BARRACUDA TRIANGLE: el lado oscuro del progresivo retro-sinfónico

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy centramos nuestra atención al súper-grupo sueco BARRACUDA TRIANGLE, formado por veteranos integrantes de importantes ensambles progresivos como THE FLOWER KINGS, KARMACANIC, KAIPA y THE TANGENT: Tomas Bodin [teclados], Jonas Reingold [bajos, pedales bajos] y Felix Lehrmann [batería]. Estos señores se han agrupado para dar rienda suelta a esquemas más oscuros y agresivos del esquema retro-sinfónico con el cual suelen trabajar, enriqueciendo el menú sonoro con elementos heavy y stoner, cuando no avant-progresivos; así, como una reunión de amigos músicos que estaban jugando con ideas frescas en el estudio, se fue dando el plan para gestar el repertorio del álbum “Electro Shock Therapy”. Se trata, a fin de cuentas, de un disco netamente metido en los cánones del género retro-progresivo, sumamente poderoso y excitante en la elaboración de sus recursos sonoros, un disco que Reingold se ha encargado de producir a través de su propio sello Reingold Records. Vamos a entrar a los detalles de  “Electro Shock Therapy” a partir del siguiente párrafo.

Durando 5 minutos, ‘Black Days’ abre el disco con una parsimonia majestuosa y pletórica de vigor expresivo, un vigor que se alimenta de las densas capas y atmósferas sonoras de las que se envuelve el sencillo motivo central, el cual se puede muy bien describir como un híbrido del EMERSON, LAKE & PALMER del primer álbum y el DEEP PURPLE de la época del “In Rock” trastocado con un groove decididamente stoner. ‘Tumoro’ comienza prosiguiendo con esto de manejar esquemas rítmicos no muy ágiles pero esta vez con una combinación de space-rock y jazz-rock en sus atmósferas y cadencias: el portentosamente distorsionado bajo se siente perfectamente idóneo como contrapeso para las medidas intervenciones del sintetizador y el piano eléctrico. Para su segunda mitad, la pieza se eleva hacia una dimensionalidad extrovertida inundada de llamativa luminosidad, al modo de NIACIN. Ni la diversión ni la diversidad tienen dónde parar con la gente de BARRACUDA TRIANGLE, y con el tercer tema del álbum, ‘Acid Rain’, nos brinda un ejercicio de musicalidad jazz-progresiva en clave reflexiva y distante, elegantemente remozada con aires sombríos a lo GOBLIN. Los bien calculados pasajes de mellotrón exploran exitosamente el aire de misterio que siempre viene bien en composiciones como ésta, e incluso son responsables de armar al unísono con el órgano el impresionante clímax conclusivo… un clímax muy Crimsoniano, dicho sea de paso. Cuando emerge ‘Caressing The Moment In Tranquilized Ecstasy’, nos topamos en su primera mitad con una creativa síntesis de ‘Black Days’ y la sección final de ‘Acid Rain’, aportando como novedad la construcción de un lirismo bien delineado. Una vez más, la segunda mitad trae un viraje temático hacia una atractiva mezcla de estándares Emersonianos con otros más contemporáneos que nos remiten a KARMACANIC así como a varios trabajos solistas del propio Bodin. Por su parte, ‘Tears In Blue Rain’ brinda un momento de reposo a partir de una espartana red de acordes de piano que van flotando a través de capas minimalistas de sintetizador; este momento de contemplación serena parece cerrar una parte del álbum para empezar a mentalizarnos para la siguiente.

La sexta pieza del álbum es justamente la que le da título. Su onda es la de darle nuevos giros a la tuerca de languidez densa y potente que la banda convierte en marca de fábrica. La inclusión de algunos trucos sonoros cuasi-circenses y la esquematización de ciertas sonoridades tenebrosas (a medio camino entre el KING CRIMSON 73-74 y PRESENT) ayudan al grupo a mantener la frescura del momento a lo largo de toda la pieza. Mostrando una vibración más extrovertida, al modo de un sol otoñal vespertino que deja bien en claro que el momentum del mediodía no está muy lejano, ‘Too Much Therapy’ utiliza ambientes góticos que van desde lo majestuoso hasta lo sombrío, los mismos que son reciclados a través de un esquema psicodélico que el ensamble maneja con solvente nervio. Aires de familia con la nueva generación prog-psicodélica escandinava hay, sin duda, así como con el TANGERINE DREAM 75-76. ‘Strom’. Ocupando los últimos 5 ¾ del disco, ‘The Last One’ – un título apropiado realmente – elabora una meditativa semblanza jazz-progresiva de una idea conmovedora que bien pudo extraerse de algún demo perdido de JON & VANGELIS: sosteniendo la candidez de la propuesta del mencionado dúo, el grupo le da un aura sinfónica que nos recuerda vagamente a la melancolía sistemática de CAMEL y a la faceta etérea de RICK WAKEMAN, pero aún así, el boato progresivo se mantiene en un nivel muy sutil. Un muy bonito cierre, sin duda.

Hay que agradecer a los BARRACUDA TRIANGLE que nos hayan ofrecido nuevos ases bajo sus mangas progresivas con miras a enriquecer el momento actual del género progresivo desde un enfoque más filudo que el que habitualmente gestan en los grupos donde estos tres músicos gozan de largas membrecías. Sin duda, son creadores de gran nivel y este encuentro de sus mentes ha dado resultados óptimos. 

Las exploraciones y semblanzas del maestro JORDAN RUDESS

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Hoy nos abocamos a la más reciente producción en solitario del mago estadounidense de los teclados JORDAN RUDESS, titulada “Explorations” y publicada a inicios de marzo pasado. La suite tripartita que inicia el disco, “Explorations For Keyboard And Orchestra”, es una obra que ya tiene varios años como entidad compuesta por RUDESS, y de hecho, éste la estrenó como su primera composición de música de cámara en Venezuela, el 19 de noviembre del 2010, acompañado de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Chacao, teniendo como director al turco Eren Başbuğ, un joven académico que tiene mucho entusiasmo por el rock progresivo y el prog-metal. Él mismo se encargó ahora de escribir las partituras para que la Sinfonietta Consonus abordara su participación en la grabación de este material en sus definitivas versiones de estudio. Este grupo de cámara polaco ya tiene experiencia con la música de DREAM THEATER al haber grabado un disco de tributo orquestal titulado “Symphonic Theater Of Dreams”, siendo el director Michał Mierzejewski. El hecho de que este disco haya sido posible con toda la logística que exige contar con una orquesta de cámara apoyando en la musicalidad se debe a la campaña de crowdfunding que organizó el buen RUDESS en el año 2013, y ahora vemos sus frutos en “Explorations”.

