FALSOS CONEJOS, auténticas aventuras musicales

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy traemos a colación al grupo argentino FALSOS CONEJOS, dedicado a cultivar una línea de trabajo rockera desde la experimentación progresiva psicodélica en base a su potencia inherente como power-trío. Fundado en 2006, FALSOS CONEJOS es el resultado de la asociación del guitarrista Juan K, el baterista Leandro y el bajista Matías, los tres discípulos del compositor guaraní Zofal Onejo… ¡y todos ellos se apellidan Conejo! – bueno, esta biografía “oficial” contiene abundantes cuotas de humor dadaísta. A un año de cumplirse su fundación, FALSOS CONEJOS editó un EP titulado “AntiTango”, y a partir de ahí, fue intensificando sus actividades en los escenarios underground de Buenos Aires, los cuales eran muy dados a incluir elementos multimedia. Siempre proyectándose hacia nuevos horizontes musicales, el trío acaba de editar su primer CD de larga duración “YYY” a través del sello Viajero Inmóvil: se ha tratado de una larga labor de gestación, pues todo el proceso de pre-producción, grabación, mezcla y masterización del repertorio tuvo lugar en la segunda mitad de 2009. Los vuelos instrumentales de la banda se caracterizan por su grácil elasticidad a la hora de realizar variantes en ambientes, compases y dinamismos: la propuesta de FALSOS CONEJOS no presta real atención a lo melódico sino a los desarrollos armónicos, los juegos de contrastes y los matices resultantes de la directa interacción entre guitarra, bajo y batería.

‘Estrobos’ inicia el disco con un controlado ejercicio de psicodelia machacante que se alterna naturalmente con otros pasajes más livianos y sutiles. Esta pieza se engarza seguidamente con ‘Villazon’, un tema ágil y llamativo cuyo primer motivo se instala en un compás funky-rockero, antes de transitar hacia un interludio cósmico casi floydiano; dicho interludio sirve para construir las bases del motivo final, un pequeño jam cálido y efectivo para redondear la idea. ‘La Cubatera’ desarrolla un esquema sonoro fluido y contundente que muy bien podría servir como ejemplo consumado del estilo específico del grupo: texturas potentes, manejo controlado de la polenta rockera en curso y perfecta ilación entre las variantes que van teniendo lugar. Da la impresión de que hay una fuerza incandescente actuando en el sonido pero que nunca se desborda a fin de que el oyente no pierda el enfoque en torno a las atmósferas que se van creando a medida que la pieza avanza. ‘Sobrevuelo’ suena a post-rock rápido, casi como un tema perdido de EXPLOSIONS IN THE SKY replanteado por un combo de músicos de DON CABALLERO y SONIC YOUTH: la ambientación flotante de esta pieza opera como una buena contraparte frente al dinamismo colorido de la anterior. Para el último minuto, el tema vira hacia reposados climas minimalistas, lo cual instala una antesala hacia el prólogo expectante de ‘El Panq’, tema cuyo cuerpo central se sumerge en vibraciones extrovertidas repletas de muscularidad, y como siempre, mostrando la prolijidad de parte de FALSOS CONEJOS en el manejo de las variantes y contrastes que van surgiendo en el camino. El momento del solo de bajo es el centro de un pasaje sobrio que antecede a la dinámica explosión rockera que conforma la breve coda. ‘El K-Co’ también está lleno de vibraciones extrovertidas sabiamente manejadas a través de los contrastes con otros momentos más lánguidos y misteriosos: el gozar de un espacio de 8 ½ minutos para concretizar las ideas permite a la banda capitalizar la dimensión más épica de su sonido con un fragor contundente. Noto ciertos matices crimsonianos de la etapa “Starless & Bible Black”-“Red” en el arrollador crescendo que cierra la pieza. Otro momento álgido del álbum, sin duda, e incluso deja huella porque ‘Atake DC’, la pieza siguiente, arma su propio núcleo sónico en torno a la preservación de la fuerza electrizante que había tenido lugar en ‘El K-Co’, llevándolo a arenas vecinas al propotipo stoner.

 

 ‘Sierra Maestra’ se concentra en la faceta más grisácea del grupo, dando prioridad a los ambientes otoñales en medio de las irrupciones de pasajes poderosos que también tienen lugar. El extenso interludio cósmico porta un aura inquietante muy afín a los pasajes más abstractos del primer GURU GURU. ‘MTPTS’ ocupa los últimos 10 minutos y pico del álbum. con un comienzo expectante semejante al de ‘El Panq’, el tema instala un motivo marcado por las pautas evocativas del post-rock nutridas por intensos colores psicodélicos que ya se definen como recurrentes y necesarios en el cosmos musical de FALSOS CONEJOS. Poco antes de llegar al sexto minuto y cuarto, el ensamble deja de tocar y asistimos a una ambientación de ruidos urbanos (tráfico, un avión surcando el cielo) captados desde el interior de una vieja casa: éste es el preámbulo para una última intromisión del trío, un áspero jam space-rock en clave semi-bluesera captado a través de perspectivas traslúcidas, lo cual le da un aire irreal a la experiencia auditiva. Un final inesperado y a la vez efectivo.

“YYY” es un ítem revelador de las cosas que se vienen cocinando en la vanguardia progresiva presente en el underground argentino: sonidos musculares organizados bajo una lógica de la experimentación y la robustez, esto es lo que nos ofrece FALSOS CONEJOS hecho con su ágil mezcla de fineza y nervio.


Aquí van unos tubitos con material del grupo, con su permanente estética de motivos conejeros.- Estrobos: http://www.youtube.com/watch?v=xd7U1G8EwGE
El K-co: http://www.youtube.com/watch?v=Fnn7Zclc97g
Atake DC: http://www.youtube.com/watch?v=t-HxjEpUxdo

LENIN - a la caza de la buena música

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Hoy nos toca prestar nuestra atención al grupo argentino LENIN, ensamble original de la localidad de Quilmes cuya apertura musical progresiva ecléctica conjuga psicodelia heavy, space-rock, stoner, math-rock y post-rock. A la luz de los excelentes resultados forjados en e l repertorio de este disco debut “Río Hecho Cacería”, editado y distribuido por Viajero Inmóvil, se advierte claramente que la propuesta musical de LENIN goza de una sonoridad compacta y enérgica, amén de una musicalidad ingeniosa: su propósito artístico llegó a muy buen puerto. Una peculiaridad llamativa es que cada uno de los cinco temas de “Río Hecho Cacería” se titula como el preciso segundo en que comienza dentro de la misma secuencia del disco.

‘00.00’ abre el disco al modo de un tour por diversos matices y atmósferas. Comienza con un preludio cósmico que anticipa el despliegue de vigor psicodélico que va a ocurrir pronto durante la instalación del primer motivo principal: la fortaleza del bajo imprime un sello determinante para el desarrollo de este pasaje. Después siguen un breve bosquejo de guitarra acústica, unos golpes espartanos de bajo y un nuevo jam psicodélico que porta menos fuego que el anterior pero que se beneficia de una cadencia rítmica un poco más sofisticada. A continuación sigue una secuencia percusiva que comienza como una transformación con efectos de estudio y termina como un solo de batería, para así anunciar un jam mucho más frenético, el cual culmina con una secuencia envolvente de efectos de grabación. ‘11:26’ plantea desde el comienzo una excursión por terrenos sonoros incandescentes y explosivos, en cierto sentido afines a sus compatriotas de POSEIDÓTICA y FALSOS CONEJOS. Las secciones finales de la pieza giran una dimensión un poco más lírica, para lo cual resulta útil la inclusión de una cita de una pieza de Piazzolla (su archifamoso “Libertango”). Para cuando llega el momento de ‘18:48’, el grupo está preparado para aumentar su ya elevada dosis de extroversión rockera: forjando una estupenda mezcla de crimsonismo, math-rock y stoner, Lenin genera un tremendo clímax en el ecuador del disco que evoca fabulosas imágenes de estruendosas explosiones en un cosmos encendido de calor. El tránsito a ambientes sutiles para la coda hace que la pieza concluya con un aura de reposo, aunque de por sí la vibración psicodélica permanece bastante afilada, especialmente en lo que concierne a las intervenciones superpuestas de la guitarra. 

