En el Érebo devotamente avant-progresivo de ASCETA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hay buenas nuevas de parte del colectivo avant-progresivo chileno conformado por Rodrigo Maccioni [guitarra, flauta y sintetizador], Christian Peralta [violonchelo], Alfonso Vergara [clarinete y clarinete bajo], Arianne Guerra [violín], Alejandro Vera [fagot], Eduardo Rubio [bajo y contrabajo] y Leonardo Saavedra [batería y percusión]. En efecto, el ensamble ASCETA vuelve a la carga con su nuevo álbum “Erebus, La Suite De Las Sombras”, la segunda obra que sucede al impresionante álbum homónimo del año 2022. Puede bueno, este disco es igualmente impresionante. Publicado por el sello mexicano Azafrán Media bajo la supervisión de Juan José Sala como productor (al igual que el anterior disco), “Erebus, La Suite De Las Sombras” refleja una energía renovadora para la visión musical de Maccioni y sus compañeros de viaje, una visión bien enmarcada dentro de eso que se suele llamar rock-in-opposition. Contando como cuenta con un arsenal sonoro muy polícromo, la gente de ASCETA contó en este disco con las colaboraciones respectivas del pianista Omar Pizarro y de Pascal Montenegro (oboe y corno inglés). El material de este disco fue grabado en los Estudios Paraíso de Santiago de Chile, entre el 8 de setiembre y el 30 de noviembre del pasado año 2022. La ingeniería de sonido estuvo a cargo de Francisco Aguilera mientras que la mezcla se realizó en los antes mencionados Estudios Paraíso en diciembre de 2022 en manos de Rodrigo Maccioni y Francisco Aguilera. La ulterior masterización digital fue hecha por Udi Koomran en The Pergola Studio de Israel. Juan José Salas, el jefe de Azafrán Media, es el productor ejecutivo. “Erebus, La Suite De Las Sombras” es un álbum conceptual basado en un relato del propio Maccioni donde se narra una serie de experiencias de un asceta que transitan entre lo onírico y el ensimismamiento estético musical, las mismas que le llevan a conocer a un personaje muy peculiar llamado Érebus, un brujo capaz de conjurar sonidos de enorme belleza con una esfera del silencio. Al poco rato, Érebus y dos acompañantes se acercan al asceta para averiguar más sobre él y su secreto para la inspiración musical. Una vez solo, el asceta hace un balance sobre dos entidades contrarias, la armonía espiritual y el tormento abismal, para, finalmente, tras un encuentro con siete pitonisa en otro sueño, llega a la conclusión que la salvación y la redención no es para quienes buscan la armonía en las tinieblas y en los parajes oscuros de sus propias almas, sino allí donde reinan la luz y la diversidad de colores. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio mismo.

 

La secuencia de las cuatro secciones de la suite homónima  abre el repertorio con solvente grandilocuencia: sus títulos individuales son ‘Preludio’, ‘Pseudo-fonía Del Tormento’, ‘Concilio De Brujas’ y ‘a. El Hereje Y El Devoto / b. Profanos Y Arcanos’, respectivamente. El ‘Preludio’ establece de a pocos una ambientación elegantemente lóbrega que se asienta sobre una serie de sutilezas oscurantistas. El paisaje musical refleja una neblina que se va apoderando a pasos sincopados de un terreno donde la infancia tiene prohibido jugar. ‘Pseudo-fonía Del Tormento’ cumple con la misión de recoger el testigo del Preludio para explayarse en recovecos más exuberantes, siendo así que se abr ciertos espacios para lo luminoso y lo lúdico, aunque ciertamente, la densidad expresiva sigue reinando en la ingeniería que articula los vivaces enmarañamientos de los instrumentos actuantes. Estamos aquí en el terreno de UNIVERS ZERO (primer  álbum) con algunos trazos añadidos de FAR CORNER. La festiva ceremoniosidad del momento está bien sostenida por la compleja labor de la batería. Con su espacio de 2 ¾ minutos, ‘Concilio De Brujas’ instaura una parsimonia envolvente donde se funden lo conmovedor y lo misterioso. La manera tan exquisita en que se desarrolla la arquitectónica orquestación de maderas y cuerdas exhibe una prestancia sedosa pletórica de magia evocadora. Hay, al fin y al cabo, un espacio para la relajante serenidad en medio del oscurantismo dominante. ‘Erebus, La Suite De Las Sombras’ tiene en su cuarta parte la más larga de toda su secuencia interna con sus 12 minutos y pico de duración; también se trata del ítem más extenso de todo el álbum. Su función principal es la de proseguir por la senda de tortuosa y grisácea exuberancia iniciada por la segunda sección de la suite, siendo así que, en esta instancia específica, el ensamble se dispone a avivar los recursos de tensión y densidad que tiene bajo su competencia. Incluso los parajes más calmados muestran honestamente que hay una nocturnidad oculta bajo su suave manto sonoro. Poco antes de llegar a la frontera del séptimo minuto, la parte ‘a. El Hereje Y El Devoto’ deja paso a la parte ‘b. Profanos Y Arcanos’, lo cual supone una transición hacia una dimensión más majestuosa y refinada (afín a las líneas de trabajo de FALLING INTO BIRDS y ARANIS), aterrizando finalmente en una coda gozosa. Parece como si todo el proceso anterior de recodos y meandros para instaurar algo específico hubiese terminado para asumir el momento de contemplar un escenario completado, la complacencia altiva tras la gran labor. Una excelente suite para el primer tramo de este repertorio... ¡Y todavía queda más por disfrutar en este disco!

 

‘Profetas Del Abismo’ establece una prolongación de los vericuetos constantemente contrastados entre fulgor vivaz y tensión oscura que anteriormente trazaron las complejas sendas de piezas precedentes. Posiblemente, hay aquí un perfil un poco más árido para algunos pasajes extrovertidos, pero, por lo general, se sigue imponiendo una soltura elevada y grácil, la cual resulta crucial para el realce de los momentos más tirantes. ‘Por Sobre Mi Cadáver’ se adentra en una impugnación de delicado lirismo para encauzar el peculiar atractivo de su desarrollo temático, el cual revela mesuradamente algunos aspectos desafiantemente atonales mientras deja que las cuerdas dirijan, en su mayor parte, dicho desarrollo. Algunos interludios mesurados son realmente cautivadores, especialmente el que se inicia a poco de pasada la frontera del cuarto minuto y medio. El final del repertorio llega de la mano de ‘La Danza De Los Condenados’, siendo la segunda pieza más larga del mismo con sus casi 8 ½ de duración. Su inicio solemne ostenta cierta aureola palaciega que, como es natural, se sitúa en un área vanguardista, la misma que tiende puentes con los AKSAK MABOUL del segundo disco, los ART ZOYD de la etapa 80-83 y los UNIVERS ZERO (otra vez) del primer álbum. Las bien delineadas texturas sobre las que se arma el esquema compositivo van ganando vivacidad gradualmente, llegando a igualar las alturas festivas que otrora marcaron algunos sectores de la monumental travesía de la suite. De hecho, se puede describir toda la segunda mitad de esta pieza como un ejercicio de variados centelleos sónicos que apuntan hacia la gestación de un clímax impetuoso. En contraste, la coda emerge como una miniatura minimalista que nos toma por sorpresa con su etérea nocturnidad. Y así termina “Erebus, La Suite De Las Sombras”, un disco enormemente inspirado que, surgido de los cuarteles de ASCETA, da debida cuenta de la devoción sublime e inteligente que este ensamble chileno tiene por el ideal de la vanguardia progresiva en clave de chamber-rock. Lo que hicieron con su disco homónimo del pasado año 2022 fue de lo más notable y excitante de la producción progresiva hispanoamericana y lo mismo vale decir con respecto a este año 2023 en relación con este catalogo de bendecidas y profanas danzas progresivas. ¡¡Totalmente recomendable!!

