina de estos tiempos. Su inspiración creativa y su virtuosismo siguen siendo contundentes e impolutos. ¡Totalmente recomendable este disco!  

Muestras de “Onírico”.-

El Diablo En El Convento: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/el-diablo-en-el-convento

La Réplica Infernal: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/la-r-plica-infernal

Sueño Húmedo De Muerte: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/sue-o-h-medo-de-muerte

Serpiente En Arrozal: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/serpiente-en-arrozal

La nueva euforia del excelente grupo español AMOEBA SPLIT

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy tenemos el enorme placer de presentar el nuevo trabajo fonográfico del excelente grupo español AMOEBA PLIT, banda estandarte del jazz-prog de línea Canterbury no solo en los actuales tiempos de la escena progresiva española, sino también a nivel mundial. El nuevo disco de esta banda gallega se titula “Quiet Euphoria” y acaba de ser publicado físicamente a inicios del presente mes de abril por el sello connacional áMARXE. La nutrida alineación que grabó este disco consiste en Alberto Villarroya López [bajo, guitarras y teclados], Ricardo Castro Varela [pianos acústico y eléctrico, y órgano Hammond], Iago Mouriño [pianos acústico y eléctrico, sintetizador Moog y órgano Hammond], Fernando Lamas [batería y percusión], Pablo Añón [saxo tenor y clarinete alto], Dubi Baamonde [saxo soprano y flauta], Rubén Salvador [trompeta y fiscorno] e Israel Arranz [vibráfono]. La música contenida en “Quiet Euphoria” fue compuesta por Alberto Villarroya López con arreglos de Ricardo Castro Varela. La época de la grabación de este nuevo material se remonta a los meses de julio y agosto de 2021, en el estudio Santa Cruz Recording de A Coruña, bajo el mando conjunto de Alberto Castro y Miguel Bretal. Exequiel Orol se hizo cargo de las ulteriores labores de mezcla y masterización en SAWStudio. El arte gráfica se compone de fotografías realizadas por Ricardo Castro Varela, uno de los teclistas; el diseño y la maquetación estuvieron a cargo de Iago Méndez Suazo. Se trata del tercer trabajo de estudio de esta banda formada en el año 2001 en la mencionada ciudad de A Coruña. “Dance Of The Goodbyes” (2010, con una reedición posterior del 2014) y “Second Split” (2016) son magnos referentes del prog español del nuevo milenio y ahora llega “Quiet Euphoria” para perpetuar este legado y mantener viva la llama olímpicamente genial de AMOEBA SPLIT. Bueno, se nos nota el entusiasmo que no podemos ni queremos esconder; veamos ahora los detalles específicos de este disco.

El repertorio del disco comienza justamente con la pieza homónima, la cual ocupa un espacio de alrededor de 7 ¼ minutos. ‘Quiet Euphoria’ elabora un clima razonablemente extrovertido con un sobrio manejo de la suntuosidad jazz-progresiva sobre un groove bastante sofisticado. Lo que suena aquí es como una cruza entre los SOFT MACHINE de 1973 y NATIONAL HEALTH con algunos matices extra de tenor Zappiano y algunos factores psicodélicos que se emparentan con las líneas de trabajo de DOUBT y THE WRONG OBJECT (dos ensambles liderados por el crack belga Michel Delville). El epílogo trazado por el dueto de piano y vibráfono aporta un matiz de sutilmente denso surrealismo en las postrimerías. Acto seguido, llega el turno de ‘Shaping Shadows’, una pieza sólidamente asentada sobre unos cimientos serenos en clave del jazz-fusion de aquellos lejanos años 70. Usando un perpetuo tempo de 5/4 con diversos swings, el enclave bien amalgamado de piano eléctrico y dupla rítmica organiza el terreno sobre el cual habrán de explayarse los solos de los instrumentos de viento. La parte final deriva hacia un clímax conclusivo rotundo que termina de manera tajante. Ahora estamos un poco más metidos en el territorio de los WEATHER REPORT pre-1975, pero con tentáculos estilísticos todavía desplegados sobre las arenas del Canterbury. La dupla de ‘The Inner Driving Force’ y ‘Divide And Conquer’ ocupa conjuntamente un espacio de 9 minutos. El primero de estos temas mencionados se inicia con un muy ceremonioso prólogo de bronces que, durante su breve duración, establece algunas bases para el ulterior desarrollo temático a ser realizado por el ensamble entero. El motif principal contiene patentes vibraciones aflamencadas, las mismas que, en algún momento, son realzadas por los que tal vez son los mejores solos de órgano de todo el disco. El fiscorno sabe cómo hacerse de un lugar protagónico dentro del esquema sonoro global. Una vez más, el grupo se reserva la sección más enérgica para el final. En cuanto a ‘Divide And Conquer’, se trata de un tema portado de un consistente dinamismo que lo hace cercano a los patrones de otras grandes bandas vigentes como FORGAS BAND PHENOMENA, SLIVOVITZ y SCHERZOO. Su filo expresivo es agudo y fulguroso, incluyendo algunos leves coqueteos con el avant-prog en lo concerniente al cariz inquieto que tienen varios ornamentos de los sintetizadores.

‘Thrown To The Lions’ realiza una suerte de síntesis de los espíritus y grooves plasmados en los dos primeros temas del álbum mientras le da una dosis razonablemente incrementada de músculo a los arreglos de vientos. Una mención especial va para el fabuloso solo de sintetizador, pues su intervención marca un momento de reveladora intensidad expresiva para la ingeniería melódica. Después del mismo, un bien articulado armazón de piano eléctrico y bajo abre el camino para una ulterior reemergencia del ensamble íntegro, con la flauta estando a cargo de iniciar la concreción de la faena con sus bellas florituras. La gente de AMOEBA SPLIT ha logrado gestar el eslabón perdido entre GILGAMESH y NUCLEUS, y de paso, también otra instancia culminante del disco. ‘No Time For Lullabies’ cierra el repertorio siendo el tema más extenso del mismo con sus 11 minutos y pico de duración. Una entrada de piano pletórica de pulcro señorío se deja sazonar prontamente por algunas de las notas más bajas del saxofón tenor. Una vez que entra a tallar la batería, una serie de interacciones deconstructivas explayadas en una confluencia de avant-jazz y RIO se instala para ir armando de a pocos las bases para un futuro diálogo, pero mientras llega ese momento, los vientos, los sintetizadores y el bajo se alternan en la labor de proyectar retazos temáticos cuales nubes barridas por el viento de otoño. A fin de cuentas, el punto de llegada no es un diálogo propiamente dicho, sino una concordia aleatoria y extrañamente ensoñadora que aterriza casi en el mismo punto de partida (con un plus perturbadoramente cósmico que viene con la postrera capa de sintetizador). Todo esto fue “Quiet Euphoria”, una gozada de disco que emerge con fuerza de carácter desde esa fábrica de hacer excelente música que es y siempre ha sido AMOEBA SPLIT, música contundente y eufóricamente elocuente en poco más de 40 minutos. Solo nos queda concluir la presente reseña con sinceras palabras de agradecimiento a los integrantes de este colectivo gallego por habernos dado otro disco excelso dentro de su impecable discografía; es, de hecho, un disco tan excelso que amenaza con erigirse como una de las obras jazz-progresivas más notables del presente año 2023. 

Muestras de “Quiet Euphoria”.-
Shaping Shadows: https://amarxe.bandcamp.com/track/shaping-shadows

The Inner Driving Force: https://amarxe.bandcamp.com/track/the-inner-driving-force
Thrown To The Lions: https://amarxe.bandcamp.com/track/thrown-to-the-lions