‘26:60’ tiene una polenta similar sin llegar a igualar del todo la magnífica contundencia expresada en ‘18:48’, pero igualmente reveladora a la hora de manifestar el gusto que tiene la banda por trasladar su inherente poder sónico por senderos musicales sofisticados y cambiantes. Los efectos de sintetizador finales brindan un curioso ornamento cibernético al asunto. El disco concluye con el segundo tema largo, ‘33:09’. A diferencia de la larga pieza de apertura, ésta encapsula una mayor consistencia temática a lo largo de sus diversas secciones. La alternancia entre pasajes extrovertidos e introvertidos está manejada con impoluta fluidez, y el rol predominante de los guitarreos en la mayor parte de los motivos garantiza que el bloque instrumental en pleno explote debidamente su potencial enérgico. La misteriosa sección espacial que se inicia alrededor del cuarto minuto y medio permite a LENIN lidiar con climas psicodélicos sutiles en combinación con ciertas cadencias jazzeras. Poco antes de los 8 ¾ minutos, se empieza a elaborar el retorno a los masivos sonidos rockeros (entre floydianos y crimsonianos), abriéndose así la puerta hacia el armado de un clímax arrollador.

LENIN evidencia con su disco debut que a despecho de su juventud cronológica ya cuenta con un estilo bien definido y sólidamente curtido dentro de la actual escena progresiva argentina, la misma que se está haciendo cada vez más diversa y prolífica. Para sustentar más fehacientemente lo que se ha dicho aquí sobre LENIN, aquí pasamos enlaces de audio para dos de sus temas.-
11:26 – http://www.myspace.com/soundlenin/music/songs/11-26-70493694
18:48 – http://www.myspace.com/soundlenin/music/songs/18-48-70495190

Surcando los cielos del post-rock con AUTUMN MOONLIGHT

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En esta ocasión nos toca hablar de AUTUMN MOONLIGHT, un dúo argentino dedicado a esto del post-rock con genuina devoción y de manera disciplinada que ha venido llamando la atención de loa seguidores de este género a través de Internet desde al año pasado con una primera versión de su disco debut “The Sky Over Your Shoulders”: ahora en 2010 el disco se ha beneficiado de nuevas labores de regrabación y post-producción para su edición “formal” a través de Viajero Inmóvil, convirtiéndose así en una de las novedades más sobresalientes de la vanguardia argentina. Recibiendo influencias de MOGWAI, SIGUR ROS, GOD IS AN ASTRONAUT, MOONCAKE y DO MAKE SAY THINK, este dúo de Alejandro Tomás Barrionuevo y Mario Spadafora elabora una propuesta musical delicada, al modo de una artesanía que se regodea en sus atmósferas estilizadas y las arropa con texturas cuasi-sinfónicas. El sonido plasmado en el repertorio de este disco sobrepasa largamente a las limitaciones logísticas que a priori encierran a un mero dúo: el caso es que Alejandro y Mario se valen de diversos recursos tecnológicos para completar la estructura rítmica y desarrollar todo el ensamblaje instrumental que va más allá de los aportes de las guitarras y el bajo (piano, sintetizadores, batería, orquesta).

El tema homónimo abre el disco con un despliegue de prístina luminosidad: el manejo de las sencillas progresiones de acordes de guitarra y la controlada agilidad de la dupla rítmica permite que el vuelo instrumental en curso transmita un bien definido aire de optimismo. El ruido evocativo de las olas del mar engarza el cierre de esta pieza con el arribo de la siguiente, ‘Dawn Of Atlantis’, cuyo compás recurrente es 7/8: suaves acordes de piano genera una sensación poética que pronto es retomada por una instrumentación más completa de guitarra, piano, bajo y batería. Si bien el desarrollo sónico sigue bien enmarcado en el post-rock melódico, también se puede advertir una oportuna presencia de texturas sinfónicas que brindan una calidez peculiar a este tema. Acto seguido, el motivo inicial de ‘Letters To God’ se hace eco del marcado lirismo vertido en el tema precedente y lo ahonda por vía de acentuaciones épicas que se hacen, curiosamente, cercanas al modelo de una balada power en un disco de metal progresivo. Una vez instalado el cuerpo central, la sonoridad básica pasa a un nivel más reposado, aprovechando cabalmente el carácter ceremonioso del compás de 3/4 en curso: cuando suceden ocasionales subidas de intensidad, se trata de cuestiones más directamente relacionadas con el colorido que con el ímpetu rockero. Paulatinamente, la atmósfera contemplativa se apodera de todo el aire. ‘T.O.R.’ comienza con suaves pasajes de piano que anuncian poco a poco la emergencia de traviesas pulsaciones de guitarra acústica y bajo desde el trasfondo y de sublimes arreglos orquestales que se van apoderando de los cimientos. Una vez afirmada la dupla rítmica, el encuadre orquestal se expande sólidamente mientras un cálido solo de guitarra va trazando sutiles vuelos de intensidad controlada.

‘The Outsider’ porta una aureola extrovertida que inesperadamente se muestra primeramente en clave prog-metal; a medida que la pieza se va desarrollando, nos encontramos con que el grupo está enfilado hacia un híbrido entre prog-metal melódico y post-rock salpicado de psicodelia espacial. ‘Lost Paradise’ vira hacia lo introspectivo aunque sin hacerse para nada lánguido: hay una fuerza exquisita y explícita tanto en la inteligente armazón compositiva de esta pieza como en el modo en que se ejecutaron las ideas, se nota una emotividad a flor de piel. De este modo, el terreno está preparado para que el tema homónimo se acople decididamente bajo el estándar post-rock: una pieza muy aplicada, en verdad. Los últimos casi 5 minutos del disco están ocupados por ‘Autumn Moonlight Part II’, tema que retoma los aires ensimismados que se hicieron presentes en los pasajes más introspectivos del repertorio precedente, para a partir de allí elaborar un crescendo que gesta el arribo de un clímax épico, antes de desembocar finalmente en suaves fraseos mínimos a cargo de la dupla de piano y bajo. Así concluye “The Sky Over Your Shoulders”, descendiendo hacia una calma espiritual que corona coherentemente el desarrollo de la propuesta sonora enarbolada por el grupo – AUTUMN MOONLIGHT confirma así su posición como un referente sólido del post-rock desde allende las áreas musicales europea y norteamericana.

Aquí hay algunos enlaces de muestra de AUTUMN MOONLIGHT.-
Dawn Of Atlantis: http://www.youtube.com/watch?v=8EQLflEhijQ
T.O.R.: http://www.youtube.com/watch?v=QwswPunWcS4

ASÍ SON LAS COSAS... en la vanguardia rockera argentina de nuestros días

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En esta ocasión se trae a colación a un grupo de rock argentino que se escuda bajo el estrambótico y a la vez simplista nombre de… LAS COSAS. Efectivamente, LAS COSAS es un referente actual bastante importante para la escena rockera vanguardista que se está desarrollando en el underground de Buenos Aires, y ya tiene en su CV un EP homónimo y un CD titulado “Solarística”. Imaginamos que hay ironía en la definición del grupo que aparece en su blog de Myspace (http://www.myspace.com/lascosaspriusdiscos) – Southern rock: la propuesta de LAS COSAS se enfila hacia desarrollos sonoros más aventurados y polivalentes que eso.

Si bien el germen de LAS COSAS se remonta hasta el año 2001, recién en 2006 es que se da una formación estable (PabloYedro al bajo, Blas Finger a la batería, Pablito Acosta y Pablo Gallardo a las guitarras) y un nombre definitivo al grupo. Al año siguiente, LAS COSAS entró a los estudios para registrar su primera obra fonográfica, la que finalmente se tradujo en el EP homónimo. ‘El Sonido’ inaugura el testimonio sónico de este EP con un muscular despliegue de psicodelia heavy que hereda bastante de HENDRIX y GURU GURU: la lenta cadencia de la pieza sirve para realzar su aura de misterio así como para articular un sólido contraste con la sesión más frenética que emerge a medio camino, haciendo que el cuarteto se reoriente hacia un esquema post-rock a lo EXPLOSIONS IN THE SKY. Muy buena entrada, en verdad. ‘Barracas’ tiene menor polenta, sonando afín a la faceta más serena de unos DON CABALLERO: la simpleza inherente a la recurrencia del cuerpo central es manejada con soltura y equilibrio. Luego sigue el tema tripartito ‘Autopista’, cuya primera sección ‘Piloto’ ofrece una ágil confluencia de psicodelia cuasi-math y krautrock a lo NEU!; la segunda sección ‘Pasando’ vira hacia una cadencia semi-crimsoniana cuyo gancho hace lamentar que no dure más que 1 ½ minuto; la sección conclusiva, ‘Finale’, es un ingenioso cover del clásico kraftwerkiano ‘Autobahn’ en clave no-wave. ‘Manual S.50 ms’ es un interludio abstracto que suena como una vieja partitura abandonada del dúo ENO & FRIPP trastocado por un combo de un guitarrista de SONIC YOUTH y otro de RADIOHEAD. ‘Beleu Sile’ cierra el disco comenzando con el mayor despliegue de extroversión rockera de todo el disco, una exploración en riffs y atmósferas psicodélicamente incendiarias; a mitad de camino, el giro hacia un motivo más constreñido permite al grupo renovar la atmósfera general con aires más envolventes. Personalmente, me parece que la pieza se pudo redondear mejor con una retoma final del fuego inicial, pero con todo, esto es lo que hay y está bien hecho tal como quedó. LAS COSAS debutó con pie derecho al lanzar este EP.