Muestra de “Erebus, La Suite De Las Sombras”.-

Prólogo: https://www.youtube.com/watch?v=sjEXG9NWw48

La gloria avant-progresiva del ensamble estadounidense KARMIC JUGGERNAUT

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy viajamos a la localidad de Asbury Park, Nueva Jersey, y nos topamos con un colectivo conformado por Kevin Grossman [batería y percusión], Jake Hughes [teclados], James McCaffrey [guitarras], Cody McCorry [bajo y theremin], Randy Preston [guitarras] y Daimon Santa Maria [voz y flauta], el mismo que responde al nombre de KARMIC JUGGERNAUT. El nombre de su nuevo disco es “Phantasmagloria” y fue publicado el pasado 28 de abril; se trata de su segundo álbum después de “The Dreams That Stuff Are Made Of”, que data del año 2018. Haciendo un poco de historia, este grupo se fundó en el año 2004 con un interés claro por hacer música progresiva ecléctica con su buen filo vanguardista dispuesto a azuzar climas complejos. Muchos años tardó el colectivo de KARMIC JUGGERNAUT en debutar fonográficamente, y lo hizo con su EP homónimo del año 2012. En algunos pasajes del repertorio de “Phantasmagloria”, el grupo contó con las colaboraciones ocasionales del trompetista Joe Gullace y del trombonista Ian Gray, las mismas que ayudaron a dar un poco de incrementada profundidad al asunto. Una vez terminadas las sesiones de grabación de este disco, el propio James McCaffrey se hizo cargo de las labores de mezcla en el estudio The Hangar, mientras que la ulterior masterización fue realizada por Angel Marcloid en el estudio Angel Hair Audio. Bueno, veamos ahora los detalles del repertorio contenido en este disco. 

El repertorio de “Phantasmagloria” comienza con la dupla de la miniatura ‘WKRM Announcement’ y ‘Flat Earthlings’. La primera comienza con una secuencia sintetizada que se acelera crecientemente para abrir campo a una ceremoniosa sección centrada en soliloquios cinematográficos, y es a partir de allí que emerge ‘Flat Earthlings’ con su despliegue de férrea actitud que se enmarca muy fluidamente dentro de un intercambio entre parajes melódicamente delineados y otros un tanto más disonantes. Hallamos aquí unos aires de familia con ADVENT y BUBBLEMATH, añadiéndose una dosis extra de musculatura al estilo de THE MARS VOLTA y abiertos coqueteos con el prog-metal sin meterse realmente en ese terreno. Tras este impactante inicio de álbum, ‘Sun Puzzle’ tiene la función de llevar este dinamismo hacia una atmósfera de opulencia más fulgurosa mientras refina aún más los recursos de estilizado lirismo que a la banda se le da tan bien para orientar su vigor expresivo esencial. Hay un intermedio instrumental que nos permite ver a la banda explorar áreas space-rockeras dentro de un bien logrado engranaje de capas de teclado y florituras de flauta, pero pronto vuelve el grupo a su habitual cauce señorialmente pesado, y de allí vira hacia un saltarín motif disonante al modo RIO. Todo se va hilando con perfecta compacidad y, de paso, se incluye uno de los más notables solo de guitarra de todo el álbum. Primera cima musical del disco. ‘Psaiko’ comienza con un frenesí dionisíaco percusivo situado dentro de un tribalismo psicodélico, el mismo que se acentúa con los efectos de sirenas que emergen en el trasfondo y otros efectos rítmicos sintetizados. El final se conecta con el inicio de ‘Dream Machine’, que es la pieza más extensa del repertorio con sus poco más de 7 ¼ minutos de duración. La serie de grooves fusionescos sobre la que se arma la pieza le da una dimensión exótica al desarrollo temático, lo cual repercute en un apuntalamiento del ambicioso esplendor que empapa a su sofisticación estructural. En líneas generales, hay aires de familia con ALARMIST, los THE MARS VOLTA de la fase 2006-08 y la faceta más explosiva de BENT KNEE. Realmente tenemos aquí al cénit decisivo del álbum... Pero que conste que aún quedan más cosas buenas por degustar en este festín progresivamente kármico.  

 
‘Atomus Camera Obscura’ tiene una introducción insertada en un área jazz-progresiva signada por sutiles aires Crimsonianos mientras mantiene el formato de canción. A partir de la instauración de la primera serie de mudanzas y estribillos, el desarrollo temático se expande notablemente hasta gestar un suntuoso panal de diversos recursos progresivos que incluyen elementos del sinfonismo tradicional, el Canterbury y algunas extravagancias refinadas de corte RIO. Antes de llegar a la sección final, el grupo se aseguró de que el pasaje intermedio supusiera una especie de síntesis de la visión valientemente multívoca de la banda. Otro momento climático del disco. La secuencia final del repertorio está conformada por la miniatura de un minuto ‘Succumb to the Static’, el tema homónimo y ‘WKRM Credits’. La susodicha miniatura prosigue por la teatralidad futurista del prólogo del álbum. En cuanto a ‘Phantasmagloria’, es una canción que empieza con un talante amable para luego girar hacia una sólida mezcla de heavy prog y avant-prog. Se nota que hay mucho de la esencia de THANK YOU SCIENTIST dentro del esquema estético desarrollado por KARMIC JUGGERNAUT, pero hay más que eso: también existe una versatilidad muy propia que se manifiesta en el manejo de la electricidad rockera, la sofisticación jazzera y el surrealismo Zappiano. El cierre que trae consigo ‘WKRM Credits’ consiste en una cálida sonata de piano sobre la que una voz anuncia precisamente los créditos de los músicos partícipes y los encargados de los aspectos técnicos. Este recurso autorreferencial resulta bastante humorístico a despecho del tono serio del anunciador... Bueno, exceptuando los momentos finales, con esa tos y esos gritos histéricos de fondo que sabotean la información sobre las empresas auspiciadoras, lo cual también funciona como una declaración de principios sobre el posicionamiento independiente de la banda. En menos de 40 minutos, el personal de KARMIC JUGGERNAUT ha concretado una obra de  contundente calidad dentro de la vertiente vanguardista del rock progresivo contemporáneo. He aquí un ejemplo fehaciente de la gloria artística que se realiza hoy en día dentro de la avanzada rockera estadounidense. ¡Totalmente recomendable!

Muestras de “Phantasmagloria”.-
Sun Puzzle: https://karmicjuggernaut.bandcamp.com/track/sun-puzzle
Dream Machine: https://karmicjuggernaut.bandcamp.com/track/dream-machine
Atomus Camera Obscura: https://karmicjuggernaut.bandcamp.com/track/atomus-camera-obscura

Los múltiples sentidos de la nueva obra del genial colectivo italiano HOMUNCULUS RES

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Llegan muy buenas nuevas desde el escenario progresivo italiano: el grupo HOMUNCULUS RES nos trae su nuevo álbum “Ecco L’impero Dei Doppi Sensi”, el mismo que fue publicado el pasado 15 de junio por vía de una asociación entre los sellos AltrOck y Ma.Ra.Cash. El colectivo radicado en Palermo opera con la alineación de Dario D’Alessandro [voz, teclados, guitarra rítmica, glockenspiel y bajo ocasional], Davide Di Giovanni [órgano, piano, sintetizadores y bajo ocasional], Mauro Turdo [guitarra solista], Daniele Di Giovann [batería y percusión] y Daniele Crisci [bajo]. D’Alessandro es el autor de todos los temas salvo uno, que fue compuesto por Di Giovanni. El quinteto recibió las colaboraciones de una gran cantidad de músicos: James Strain (oud), Massimo Giuntoli (teclados), Giorgio Trombino (saxo alto y flauta), Dominique D'Avanzo (canto, flauta, flauta dulce y clarinete), Marco Monterosso (guitarra), Emanuele “Sterbus” Sterbini (canto), Alan Strawbridge (canto), Giovanni Parmeggiani (sintetizadores Moog y Korg Polysix, y piano eléctrico Fender Rhodes), Giuseppe Turdo (cornos inglés y francés, oboe y trompeta), Dario Lo Cicero (panaulón, flauta, fagot, trombón y Cristal Baschet), Mila Di Addario (piano tangente y armónica de cristal), Federico Cardaci (sintetizadores ARP Odyssey, Oberheim, Digitone y Memotron), Luciano Margorani (guitarra), Andrea Cusumano (whistle) y Enea Turdo (canto). Los procesos de mezcla y masterización de “Ecco L’impero Dei Doppi Sensi” estuvieron a cargo de James Strain, mientras que el arte gráfica, como siempre, es de Dario D’Alessandro. Veamos ahora los detalles del repertorio de este hermoso disco. 