Comenzamos con la suite ‘Explorations For Keyboard And Orchestra’. ‘First Movement’ empieza con recursos de intensa expresividad sin mayores preámbulos, siendo así que el piano de RUDESS se mueve y expande en llamativas florituras a través de las sólidas y majestuosas armazones de cuerdas y maderas. Todos los trazos y recovecos dibujados por el piano nos remiten claramente al alucinado paradigma de Rachmaninov. ‘Second Movement’ se mete en un terreno muy diferente, más contemplativo, y más dado a la elaboración de recovecos manieristas en combinación con emotivas capas sonoras cuya estilizada fastuosidad nos remite al romanticismo. Es en relación con esto último que los momentos más explosivos nos hacen recordar al paradigma de THE ENID. Para el pasaje final, un hermoso solo de sintetizador libera toda la intensidad emocional contenida con el propósito de gestar una conclusión diferente y un poco inesperada para la idea global del presente movimiento. ‘Third Movement’ despliega una calidez enorme, casi logrando igualar el aura de pasión ostensible que había signado al primero de estos movimientos, aunque con un talante más optimista, un manejo más “domesticado” de la osada musicalidad a la que es tan dado el maestro RUDESS cuando se libera a sus anchas. Collin Leijenaar se encarga de la batería en las tres secciones, además de algunos otros temas que vienen después.

‘Screaming Head’ inicia la serie de piezas autónomas con una ambientación optimista fluidamente articulada dentro de una intrincada arquitectura donde los colores sónicos brillan a discreción. Las alusiones al estándar del RICK WAKEMAN metido en un espíritu orquestal son fáciles de advertir, este luminoso boato palaciego es un hito innegable de la tradición progresiva. El gran Guthrie Govan (THE ARISTOCRATS, DOCKER’S GUILD, colaborador de STEVEN WILSON y muchos otros) se encarga de la guitarra. ‘Shouri Now’ es una pieza solista de piano donde RUDESS exorciza a su antojo los fantasmas Emersonianos y Wakemanianos que forman una parte importante de su propio ideario estético. La combinación de efluvios y groove con que se desarrolla el cuerpo central de la pieza refleja la más pura expresión de espiritualidad extrovertida y optimista, algo que va a contrapelo del talante recogido e introvertido de ‘The Untouchable Truth’, otra pieza con el piano como (casi) exclusivo protagonista. La expresividad de ‘The Untouchable Truth’ se explaya, en efecto, a través de una atmósfera de serena levedad, casi como retratando la caída de una hoja de otoño en su más pura intimidad. Puesto que originalmente se incluía en el disco del 2013 “All That Is Now”, esta nueva versión trae como adición un suave arreglo orquestal escrito por Eren Başbuğ, lo cual sirve para darle un matiz estilizado al asunto. ‘Over The Edge’ regresa en buena medida al tipo de esplendor estilizado que ya hemos apreciado en ‘Screaming Head’ y la última de las ‘Exploraciones’… ¡y lo lleva hacia dimensiones aún más ambiciosas! De hecho, la idea del autor era componer una musicalidad progresiva con estructuras lo más locas posibles, con enredadas estructuras rítmicas y variantes rítmicas aún más enredadas. Para hacernos una idea de cuán antigua es la idea original de esta grabación, este tema fue estrenado por el dúo RUDESS-MORGENSTEIN. Aquí el contexto es de piano y orquesta, pero sin duda, hay una espiritualidad rockera que exuda en cada poro de cada motivo y cada sección por el que transita el desarrollo de la pieza. En fin, ‘A Pledge To You’ cierra el álbum con una espiritualidad serena e intimista, y de hecho, resulta obvio el talante conmovedor de esta pieza en particular dado que RUDESS la compuso como gesto de agradecimiento a todas las personas que le brindaron su apoyo económico en la campaña de crowdfunding.

Cuando está más cerca de los 60 que de los 50 años, JORDAN RUDESS n da muestras de decadencia ni declive, sino todo lo contrario, una capacidad de regenerar sus ideas y motivos musicales para dar una frescura siempre nueva a cada uno de sus aportes personales a la actual escena del rock artístico. “Explorations” es un disco fabuloso, sin desperdicio alguno, una celebración de las cualidades más esenciales de este músico.

Muestras de ·Explorations”.-

Los 3 movimientos de Explorations For Keyboard And Orchestra: https://www.youtube.com/watch?v=I32FO0UI_Dw

MOORDER o el art-rock como diversión

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Ésta es la ocasión para concentrar nuestra atención en el grupo avant-progresivo italiano MOORDER so pretexto de su segundo trabajo fonográfico “Moorder II”. Este grupo está formado por el guitarrista Alessandro Lamborghini , el bajista Michele Zanni , el baterista Daniel Dencs Csaba, y además, dos vientistas cuyos roles no son muy habituales en el mundo del rock: Alberto Danielli a la tuba y Simone Pederzoli al trombón. Formado en la localidad de Cento (Ferrara) con la misión de crear formas poco convencionales de rock instrumental, el grupo tuvo su debut fonográfico en el 2008 con un disco homónimo, y ahora, “Moorder II” llega a nosotros desde mayo pasado por vía del sello Lizard Records.

Durando poco menos de 3 ½ minutos, ‘Jesus Zombies Crew’ abre el álbum de una forma sumamente traviesa, instalando un preludio tétricamente dadaísta antes de elaborar el cuerpo central sobre una base de surf-rock psicodélico. ‘Flat Kick’ sigue a continuación para establecer un ejercicio solemne de jazz-rock sofisticado al modo del ZAPPA más serio, algo que encuentra de inmediato su contrapelo en el tercer tema, titulado ‘Disco In Ferro’. En efecto, en esta pieza tenemos una deconstrucción graciosa y ágil del estándar de la música disco pero con una estructura rítmica inusual (alternado 4/4 y 7/8) y unos arreglos de metales que apuntan más hacia la expresividad tensa que hacia la alegría frívola. Incluso hay un breve interludio en clave de blues-rock que surge como una sorpresa efectiva. ‘’Pipum’ sirve para que la dupla rítmica y la tuba conformen un frente único en torno al cual se arman tanto el cuerpo central como el groove de la primera sección; luego, la segunda sección cambia totalmente de registro y se enfila hacia una suerte de big band Crimsoniano. Por su parte, ‘Moztri’ elabora un grácil ejercicio de psicodelia progresiva con un rol predominante de la guitarra, la cual hace gala de su vigor incandescente casi a cada momento. El grupo se cuida de sonar demasiado ostentoso a lo largo del desarrollo temático, dejando que la expresividad propia de la pieza se revele de una manera relativamente cáustica. ‘Afro Bones’ es, para decirlo simplemente, extroversión pura y dura: ahondando un poco más en la idea, es un electrizante ejercicio de jazz-rock con matizados elementos rítmicos africanos: el breve solo de guitarra es brutal, pero también cabe mencionar especialmente a la dupla rítmica por sustentar el swing con tanta distinción.