Pero como nada es para siempre, el grupo tuvo que experimentar una modificación importante con la salida de Pablito Acosta. Por un tiempo entró Ariel Isaharoff, pero hoy por hoy LAS COSAS opera como un trío. Así es como llega al mundo en 2010 el CD “Solarística”. Con este ítem, LAS COSAS asciende hacia otro nivel concretizando en este nuevo disco un repaso por varias fuentes de inspiración: space-rock, moderadas dosis de math-rock y crimsonismo respectivamente, krautrock (mucho krautrock), noise-rock, vanguardia pop 80era. En general, cabe agradecer que los arreglos y esquemas sonoros perpetrados por el grupo sea más prolijo: el lenguaje de la banda se ha intensificado a contrapelo de la reducción aritmética de su personal. 

‘Neurolab’ ofrece un sintético preludio cibernético a la experiencia integral del disco, que con los ambientes funky-rockeros de ‘Boitevique’ da sus primeros indicios de energía totalizante. Cuando poco antes del segundo minuto el compás se intensifica, el esquema sonoro se sumerge en una ágil envoltura space-rock que promueve un clímax llamativo. ‘Camun’ ofrece un ejercicio de psicodelia moderadamente heavy sazonada con ciertas cadencias a lo KING CRIMSON 80ero: siendo la única pieza con intervenciones vocales del disco, dichas intervenciones están arregladas con efectos de estudio que las hacen sonar casi robóticas. ‘Base & Cumbre’ ofrece un inteligente híbrido de SONIC YOUTH y NEU! – en el momento que entran a tallar los ornamentos de sintetizador, el factor cósmico entra para quedarse y aportar matices casi hipnóticos a un tema que en sí mismo es marchoso. La conexión con la vanguardia krautrock se completa si consideramos que se trata de un cover razonablemente ortodoxo de ‘Base & Apex’, pieza incluida en el segundo disco de la asociación de CLUSTER y BRIAN ENO. ‘Monotemático’ perpetúa el elemento NEU! en simultáneo con el elemento space-rock con un vigor patente (que no exaltado) que hace al grupo asemejarse a un EXPLOSIONS IN THE SKY tras una sesión de anfetaminas. A pesar de lo notorio que es el motivo central en su recurrencia, la pieza no resulta para nada cansina ni monótona, e incluso podría decirse que el fade-out llega demasiado pronto. ‘Agri’ es el interludio cósmico ejecutado que anticipa el vuelo lisérgico y casi lánguido de ‘Stalker’: una pieza muy a lo CAN en su esencia nuclear, también revela matices industriales que evocan al post-punk y al tecno-pop primigenios que se gestaban en las escenas británicas y continental de los primeros 80s. Como si este despliegue de arte tecnológico fuese una catapulta, ‘Una Serie De Eventos Inconexos’ impulsa una secuencia de ejercicios sonoros cibernéticos que tienen mucho que ver con el legado del krautrock sintético en su aproximación a la academia de música electrónica. ‘CTA (Surplus Arbeitzeit)’ articula una arquitectura más definida y deja que la guitarra entre para llenar espacios, pero lo cibernético sigue siendo indudablemente el elemento motivador para el ensamble global. ‘Nacimiento Y Muerte Del Alien’ ocupa los casi 8 minutos finales del disco: la cuestión cibernética se expresa con mayor intensidad merced al espacio tan privilegiado con el que cuenta, expansión de la abstracción en su máxima expresión. Esta secuencia de los temas 6-10 es el vivo manifiesto de las ganas de LAS COSAS de expandir su paleta sonora de forma netamente radical.

“Solarística” no es un disco muy extenso, dura alrededor de 35 minutos, pero ciertamente encapsula un excitante derroche de ingenio experimental que siempre es bienvenido por los amantes del rock hecho aventura y exploración: LAS COSAS es un nombre a tener en cuenta a la hora de observar y apreciar la vanguardia contemporánea argentina. ¡Así están las cosas!

Muestras de LAS COSAS.-
El Sonido: http://www.myspace.com/music/7372368/songs/10231142
Boitevike: http://www.myspace.com/music/7372368/songs/59844162
Stalker: http://www.myspace.com/music/7372368/songs/42637569

Los arcanos del zeuhl se renuevan con NEOM

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En esta ocasión volteamos nuestros ojos a Francia y concentramos nuestros oídos a la movida zeuhl que se viene reinventando en manos de grupos jóvenes que tienen en MAGMA y otros campeones del género sus modelos para impulsar su propia creatividad musical. NEOM es, junto a SETNA, XING SA y otras cuantas bandas, un referente importante dentro de la regeneración francófona de la vanguardia progresiva: el guitarrista de NEOM incluso ha colaborado con el canto para el disco de XING SA “Création De L’Universe”. El disco debut de NEOM, “Arkana Temporis”, fue editado en 2009 y ha recibido buena cantidad de elogios en Internet. Aquí no seremos la excepción.

“Arkana Temporis” es un disco conceptual que gira en torno al vínculo entre el Hombre y la Tierra: contiene un Acto en 4 partes y la primera parte de otro Acto. El sonido nuclear de la banda se inspira bastante en la faceta más jazzera de MAGMA, sobre todo en las aventuras jazz-rockeras de Christian Vander, así como en ESKATON y el ZAO de los primeros discos: el aporte específico de NEOM es la fuerte presencia de atmósferas etéreas que el grupo brinda a sus intensos vuelos instrumentales. El desafío es el de mantener niveles interesantes de musicalidad e intensidad valiéndose de un esquema sonoro no excesivamente prolijo: bastan una batería, un bajo, una guitarra y un piano eléctrico. ‘Act I – Part 1’ comienza con dos minutos y medio de climas flotantes expectantes, para terminar proyectándose hacia el cuerpo central, muy centrado en la línea jazz-fusión 70era. A pesar de que la pauta rítmica es solo moderadamente rápida, el dinamismo del ensamble se muestra en toda su plenitud, haciendo alarde de visión arquitectónica y vigor entusiasta en dosis equilibradas. Hay una sensación de clímax sostenido que funciona fluidamente hasta el minuto 7, que es cuando el grupo vira hacia un puente controladamente tenso que conduce a otro motivo de fuerte raíz jazzera, el cual incluye mayores recursos líricos en su desarrollo hasta el final. Sigue la ‘Parte 2’, que mayormente consiste en una refinada y suave excursión intimista a cargo del piano eléctrico: opera como un puente hacia la ‘Parte 3’, que promete desarrollar un viaje más fastuoso. En efecto, desde los primeros segundos la ‘Parte 3’ instala un pathos de frenesí y extroversión bien ubicado dentro de un esquema de trabajo patentemente elegante. Poco antes del cuarto minuto y medio, el tema gira hacia un pasaje de relajamiento contemplativo; las líneas etéreas trazadas por el piano eléctrico y el candor ceremonioso de las intervenciones vocales marcan la pauta en un momento que exige altos niveles de constricción de parte del ensamble. Poco antes del minutos 13 ½, el asunto se encauza hacia una conclusión semi-explosiva, lo suficientemente enérgica como para crear una aureola de plenitud pero sin exagerar hasta niveles hiperbólicos, a fin de que la transición hacia la última Parte del ‘Acto I’ sea absolutamente natural. ‘Act I – Part 4’ comienza con una monotonía sobria y minimalista que dura poco más de 4 minutos y medio. A partir de ahí, se inicia gradualmente un camino hacia un recurso de densidad que permite a la banda explorar las potencialidades más filudas de su esquema sonoro sin romper esencialmente con las pautas generales de su peculiar zeuhl renovado. En los ¾ de minuto finales, el grupo elabora un reprise de la cadencia inicial.