Durando poco más de 3 ¾ minutos, abre el álbum la canción irónicamente titulada ‘Il Gran Finale’: ésta se define por una cruza entre los CARAVAN de los dos primeros álbumes y los SOFT MACHINE del primero, más unos toques añadidos de jazz-rock melódico. Tanto la metralla sintetizada del inicio como el excelente solo de órgano en el medio proveen de gran señorío al esquema melódico. Tras este llamativo inicio del álbum sigue la dupla de ‘Quintessenza La La La’ y ‘Il Bello E Il Cattivo’, la misma que está diseñada para expandir la paleta sonora de la banda con solvencia y agilidad, además de una creativa fidelidad al canon estilístico de la misma. La primera pieza mencionada activa un aura sofisticada eficazmente planteada a lo largo y ancho de los diversos grooves que se van turnando en el desarrollo temático. Las secciones más serenas tienen algo de etéreo en el modo en que las orquestaciones y ornamentos de teclado arropan a los demás instrumentos, mientras que los más vivaces se orientan por un lirismo tan entrañable como extravagante. La majestuosidad del epílogo y el aura flotante de la coda redondean cabalmente el expansivo fulgor de la canción. Un momento culminante del disco. Respecto a la segunda de ellas, el enfoque sonoro se centra en unos aires retro centrados en una psicodelia melódica de fines de los 60s con añadidos matices Canterburyanos (a lo CARAVAN) y otros al estilo Zappiano en sus momentos de farsa gentil. ‘Viaggio Astrale Di Una Polpetta’ trae consigo algunos ecos de la atmósfera lúdica de la canción precedente, pero los transforma radicalmente mediante el uso de atmósferas y grooves propios del space-rock al modo de GONG (etapa 1971-73), asentando también algunas afinidades con bandas contemporáneas como REGAL WORM, MOONWAGON y MAAT LANDER. El modo en que la batería insufla un swing jazz-rockero a la ingeniería rítmica ayuda al ensamble entero a realzar la juguetona vitalidad inherente a la composición. Cuando llega el turno de ‘Fine Del Mondo’, el grupo regresa a la lógica del jolgorio sofisticado en la que se centró el tema inicial, una estrategia con la que el ensamble se siente muy cómodo a la hora de ornamentar el desarrollo melódico. Se trata, al fin y al cabo, de expresar fuerza de carácter sedosamente para realzar el sortilegio musical en curso.

‘Pentagono’ le da una nueva vuelta de tuerca a la faceta señorial de la banda mientras apela a una mayor musculatura en lo referente a los recursos de impacto pulsátil y esplendor multitemático que tienen lugar en los arreglos instrumentales. La patente opulencia de esta canción se va moldeando fluidamente a través de los bien articulados recovecos por los que se transporta al oyente. Resumiendo, tenemos aquí un cénit decisivo del disco. Bajo el elocuente título de ‘Parole E Numeri’ emerge una cálida balada progresiva que deja que la sobriedad esencial de su esquema melódico se vaya explayando con una delicadeza cristalina. Es algo así como una sueva canción de alguno de los tres primeros discos de KEVIN AYERS que pasó por un reacomodo en la fábrica del primer álbum de PICCHIO DAL POZZO. ‘Cinque Sensi’, por su parte, marca un regreso frontal al dinamismo vorazmente lúdico que es tan habitual en el ideario musical del grupo, pero esta vez hay una mayor densidad expresiva tanto en el entramado sonoro como en el mismo núcleo temático. ‘Fiume Dell’oblio’ comienza con un prólogo exótico para luego meterse en un viaje retro donde el bien delineado centro melódico es manejado con inspirada soltura. Es un detalle muy simpático el de termina resta canción silbando el motif principal bajo la ducha. El fin del repertorio lo trae el tema ‘Doppi Sensi’, el cual dura 10 minutos y pico y es, de lejos, lo más largo que se ha compuesto para el presente disco. Todo comienza con un juego de cadencias mesuradas que no tardan en abrir paso a otras más intensivas y resolutas en las que el grupo exorciza sus fantasmas de HATFIELD AND THE NORTH y CARAVAN. La sucesión de las diversas secciones contiene algunos aspectos farsescos y otros que parecen estar orientados hacia un surrealismo amable con ligeros ribetes de ensoñación. Éstos empiezan a soltarse alrededor de la frontera de los 4 ¾ minutos, cuando todo se disuelve en un espejismo celestial de talante cósmico, el mismo que se sitúa en una cruza entre el minimalismo futurista del krautrock, los ambientes solipsistas de FRIPP & ENO y la faceta experimental de ROBERT WYATT. Las capas sintetizadas, los fraseos y efectos de guitarra, y los ornamentos percusivos arman una maraña intangible que terminará siendo absorbida por una ventisca cibernéticamente oscurantista en sus últimas instancias. Una gran manera de finiquitar el repertorio, un muy eficaz mensaje de que algo se concluyó sin punto de retorno.

Ésta fue la serie total de nuevas percepciones progresivas salidas de los cuarteles del genial colectivo italiano HOMUNCULUS RES: “Ecco L’impero Dei Doppi Sensi” es un disco vibrante que se siente repleto de colorido sonoro e ingenio creativo, una estrategia de refuerzo renovador de la que es su línea de trabajo esencial. Tenemos aquí una nueva prueba fehaciente de por qué los HOMUNCULUS RES están bien emplazados en la élite de la movida progresiva italiana del momento. Este disco es totalmente recomendable para cualquier fonoteca dedicada al rock artístico que se precie de ser mínimamente buena.

Muestras de “Ecco L’impero Dei Doppi Sensi”.-
Quintessenza La La La: https://homunculusres.bandcamp.com/track/quintessenza-la-la-la
Viaggio Astrale Di Una Polpetta: https://homunculusres.bandcamp.com/track/viaggio-astrale-di-una-polpetta
Pentagono: https://homunculusres.bandcamp.com/track/pentagono
Doppi Sensi: https://homunculusres.bandcamp.com/track/doppi-sensi

Una nueva cima en la senda eclécticamente progresiva de los noruegos SEVEN IMPALE

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA. 

Nos llegan buenas noticias desde la escena progresiva noruega, pues el grupo SEVEN IMPALE ha publicado el pasado 26 de mayo su nuevo trabajo fonográfico, el cual se titula “Summit”. 9 años después de su disco debut “City Of The Sun” y 7 después del sucesor de éste, llamado “Contrapasso”, este colectivo conformado por Stian Økland [voz y guitarras], Erlend Vottvik Olsen [guitarras], Håkon Vinje [teclados y voz], Benjamin Mekki Widerøe [saxofón tenor, flauta y voz], Tormod Fosso [bajo y cello] y Fredrik Mekki Widerøe [batería, percusión, guitarras y voz] vuelve a lucir su intensa mezcla de psicodelia retro-progresiva, space-rock, hard rock clásico y jazz-prog, la misma que le valió una gran cantidad de merecidos elogios por lo reflejado en los dos discos anteriores que acabamos de mencionar. “Summit” fue publicado por el sello Karisma Records tanto en CD como en vinilo. Iver Sandøy se encargó de la producción, la mezcla y la masterización del álbum que aquí reseñamos; además, aportó algo de percusión.

 
Los dos primeros temas del álbum coinciden en durar poco más de 10 ½ minutos: se llaman ‘Hunter’ y ‘Hydra’. El primero de ellos comienza con unas ceremoniosas y relativamente parcas escalas de piano que suscitan una inicial atmósfera expectante, la misma que se torna poderosa y explosiva cuando el ensamble íntegro entra en acción para terminar de redondear el pasaje prologar. La orquestación implosiona dentro de una parsimonia psicodélica que se sitúa dentro de un enclave crepuscular y sobre un groove misteriosamente lento. A poco de pasada la frontera del cuarto minuto y medio, las cosas se intensifican para trazar un breve puente cuyas confluencias con el paradigma histórico de VAN DER GRAAF GENERATOR serán vitales para determinar el resto del ambicioso desarrollo temático. Otros pasajes aguerridos se acercan al patrón del prog-metal sin dejar desvalido el núcleo psicodélico de donde brotó todo. Tras una última sección cantada, la coda instrumental se centra en una extravagante espiritualidad festiva que todavía arrastra varios ecos oscurantistas de lo hecho en varios momentos precedentes. En cuanto a ‘Hydra’, su discurso está mayoritariamente apoyado en el estándar tradicional del prog sinfónico con varios acentos retro que han sido tan recurrentes en las más recientes generaciones progresivos desde los 90s (especialmente, en Escandinavia). El vitalismo de esta pieza, resolutamente enérgico y sobriamente colorido, apela tanto a aquellos tiempos de GENESIS y GNIDROLOG como a los tiempos de ANEKDOTEN, LANDBERK, GARGAMEL, THE TANGENT y BRIGHTEYE BRISON. En la última instancia de la primera mitad, entran a tallar algunos quiebres rítmicos con el fin de impulsar recursos de sofisticación en los que siembran las semillas de una segunda mitad diseñada para explorar los aspectos más fastuosos del ideario musical de SEVEN IMPALE. Es aquí que la soltura expresiva de la banda se tona más versátil y el vigor rockero adquiere una particular aura señorial; de hecho, dentro de esta renovada serie de recovecos sónicos, se destaca tanto el rol del órgano Hammond como la restauración de aparejos sofisticados que ya apreciamos en la pieza inicial del álbum. El tenor pausado del epílogo asume unas breves vibraciones oníricas acentuadas por los elegantes punteos enmarañados de las dos guitarras.