‘Fiscia’ comienza con un talante serio, casi oscurantista, en base a la sobria dupla de los metales… pero en una segunda instancia explota en efluvios gráciles donde la visceralidad del momento está manejada con buen pulso, evitando caer en recursos de densidad sónica. ‘Omocodia on Square’ nos devuelve a la dinámica Zappiana. Cuando llega el momento de ‘Firecrap’, nos topamos con un ejercicio de swing funky-jazzero aumentado con bien delineados dibujos a cargo de los vientos, y sobre todo, un uso ingenioso de esquemas y quiebres rítmicos. El tema no llega siquiera a durar tres minutos pero en su arquitectura rítmica son muchas las cosas que van pasando, estimulando así la expresividad vitalista de cada instrumento dentro del bloque global. ‘Abcd’ es un despliegue de visceral alegría rockera, no ajena a ciertas vibraciones poperas, pero aún así, sabiamente suministradas sobre una razonablemente compleja armazón rítmica; acto seguido, ‘Mini Spiders’ nos remite a una rara pero tremendamente efectiva mezcla de PRIMUS y Canterbury, gestando un dinamismo llamativo para el despliegue de juguetona complejidad que se encarna sin tapujos en el desarrollo temático. Cerrando el álbum, ‘Beef Ice’ comienza con un aura de rock’n’roll psicodélico y se llena con un aire festivo rural que nos recuerda parcialmente al estilo de ALMAAILMAN VASARAT.

Todo esto fue “Moorder II”, un muy buen disco, aunque se hace demasiado corto con sus 36 ½ minutos de duración. De todos modos, la experimentación ecléctica de estos músicos de MOORDER en su propia visión peculiar del rock progresivo encuentra varios nortes, lo cual hace que valga la pena seguirles la pista, no nos cabe duda de ello.

Muestras de “Moorder II”.-

Abcd [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=T0UqJ-hsWOQ

Fiscia [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=1NQvN1pmuZA

Moztri: https://www.youtube.com/watch?v=-HdqZ2YOUFY

Por la vía del mantra con AIRE LÍQUIDO ENSAMBLE

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Hoy presentamos al nutrido colectivo musical AIRE LÍQUIDO ENSAMBLE, el cual acaba de publicar hace poco su trabajo “Mantra” – más exactamente, a inicios de junio pasado. Encuadrad dentro de las coordenadas de música contemporánea renovadora con excelsa base académica que también comparten otras asociaciones como ORQUESTA METAFÍSICA, COMPAÑÍA OBLICUA y LA MÁQUINA CINEMÁTICA, lo que nos ofrece este colectivo al cual nos referimos ahora es una propuesta que revitaliza de una forma cautivadora y original el prototipo del chamber-rock (en oaralelo con lo que hacen bandas como ARANIS y GATTO MARTE en el continente europeo). Tal como se indica en su página web, AIRE LÍQUIDO ENSAMBLE fue fundado “en marzo de 2010 por Cristian Luzza con la premisa de funcionar como ensamble escuela, potenciar la musicalidad de sus integrantes e interpretar obras de música contemporánea de autoría propia” y gusta de “mixturar el repertorio musical con proyecciones visuales”. Eso último se nota también en la presentación física de “Mantra”, al modo de un libro de fotos con un papel muy elegante y una óptima definición de colores. Los paisajes forestales ocupan un lugar predominante, pero también podemos ver una bandada al atardecer, raíles de ferrocarril, además de una foto de familia del ENSAMBLE junto a varios aldeanos. El libro es una obra de arte en sí misma, en propalcote. Otro dato relevante es el personal tan nutrido que se hizo cargo de la instrumentación del repertorio de este disco: el baterista Diego Moreno, los guitarristas Cristian Luzza y Juan Flores, el bajista Facundo Geli, Sofía Repetto al canto, Sebastián Sarobe a los sintetizadores, los violistas Diego Navarro y Lucas Neyra, las violinistas Catalina Neyra, Agustina Sala, Lara Moccio, Sofía Tapiella, Eliana Calvete y Natalia Villar, un trío de flautistas con Juan Larribaud, Manuela Rodríguez y Ailin Sofía Barsanti, y bronces completados por el saxofonista Nicolás Della Valentina, el trompetista Nicolás Cerrato y la trombonista María Mello. Bastantes ejecutantes realmente, todos ellos creando sonoridades articuladas y explorando diversos recursos de magnificencia a lo largo y ancho del disco.

Durando poco más de 6 ½ minutos, la pieza homónima pone en marcha el repertorio del álbum con un pasaje inicial marcado por una tremenda maquinaria orquestal que ostenta su esencial fastuosidad con desgarradora liberalidad. El guitarreo inicial parece orientarse hacia modismos Crimsonianos pero en realidad su labor es la de pautar la cadencia general de las cuerdas y maderas. Con el surgimiento de un pasaje etéreo y flotante, se prepara el terreno para el clímax conclusivo de una pieza que cumple cabalmente con asentar una introducción impresionante a la experiencia del AIRE LÍQUIDO ENSAMBLE. ‘Antena’, el siguiente tema, instaura un clima de alegría majestuosa, basado en no poca medida en el peso que tienen las cuerdas a la hora de sostener el desarrollo temático. Si ‘Antena’ era manifestación de alegría, ‘Apolo’ es manifestación de ceremoniosa extroversión, algo que se explaya a todas luces sin dejar de lado la seriedad, una seriedad destinada a dejar que un designio grave del orden del universo se manifieste sin tapujos. El interludio moderadamente sombrío contrasta abiertamente con las saltarinas líneas de flauta que habían dado inicio a la pieza; la sección final combina espiritualidad grave y dinamismo extrovertido con una magnificencia totalizante y envolvente. ‘Lengua Muerta’ ostenta un groove más ligero, dejándose llevar por el factor alegre con una arquitectura musical bien llevada sobre los hombros de la dupla rítmica, en plan celebratorio. ‘Pequeña’, por su parte, regresa a la actitud de solemne gravedad, pero renunciando a lo sombrío, oponiéndose a él, creando una luminosidad imponente que se instala perfectamente sobre la cadencia de la batería. ‘Sangre’ sí aporta una cierta aureola de sombrías vibraciones a través de su arquitectura sónica tan exuberante: definitivamente, el dramatismo de la ocasión se halla sólidamente acentuado mientras la intensidad de los arreglos de cuerda se acrecienta, culminando finalmente con espartanas escalas de una solitaria guitarra. ‘1979’ cierra el repertorio fungiendo como su perturbador epílogo: las capas minimalistas de cuerda se expanden y agitan como una niebla de Purgatorio en un momento de oscura pesadez, al modo de una tristeza cósmica cuyos ecos nunca se llegan a apagar. 

“Mantra” es, ante todas las cosas, una belleza de álbum, una belleza suprema, demoledora y conmovedora; a través de los continuos derroches de cerebral conceptualización en cada una de las composiciones del repertorio de este disco, el personal de AIRE LÍQUIDO ENSAMBLE se muestra siempre comprometido con la estimulación de imágenes y evocaciones en la mente y el espíritu del oyente. A prestar debida atención a este ensamble tan fabuloso… no merece menos.