Los últimos 12 minutos y medio del disco están ocupados por la Parte 1 del Acto II. Una vez más, tenemos una estrategia de inicio con un suave pasaje de piano eléctrico que se explaya en serenos climas introspectivos a modo de expectativa. Alrededor del segundo minuto y medio se va gestando una expansión jazz-rockera que hereda mucho del patrón de ZAO: la dupla rítmica establece un fundamento sólido mientras que la guitarra elabora trazos impresionistas convenientemente dibujados con una dosis controlada de vigor sónico. Poco a poco, se prepara el terreno para una sección más agresiva donde la guitarra va afilando su neurosis rockera y los demás instrumentos empiezan a coquetear con el free-jazz. Así, con esta sensación de plenitud incendiaria se cierra la experiencia musical de “Arkana Temporis”.

NEOM es un ítem muy interesante que ciertamente se proyecta hacia un revelador horizonte de creatividad en los próximos discos que le depare el futuro. Terminamos esta reseña con algunos archivos para disfrutar de la propuesta artística de esta banda: http://www.myspace.com/music/neom-4920086/songs/arkana-temporis-acte-1extrait-40820573 +
http://www.myspace.com/music/neom-4920086/songs/arkana-temporis-extrait-acte-2-part-1-40823302

LIIR BU FER y su nave musical "3juno"

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¡Más buena música vanguardista desde Italia! En esta ocasión toca el turno del trío de música electrónica experimental LIIR BU FER, conformado por Nicola De Bortolli Nicola De Bortoli (sintetizador, efectos, woofer, kalimba, recursos visuales), Andrea Tumicelli (guitarras, kalimba, artefactos, efectos) y Marco Tuppo (guitarra E-bow, sintetizadores, secuenciador, flauta, piano, armónica, efectos vocales, recursos visuales). “3juno” es el nombre del disco debut que el grupo acaba de lanzar al mercado por vía de Lizard Records. Cada uno de los componentes de esta tríada cuenta con amplia experiencia en la escena de avanzada y forma parte de otros ensambles experimentales: LIIR BU FER es la encarnación de la oportunidad de fusionar sus respectivas visiones sonoras inspiradas en el krautrock primigenio de base sintética (p.e. KLUSTER), el ambient minimalista, el post-rock atmosférico de unos TORTOISE y la herencia directa de la Elektronische Musik.

‘Ginza’ abre el disco con una atmósfera cósmica sazonada de anuncios radiales y efectos percusivos vocales, un preludio llamativo que abre el camino para el explayamiento de climas abstractos que tiene lugar en ‘1994’, donde el uso de ornamentos cibernéticos y voces grabadas se conjuga naturalmente con capas de sintetizador y cadencias de kalimba. ‘Hiver’ desarrolla un lirismo tan inquietante como místico, arropado bajo capas sónicas que acentúan la potencialidad industrial inherente a la propuesta sonora de Liir Bu Fer: hay misterio tenebroso en esta pieza, sí, pero también convive con él un cierto aire de paz contemplativa. Para ‘Red Submarine’, LBF cuenta con un invitado de lujo: Claudio Milano, de NICHELODEON: ‘Red Submarine’ tiene una atmósfera opresiva y desencajada, con un Milano que se multiplica en susurros, cantos ceremoniosos, recitaciones irónicas y falsetes espectrales. ‘Maestrale’ se sumerge en etéreos aires introspectivos durante los primeros 3 minutos, interrumpidos por un interludio de conversaciones que anticipa el surgimiento de una sección trip que promete un viaje hacia un lugar más ampliamente extrovertido. Pero no… el último minuto y cuarto se basa en un reprise del motivo inicial. ‘Esperanto’ es un breve interludio marcado por altas vibraciones cibernéticas que convenientemente anuncia los contemplativos climas industriales de ‘Es’, los mismos que casi suenan a banda sonora del clásico lynchiano “Eraserhead”: los aportes vocales de la invitada Antonella Bertini manifiestan arrebatos de inescrutable desasosiego, una contraparte de pulsaciones humanas en medio de la parafernalia dadaísta electromagnética del trío.

‘Mikumi’ guarda una confluencia entre el lirismo etéreo del motivo central de ‘Maestrale’ y el industrialismo incombustiblemente abstracto de ‘Es’, mientras que ‘Lay-p’ acoge abiertamente el aspecto industrial y le proporciona una aureola grisácea que resulta un tanto atemorizante. La ocasional aparición de voces humanas, más que aportar una cierta calidez, parece enfatizar el carácter absorbente de los climas electrónicos en curso. ‘Room /10’ preserva este vigor cibernético por un par de minutos, sirviendo como antesala a un viaje musical totalmente distinto, ‘Obliquizione’, cuya atmósfera ceremoniosa emerge como una niebla envolvente de invocaciones: la presencia de elementos líricos marcados por los acordes de piano y la parafernalia de capas de sintetizador instala un momento de otoñal luminosidad en medio de las abstracciones que siguen inundando el ambiente. La pieza homónima cierra el disco, recapitulando masivamente los ambientes industriales inmersos en un esquema cercano al post-rock en torno a la base electrónica que el trío ha venido ostentando de principio a fin.

Como balance general, LIIR BU FER merece elogios por brindar una propuesta consistente y versátil dentro de los áridos terrenos de la experimentación electrónica: “3juno” es un sólido testimonio de ello. Muestras de su propuesta se pueden escuchar en los siguientes enlaces.-
1994: http://www.myspace.com/music/liir-bu-fer-debut-album-out-now-23311335/songs/1944-62611424
Obliquizione: http://www.myspace.com/music/liir-bu-fer-debut-album-out-now-23311335/songs/obliquizione-61786768

NICHELODEON - el juego de la música y los silencios

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En esta ocasión seguimos la pista al ensamble RIO contemporáneo NICHELODEON, un ensamble aventurero italiano liderado por el cantante/letrista Claudio Milano desde su fundación en 2007. Asumiendo la misión artística de aportar un vigor moderno a las herencias musicales de OPUS AVANTRA, ART BEARS, AREA y TORTOISE, este grupo ya lleva algunos años creándose un sitio y reforzándolo dentro de la escena vanguardista de su país. Tras un disco en vivo titulado “Cinemanemico” que data del año 2008, ahora en la segunda mitad de 2010 nos trae “Il Gioco Del Silenzio”, su primera obra de estudio. Siendo así que el ensamble instrumental que acompaña a Milano está conformado por seis músicos que se hacen cargo del piano, sintetizadores, vientos, viola eléctrica, guitarras, bajo, contrabajo, percusiones, otros implementos varios, y que además hay colaboradores a cargo de voces e instrumentos adicionales, se intuye largamente que el bloque sonoro es muy prolijo y ambicioso. El piano y los vientos suelen ser las herramientas sónicas más gravitantes en los esquemas instrumentales establecidos para cada pieza del repertorio, mientras que el sintetizador y la guitarra habitualmente juegan el rol de abrir las vías para mil y un bizarros ornamentos. ¿Datos más específicos? Francesco Chiapperini a los saxofones alto y soprano, EWI, clarinete y flauta, Andrea Illuminati al piano, melódica y bombarda, Andrea Murada a las percusiones, didgeridoo, flauta y efectos de sonido, Max Pierini al contrabajo eléctirco y la ocarina, Luca Pissavini a la viola eléctrica, sintetizador, Theremin, percusiones de juguete y efectos de sonido, y Lorenzo Sempio a la guitarar eléctrica, guitarra barítono y guitarra-sintetizador. 

El disco incluye versiones nuevas de temas que ya habían aparecido previamente en “Cinemanemico”. ‘Fame’ abre el disco con un fulgor penetrante y una actitud osada que resulta cautivadora. Por su parte, ‘Malamore E La Luna’ desarrolla un énfasis del factor tremendamente evocativo original a través de un viaje instrumental extenso que conforma una atmósfera inquieta y mística a la vez, sazonada con ciertas cadencias free-jazz en la sección rítmica: la sórdida exuberancia producida en esta pieza es inapelable. ‘Amanti In Guerra’, que sigue a continuación, se arma a partir del impulso generado por la pieza precedente para el destaque de su talante grisáceamente tenso. Esta dupla de temas conforma un pico exultante e incendiario dentro del repertorio, el cual de por sí es brillante de forma integral.