‘Ikaros’ abre la segunda mitad del repertorio con una determinación expresionista bastante incendiaria, algo así como si un colectivo hermanado de VAN DER GRAAF GENERATOR y BLACK SABBATH estuviera recreando una pieza perdida de los HAWKWIND de la etapa 1972-74 y le añadiera trucos propios del avant-metal (MESHUGGAH, MAUDLIN OF THE WELL) y de los KING CRIMSON de la etapa 1973-74. Hay obvias intenciones de crear una turbulencia muscular e imponentes, pero es aún más obvio el derroche de inteligencia musical que invierte la banda en el desarrollo de los motifs centrales y sus ornamentos aunados. También cabe destacar la presencia de ciertos pasajes deconstructivos que parecen delatar la influencia del RIO continental de fines de los 70s e inicios de los 80s (UNIVERS ZERO, ART ZOYD). El pasaje epilogar tiene varios aires de familia con el de ‘Hydra’, pero, claramente, tiene un mayor ímpetu rockero. Es tal vez nuestra canción favorita de todo el disco. La última pieza del álbum es la más extensa del mismo con sus poco más de 13 ¼ minutos de duración y porta el título de ‘Sisyphus’. Su estratega general consiste en generar una cruza entre la inquietud ceremoniosa del tema #1 y la agilidad persistente y versátil del tema #2, además de enfilarse hacia los procesos más refinados del esquema sonoro grupal. No es una canción particularmente oscurantista, pero su fulgor parece estar sostenido sobre una base de tensión y tirantez que, a veces, sale a plena luz con inapelable prestancia. El saxofón tiene campo de acción en algún momento para realizar sus mejores solos de todo el disco. También se nota que el colectivo se da más espacio para elaborar trucos jazz-rockeros que se insertan fluidamente en varios de los motivos mutuamente hilados, lo cual le permite mostrar su faz más cristalina. En fin, he aquí una nueva cima que se eleva dentro de la senda eclécticamente creativa de los noruegos SEVEN IMPALE: “Summit” es una muy gratificante sorpresa dentro de la producción progresiva mundial en este segundo tercio del año 2023.

 
 
Muestras de “Summit”.-
Hunter: https://sevenimpale.bandcamp.com/track/hunter
Ikaros: https://sevenimpale.bandcamp.com/track/ikaros 

ARTEFACTRON: un tiempo y un espacio para la nueva generación del rock progresivo mexicano

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy viajamos a México y nos topamos con el grupo ARTEFACTRON y su disco homónimo de debut, el mismo que fue publicado de forma independiente (y con ulterior ayuda distributiva de parte del sello Azafrán Media) a inicios del mes de abril del pasado año 2022 (llega un poco tarde esta reseña, es verdad). El personal que grabó el material de “ArtefacTron” consta de Axel Margalli [guitarras y voz], Álvaro Zenil [bajo y voz], Eduardo García Orozco [teclados y coros], Héctor Aveleyra [teclados, guitarra y voz] y Mauricio González [batería y voz], y su enfoque musical está situado en el prog sinfónico de vieja escuela, con amplias referencias estilísticas a los paradigmas de YES, EMERSON, LAKE & PALMER y GENESIS, además de sus ilustres compatriotas de ICONOCLASTA (dos primeros discos) y también algunos vínculos con la primera etapa de otros legendarios, PREMIATA FORNERIA MARCONI. Los orígenes del grupo se remontan al año 2018 cuando, tras disfrutar de un concierto de los insignes suecos THE FLOWER KINGS, García Orozco y Zenil (integrantes de otras bandas) decidieron unir fuerzas y formar un grupo de rock progresivo que, a la vez, rindiera claro homenaje a las figuras legendarias del género y tuviese un sonido contemporáneo. Algo fastuoso y fresco a la vez. Una vez completado el quinteto, el proceso de composición de material comenzó bastante rápido, pero su compleción y su correspondiente grabación se ralentizaron por causa del distanciamiento social sistemático provocado por la pandemia. Para ser más específicos, el material de “ArtefacTron” se grabo entre los años 2020 y 2021 en el estudio Fábrica de Ideas, estando Eduardo Marine a cargo de la mezcla y la masterización. Fernando Garrido se hizo cargo de larte pictórico mientras que Abelardo Culebro hizo lo propio con el diseño gráfico. Pero bueno, llegó el año 2022 en su momento y el grupo pudo concretar el lanzamiento de este disco homónimo de debut: veamos ahora los detalles de su repertorio. 

Los primeros 8 minutos y pico del álbum están ocupados por ‘Tiempo Y Espacio’, una canción que se mueve plácida y orgánicamente a través de un suntuoso lirismo que da sus primeros pasos bajo un ropaje un tanto ceremonioso, para luego abrirse camino hacia un groove más grácil donde el esquema sonoro se da abasto para ostentar un genuino fulgor. Los vuelos instrumentales que se desarrollan en este momento exultante son manejados con un calculado manejo de la intensidad expresiva, siendo así que las orquestaciones de los teclados sirven de base unitaria para todos los ítems particulares. Los solos de guitarra portan una fuerza de carácter muy particular. Acto seguido llega el turno de ‘Nave Al Infinito’, una canción que recoge los ecos de la ceremoniosidad estructural de la precedente y la lleva hacia una instancia de agilidad incrementada. El swing jazz-rockero imprimido por la batería y reforzado por la guitarra permite a la banda estructurar un renovador recurso de vitalidad sinfónica que se siente, a fin de cuentas, bastante moderna. No se da aquí una sofisticación melódica tan grandilocuente como en la primera canción, pero sí hay una mayor expansión en los diálogos performativos entre los instrumentos actuantes. El sintetizador tiene una presencia más robusta dentro de la maraña sónica, lo cual le permite establecer un oportuno contrapeso a la guitarra, la cual gesta un grandioso solo cerca del final. ‘Doble Propósito’ tiene la misión de regresar a la senda de señorío prog-sinfónico que marcó antes a ‘Tiempo Y Espacio’, aunque esta vez con un esquema expresivo un poco más insistente en la exploración de matices y grooves complejos a partir de los índices melódicos creados para la ocasión. Un gran instrumental, sin duda. Cuando llega el turno de ‘Har Megiddo’, el grupo explora una faceta dramática que asienta un productivo precedente para la suite que vendrá más adelante. Centrándonos en este tema en particular, su groove en base de blues-rock es explorado con buen pulso a través de un preciosismo simultáneamente basado en una confluencia entre los paradigmas de GENESIS (etapa 73-78) y el del STEVE HACKETT del nuevo milenio. Por su parte, algunas intervenciones del órgano Hammond están más en línea con los patrones de UK y ELP. El fatalismo apocalíptico de la letra fluye diáfanamente a través de los estilizados y macizos pasadizos instrumentales.