Muestra de “Mantra”.-

Apolo: http://aireliquidoensamble.bandcamp.com/track/apolo

Mantra [en vivo]: https://www.youtube.com/watch?v=Fgox-JNB9MI

PASAJERO LUMINOSO nos traen su catálogo de destellos hechos sonido

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Hoy presentamos al cuarteto argentino PASAJERO LUMINOSO, cultor de una propuesta sumamente elegante y evocativa de música jazz-progresivo, por motivo de la publicación de su homónimo disco de debut. El cuarteto está conformado por Juan Pablo Moyano [guitarras], Leopoldo "Pepo" Limeres [teclados], Pablo Valotta [bajo] y Fabián Miodownik [batería y percusión], siendo de hecho los tres primeros los compositores. Limeres y Valotta, viejos camaradas en ORQUESTA JABALÍ, fueron los iniciadores de este proyecto, uniéndose los otros dos poco tiempo después; en setiembre del 2013 entraron los cuatro al estudio de grabación para empezar a gestar esta maravilla que es “Pasajero Luminoso”, un catálogo de ingeniosas y emotivas confluencias de jazz-rock, musicalidades progresivas y cadencias propias de la fusión contemporánea de raíces sudamericanas. El esquema sonoro del grupo es ecléctico bajo un sistema estético rigurosamente coherente, dando un orden preciso a cada motivo, cada ritmo, cada base armónica, dentro del cuerpo central de cada composición. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de este disco.

La pieza que da título al álbum y nombre al ensamble abre el repertorio con un talante señorial imbatible. El grupo hace gala de su pulcritud y espíritu exquisito al elaborar la sobria y contemplativa atmósfera en la que se basa la primera sección del tema. Luego, la pieza gira hacia una manifestación de vigor donde pone mucha de su carne Canterburyana en el asador: elementos de GILGAMESH e ISOTOPE se hacen notar fácilmente cuando apreciamos el esquema sonoro en curso. El segundo tema, ‘Montaña De Crudo Y Queso’, ostenta una elegancia magnífica en todo su groove, no en poca medida marcado por los legados de WEATHER REPORT y RETURN TO FOREVER. El amplio campo que se da al sintetizador para que arme y afiance sus fraseos solistas permite al bloque instrumental íntegro sostener un balance expresivo bien perfilado: sin duda, ésta es una de las piezas más destacadas del álbum. ‘Despertango’, tal como insinúa su título, se mete en el área del tango-fusión en cuanto a los timbres y desarrollos armónicos de su cuerpo central. El ensamble traduce la permanente actitud de contemplativa reflexión a una serenidad intimista. ‘Sonrisa De Ojos’ porta una gracilidad fácil de notar en su atmósfera general, pero la serenidad y el manejo de esquemas rítmicos relajados siguen marcando las patas por las que se mueven las sonoridades del ensamble. En todo caso, los elementos Canterbury que ya se habían hecho notar en el primer tema regresan aquí en todo su esplendor: GILGAMESH con ciertos toques suaves de Latin-jazz, así se puede describir a esta pieza. ‘Chacareropa (El Amague)’ sigue por esta misma onda perfectamente, incluso portando un groove un poco más ágil.

‘Ekeko’ ofrece un momento idóneo para que el grupo empiece a soltar un poco más esa expresividad extrovertida que solamente muestra de forma dosificada en lo habitual. Al igual que con ‘Chacareropa’, el guitarrista Moyano es quien está a cargo de dirigir el encauzamiento del desarrollo temático. Aires de familia con el PAT METHENY GROUP se hacen sentir hasta cierto punto. ‘Confuso Como Un Héroe’ (versión de una pieza originalmente aparecida en el disco “Los Orfebres” de PEZ, donde también estuvo Limeres por un tiempo) vuelve a la influencia de RETURN TO FOREVER, y lo hace creando un dinamismo especial para los pasajes más extrovertidos del desarrollo temático. Además, la inclusión de un solo de batería a modo de interludio abstracto sirve para crear un oportuno recurso de variedad dentro de la refinada arquitectura sonora de la pieza. Con ‘Capitán De Sueños’, el cuarteto se sumerge en los rincones más intimistas de su ideario musical, elaborando un motivo central sereno y melancólico: las notas del piano eléctrico y la guitarra parecen flotar con etérea gentileza. ‘La Odisea De Horacio’ instaura un clímax particular del disco cuando éste se acerca su final: con una acentuación de esquemas rítmicos propios de la tradición latina y una expresividad colorida muy afín a la que anteriormente percibimos en ‘Confuso Como Un Héroe’, esta pieza permite a la banda explayarse en su faceta más vitalista. Todo ello para que el último tema, titulado ‘Paso De Elefante (Contravientos)’, pueda poner un oportuno broche al repertorio con un ejercicio de solemne magnificencia: los elegantes fraseos de la primera guitarra y las ingeniosas capas del órgano se sostienen sólidamente sobre la armazón rítmica, creando así un ambiente general innegablemente fastuoso. Podemos advertir huellas del modelo de HAPPY THE MAN, siempre a través del filtro propio del grupo.  

Poco nos queda añadir en esta conclusión… muy posiblemente, nada. PASAJERO LUMINOSO es una fantástica entidad musical que se sitúa en la cima de la escena progresiva argentina del momento. ¡¡Recomendamos “Pasajero Inmóvil” al 150%!!

Muestras de “Pasajero Luminoso”.-

Montaña De Crudo Y Queso: http://pasajeroluminoso.bandcamp.com/track/monta-a-de-crudo-y-queso-limeres-valotta

La Odisea De Horacio: http://pasajeroluminoso.bandcamp.com/track/la-odisea-de-horacio-limeres-valotta

MAGMA retoma su periplo Zeuhl a Malaria

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MAGMA se hace presente dentro de la agenda de propuestas progresivas del año 2014 antes de que termine el mismo; en efecto, Seventh Records ha publicado hace pocas semanas “Rïah Sahïltaahk”, un disco bastante breve que fue grabado entre setiembre del año pasado y el último mes de junio. Para los que estamos familiarizados con el nombre de este disco no es una sorpresa que se trate de una nueva grabación de la suite que ocupó todo el lado A de “1001° Centigrades”, el segundo disco de MAGMA que fue originalmente publicado en 1971. El genial y perpetuamente polémico Christian Vander maneja los esquemas estéticos de la banda desde sus roles de compositor, baterista, pianista y vocalista, acompañándose en el bloque instrumental de Benoît Alziary [vibráfono], James MacGraw [guitarra], Jérémie Ternoy [piano] y Philippe Bussonnet [bajo], mientras que la sección coral se completa con Stella Vander (la eterna diva del Zeuhl), Isabelle Feuillebois y Hervé Aknin. O sea, con guitarra y sin arreglos de metales, habiendo sido estos últimos bastante notorios en la versión original: de este modo, la batería adopta un aura reforzada de vigor expresivo y los arreglos vocales asumen un talante más etéreo. Hablando específicamente de la entidad llamada Rïah Sahïltaahk, se trata de un personaje importante dentro de la mitología Kobaïana. Él era una personalidad fuerte en medio de la comuna que huyó de la Tierra para mudarse a Kobaïa, pero confiando en su propia voz de mando, decidió viajar para tratar de persuadir a los enemigos de los kobaïanos para que desistan de su actitud y formen alianzas… pero en una parada que hace en el planeta Malaria, las fuerzas naturales de este planeta le ahogan y destruyen. Como vemos, se trata de una epopeya anti-ilustrada dentro del furioso drama de los kobaïanos. 