Después de ‘Fame’ sigue ‘Fiabe’, cuyo lirismo se explaya por caminos retorcidos donde la calma exterior parece en realidad la manifestación de una desesperación exquisita y solemne. De hecho, el último estribillo y la coda subsiguiente encarnan una controlada explosión de esta desesperación hasta casi convertirla en una tristeza inescrutable. ‘Claustrofilia’ porta una energía más robusta, apoyada en un ambiente de patente oscuridad. Los aires tangueros-cabareteros que conforman buena parte de las secciones cantadas del ya mencionado ‘Malamore E La Luna’ establecen un contraste de colorido. Cuando llegamos a ‘Ombre Cinesi’, nos topamos con una alucinante confluencia de ímpetu y abstracción que tiene mucho de homenaje al AREA más inclinado hacia el terreno de la musique concrete: en general, es una celebración del libre flujo de ideas en la exposición de caos musical orientado hacia la perturbación. ‘Apnea’ porta una aureola colorida donde se alternan coquetas cadencias de tango argentino con vuelos vanguardistas muy afines a las alucinaciones free-form expuestas en el tema anterior. ‘Il Giardino Degli Altri’ tiene un aire de expectativa que a veces llega a niveles moderadamente tétricos: las percusiones y los adornos de sintetizador son los elementos centrales para armar la atmósfera instrumental general. También hay un breve interludio bastante lírico que ofrece un poco de rara calma en medio de la tensión prevalente. El track no. 9 es un tema escondido que trabaja una breve aventura fusionesca con un patente aire festivo; de este modo, se abre la puerta a las densas exploraciones desencajadas de ‘Se’, una pieza que se vale muy bien de la faceta oscura del free-form. ‘Lana Di Vetro’ baja bastante los decibeles de ímpetu: con la inclusión de pasajes jazzeros, rockeros y folclóricos, se hace cálido y juguetón en su mayor parte, aunque persistiendo sólidamente en las lógicas de la disonancia y la extrema libertad que Nichelodeon acoge como su raison d’etre. El clímax final es bastante efectivo. ‘Ciò Che Rimane’ ocupa los casi últimos 9 minutos del disco: empieza con un sobrio diálogo entre piano y guitarra para luego explayarse en un vuelo extrovertido cautivante e intrigante; poco antes del minuto 5 se empieza a armar un pasaje relajado que en realidad es la antesala a un paraje de tensión que llega a estallar explosivamente en ciertos momentos calculados; la sección final se centra en sobrios aromas exóticos marcados por la percusión, el piano y el saxo soprano.

 

Tenemos así un estupendo disco que aporta frescura total y elegancia particular al amplio espectro de la vanguardia musical de nuestros días. Además de este disco, NICHELODEON también ha lanzado este año un DVD titulado “Donde Sta Annie?”, donde el grupo toca varias piezas de este disco que acabamos de reseñas y, además, hace algunas reconstrucciones de temas basados en la banda sonora de la serie televisiva “Twin Peaks” por motivo de su 20mo aniversario. Ni el CD ni el DVD tienen pierde alguno – este grupo es una referencia fundamental para comprender la experimentación progresiva que tiene lugar hoy en día en Italia.

Algunas muestras de NICHELODEON.-
Apnea: http://www.youtube.com/watch?v=qcDrHl27v10
Ombre Cinesi: http://www.youtube.com/watch?v=VFQ0N5PNMSY
Ciò Che Rimane: http://www.youtube.com/watch?v=QdgZPhECtoU

COSA BRAVA - el nuevo atlas del RIO

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traigo a colación al grupo británico-estadounidense COSA BRAVA, que no es sino un ensamble que simultáneamente encarna la gloria legendaria y el brillo contemporáneo de la vanguardia progresiva. En efecto, esta "cosa brava" es el resultado de los deseos del guitarrista-bajista Fred Frith (figura de HENRY COW y ART BEARS, entre otros) de volver a comprometerse con el lenguaje rockero desde sus propias inquietudes heterodoxas, quien en marzo de 2008 congregó en torno suyo a talentos más jóvenes provenientes de SLEEPYITME GORILLA MUSEUM (Carla Kihlstedt al violín, nyckelharpa y armónica baja, Matthias Bossi a la batería y percusión) y SKELETON CREW (Zeena Parkins a los teclados, acordeón y percusión), añadiendose The Norman Conquest en el rol de las manipulaciones sónicas. Entonces, ¿qué tenemos aquí?, ¿una mezcla de HENRY COW y SGM? No exactamente, sino más bien un ágil híbrido de free-jazz, academia concreta, World Music y fusión dentro de un empaque progresivo experimental – o sea, COSA BRAVA desarrolla un sendero renovado dentro de las pautas de osada imprevisibilidad propias del RIO. “Ragged Atlas” es el disco debut del grupo: grabado a fines de 2008, recién a mediados de 2010 pudo concretarse como ítem físico en el mercado fonográfico.

 

‘Snake Eating Its Tail’ abre el disco a punta de agilidad matemática grácilmente cubierta por una arquitectura de contrapuntos entre la dupla de violín-guitarra y los recursos percusivos (en un tenor muy cercano a SAMLA MAMMAS MANNA y VON ZAMLA), mientras que los efectos sintetizados van fluyendo traviesamente. ‘Round Dance’ voltea las cosas hacia colores célticos armados con mucha calidez y un sutil manejo de arreglos fusionescos. ‘Pour Albert’ está dedicado a Albert Marcoeur, compositor y multi-instrumentista vanguardista que es uno de los ídolos de Frith: esta pieza es calmada y traviesa a la vez, con un Frith que canta casi como narrando. ‘R. D. Burman’ es una pieza más explícitamente ágil: puro RIO melódico sazonado ampliamente con colores exóticos indios en clave World Music. Las percusiones de la invitada Amantha Krishnan aportan mucho a la atmósfera global de esta pieza. ‘Falling Up (for Amanda)’ tiene unos aires jazzeros muy focalizados en un esquema compositivo manejado con delicada sobriedad mientras que preserva un amable swing bailable: jazz-prog suave y bailable con letras dadaístas, vaya usted a saber cómo una idea aparentemente tan simplona puede impulsar una labor de composición tan ingeniosa. ‘Out on the Town with Rusty, 1967’ retoma las alusiones célticas del segundo tema y las dota de mayores dosis de vitaminas rockeras dentro del consabido esquema RIO. Por su parte, ‘Lucky Thirteen’ desarrolla climas grisáceos, inmersos en un espíritu de inquietante misterio: los fraseos blueseros con los que Frith informa a su guitarra ofrecen un hermoso viaje a sus años de iniciación en el rock. El aura contemplativa persiste en ‘Blimey, Einstein’, esta vez bajo un revestimiento de chamber-rock empapado de aromas klezmer. ‘The New World’ es menos denso pero mantiene esa cualidad de calidez acústica, oportuna en esta ocasión para completar la convergencia de ambientes célticos y mediterráneos en la orientación bucólica de la composición. ‘Tall Story’ parece inicialmente que va a reiterar el tenor general de la pieza inmediatamente precedente, pero pronto se revela como un ejercicio de RIO festivo que establece un intermedio entre VON ZAMLA, AKSAK MABOUL y el HENRY COW de “Western Culture”.

‘For Tom Zé’ es otro tema inspirado en un relevante personaje del arte musical, esta vez al pionero de la vanguardia fusionesca brasileña Tom Zé. Esta pieza porta una cadencia Latin-jazz bastante oportuna para el caso, desarrollando un esquema sonoro sobrio donde primero las estilizadas florituras del violín se resaltan sin disimulo, y más tarde emerge la magia de la bossa nova motivada por el ingreso de la guitarra acústica: entre los bizarros adornos de guitarra eléctrica y la labor del percusionista se crea un calculado contraste entre calidez y gallardía dentro del marco general de la pieza. ‘A Song About Love’ es realmente un tema dulce y evocativo, no exento de quiebres armónicos ni juegos de disonancias, pero realmente se trata de la pieza más lírica del disco y una de las piezas más líricas que se hayan plasmado jamás en un disco de rock in opposition: tiene algo del factor más marcadamente académico del último HENRY COW así como también algo de las atmósferas más relajadas de un TOSCA TANGO ORCHESTRA. ‘Market Day’, tema cantado por Fred y Carla, culmina el disco continuando por la senda marcadamente evocativa del tema precedente, apelando a climas contenidos y coloridos sutiles que establecen paralelos con el último MAUDLIN OF THE WELL, por ejemplo. Cuando irrumpen algunas ocasionales variantes dadaístas, nos acordamos vívidamente del filo experimental sobre el cual oscila la visión musical de COSA BRAVA.