‘Ayer Y Hoy’ nos muestra la faceta más intimista del cosmos musical de ARTEFACTRON. Se trata de una balada en 3/4 que comienza en clave bucólica y pronto se deja arropar por un atuendo bluesero. Poco a poco, la canción va cogiendo garra en base de la creciente presencia de la guitarra eléctrica así como de la de los ornamentos de los teclados. Dicho sea de paso, la guitarra nos brinda otro genial solo en algún lugar del medio. La miniatura ‘Redención’ sirve como antesala a la suite de casi 18 ¾ minutos ‘Hijo Pródigo’ que cierra el repertorio: la miniatura en cuestión se explaya en una atmósfera cósmica ornamentada con modismos sinfónicos de teclado, lo cual se prosigue cabalmente con los primeros instantes de la antes mencionada suite. A lo largo de su ambiciosa extensión, ‘Hijo Pródigo’ incluye dos secciones autónomamente tituladas ‘Inferno’ y ‘La Carta’; su esquema de trabajo general se centra en tender puentes entre los paradigmas clásicos de GENESIS y YES. Las diversas ilaciones melódicas cubren unos espectros refinados y estilizados que anclan los explayamientos dramáticos de las partes cantadas. Más que nunca, la labor de los teclados encauza la armonización de todos los instrumentos actuantes dentro del expresionismo comunitario: es muy significativo que sea el sintetizador quien dirija el camino del primer clímax y también lo es el que sea el piano quien esté a cargo de iniciar el rumbo de la segunda parte. A partir de aquí, el grupo de rienda suelta a la expansión de motivos inspirados en el romanticismo y el barroco, siempre centrada en una claridad melódica bastante cristalina. El ímpetu contundente de la coda es un cierre muy efectivo para la suite y el álbum a la vez. Bueno, todo esto es lo que se nos brindó en “ArtefacTron” desde los cuarteles de ARTEFACTRON, un muy interesante testimonio de lo que se gesta en el tiempo de la nueva generación del rock progresivo mexicano para deleite de los fans del género a lo largo y ancho del mundo.

Muestras de “ArtefacTron”.-

Tiempo Y Espacio: https://artefactron.bandcamp.com/track/tiempo-y-espacio
Doble Propósito: https://artefactron.bandcamp.com/track/doble-prop-sito-2
Har Megiddo: https://artefactron.bandcamp.com/track/har-megiddo-2

ANTILABÉ: fuerza anímica para la escena jazz-progresiva italiana

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Hoy viajamos a Italia y nos topamos con el grupo ANTILABÉ y su álbum “Animi Motus”, el cual fue publicado a inicios del pasado mes de mayo. Tal como parece indicarse en su título, el disco al cual nos referimos hoy es un gesto bastante creativo de fuerza anímica para la persistencia del ideal jazz-progresivo en nuestros tiempos: se trata del cuarto disco de esta banda. El colectivo de ANTILABÉ está conformado por Carla Sossai [voz y coros], Marino Vettoretti [guitarras, percusión y teclados], Adolfo Silvestri [bajos con y sin trastes, y handpan Rav Vast], Alessandro Leo [saxos barítono y soprano], Luca Crepet [batería, glockenspiel, marimba, vibráfono, tímpanos y otras percusiones], Loris Sovernigo [piano Steinway y teclados] y Luca Tozzato [batería y percusiones]. Como vemos, el grupo cuenta con un generoso arsenal sonoro, pero, a lo largo del repertorio contenido en “Animi Motus”, todavía se dio el lujo de contar con los aportes de varios invitados ocasionales: Giuseppe Bepi De Bortoli (flauta alto), Arrigo Pietrobon (oboe), Magister Espresso Orchestra (ensamble de cuerdas), Enzo Giraldo (narración) y (narración). Veamos ahora los detalles del repertorio contenido en “Animi Motus”.

 

Durando poco más de 5 minutos, ‘Labirinti Della Mente’ inaugura el repertorio y lo hace con cristalina gracia, iniciándose todo con una base armónica de percusión tonal desde la cual se prepara el terreno para la orquestación global y el canto. Todo se mantiene dentro de un enclave de serena extroversión, afín al paradigma de HAPPY THE MAN con algunos matices añadidos de SHADOWFAX y ciertas confluencias colaterales con WEATHER REPORT. En la delicadeza inherente a la ingeniería melódica diseñada para la ocasión se apoya integralmente el modo en el que los músicos organizan su entramado comunitario. La dupla de ‘Metalleia’ y ‘Dubitar’ permite al grupo explorar otros matices de su ideario musical. El primero de estos temas tiene un groove similar pero un aire un poco más ágil, una dosis extra de soltura que permite la intervención notoria de ornamentos de sintetizador junto a una labor más determinante de las percusiones tonales para acentuar las bases de piano y los ornamentos del saxo. Se trata de una pieza tan atractiva que sus poco menos de 3 minutos de duración se sienten muy pequeños. ‘Dubitar’, por su parte, elabora una exploración fusionesca que exuda una cálida gracilidad por todos lados, estando ésta envuelta en una atmósfera razonablemente etérea. Las intervenciones del ensamble del vientos y de las percusiones étnicas son las columnas que sustentan el delicado lirismo que opera como la esencia misma de esta particularmente hermosa pieza. ‘Timor Panico’ resulta ser el tema más ágil de todos los que han venido sonando hasta ahora, realizando una ingeniosa cruza entre el FRANK ZAPPA más amable y el estándar más sedoso de los legendarios HATFIELD AND THE NORTH. Todo fluye con una gentil resolución donde los parajes más sofisticados están ubicados en lugares estratégicos. Un cénit del álbum, sin duda. Cuando llega el turno de ‘Segregatione’, el ensamble se dispone a trabajar con su aspecto más experimental, siendo así que el ensamble acoge inicialmente un enfoque minimalista (tal vez afín al paradigma de PHILIP GLASS) para asentar la columna vertebral del núcleo temático. Una vez hecho esto, a mitad de camino, el asunto se desarrolla con un nuevo ejercicio de agilidad jazz-progresiva donde el saxo soprano se erige como guía del esquema instrumental.

‘De Animi Solitudine’ es una exhibición solitaria del piano, el cual navega plácidamente por aguas impresionistas donde las ondas fluyen reposadas o un poco agitadas mientras pasan los cautivadores segundos. Definitivamente, se nota aquí la influencia de KEITH JARRETT. Con su espacio de 7 minutos, ‘Resilienza’ es el tema más extenso dentro del repertorio. Todo comienza con unas ceremoniosas y flotantes capas de sintetizador que reciben sutiles ornamentaciones percusivas. Una vez instalado el cuerpo central, opera una cruza entre HAPPY THE MAN y el estándar de ROBERT WYATT de la fase 1991-97, añadiéndose algunos sobrios colores del legado de los inicios acústicos de RETURN TO FOREVER. El ingreso de un pasaje mesuradamente  vitalista alrededor de la frontera del tercer minuto y medio sirve para que el fulgor potencial de la canción brote con convincente esplendor. Así las cosas, la controlada sofisticación a la que nos tiene acostumbrados el grupo puede dejar otro testimonio de genuina patencia. Las gallardas puntuaciones de la guitarra en el último tercio añaden majestuosidad a algo que ya era de por sí bastante señorial, bordándose la faena con un elegante solo de sintetizador que, a fin de cuentas, impulsa los postreros ornamentos de los vientos. ‘Una Luce Nuova’ concluye el repertorio con un ingenioso ejercicio experimental. La primera parte consiste en la gestación de climas cinematográficos marcados por capas espaciales de sintetizador y percusiones tribales, siendo así que un ceremonioso soliloquio sale al primer plano. La segunda parte consiste en una canción moderadamente ágil donde lo sinfónico prevalece a la hora de concretar los arreglos del desarrollo temático. Todo esto es lo que está encapsulado en “Animi Motus” desde la fábrica de hacer bella música del ensamble italiano ANTILABÉ. Totalmente recomendable para cualquier buena fonoteca progresiva.