La primera sección, titulada ‘Watseï Kobaïa’ pone en marcha a la suite con un fulgor tremendamente dinámico: esa triangulación de piano, batería y bajo y esos arreglos corales portan la prestancia marcial y celebratoria que encontramos en la faceta fastuosa de la esencia musical de MAGMA. Cuando el asunto deriva hacia una cadencia más extravagante, resulta que se está preparando el terreno para la segunda sección, ‘Di Mahntër Sahïltaahk’ explícitamente más fusionesca en sus primeros dos tercios; el último tercio exhibe una intensidad creciente en el ambiente, algo que también se habrá de repetir en la siguiente sección, ‘Süri Sï Toïdo’, pero con una mayor complejidad en la arquitectura rítmica. El centro neurálgico de la cuarta sección, ‘Ün Zoïn Glaö’, se sitúa en un aparatoso despliegue de explosividad caótica, la angustia de la destrucción en su más inquietante expresión: algunos arreglos corales ocasionales que salen a relucir añaden un tono elegíaco al asunto, mas este mismo tono elegíaco se torna en motivo central en la primera mitad de la siguiente sección ‘Ïss Walomëhn Dëm’, aunque la segunda adopta una actitud cabalmente asertiva, otra vez con un arreglo coral bastante significativo que ahora exhibe un carácter dominante en la estructura musical en curso. ‘Bradïa Ëtnah’ sigue el hilo de la precedente asumiendo una fastuosidad semejante a las de ‘Di Mahntër Sahïltaahk’ y ‘Süri Sï Toïdo’. La penúltima sección, ‘Mem Loïlë’, desarrolla un nuevo ejercicio de ritmos y coros marciales alternados con complejas cadencias de inspiración jazzera: ‘Mem Loile’ es de por sí, una grand finale. En fin, ‘Wöleï’ cierra la suite con un aura de triste languidez; el hermoso y sereno motivo de piano establece un redondeo efectivo de la atmósfera elegíaca que ya habíamos apreciado en arte de la quinta sección. 

Son varios los grupos veteranos del género progresivo que se han dedicado a reverdecer algunos de sus viejos laureles: CAMEL, LATTE E MIELE, YES haciendo giras donde tocan dos o tres de sus clásicos álbumes de los 70s… y ahora llega el ensamble de MAGMA con una versión renovada de la suite “Rïah Sahïltaahk”. Lo que encontramos en ésta es un ejemplo sólido de la continua vitalidad de la voz musical que encarnan Christian Vander y compañía… y eso es tanto mejor cuanto Vander demuestra no haber pedido una molécula de vigor en su particular swing. ¡MAGMA todavía sigue en pie! 

La suite en su versión original: http://grooveshark.com/#!/s/R+ah+Sah+ltaahk/2ut1YZ?src=5

Muestra completa de la suite en su versión nueva: http://www.dailymotion.com/video/x26wb74_magma-riah-sahiltaahk-2014-full-album_music

Feria vanguardista para las fiestas musicales de BOSNNIA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

BOSNNIA es el grupo argentino que nos toca presentar y lo hacemos con mucha felicidad, pues su propuesta es de las mejores que han emergido recientemente desde el seno de la vanguardia rockera del país platense. Su disco debut “Ferias Y Fiestas De La Posguerra” es una prueba irrefutable de ello. Este grupo está integrado por la cellista Violeta García, el bajista Carlos Quebrada (a quien ya conocemos de EL ÚLTIMO BOABDIL, SALES DE BAÑO y FACTOR BURZACO), el bandoneísta Bruno Ferreccio y el baterista Fernando Caraballo, y tiene como misión artística crear y plasmar “nuevas organizaciones expresivas para la vieja ciudad de los invisibles”… o al menos eso dice su perfil de Facebook. Yendo a observaciones un poco más concretas, podemos decir que el estilo de BOSNNIA ofrece un eclecticismo vitalista y osado donde confluyen y se alternan recursos del tango-fusión, del jazz experimental, del rock-in-opposition y de la cámara postmodernista, todo ello dentro de un bloque sonoro ubicado en los filos vanguardistas del ideal progresivo. El repertorio de “Ferias Y Fiestas De La Posguerra” fue grabado a fines del 2013, siendo ya masterizado y publicado en agosto del presente año 2014. Pasemos ahora a los detalles del susodicho repertorio.

‘A Pie Tuve Que Ir A Través De Sistemas Solares’ es el primer tema del repertorio y empieza portando una calidez sobria envuelta en suaves mantos claroscuros, los mismos que parecen intuir el inminente arribo de una inquietud oscurantista… y de hecho, ésta hace acto de presencia no mucho tiempo después, trayendo aires de rock-in-opposition bien definidos donde lo sombrío se convierte en la única luz musical vigente. ‘Geografía De Lo Inútil (Psycho Puna)’, enfatiza notoriamente esta vibración sombría en su muy surrealista sección de apertura, pero luego emerge el cuerpo central para asentarse sólidamente sobre una envolvente secuencia armónica desde donde las notas del bandoneón dibujan el encuadre general para los demás instrumentos. La construcción del clímax final en un esquema rítmico casi marcial está articulada con pulcra y hermosa precisión. Los siguientes tres temas conforman los sendos tres actos de la suite ‘Parisiennes Y Ginegra’. El ‘Acto I’ consiste básicamente en un ejercicio de fusión latina de jazz con un esquema de trabajo deconstructivo muy afín a la tradición del rock-in-opposition, focalizado en sonoridades espartanas, mientras que el ‘Acto II’ ostenta sonoridades más llenas debido a la exigencia de una creciente solemnidad sustentada en la misma idea musical en curso. El ‘Acto III’, que es el más extenso, se hace eco de la bizarra majestuosidad del ‘Acto II’ y le da un aura más misteriosa, logrando así forjar una dimensionalidad etérea para el bloque sonoro del ensamble.

‘De Rarum Natura’ es una pieza contemplativa y solipsista cuya atmósfera general se basa en una estructura armónica tan sencilla como efectiva; por su parte, ‘Un Rey Que No Es Contradicho No Puede Ser Malo’ es un breve retazo de espiritualidad saltarina con aires eminentemente satíricos, los mismos que se hacen terriblemente patentes con la presencia del sampleo de una arenga política. ‘Lugano Mental’ comienza con un prólogo perturbadoramente dadaísta, una celebración de la negación de todos los esquemas a través de un juego salvaje de improvisaciones, pero la pieza da un giro de 180◦ cuando el cuerpo central revela un motivo de jazz-tango meticulosamente articulado y engalanado con estilizaciones derivadas de la cámara contemporánea. Recibiendo el impacto del tema anterior y reubicando aires de etérea sofisticación antes expuestas en la suite ‘Parisiennes Y Ginegra’, ‘Invierno Y La Supresión De La Realidad’ completa los últimos seis minutos del álbum con un sublime esplendor sónico que transcurre fluidamente en una efectiva conexión de lo intimista y lo fastuoso.