En fin, “Ragged Atlas” es un testimonio concluyente de que todavía hay un universo infinito de potencialidades a desarrollar y desplegar dentro de la arena de la vanguardia progresiva: este encuentro de veteranos y semi-veteranos congregado bajo el nombre de COSA BRAVA es una prueba vital de ello. ¿Más pruebas? Aquí hay algunos archivos de Youtube como evidencias concretas de la genialidad colectiva de COSA BRAVA: http://www.youtube.com/watch?v=2rWrhZvHayw + http://www.youtube.com/watch?v=2mirDkTNN78 + http://www.youtube.com/watch?v=U2ICTTLpygw

RELOCATOR - poder progresivo renovado desde Alemania

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión traigo a colación al grupo alemán RELOCATOR, que es el proyecto alemán de jazz-prog metal iniciado por el guitarrista Stefan Artwin y el bajista Michael Pruchnicki a inicios del milenio, con miras a crear una propuesta progresiva con aires patentemente modernos. Mucha agua ha corrido bajo el puente desde entonces, incluyendo crisis graves en formaciones iniciales de la banda; ahora, con un baterista holandés y un violinista a bordo como miembros recién ingresados, más la colaboración especial de Derek Sherinian (sí, el mismo que lidera simultáneamente su trayectoria solista y al proyecto PLANET X además de ser parte de la historia de DREAM THEATER), Relocator ha logrado plasmar físicamente su repertorio en este disco debut homónimo. Las influencias de LIQUID TENSION EXPERIMENT, CAB, PLANET X X y TRIBAL TECH son las que más salen a tallar a la hora de forjar la arquitectura sonora característica de la banda. El proceso fue muy arduo, con un proceso de arreglos finales y grabación que comenzó a fines de 2008 y terminó a fines de 2009, para luego poder concretar el lanzamiento a inicios del presente año 2010.

Los primeros 6 minutos y cuarto del disco están ocupados por ‘Red Vibes’, pieza que comienza de frente con el riff inicial, para seguir aferrándose a su vigoroso gancho rockero no ajeno a variaciones de matiz y ambiente dentro de una esquema melódico particularmente sencillo. Con el segundo tema, ‘Biosphere’, nos topamos con un swing típicamente perfilado bajo el modelo del PLANET X de los primeros discos: sin establecer muchas diferencias con el tema de entrada, sí se hace notar la relevante presencia de una cadencia jazzera dentro del viaje instrumental que tiene lugar. El tercer tema se llama igual que el grupo (y que el disco), y bien puede describirse como un tributo a TRIBAL TECH mezclado con un homenaje a CAB: básicamente, esta pieza retoma la exploración del gancho directo que ya había funcionado en el tema de entrada. Por otro lado, el quiebre en 5/4 que surge segundos antes del segundo minuto permite a la banda desarrollar un interesante interludio que aporta una interesante variación progresiva al asunto. ‘Aavishkar’ hace honor a su nombre exótico y se explaya en sonoridades arábigas oportunamente sazonadas con climas sinfónicos que la banda hace que se asienten muy bien dentro del esquema de trabajo habitual; eso sí, se nota un realce del elemento jazzero que de hecho obedece a la necesidad de enfatizar el momento fusionesco reclamado por el desarrollo compositivo de la pieza. Artwin da rienda suelta a las influencias de Holdsworth, MacAlpine y Satriani en los numerosos solos que se despacha a lo largo del extenso cuerpo central de la pieza.

Llegamos ahora a ‘13 Reasons’ y ‘Urban Blue’, piezas que prosiguen concienzudamente por los senderos musicales pavimentados por los tres primeros temas, incluso reforzando los aires prog-metal en varios momentos: cabe indicar las alusiones no demasiado veladas a LTE en algunos breves pasajes de ‘13 Reasons’. Puede dar la sensación en este momento del disco que RELOCATOR ha terminado complaciéndose en rizar sus propios rizos, pero más bien el grupo ha estado guardándose sus mejores cartas para la pieza épica que ocupa los últimos 11 minutos y medio, ‘The Alchemist’. Comenzando con una introducción cósmicamente calmada elaborada por el trío de bajo, guitarra y sintetizador, pronto pasamos a una aguerrida atmósfera prog metalera en clave semi-lenta que permite crear una atmósfera de pesadez ceremoniosa. Poco a poco, las cosas se van haciendo más intensas, dando pie a que Sherinian desarrolle sus solos más impresionantes dentro del disco. Poco antes del cuarto minuto y medio, el asunto pasa a matices más cálidos, lo cual es conveniente para que el violín se haga notar desde el momento de su esperado reingreso: se trata de un momento netamente sinfónico, bien definido y evocativo. Cuando las vibraciones prog-metaleras vuelven a inundar la escena, el cuadro épico se termina de asentar con un aire de innegable magnificencia, siendo así que los últimos pasajes suponen un regreso a la aureola ceremoniosa que había marcado los primeros 2 minutos y medio de la pieza. Un buen disco es “Relocator”, y RELOCATOR es una buena banda de por sí, no demasiado original en su manera de enmarcarse dentro de las pautas estandarizadas del jazz-rock metalero que se ha venido definiendo desde mediados de los 90s, pero es fácil augurar que el talento y entusiasmo del grupo le permitirá desarrollar su voz propia con siguientes composiciones y grabaciones.

Cerramos esta reseña con estas muestras seleccionadas del disco de RELOCATOR:
Biosphere: http://www.youtube.com/watch?v=Zyx-ZqniZmE
Aavishkar: http://www.youtube.com/watch?v=FzE77kNV8lw

ALEJANDRO MATOS, un freak progresivo desde Argentina

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión es el turno del joven y talentoso guitarrista/multi-instrumentista argentino ALEJANDRO MATOS, quien con su disco solista del año 2009 “Freak” nos ha ofrecido un trabajo muy a tener en cuenta en el contexto del rock progresivo sudamericano actual. En este disco, así como en ofertas anteriores, MATOS se hace cargo de las guitarras, teclados, bajo y programación de ritmos, aunque también incorpora la colaboración de la violinista Verónica Marjbein en algún tema del repertorio. Las principales influencias que se hacen notar en el esquema sonoro orquestado por Matos provienen de PINK FLOYD, GENESIS, PORCUPINE TREE y los aspectos menos tortuosos del KING CRIMSON clásico. El concepto global de “Freak” porta una omnipresente naturaleza existencialista, y su repertorio se divide en tres grandes bloques: el primero se titula ‘Anormal’ (los 5 primeros temas), el tercero se titula ‘Normal’ (los últimos 5), y entre ellos se sitúa la suite ‘El infierno de los buenos’.

‘Falso primogénito’ inicia el disco y la sección ‘Anormal’ con un lirismo grisáceo eficazmente enmarcado en un clima de rock psicodélico semi-lento cuya arquitectura reclama un justo manejo de los riffs y las bases de teclado. ‘El más allá’ perpetúa el ambiente anterior y le añade ciertos matices tétricos, un marco apropiado para introducirnos en la aureola flotante de ‘Agujero de sueños’, pieza en la que MATOS aumenta la densidad sin hacerla aparatosa ni agresiva. Las minimalistas capas de teclado con las que concluye esta pieza elaboran una conveniente expectativa ante la reiniciación de ambientes sobriamente tétricos que tiene lugar en la etérea ‘Verde por dentro’, una canción que refleja elegante y convincentemente una inquietud parcialmente contenida y un miedo a los misterios de la propia mente. Los aportes del violín ayudan bastante a completar la idea temática de la canción. El concepto de ‘Anormal’ se termina con ‘Veneno ilustrado’, un estupendo ejercicio de psicodelia progresiva que recoge buena dosis de la ansiedad vertida en las piezas anteriores con un poco más de músculo y un aire cósmico más atenuado. A continuación sigue el extenso ‘El infierno de los buenos’, que dura casi 19 minutos. El aire existencialista se instala de manera firme y consistente a través de la ilación sucesiva de sus cinco secciones. Varias intervenciones de teclado portan una inocultable vibración sinfónica, aportando así una prestancia moderadamente dramática a la vitamínica fortaleza ya emitida desde los riffs y solos de guitarra: desde el punto de vista del más estricto estándar del progresivo sinfónico, se puede extrañar la presencia de variaciones de ambiente y ritmo más pronunciadas, pero por lo demás, la estructura compositiva de esta suite es refinada y bien acabada. Las cinco canciones del concepto de ‘Normal’ concluyen el disco. La secuencia de los temas de ‘La pasión según el caníbal’ tiene una soltura que viene muy bien después de la incesante tensión emocional retratada en la suite precedente, y además, porta uno de los desarrollos melódicos más sofisticados de todo el álbum. ‘Invernadero de preguntas’ es una secuencia de voces y efectos cuya carga cinematográfica sirve de descanso musical, un pasaje abstracto que prepara el arribo del blues progresivo ‘El resto’, un tema que bien se puede calificar como relajado aunque no se sumerge en un ambiente precisamente “dulce”. Dicha dulzura sí se hace presente en la conclusión acústica provista por ‘Sombras sin filo’, tema que porta un espíritu cálido y amable, aunque el canto peculiar de Matos hace que la tensión emocional se siga haciendo presente de alguna manera.