 
 
Muestras de “Animi Motus”.-
Labirinti Della Mente: https://antilabe.bandcamp.com/track/labirinti-della-mente
Timor Panico: https://antilabe.bandcamp.com/track/timor-panico 

Resilienza: https://antilabe.bandcamp.com/track/resilienza

Segunda serie de eclécticos viajes musicales del maestro DARRYL WAY

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Con un poco de tardanza hacemos esta nueva visita al mundo musical del maestro violinista y compositor inglés DARRYL WAY, quien entró al parnaso histórico del rock progresivo por su membrecía en CURVED AIR y su posterior proyecto DARRYL WAY’S WOLF. También tiene una larga discografía con su nombre solista (que realmente es RICHARD DARRYL WAY, dicho sea de paso) y su más reciente lanzamiento fonográfico es “Destinations 2”, que data del 28 de mayo de 2021. Este disco publicado por el sello Spirit Of Unicorn Music es el sucesor de “Destinations” (del año 2019) y trabaja con la misma premisa conceptual: todas las piezas son paisajes musicales de los lugares aludidos en sus respectivos títulos, asociando diversas historias y estampas vivenciales a dichos lugares. Para ser más precisos, además de violinista, WAY es un curtido ejecutante de los teclados y las guitarras, y además, canta ocasionalmente en el presente disco. Sus compañeros de viaje son el bajista Richard Mead, el baterista Pete Skinner y la cantante Juliet Way (su esposa). Básicamente, tenemos aquí un disco donde conviven los discursos del rock prog-sinfónico y el jazz-fusion, siendo así que la actitud ecléctica comanda la ilación de las diversas proyecciones melódicas y grooves que conforman el repertorio de 12 piezas. Siendo un disco concebido durante el tiempo de distanciamiento sistemático en medio de la terrible pandemia, logra hacer viajar a la mente del oyente a diferentes destinos sucesivos. El material contenido en “Destinations 2” fue grabado en los Venturi Studios de Dervon con el propio WAY como productor. Veamos ahora los detalles de su contenido.
 

Los primeros 5 ¾ minutos del repertorio están ocupados por ‘Alhambra Knights’, una pieza que está plenamente encauzada por la combinación de exóticos arreglos sintetizados de cuerdas y ágiles ritmos programados de corte afro-arábigo. A partir de allí, las líneas melódicas del violín y el ocasional solo de guitarra española forjan el desarrollo temático con la suficiente dosis de matices aflamencados como para explotar cabalmente el inherente embrujo del mismo. Un inicio con mucho gancho en clave de sinfonismo con ciertos elementos que usualmente describimos como World Music. Luego sigue ‘Mother Earth’, que es el tema más extenso del repertorio con sus poco más de 7 ½ minutos de duración. Ceremoniosa en el núcleo mismo de su ingeniería sónica, esta pieza transita de una atmósfera serena y solitaria a otra más suntuosa donde parece que el propio WAY exorciza sus afinidades con los universos de CAMEL y PINK FLOYD. La claridad melódica es sólida y diáfana, y siendo así que porta un señorío envolvente, se destaca como un cénit decisivo del álbum. ‘Banquet Of The Vanities’ ya apunta hacia un rock estilizado donde el punche de los riffs de guitarra se sienten tan relevantes como el esquema melódico diseñado para la ocasión. Con los ribetes híbridos entre lo romántico y lo folk-rokero en su armazón temático y el uso de un medio tiempo, el asunto suena bastante cercano al paradigma histórico de CURVED AIR, añadiéndose leves conexiones con el de JETHRO TULL. He aquí la cuota de musculatura para el repertorio. La dupla de ‘Café De Paris’ y ‘Colombian Gold’ sirve para que se nos sigan revelando más facetas de la visión musical organizada para el disco. El primero de estos temas mencionados regresa a una ceremoniosidad cercana a la que signó al tema #2, pero brota en él una gracilidad especial, más cálida, y con una bien articulada base jazzera sobre la que se asientan cómodamente los aires fusionescos en clave parisina. De este modo, entra a tallar una fastuosidad propia del lenguaje progresivo. En cuanto a ‘Colombian Gold’ (que se inspira en el cultivo y el tráfico de coca, no de oro), se trata de una exploración en alegres ritmos caribeños a través de la óptica del Latin-jazz con su apropiada cuota de estilización progresiva. Lo que suena aquí también podría haber caído bien en algún disco de JEAN-LUC PONTY de la segunda mitad de los 70, y por qué no, en el primer disco de DARRYL WAY’S WOLF. Hay un intermedio sereno de talante cinematográfico que añade un oportuno recurso de variedad al asunto.

‘Ocean Blues’ es una gentil exhibición de contemplativa serenidad que se deja llevar suavemente por la sobria belleza del desarrollo temático. Todo sonido parece flotar en el aire dentro de una atractiva congregación arquitectónica. Por su parte, ‘Choctaw Ridge’ despliega una genuina vitalidad que está debidamente controlada por el swing jazz-rockero utilizado para la ocasión. Al igual que con ‘Ocean Blues’, el armazón instrumental tiene una ingeniería centrada en dejar que el atractivo del enfoque melódico y sus arreglos se muestre por sí mismo; en el caso específico de ‘Choctaw Ridge’, esto significa que debe reinar la extroversión con variados niveles de soltura. La sección intrépida que engloba al excelente solo de violín es simplemente electrizante, portadora de una contagiosa jovialidad. Los aires de familia con PONTY vuelven a brotar. Cuando llega el turno de la pieza titulada ‘Rio Grande’, WAY y sus compañeros de viaje vuelven a la senda de la claridad melódica con una bien perfilada fuerza evocadora impulsada por los arreglos sinfónicos. Hay una placidez reinante en el modo en que el esquema melódico se va instalando y reforzando mientras pasan los segundos. ‘Vegas’ se caracteriza por centrarse en aires celebratorios pletóricamente enfocados en esbozos del así denominado Latin jazz; las guitarras ocupan el rol protagónico dentro del desarrollo temático, pasando de la calidez de las acústicas al talante aristocrático de la eléctrica, y a veces, conjugando ambas dentro de su conmovedor encuadre melódico. Algunos resabios sombríos entran en juego durante algún pasaje intermedio a fin de reflejar el aspecto peligroso de la gran ciudad. ‘Fiesta Mexicana’ trabaja con la misma lógica de ‘Colombian Gold’: una excursión en el estereotipo de la alegría expresionista del variopinto folklore latinoamericano para darle algunas variantes progresivas a los esquemas melódicos creados para la ocasión. Todo comienza con unos aires de corrido donde se explota cabalmente el carácter evocador emanado de la asociación entre guitarra acústica y percusión, sirviendo ella de base para la instrumentación global. El interludio establece una estilizada muestra de ambientación densa que tiene algo de misterioso, un paraje muy atractivo que, tal vez, ameritaba un arreglo más expansivo. Con la retoma del motif inicial, el violín ingresa para realzarlo e impulsar su esplendor final. 

‘Hungarian Rhapsody’ dura poco más de 7 minutos y está diseñada para instaurar un clímax expresivo definitivo para el álbum; de hecho, es la apoteosis prog-sinfónica que se enraíza dentro de la historia particular del propio WAY dentro de la eterna tradición del rock artístico británico. La primera sección es lenta y ceremoniosa, portadora de un embrujo arcano propio de la luz del lento amanecer en un lugar hasta hace poco cubierto de neblina. Poco a poco, se asienta un esquema rítmico bien enmarcado que ayuda a realzar la magia del centro melódico. La segunda sección es rápida, ostentando unas vibraciones celebratorias donde el fulgor del sol llena todos los espacios gestados desde el suntuoso entramado sonoro. El epílogo del disco es ‘Across A River Wide (The Immigrant Song)’, un himno de esperanza y fuerza de voluntad para quienes se aventuran a cruzar el Mediterráneo para buscar un destino mejor en otras tierras. Se trata de una balada sencilla que retoma el esquema melódico de ‘Rio Grande’ para brindarle un refinado preciosismo evocador, el mismo que es realzado por el canto dual de WAY y su esposa Janet, autora de la letra: “Carry me across the water, to that far off shore. / Let me safely cross that border, free for ever more, free for ever more.” Todo esto fue lo que se nos dio con “Destinations 2”, un hermoso y versátil disco del maestro DARRYL WAY, un nuevo repaso ecléctico de diversas moradas terrenales que existen en nuestro planeta. Lamentamos haber conocido este disco con dos años y pico de demora, pero ahora que lo hemos hecho, lo recomendamos totalmente para cualquier buena fonoteca de música progresiva.