Con “Ferias Y Fiestas De La Posguerra” tuvimos a nuestra disposición poco más de 45 minutos de goce avant-progresivo. Lo que nos ofrecen los músicos de BOSNNIA es un paisaje consumado de confluencias de visiones modernistas y miradas al mejor legado de la fusión con raíces, confluencias tan osadas como exquisitas. Definitivamente, este grupo debe contarse entre las mejores promesas de la avanzada progresiva argentina actual.

Muestras de “Ferias Y Fiestas De La Posguerra”.-

Parisiennes Y Ginegra, Acto III: http://bosnnia.bandcamp.com/track/03-parisiennes-y-ginebra-acto-iii

Lugano Mental: http://bosnnia.bandcamp.com/track/09-lugano-mental

Los vaivenes progresivos de MARANIA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy nos toca presentar al trío argentino MARANIA, sólido cultor de una inquieta variante psicodélica del rock progresivo y que fue fundado allá en el año 2005; el trío en cuestión ha publicado hace poco su álbum debut “Los Vaivenes Del Entorno” en su página de Bandcamp [https://marania.bandcamp.com/releases]. Bajo la guía de Ariel Raguet [bajos, sintetizadores, percusión], Pablo Andaloro [guitarras eléctrica y acústica, percusión] y Gabriel Falciola [batería, percusión], la música de MARANIA se explaya sólidamente en un eclecticismo contundente y convincente donde la ley del caos ordenado determina los estándares de vigencia de cada idea particular y las arquitecturas que las agrupan en cada pieza individual del repertorio. Puestos a hacer algunas analogías aproximativas, vemos en este grupo una segura afiliación a líneas de trabajo seguidas por bandas compatriotas como LA MUJER BARBUDA, o los mexicanos de DELTA RED, o sus vecinos uruguayos del TRÍO VILARDEBÓ; de todos modos, hay que valorar a este grupo por su propia esencia bien delineada, y es con esta mirada que observamos los detalles del repertorio de  “Los Vaivenes Del Entorno”.

El disco empieza con una serie de retazos abstractos que conforman el etéreo prólogo de ‘Sinapsis’. Poco antes de llegar a la frontera del primer minuto y medio, la dupla rítmica instaura la base para el cuerpo central, el cual se arma y resuelve en un sólido ejercicio de comunión de fraseos Crimsonianos y grooves jazz-rockeros, solamente interrumpido momentáneamente por la emergencia de un interludio ceremonioso y sutilmente tétrico. El segundo tema, ‘Una Noche En La Catedral’, ostenta una arquitectura sónica bastante dinámica durante buena parte del tiempo, expandiéndose en una expresividad electrizante sobre una vigorosa armazón rítmica. Para cuando llegamos al pasaje final, el desarrollo temático vira hacia un compás más lento, aprovechando la ocasión para armar un cierre fastuoso, un poco a lo GENESIS con JEFF BECK. Con un suave diálogo de bajo y guitarra se anuda el último lazo de este hermoso paquete musical que desde ya anunciamos como un primer cénit del disco. Con el peculiar título de ‘Balada Para Un Sordo’, MARANIA nos obsequia un sereno ejercicio de jazz melódico y cautivador – un poco a lo PAT METHENY – sobriamente ataviado con atmósferas progresivas que tal vez tienen algo de Floydiano. ‘Mahi Mahi’ es la cuarta pieza y está a cargo de impulsarse a partir del aura intimista del tema precedente y crear un colorido más intenso a partir de ahí. Marcado inicialmente por un estupendo solo de sintetizador que suena a una cruza de Jan Hammer y Kit Watkins, poco después se abre campo a la guitarra para que geste una serie de solos evocativos que pasan como flotando alrededor de un lago donde se reflejan imágenes provenientes de un lejano lugar del yo. El segundo de estos solos se explaya sobre un compás intensificado en un tempo inusual, lo cual exige que se le dé más musculatura a los fraseos. Sin duda, otro cénit del álbum.

El tema que ocupa los últimos 13 minutos del álbum es justamente el que le da título a éste. La primera sección se basa en aleatorios juegos percusivos donde los golpes continuos se expanden a granel mientras el teclado y el bajo anuncian el arribo de una instrumentación más articulada. Una vez que las capas se hacen más sólidas, el terreno está preparado para el arribo de una lenta sección rockera basada en un ritmo folclórico, para luego pasar a una instancia un poco más enérgica. Ésta no dura mucho, pues pronto es interrumpida por una exploración cósmica que abre camino a una nueva excursión fusionesca; finalmente, el trío se vuelve a instalar en la palestra rockera con un jam intenso y una coda ceremoniosa que ostenta una sobria magnificencia. Así concluye el repertorio de “Los Vaivenes Del Entorno”, una muy inspirada apuesta por la vertiente más aventurera de a psicodelia progresiva que llega a nuestros oídos de la mano de MARANIA. Hay que prestar debida atención a este grupo, pues su vitalidad y su creatividad son grandes activos para la escena progresiva argentina y de Latinoamérica, en general.

Muestras de  “Los Vaivenes Del Entorno”.-

Una Noche En La Catedral: http://marania.bandcamp.com/track/una-noche-en-la-catedral

Mahi Mahi: http://marania.bandcamp.com/track/mahi-mahi

La segunda ronda belga de ARANIS

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Qué buena noticia es que la gente del ensamble belga-flamenco ARANIS haga un nuevo disco, aunque en verdad se trata siempre de una buena noticia. Esta entidad señera del rock-in-opposition contemporáneo acaba de publicar en octubre pasado “Made In Belgium II”. Tal como señala el título, se trata de un nuevo tributo a las ideas que continuamente emergen en la vanguardia belga; sucede al “Made In Belgium” publicado dos años atrás. Esta vez, el repertorio seleccionado proviene de integrantes de bandas como FES, CRO-MAGNON, MAXIMALIST!, AURÉLIA, etc., además de algunos interludios escritos por algunos integrantes del ensamble mismo. La formación de ARANIS sigue constando de Stijn Denys [guitarra], Joris Vanvinckenroye [contrabajo], Marjolein Cools [acordeón], Liesbeth Lambrecht [violín, viola y violinofón], Pierre Chevalier [piano y canto] y Jana Arns [flautas y canto obsceno… ¿canto obsceno?, pues sí, eso…]. Como invitado aparece en un par de temas Pierre Vervloesem a la guitarra eléctrica. La apuesta del grupo es la de seguir elaborando matices de vanguardia progresiva a su estructura de cámara, una apuesta para la cual cuentan con suficientes niveles de destreza y creatividad como para jugar a ganar. Vayamos a los detalles de este disco.