En conclusión, tenemos aquí un testimonio del entusiasmo y talento de un músico al cual habría que prestar más atención dentro del círculo de amantes y coleccionistas del rock progresivo. ALEJANDRO MATOS nos ofrece a través de “Freak” una visión peculiar sobre cómo explotar el lenguaje del rock desde aspiraciones netamente artísticas.

Aquí hay algunas muestras de esta oferta de ALEJANDRO MATOS.-
El Más Allá: http://www.myspace.com/music/alejandro-matos-2629009/songs/el-mas-all-57620846
El Resto: http://www.myspace.com/music/alejandro-matos-2629009/songs/el-resto-53148195
Falso Primogénito: http://www.youtube.com/watch?v=dLhxdOhR9F4
Agujero De Sueños: http://www.youtube.com/watch?v=X5VhwES5r1A

MAR AÚN - una mirada propia hacia el día de otro

MAR AÚN es un ensamble argentino que recrea una suerte de pop-rock experimental recurrentemente basado en climas introspectivos y contemplativos, lo cual a su vez repercute en el uso invariable de esquemas rítmicos lentos y la priorización de ambientes folk y/o trova urbana. Esto es lo que nos ofrece “Aunque El Día Sea De Otro”. El empleo de tenues adornos psicodélicos a la guitarra o el teclado ayuda bastante a crear un aura distante en varios temas, así como a hilarlos en un continuum que fluye con amplia naturalidad. El concepto del disco parece centrarse en meditaciones sobre el transcurso del tiempo a través de la contemplación del transcurso de un día: la autoría de las letras está repartida entre Nicolás Burotto, Darío Torcisi y Juan Crasci, este último recién incorporado a la banda tras la grabación del disco debut. Burotto es el guía principal de los flotantes e intimistas desarrollos instrumentales, mientras que la flauta de Natalia Oronel, cada vez que aparece, añade un colorido oportuno a la atmósfera general.

‘Siempre pensando lo mismo’ comienza a asentar el clima general del disco desde el punto de partida – una canción contemplativa y serena, arropada por su propia inmensa sutileza. ‘Fuga’ se enfila hacia un nivel más pronunciado de languidez, siendo así que la calma reinante en su largo preludio se nutre de los bellos fraseos suavemente plasmados por la flauta, el cello y el saxo barítono. ‘Pero el sol no baja’ tiene un aire más sencillo al comienzo, pero en el último minuto y medio adquiere un leve aumento de densidad a través del uso de tenues capas de sonido un tanto cósmicas. De ahí se engarza con la secuencia de ‘Dos palabras’ y ‘El lugar del cantar’, ambas piezas marcadas por una cierta aureola de jazz suave mientras que la flauta aporta una cándida atmósfera bucólica al asunto. ‘Países’ regresa a los lugares más fehacientemente lánguidos de la visión musical de MAR AÚN: el canto y los delicados acordes de guitarra acústica a cargo de Burotto llenan el espacio central de la composición con poética convicción. ‘Esa magia’ incorpora aires fusionescos sin romper con la línea férreamente marcada para el desarrollo musical del disco. El empleo de adornos lisérgicos para su final anuncia el arribo de ‘Diciembre’, una pieza ensoñadora que conforma tal vez el ápice del disco: los músicos explotan muy bien la extrema sencillez estructural de la composición, desarrollando una delicada acuarela folk-prog desde allí.

‘Savia’ brinda un breve interludio instrumental lleno de sobria calidez antes de que ‘Mal’ nos devuelva la ensoñación nostálgica que ya se había hecho presente en ‘Diciembre’ solo que esta vez la ambientación es más patentemente grisácea, como flotando en una neblina vespertina que anticipa el pronto arribo del anochecer. Los adornos psicodélicos armados por la guitarra eléctrica son cruciales para crear este efecto. ‘Magicornio’ es un mágico instrumental minimalista de guitarras acústica y eléctrica que opera como preludio al tema de cierre, ‘Amanece’, el cual completa el cuadro de ensimismamiento contemplativo regresando a la faceta más sencilla de la banda. Así termina “Aunque El Día Sea De Otro”, un disco para disfrutar en un momento de sencillez introspectiva y candor meditabundo – será bueno seguir pendientes de MAR AÚN a fin de mantenernos receptivos a cualesquiera nuevos senderos musicales que nos pueda ofrecer en próximo trabajos.

AMOEBA SPLIT: danza progresiva en clave de Canterbury para el nuevo milenio

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy me complazco en dar la bienvenida al grupo español AMOEBA SPLIT, un ensamble gallego patentemente nostálgico de la tradición progresiva Cantebury y que tras muchos años de trabajo paciente e inspiración debidamente meticulosa, acaba de lanzar al mercado su disco debut “Dance Of The Goodbyes”. El repertorio de este disco ews de 6 temas, 3 de los cuales ya estuvieron presentes en un demo que data de hace 4 años, más o menos. Ante todo, “Dance Of The Goodbyes” es una prueba manifiesta de la calidad artística y osadía estética que hacen de AMOEBA SPLIT una robusta promesa de la vanguardia progresiva del Norte Español… ¡promesa cumplida en su primera fase! Por varios años el grupo funcionó como un sexteto, pero la formación que ha registrado este disco queda como un quinteto en el que el bajista Alberto Villarroya aporta también las intervenciones de guitarra; completan el grupo Maria Toro (flauta y canto), Ricardo Castro (teclados), Pablo Añón (saxos) y Fernando Lamas (batería). En el tema ‘Turbulent matrix’, el guitarrista invitado Gastón Rodríguez se luce a su antojo para generar varios de los pasajes más intensos del álbum. Un detalle a tener en cuenta: el grupo opta por plantear letras en idioma inglés para los temas cantados.

‘Dedicated To Us, But We Weren’t Listening’ abre el disco con una entusiasta dosis de vigor jazz-progresivo no exento de finos toques psicodélicos (principalmente en la cadencia cósmica proporcionada por el sintetizador): a pesar de que el título de por sí designa una tendencia frontal hacia el mundo sónico de SOFT MACHINE, el hecho es que esta pieza me suena más cercana a la densidad ágil de unos MATCHING MOLE. El siguiente tema, ‘Perfumed Garden’, desde el punto de arranque nos brinda algo diferente, más calmado y ensoñador, con la presencia destacada del canto de María Toro, pero las cosas no tardan en ponerse más intensas, pasando por un swing llamativo hasta un breve pasaje cósmico acompañado de una narración solemne. Poco antes de llegar al quinto minuto, una dupla de piano y mellotrón de flauta marca el regreso de la última sección lánguida cantada, la cual también incluye un hermoso solo de flauta contrapunteado por un sonido de cello (un mellotrón, sin duda). Con una duración de 10 3/4 minutos, ‘Turbulent Matrix’ se explaya en cadencias jazzeras más profundamente que en los dos temas precedentes: se notan aires a lo WEATHER REPORT en muchas de las intervenciones del piano y el saxo en el extenso interludio que tiene lugar. Más bien, en algún momento la pieza vira hacia una especie de homenaje al SOFT MACHINE del “Vol. 2” por un rato, antes de retomar el motivo central para el cierre. ‘Blessed water’ comienza con una calidez romántica y envolvente, y mientras va evolucionando su desarrollo melódico y secuencias de solos de guitarra y vientos, lo romántico va reforzándose por niveles más intensos y coloridos. Suena casi como una balada de ROBERT WYATT reciclada por un conglomerado de músicos de CARAVAN y CATAPILLA; el breve interludio blues-rockero a lo TRAFFIC que tiene lugar antes del último estribillo aporta un conveniente momento de extroversión al asunto. El canto de la Srta. Toro es sumamente gravitante a la hora de completar la intencionalidad majestuosa del tema: su registro me suena a un punto intermedio entre Anna Meek (CATAPILLA) y Barbara Gaskin (leyenda del canto en la escena Canterbury). ‘Blessed Water’ es, para decirlo con palabras simples, una pieza particularmente brillante.