Lo que nos trae el trío alemán SPROINGG para este año 2023

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Estamos de plácemes hoy porque presentamos lo nuevo del grupo alemán SPROINGG, grupo de música progresiva enérgica y ecléctica cuya alineación está integrada por Predi Bruschgo [guitarra, guitarra barítono y primera voz], Erik Feder [batería, percusión y voces] y Johannes Korn [Chapman Sticks, violín eléctrico, guitarra sin trastes, sintetizador Mushroom Moog y voces]. El disco en cuestión se llama “Hirnkäse” y fue publicado el pasado 5 de mayo, sucediendo por 3 años y 8 meses a su ilustre antecesor “Clam”. En líneas generales, el esquema de trabajo musical plasmado en “Hirnkäse” resulta un poco más adusto y árido que el disco precedente, aunque también notamos en este nuevo álbum una reafirmación de muchos modismos propios de la esencia estética de SPROINGG. Este disco en cuestión fue grabado en agosto del año 2022 en el estudio Sproingg Central, siendo así que Feder y Korn se hicieron cargo del ulterior proceso de mezcla. Bueno, veamos ahora los detalles de cada uno de los temas incluidos en este álbum.*
 

La miniatura ‘Ggnipiors 2’ inicia las cosas con un ceremoniosamente teatralizado soliloquio. De esta forma, se abre camino ‘Abababa’, un tema ameno y ágil que nos remite al estándar Zappiano de fines de los 70s y a los PRIMUS de la etapa 1991-95. Queda claro que el grupo quiere asentar su primera manifestación colectiva dentro de un groove relativamente sencillo que, a lo largo del camino, irá impulsando sus propios mesurados recursos de sofisticación. Luego sigue ‘For Whom The Bellch Tolls’, pieza que hace un viraje más serio a la persistente aureola de refinado surrealismo que usualmente marca a los esquemas temáticos que utiliza el trío; de hecho, el swing empleado aquí se sitúa en una cruza entre el jazz-rock  y el math-rock, logrando gestar un interesante híbrido entre los STICK MEN, FOREVER EINSTEIN y los inolvidables DON CABALLERO. ‘Antetonkel’ permite al trío jugar con sus espectros Crimsonianos bajo un ropaje de punzante bruma, la cual permite al grupo desarrollar el jam dentro de una atmósfera refinadamente oscurantista. Eso sí, se nota una cierta liberación cuando el swing se aviva tenaz y firmemente en las instancias finales. La dinámica compartida por el violín y la batería permite al bloque instrumental, como un todo, forjar un talante afiladamente tenso. El quinto tema porta el simpático título ‘And Her Name Was “Jo-Jo, The Dog-Faced Boy”, Part 2’ (y ya hubo una Parte 1 en el álbum precedente), y por eso, no nos debe sorprender la gracilidad farsesca que conforma su núcleo temático. Esta pieza se sitúa dentro de un contexto humorístico de claro carácter surrealista, usando recursos vocales muy deconstructivo mientras el esquema instrumental se focaliza en una continuación del patrón de los STICK MEN (nuevamente). ‘Hirnkäse’ es justamente el nombre del sexto tema del álbum. Lo primero que entra a tallar en el esquema sonoro y el groove es una atmósfera intrigante, y en cierto modo, envolventemente onírica. Los cinco primeros minutos establecen nexos estilísticos con BURNT BELIEF, pasando posteriormente (tras un breve puente vocal que emula burlonamente a las corales gregorianas) a una exhibición de heavy prog con expansivas connotaciones Crimsonianas (muy en línea con su esquema de trabajo de los 90s e inicios del nuevo milenio). La señorial soltura que ostenta este enclave de incrementado robustecimiento rockero se impone contundentemente mientras la batería arma ingeniosos recovecos para un swing que reclama ser ornamentado con absorbente gracilidad. 

‘Tschuwak Tschubak’ es un deleite sublime de psicodelia progresiva con tintes pesados, ubicando su motif de corte oriental en un terreno cercano al de ese legendario proyecto que fue GORDIAN KNOT; se añaden nexos con los cimientos del jazz-rock espacial cultivado en los tiempos del krautrock de los 70s (DZYAN, AGITATION FREE) y con el desparpajo surrealista del paradigma Zappiano en las intervenciones vocales. La dupla de ‘High Up On Mushroom Hill’ y ‘Ridge Of Peas, Nation Of Peace’ es la de las dos piezas más extensas del repertorio, durando la primera poco más de 9 minutos y la otra, poco más de 8 minutos. El primero de estos temas mencionados comienza orientado hacia una gracilidad engañosamente establecida sobre un bosquejo  compositivo sutilmente sofisticado que comienza con un talante atmosférico y contemplativo. La irrupción de ceremoniosas bases armónicas de la percusión tonal anuncia el inicio del encuadre de la ingeniería temática diseñada para la ocasión; ella se apoya crucialmente en las etéreas amalgamas de guitarra y Chapman Stick, las cuales perpetran una solemne evocación de paisajes exóticos y ensoñaciones cósmicas en clave de fusión contemporánea alimentada por un empuje fusionesco. Tal vez late aquí una conexión con GILA y THIRD EAR BAND a través del filtro de los soundscapes Frippianos. En cuanto a ‘Ridge Of Peas, Nation Of Peace’, se trata, en cierta medida, de un regreso a los grooves predominantes en los temas #3 y #4, pero con un talante más otoñal y un empleo más comedido de la arquitectura rockera. Hay una gravedad patente en la manera en que los instrumentos interactúan dentro de su bien perfilada maraña comunitaria. En todo caso, los momentos de frescura provienen de las dadaístas intervenciones vocales: coros, letanías, parlamentos aparentemente belicosos. El último pasaje instrumental, sin embargo, parece traer consigo una actitud celebratoria, aterrizando todo en una coda sincopadamente aguerrida que casi suena a una versión avant-metalera del paradigma Zappiano. Todo se cierra con la miniatura irónicamente titulada ‘Ggnipiors 1’ (algo tan irónico como que el disco comience con ‘Ggnipiors 2’): igual que al inicio del álbum, se trata de un soliloquio teatralizado, esta vez, con la incorporación de ecos y pistas invertidas. Se realza la última palabra al revés, que es justamente el nombre del grupo (y el título de estos soliloquios de apertura y clausura).**
 

Esto es lo que trae consigo “Hirnkäse” desde los cuarteles de SPROINGG para el presente año 2023: en síntesis, se trata de un estupenda obra de rock progresivo eclécticamente experimental donde el ingenio extravagante y el vigor expresivo se dan la mano en diversas formas, todas ellas dueñas de un encanto muy particular. SPROINGG realmente es una fuerza importante dentro de la vanguardia musical alemana (e internacional) de nuestros tiempos. Recomendable al 300% (un 100% por cada integrante). 

 
 
Muestras de “Hirnkäse”.-
Antetonkel: https://sproingg.bandcamp.com/track/antetonkel
Hirnkäse: https://sproingg.bandcamp.com/track/hirnka-se
High Up On Mushroom Hill: https://sproingg.bandcamp.com/track/high-up-on-mushroom-hill

* En una exhibición de humor dadaísta, el grupo señala que los temas de este álbum se hayan bajo Copywrong.

** El soliloquio reza así: “Bruba-tschige-ding / Bruba-tschige-dong / Subagedschi bageschi bageschi / Ding dong dabang dabong würzül / Gnid-eschig-aburb gnod-eschig-aburb / Ischdechab ischdechab ischdechabus / Gnid gnod gabar gnabad gnabad lüzrüw / Sproingg”. Suena como una versión dadaísta-futurista del Zeuhl, al menos, eso nos parece.

DARÍO ÍSCARO Y LUCAS ALVES DE LIMA: moviendo las cuerdas musicales de la IA

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
El pasado 10 de mayo se publicó un peculiar y aventurero trabajo musical que es producto de la asociación del guitarrista DARÍO ÍSCARO y el ingeniero de sonido LUCAS ALVES DE LIMA. El fruto de esta colaboración es un EP titulado “Artefacto Con Cuerdas”, el cual consta de 7 piezas cuyas duraciones oscilan entre poco menos de 1 minutos y 5 minutos y pico.
 