  

Los dos primeros temas son ‘Skip XXI’ y ‘Hit’, respectivamente: al durar cada uno de ellos más de 6 minutos, ofrecen a la audiencia un generoso margen sonoro como muestra aproximativa de lo que nos espera en el repertorio entero. ‘Skip XXI’ es una pieza extrovertida – incluyendo una pícara risotada en el mismo inicio – donde el contrapunto y la síncopa se hermanan en una fuerza expresiva única y compacta; por su parte, ‘Hit’ tiene una cualidad pictórica única, siendo así que todos los instrumentos involucrados fungen como pinceles que coordinan magistralmente sus movimientos individuales para gestar un paisaje rotundamente colorido. Tras un breve ejercicio de soledad reflexiva de parte del piano para ‘Intermezzo I’ (de autoría de Chevalier), el ensamble saca de sí su capacidad para crear musicalidades sarcásticas y desafiantes en ‘Tolles Pferd’, una pieza que suena a algo así como una retorcida danza de cabaret con algunos coqueteos leves con el modelo de los dos primeros discos de ART ZOYD. En las intervenciones cantadas sale a flor de piel el filo expresivo, en cierto sentido atemorizante, que caracteriza a esta pieza tan grácil y solemne a la vez. Cambiando totalmente de registro a continuación, ‘DSK’ nos sitúa en un paseo relativamente calmado por una serie de sublimes lugares dentro de lo que perece ser un bosque envuelto por una serena atmósfera otoñal. Los diferentes motivos se hilan con perfecta fluidez, manteniendo siempre una constante de suavidad aunque sin llegar nunca a la calidez. La siguiente pieza, ‘Kablamo’, se enfila ahora hacia los ritmos y ambientes de la tradición tanguera, pero claro está, con esa obsesión retorcida por los quiebres y síncopas bizarras que supone uno de los tantos elementos cruciales del paradigma del chamber-rock. Los instrumentos se enlazan y separan bajo la lógica de una aventurera norma de ingeniería sumamente compleja, lo cual permite al oyente captar nítidamente el lirismo inherente a los retorcimientos del cuerpo central.

‘Intermezzo II’ es un misterioso solo de contrabajo – compuesto por Vanvinckenroye – que prepara el camino para ‘Boki’ II, otra muestra de compleja y osada extroversión que ya conocemos dentro del estándar histórico de ARANIS. Los efluvios del piano, que van armándose cuales oleajes de un salvaje río, forman la base sobre la cual se van sosteniendo los aportes bien amalgamados de las cuerdas y maderas. Los momentos más oscuros nos recuerdan inevitablemente al legado de UNIVERS ZERO, pero por lo general, la espiritualidad de esta pieza nos recuerda principalmente al tipo de magnificencia sónica que hemos hallado en el catálogo anterior de la banda, específicamente, en los álbumes “Aranis II” y “Roque Forte”. ‘Chanoi’ es luminosidad pura, una expresión de calidez que ARANIS articula con la maestría de siempre, aunque no por ello supone esta pieza una agradable sorpresa dentro del repertorio. ‘La Vague’ es el primer tema donde aparece como invitado Vervloesem, y se nota, pues la garra del ensamble sale a todo dar durante el desarrollo y afianzamiento de los recovecos inapelables a lo largo de los cuales se construye el motif de la pieza en cuestión. Tras el relajantemente envolvente ‘Intermezzo III’ (regresa el piano pues se trata de una composición de Chevalier), ARANIS se prepara para abordar el tema más extenso del álbum: ‘Cell Stress’ dura poco menos de 10 minutos. Cerrando el disco, ‘Funambul’ regresa de lleno a recursos de lirismo, un lirismo sofisticado y limpio a la vez, donde la arquitectura visionaria de la banda sale a relucir por enésima vez, para beneplácito del oyente. Al modo de un vals con talante folclórico que a lo largo del camino se torna en 5/4 para incrementar su esencial preciosismo, ostenta una otoñal candidez simplemente encantadora.

En ésta, su segunda ronda de tributos musicales a la vanguardia de su país, el ensamble belga ARANIS luce los mejores recursos de su arrollador encanto artístico, recursos que los vienen reforzando continuamente como una de las mayores fuerzas vivientes del chamber-rock de los últimos diez años y más. “Made In Belgium II” es un ítem altamente recomendable para cualquier fonoteca progresiva.

Muestras de “Made In Belgium II”.-

Skip XXI: http://aranis.bandcamp.com/track/skip-xxi  

DSK: http://aranis.bandcamp.com/track/dsk

Cell Stress: http://aranis.bandcamp.com/track/cell-stress

Nuevas historias de THE DEAD-END ALLEY BAND

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la ocasión de apreciar el segundo disco del grupo peruano THE DEAD-END ALLEY BAND “Odd Stories”. Con un talante más colorido y una tendencia un poco más pronunciada a sonidos pesados, el grupo encuadra un nuevo repertorio que cimenta con justicia su buen nombre en la comunidad internacional de amantes de la psicodelia retro. Como siempre, los co-fundadores Javier Kou [voz, guitarras y bajo] y Sebastián Sánchez-Botta [voz, órgano y teclados] conforman el núcleo creativo del grupo, el cual opera ahora como trío con la presencia añadida del baterista Jaime Díaz. “Odd Stories” ha sido publicado en edición de vinilo, en primer lugar, por el sello alemán Nasoni Records, mientras que el sello local Inti Records ha hecho lo propio en formato de casete, y también está en los planes inmediatos del grupo tener la versión de CD del disco en cuestión, por vía de Tóxiko Records, también peruano. Vayamos ahora a los detalles del repertorio de “Odd Stories”.

‘The Nightmare Goes On’ inaugura el repertorio con un despliegue vitalista de vigor sonoro, un vigor desarrollado a través de una rigurosa sofisticación en cambios de ambiente muy efectivos: comenzando como un blues-rock de espiritualidad tétrica, el intermedio vira hacia un jam intenso y ácido que nos remite a la época seminal del space-rock… aunque pudo ser más largo para explotar cabalmente su innegable gancho. El concepto general de esta pieza de entrada se conecta con algunas ideas vertidas en el disco debut. ‘Devil’s Mask’ y ‘Blue At Distance’ son canciones más cortas donde el grupo elabora grooves concisos y bien delineados: en ‘Devil’s Mask’ disfrutamos de un ameno ejercicio de garaje rock, mientras que ‘Blue At Distance’ nos remite a lánguidas observaciones introspectivas en un marco cósmico. La primera mitad del álbum se cierra con la canción más larga del repertorio: ‘Lost Again’, que ocupa un espacio de 8 minutos. Este tema nos muestra el tipo de legado Floydiano que la gente de THE DEAD-END ALLEY BAND hace parte de su esquema artístico; el jam lento que sirve de cuerpo central refleja un sano equilibrio entre serenidad y tensión emocional. Por su parte, ‘The Cosmic Cry Out’, un alucinado vuelo instrumental, abre la segunda mitad del álbum en clave de blues-rock progresivo donde se reincide en el factor Floydiano, aunque también con matices de la psicodelia primigenia de fines de los 60s. Con la grácil espiritualidad al estilo de THE DOORS de ‘Distress’ y el tenebrismo etéreo de ‘Silvergreen Theme’ nos muestra la banda nuevos recursos para seguir la pista de su propuesta. Los aportes del guitarrista invitado Leonardo Alva a la primera guitarra son cruciales para concretar el resultado final.