‘Qwerty’, con un título que homenajea a las viejas máquinas de escribir, es un breve instrumental juguetón, casi caótico en algunos instantes, que no llega ni al minuto de duración y que bien podría haber sido una pieza clandestina del primer álbum de HATFIELD & THE NORTH. De todas maneras, su exquisita factura funciona más bien como un preámbulo para el monumento final del disco, ‘Flight To Nowhere’, que dura más de 23 minutos y contiene cuatro secciones en su estructura interna. Tras una breve introducción densamente psicodélica, se nos viene una primera sección cantada elaborada a través de un esquema melódico reflexivo y sencillo, seguido por un jam muy a lo CARAVAN temprano donde la flauta de la Srta. Toro se luce como quiere. Con el siguiente jam, más tirado hacia la onda de HATFIELD, las cosas empiezan a adquirir un colorido más vivaz: esta vez hay solos alternados de guitarra y saxo, además de la consolidación de la amalgama instrumental. Una nueva sección calma ofrece nuevos climas envolventes que sirven de cobijo para otro solo de flauta, esta vez portador de una serena belleza pastoral que nos puede remitir más al prog italiano tipo PFM que a otra cosa. Tras un tiempo pertinente de desarrollo para esta sección sinfónica, el grupo vira de nuevo hacia el jazz-prog elaborando una suerte de clímax parcial antes de asentar la nueva porción cantada. La atmósfera está armada para generar una sonoridad gradualmente fastuosa, ahora que el tema se va acercando a su final: el rol del órgano es vital para que el esquema instrumental opere hacia esta dirección. En el vigésimo primer minuto y medio, la música se detiene dramáticamente para dar paso a los últimos latidos de un corazón… y tras un momento de silencio, una secuencia de piano se solaza en impetuosos y disonantes acordes en una coda inquieta. De este modo termina un disco que era una deuda pendiente de parte de AMOEBA SPLIT: deuda saldada de manera solvente, a mi parecer.

Muestras de “Dance Of The Goodbyes”.-
Perfumed Garden: https://www.youtube.com/watch?v=zDouZhxkH0A 
Turbulent Matrix: https://www.youtube.com/watch?v=P258zXie_y8 

FRENCH TV y la continua redención de la vanguardia progresiva

HOLA AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

En esta ocasión les quiero exponer mis impresiones sobre el más reciente disco de FRENCH TV, banda estadounidense formada en la segunda mitad de los 80s para desarrollar vías renovadas de Rock In Opposition. Aunque minoritaria y marginal, el círculo de grupos estadounidenses focalizados en la propuesta RIO post-70s ha sido y sigue siendo relevante en lo que se refiere a aportes vanguardistas para la actualidad del rock progresivo: 5UU’S, THINKING PLAGUE, BIRDSONGS OF THE MESOZOIC, RASCAL REPORTERS, DOCTOR NERVE, FAR CORNER, CHEER-ACCIDENT y los mismos FRENCH TV que traemos a colación ahora han venido lanzando al mercado obras musicales portadoras de interesantes desafíos al oyente dispuesto a dejarse arrastrar por un maelstrom de sonoridades inauditas. Volviendo al caso específico de FRENCH TV, “I Forgive You For All My Unhappiness” es la nueva oferta de Mike Sary y co. El grupo que organizó y perpetró la grabación y producción de este disco estaba reducido al dúo de Sary (al bajo) y Jeff Gard (a la batería), contando como colaborador más constante con Steve Katsikas (a los teclados y al saxo), además de otros colaboradores ma´s esporádicos (como el guitarrista Shawn Persinger, quien hace poco había fungido de colega de Sary en el proyecto DISTINGUISHED PANEL OF EXPERTS). ¿Qué significa “I Forgive You For All My Unhappiness” para el coleccionista progresivo de hoy en día? - un catálogo de renovadoras experiencias musicales en clave de continua sorpresa y desafío a las pautas estandarizadas del lenguaje rockero.

Vayamos ahora al repertorio mismo. Con una satírica cuenta de 1-2-3-4 comienza ‘Seven Rusty Nails’, una pieza ágil y cálida que emerge de forma natural, imponiéndose sin sobresaltos, cautivando al oyente por medio de un despliegue musical que recibe varias herencias de NATIONAL HEALTH y del BRUFORD 70ero (se nota que el baterista Jeff Gard lo tiene como paradigma principal para su propia labor percusiva). También se dan varios pasajes donde resaltan juegos estilizados de disonancias, los que se revelan cercanos a unos MIRIODOR, por ejemplo. ‘Conversational Paradigms’ recibe y reelabora buena parte de la vibración extrovertida desarrollada en la pieza de inicio, siendo así que este tema despliega mayores dosis de extravagancia melódica, aunque para nada rompe con la agilidad cálida predominante hasta ahora. ‘March of the Cookie Cutters’ comienza con un preludio de tenor ceremonioso, casi cósmico, pero luego el cuerpo central vira otra exhibición de extroversión musical marcada por osadas secuencias de acordes disonantes y una extravagante dinámica que nos remite irremediablemente a ZAPPA. Cerca del final se genera un pasaje lento cuya aureola de misterio se asemeja mucho al patrón tenebroso del RIO francófono, pero antes de que las cosas se pongan realmente tensas, la coda se explaya en un colorido más vivaz: otra vez se impone la extroversión como recurso artístico en el mundo de FRENCH TV. El cuarto tema, ‘You Got To Run It Out, Dawson!’, comienza con otra cuenta sarcástica de 1-2-3-4. Ya no hay mayores sorpresas a estas alturas del disco respecto a lo que se puede esperar de Sary y cía. a la hora de desarrollar e hilar aventuras y sorpresas musicales dentro de los confines de un tema: en todo caso, este tema tiene la particularidad de mostrar mayores aristas rockeras en los pasajes más potentes – lo cual muy posiblemente se deba a que más de un guitarrista toca en él – y también ciertos trucos vanguardistas a lo HOWEVER y HAPPY THE MAN (dos de las influencias más notorias de French TV a lo largo de toda su carrera).

‘With Grim Determination, Terrell Dons the Bow Tie’ es el tema más calmado del disco en tanto que la presencia de trucos sorprendentes tiene, en líneas generales, menor fastuosidad, pero demasiado lejos está la pieza de ser facilona. Cabe destacar un hermoso solo de sintetizador que comienza al minuto y medio, muy a lo Jan Hammer aunque lejos de un contexto mahavishnuano… más bien a lo HOWEVER combinado con el primer HENRY COW. En el transcurso del último minuto y medio, entran a tallar unas atmósferas grisáceas, imponentes aunque de forma muy medida, en las que el elemento chamber-rock opera de manera robusta y bien definida. La densidad resultante funciona como una catarsis psicodélica rebosante de elegancia, y es allí donde el tremendamente juguetón tema ‘Mosquito Massacre’ cierra el disco ofreciendo un clima totalmente diferente: travieso, un poco caprichoso, bastante ágil, casi como música de fondo para una comedia surrealista desarrollada en un escenario campestre. Incluso los pasajes donde se destacan guitarreos filudos y adornos cósmicos de sintetizador se integran a la perfección dentro del clima lúdico general: la labor del baterista ayuda mucho en ello.

Como balance final, “I Forgive You For All My Unhappiness” logra reafirmar a FRENCH TV como grupo campeón de la avanzada RIO estadounidense contemporánea; a pesar de no igualar la brillantez de obras maestras pasadas como “The Violence Of Amateurs” o “This Is What We Do”, este disco resulta una genuina maravilla que deberá ser apropiadamente degustada por los melómanos progresivos peculiarmente aventureros.