Todo empieza con ‘Objeto Enterrado’, una pieza que se explaya mayormente en marañas y escalas de guitarreos en clave Crimsoniana con diversos matices de jazz-rock experimental metidos en el esquema sonoro. Las variaciones de intensidad en el groove gestan un fulgor interior crucial para las pautas expresivas diseñadas para la ocasión. Una gran apertura del repertorio que más suena como un objeto desenterrado que se complace en disfrutar de una renacida exposición bajo un gentil sol. ‘Dirección Equivocada’ es una miniatura de tenor futurista que sabe transmitir un clamor entusiasta a través de su meticulosa arquitectura. Como una especie de contraparte, ‘Amor Fungible’, el tema que sigue a continuación, exhibe, en su mayor parte, recursos de calidez a través de su parquedad estructural; su tenor musical se sitúa en el jazz-rock contemporáneo bajo un bien delineado enfoque lírico, aunque también incorpora trucos vanguardistas en varios pasajes de la segunda mitad. ‘Sense Not Fluent’ ahonda en la faceta abstracta del álbum jugando con alternancias entre varias secuencias repetitivas. ‘Bubu En La Lluvia’ es la pieza más extensa del repertorio con su espacio de poco más de 5 ¼ minutos, siendo así que las vibraciones reflexivas son las más relevantes a la hora de trazar los índices temáticos y la atmósfera que envuelve a éstos. Hay excursiones fusionescas y otras asentadas en un discurso prog-psicodélico, alternándose dentro del paisaje etéreo capitalizado por el hecho de que la guitarra es el único instrumentos actuante. La dupla de ‘Sueño Intermitente’ y ‘Núcleos Combinables’ cierra el repertorio con bastante prestancia. La primera  de estas piezas mencionadas es una miniatura que lleva hasta sus últimas consecuencias deconstructivas el empuje modernista que ya perfiló a las otras miniaturas precedentes. Por su parte, ‘Núcleos Combinables’ exhibe un nuevo ejercicio de lirismo que a fluyendo cómodamente dentro de una cruza experimental de jazz contemporáneo y bosquejos progresivos. Definitivamente, se nota aquí una relativa recapitulación del espíritu de tema #3. Una estupenda manera de concluir las cosas. 

Todo esto fue lo que se nos brindó en “Artefacto Con Cuerdas”, poco o mucho, tal vez tendiendo a poco cuantitativamente hablando, pero en lo que se refiere a la proyección estética, su cualidad se impone contundentemente ante los oídos y espíritus de los oyentes empáticos. El dúo de DARÍO ÍSCARO y LUCAS ALVES DE LIMA ha gestado un ítem fonográfico sumamente interesante.

 
 
Muestras de “Artefacto Con Cuerdas”.-
Objeto Enterrado: https://darioiscaro.bandcamp.com/track/objeto-enterrado

Amor Fungible: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/amor-fungible
Núcleos Combinables: https://darioiscaro.bandcamp.com/track/n-cleos-combinables-2

PULSÓNICA: el eco recurrente de la escena jazz-progresiva argentina

 

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.
 
Mirando a la escena jazz-progresiva argentina del momento nos hallamos con la gratísima sorpresa de que el genial y creativo colectivo PULSÓNICA ha grabado y publicado un nuevo álbum, el cual se titula “Eco Infinito” y fue publicado por el sello connacional Viajero Inmóvil en la tercera semana de mayo pasado, solamente como descarga digital. También aparece en el blog de Bandcamp del grupo mismo. PULSÓNICA llega a éste, su quinto disco, con un vigor renovado bajo el perpetuo mando del genial Jorge González [batería, marimba y Ovni Drum]. Los otros genios que completan la alineación del grupo son Marcelo Tubio [guitarras eléctricas y acústicas], Nahuén Manzano [congas y otras percusiones] y Jonathan Crevatín [bajo]. Además, en algunas piezas del álbum aparecen los aportes de Mariano Toziano al órgano Hammond, Juan “Pollo” Raffo al sintetizador, Tomás Silvadón a las congas y Lucio Perrella al canto. El material de “Eco Infinito” fue grabado en los Estudios Orion de Buenos Aires, siendo los técnicos de grabación Pablo Rabinovich y Tomás Lobov. Los procesos posteriores de mezcla y masterización estuvieron a cargo del primero. Bueno, veamos ahora los detalles de este disco.

 
La pieza homónima es la más larga del disco con sus 6 minutos y pico de duración, y también es la encargada de abrirlo. ‘Eco Infinito’ se caracteriza por ostentar una serenidad luminosa, portando aires de un relajado atardecer que aún puede proyectar un envolvente fulgor. El swing armado para la ocasión es muy elegante, siendo así que el ensamble navega con suma pulcritud las diversas sonoridades del desarrollo temático, algo que se cumple con particular brillantez en la labor del bajo. ‘Danza Estelar’ sigue a continuación con la misión de agitar un poco las cosas, creando un groove sofisticado con el empleo de tempos inusuales en algunos pasajes (11/8, para ser más exactos) para que el lirismo inherente al motif central adquiera una magia gentilmente saltarina. El solo de guitarra que emerge cerca del final porta un aura cautivadora que permite al antes mencionado lirismo capturar una tersura moderadamente ensoñadora. Tenemos ya desde estos pasajes iniciales dos cénit decisivos del álbum. El tercer tema es una versión del clásico del son de TITO PUENTE ‘Oye Cómo Va’, que el propio SANTANA convirtió en un hit rockero en su momento. El grupo se mantiene bastante fiel al esquema Santanesco, aunque refuerza las vibraciones jazz-rockeras a su propia manera; más allá del evidente protagonismo de la guitarra a la hora de asentar el célebre motif, parece que el bloque sonoro se articula en base a la triangulación de órgano, batería y percusión latina. Con la dupla de ‘Kimba’ y ‘Duwende’, el ensamble sigue explorando varios matices de su vivacidad estructural. El primero de estos temas mencionados se explaya en un ejercicio de señoriales grooves afro-latinos que ostentan una gracilidad celebratoria, la misma que nunca se escapa de las manos y mantiene unas vibraciones majestuosas entrañables. El momento del breve solo de batería que se arma sobre unos golpes precisos focalizados por el resto de los instrumentos apuntala un fulgor especial al asunto, el mismo que se reitera en el diálogo percusivo del final. En lo referente a ‘Duwende’, el grupo sigue trabajando con un swing muy similar, pero esta vez se nota que opera un punche rockero más afilado. La conexión entre batería y percusión es integralmente compacta a la hora de transitar por las oportunamente comedidas variantes de groove que tienen lugar a lo largo del camino.
 
‘FunKing’ hace honor a su título dándole un convincente y bien pulido funky a la dimensión más extrovertida del estándar del jazz-rock. Con la soltura de la guitarra (igualmente esparcida en el ritmo y los solos) y el vigor de las percusiones latinas, el sonido grupal puede contar con certeros cimientos para la expresividad enérgica diseñada para la ocasión. ‘En Círculos’ se refuerza aún más ese vitalismo fusionesco esencial de la banda por vía de un ejercicio de soltura refinada que sabe dónde abrir espacios para el lucimiento de la percusión tonal. Mientras tanto, hay excelsas florituras para el motif central de parte de la guitarra y síncopas del bajo que brindan un aura señorial al esquema sonoro colectivo. ‘Descarga’ nos regala casi 3 minutos de perpetuación de esta frescura expresionista, abriendo nuevos espacios de lucimiento para el matrimonio de batería y percusión. También cabe destacar el modo en que la guitarra y la percusión tonal comparten los contornos del motif central. ‘Madre Tierra’ se explaya por una zona telúrica evocadora que, en cierto modo, nos remite al esquema de trabajo del anterior disco de la banda “Entre Mundos”. La combinación de envolvente lirismo en el patrón melódico y cristalinas cadencias rítmicas establece los fundamentos para la cautivadora magia musical  aquí plasmada. Es el tema titulado ‘Desde El Comienzo’ el que irónicamente marca el final del repertorio de este excelente disco; también marca el referente de ser el primer tema cantado que aparece en un álbum de PULSÓNICA, tratándose de una versión de la balada originalmente incluida en el álbum de EMERSON, LAKE & PALMER “Trilogy” bajo la autoría del legendario GREG LAKE. En manos del grupo, esta canción se remodela como una bossa nova en clave fusionesca, algo que permite al grupo explorar una dimensión gentilmente lírica; la belleza de las intervenciones de la guitarra es igualada por la del solo de sintetizador final, ejecutado por el maestro Juan “Pollo” Raffo dentro de una equiparación entre el patrón original de Emerson y ciertas cadencias jazzeras que son de su propia cosecha. Todo esto fue lo que se nos brindó en “Eco Infinito” desde los cuarteles de PULSÓNICA, una ya veterana y eternamente refulgente entidad argentina que honra inmensamente la escena jazz-progresiva de su país. Totalmente recomendable. 

 
 

Muestras de “Eco Infinito”.-
Eco Infinito: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/eco-infinito
Danza Estelar: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/danza-estelar
Duwende: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/duwende
En Círculos: https://viajeroinmovilrecords.bandcamp.com/track/en-c-rculos