Acercándonos al final del disco, ‘Look Away & Fake (A Green Breeze’s Odd Story)’ elabora una explayamiento de la languidez intensa y bien remozada que antes habíamos disfrutado en ‘Devil’s Mask’ pero con una electrizante emotividad propia de ‘Lost Again’. Es como el eslabón recobrado entre estas dos instancias temáticas, y como tal, gesta un cénit particular del álbum. Este cénit se perpetúa eficazmente en la última canción, titulada ‘Half Dead’: en efecto, esta canción se basa en un llamativo ejercicio de psicodelia pop de vieja escuela, mezclando fluidamente los legados de THE DOORS (sonido de su álbum “Strange Days”) y IRON BUTTERFLY, dándole un filo un tanto tenebroso al asunto para reforzar el gancho y el vigor inherentes a la pieza. Todo esto fue “Odd Stories”, el álbum que refuerza el posicionamiento de THE DEAD-END ALLEY BAND como una referencia a tomar en cuenta dentro de la escena retro de la vanguardia rockera del momento.

Muestras de “Odd Stories”.-

The Nightmare Goes On: http://deabperu.bandcamp.com/track/the-nightmare-goes-on

The Cosmic Cry Out: http://deabperu.bandcamp.com/track/the-cosmic-cry-out

MY BROTHER THE WIND, en un nuevo tiempo y un nuevo espacio

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy se da la afortunada ocasión de virar nuestras mentes y oídos a unos suecos que conocemos de antes, los del cuarteto MY BROTHER THE WIND: hacemos esto por motivo de su nuevo registro fonográfico de estudio “Once There Was A Time When Time And Space Were One”, publicado por el sello Free Electric Sound (en asociación con Laser’s Edge) a inicios de octubre, tanto en formato digital como de vinilo. La formación actualmente operativa consta de Mathias Danielsson [guitarras eléctricas y acústica de 12 cuerdas, flauta dulce tenor], Ronny Eriksson [bajo], Nicklas Barker [guitarras eléctricas y acústica de 12 cuerdas, mellotrón] y Daniel Fridlund Brandt [batería, percusión]; o sea, el grupo cuenta ahora con nuevo baterista. De hecho, la presencia de Brandt ya quedaba registrada en el disco en vivo “Live At Roadburn 2013”. La dinámica para elaborar y registrar este material de “Once There Was A Time When Time And Space Were One” ha sido la misma que en los dos discos precedentes – “Twillight In The Crystal Cabinet” y “I Wash My Soul in the Stream of Infinity” –, o sea, encerrarse en el estudio en un solo día (en este caso, un día de enero del 2013) y hacer estructuraciones improvisadas de ideas musicales mínimamente delineadas, gestando así aventuras psicodélicas al ritmo del flujo de las ideas del momento.

El repertorio del álbum se abre con ‘Prologue’, que es justamente eso, un breve prólogo cósmico que gentilmente desata las cuerdas del navío de ‘Song Of Innocence’ para que se explaye en su crucial odisea. Esta composición que consta de dos partes – expandiéndose sucesivamente en un total de 11 ¾ minutos – instaura tempranamente un punto de referencia para el repertorio integral. La primera parte es contemplativa, ostentando un nivel sabiamente contenido de aguerrida expresividad sobre un medio tiempo que ayuda a capitalizar la ambientación ensoñadora predominante; la segunda parte emerge como un vendaval visceral que brilla con una luminosidad agresiva, notoriamente influida por el modelo del HAWKWIND pre-1974 y, hasta cierto punto, también de GURU GURU. El carácter extrovertidamente afilado de la segunda parte de ‘Song Of Innocence’ alimenta idóneamente la expectativa ante la furia space-rockera que articula el siguiente tema, ‘Into The Cosmic Halo’, una furia que no se niega a incorporar grooves propios de la tradición del stoner. El solo de guitarra que entra a tallar a poco de pasada la barrera del cuarto minuto grita la influencia del paradigma de BLACK SABBATH. Para ‘Misty Mountainside’, Fridlund Brandt y Eriksson intercambian roles con el primero tocando el bajo y el segundo aplicándose a las congas; mientras los otros dos se reparten la guitarra acústica y la flauta dulce, el ensamble está listo para regalarnos un viaje sonoro etéreo en clave de acid-folk, muy en onda con el legado de AMON DÜÜL II y los patrones de la psicodelia con raíces étnicas exóticas.

La otra composición larga del disco es ‘Garden Of Delights’, y de hecho es la más larga, durando 12 minutos. El grupo empieza a dejar la vitalidad robusta y cruda del space-rock para asentar sus nuevos paseos sonoros por las carreteras destellantes del krautrock, repletas de punzante espiritualidad, envuelta por una bruma mágica: ASH RA TEMPEL y AGITATION FREE son los principales referentes inspiradores para las armazones incansables de los guitarreos y el groove solemne concretizado por la dupla rítmica. El pasaje final, al estar marcado por capas de mellotrón, aviva la ilusión de estar metidos en un ensueño iluminado por las llamas de algún tipo de pentecostés; también se nota un cierto aire Crimsoniano en esta atmósfera conclusiva (etapa 73-74). ‘Thomas Mera Gartz’ funge como una especie de coda de ‘Garden Of Delights’ con sus capas minimalistas que parecen inundar el espacio en una serie de ensoñadores surcos de maelstrom, a la vez que prepara el terreno para la penúltima pieza del álbum, justamente la homónima. La estructura de ésta nos devuelve al área de la psicodelia étnica, reclamando sobriamente los ecos krautrockeros heredados de ‘Garden Of Delights’ (como una cruza entre AGITATION FREE y GILA). Engarzándose con ‘Once There Was A Time…’, ‘Epilogue’ se encarga de cerrar el repertorio con un jam penetrado por una estupenda ambientación flotante sobre un ágil esquema rítmico en 6/8: dueño de un vitalismo elegante, este epílogo ahonda en el aspecto íntimamente lírico de la banda.

Como resumen final, casi tres cuartos de hora de esplendor prog-psicodélico nos brinda el repertorio de “Once There Was A Time When Time And Space Were One”… como no podía ser de otro modo, teniendo en cuenta que se trata de una obra gestada por MY BROTHER THE WIND. Esta asociación de Matthias Danielsson, Ronny Eriksson, Nicklas Barker y Daniel Fridlund Brandt ha gestado un aporte sumamente valioso a la hora de gestar nuevos tiempos y nuevos espacios para el estándar del rock progresivo psicodélico contemporáneo. ¡Sumamente recomendado!

Muestras de “Once There Was A Time When Time And Space Were One”.-

Song Of Innocence [grabando el tema en el estudio]: https://www.youtube.com/watch?v=GHXgmjaZDmo

Into The Cosmic Halo: https://www.youtube.com/watch?v=7Sn8aqjoWuc