Las 3 primeras fantasías sinfónicas de HYACINTUS

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

HYACINTUS es el pseudónimo de Jacinto M. Corral, un excelente multi-instrumentista e inspirado compositor argentino formado en ambientes de conservatorios que, a inicios del milenio, comenzó una más que interesante carrera fonográfica dentro del rock progresivo sinfónico. En efecto, su primer CD “Elydian” salió al mercado por vía del sello Viajero Inmóvil – primera publicación de dicho sello – en el año 2002, causando una agradable sorpresa entre los coleccionistas del género que se preguntaban cómo se seguiría desarrollando el ideal del rock progresivo tras la avalancha que se gestó en el así llamado revival de los 90’s. Pues bueno, “Elydian” es un trabajo de corte conceptual, basado en un relato de Theo Sperzeld que narra una historia de opresión, rebeldía y liberación final, una historia de la lucha de los individuos y las comunidades contra un poder omnívoro y cruel, lo cual lleva a la muerte del protagonista Dulbeck a significar el acto de heroísmo más radical. HYACINTUS se hace cargo de todos los teclados, todas las guitarras eléctricas y acústicas, el bajo, el cello, el violín, y también las percusiones electrónicas MIDI. Con la ayuda ocasional de colaboradores a la batería (Ed Martínez), las percusiones (Víctor Sánchez) y el clarinete (Ariel Sánchez), HYACINTUS logro completar esta secuencia de 13 temas, las mismas que fueron mezcladas y masterizadas por el mismo en su propio centro de grabación bonaerense, Temporal Studios, entre setiembre del 2001 y marzo del 2002.

El estilo progresivo de HYACINTUS es típicamente sinfónico, tal como corresponde a su formación académica y finas habilidades interpretativas. Densas capas y texturas de teclado, solos marcadamente melódicos de guitarra y sintetizador, y pasajes musicales de corte barroco, estos son los rasgos más prominentes y recurrentes en el material de ‘Elydian’. Como guitarrista, las mayores influencias de HYACINTUS parecen ser MIKE OLDFIELD y ANDU LATIMER, mientras que como tecladista, RICK WAKEMAN resulta la referencia más notoria (de hecho, el nombre de este último aparece en la lista de agradecimientos por inspiración). Hasta cierto punto, este disco puede describirse como

un cruce entre el concepto de “Journey To The Centre Of The Earth” y “Nude”, pero quisiéramos aclarar que estas referencias deben ser de utilidad solamente descriptiva: ciertamente, también hay una sensibilidad melódica muy personal que se trasluce a lo largo de los 54 minutos que dura “Elydian”. Tal como se indicó más arriba, las partes percusivas son en buena parte programadas, pero el resultado sonoro no es tremendamente frío pues nunca se da un abuso en el empleo de la tecnología en detrimento del factor melódico: de hecho, la melodía es la gran protagonista aquí y eso se nota evidentemente en los números más suaves, los más logrados del disco en nuestra opinión: el tema homónimo de apertura, ‘Marcha Hacia Elydian’, ‘Dubiel’ y el tema de cierre ‘Final’ exhiben una gran belleza formal, destilando a su vez una genuina emotividad; por su parte, ‘Preludio’, basado en una secuencia de arpegios de guitarra clásica, es un claro ejemplo de suprema fineza desarrollada con una luminosidad imperiosamente ceremoniosa. ‘El Costo Del Tributo’ se centra en una majestuosidad grisácea, propia de la ansiedad que sufre la humanidad oprimida, lo cual abre el camino para que ‘Creciendo Con Su Secreto’ explore una dulzura etérea y relajada, al modo de un misterio que esconde una luz que promete ser expansiva para un horizonte positivo.

Es en los números más agresivos donde encontramos los puntos menos fuertes del repertorio de “Elydian”, aunque es innegable que exhiben muestra de exquisita labor compositiva y un encuadre performativo solvente. ‘Overlay’ y ‘La Batalla’ no logran expandirse totalmente en sus potenciales épicos inherentes, con la salvedad de que la primera de estas piezas mencionadas goza de una explosividad tremendamente llamativa para el oyente empático. En todo caso, el acento épico se siente más logrado en ‘Adiestramiento Y Preparativos’ a pesar de tratarse una pieza menos frenética que las otras dos. La dupla de ‘Destrucción Y Desolación’ y ‘Dolor En El Alma’ se explaya en delicadas armazones sinfónicas muy propias del estándar de THE ENID, siendo así que las ágiles orquestaciones de cuerdas, maderas y bronces (aplicadas a los teclados) logran transmitir un retrato de estupor y tristeza a través de sus patentes recursos de colorido sonoro. Como es de esperar, la expresividad de ‘Destrucción Y Desolación’ ostenta un aura más extrovertida que la de ‘Dolor En El Alma’, la cual se focaliza en una espiritualidad melancólica y reflexiva. Un poco más adelante, en ‘Recorriendo Las Calles’, el ensamble se explaya más en el boato sinfónico, logrando así exhibir un espíritu más proactivo, incluso con un talante travieso que se manifiesta en varios pasajes estratégicos. El balance final para la experiencia de “Elydian” es bastante positivo pues se resalta como un buen ejemplo de creatividad musical en la escena progresiva sudamericana que se ha venido desarrollando desde inicios del nuevo milenio.

Con su segundo disco, titulado “Fantasía En Concerto” y publicado en el último tercio del año 2003, HYACINTUS nos vuelve a demostrar por qué debe ser considerado como uno de los creadores más inspirados de la escena progresiva sinfónica desarrollada en las regiones latinoamericanas en el nuevo milenio. Dos años despues de “Elydian”, este nuevo disco conceptual no se centra en una narración sino en una experiencia psicológica y existencial: su concepto clave se centra en las sensaciones que a través de un instante experimenta un hombre que asiste a un concierto, un hombre solitario que vive en una casa frente al mar y que aprovecha su experiencia melómana del momento para sentir la música como un flujo de olas que viene y van... hasta que los aplausos finales del publico lo devuelven a la conciencia del “tiempo normal”. Dada la naturaleza cohesiva de este concepto, HYACINTUS se esmera en recrear esta experiencia singular con un repertorio que funciona como una totalidad compacta y bien engarzada a través de cada tema particular. El recurso de los breves nexos (interludios con numeración impar) que aparecen entre los temas principales resulta crucial a la hora de crear y mantener esa unidad: dicho sea de paso, estas piezas impares son extractos de una obra sinfónica que HYACINTUS compuso hace varios años, Fantasía Orquestal En Do Mayor “Terra Hoxe”. Las composiciones dan testimonio del gusto exquisito y talento académico de su autor, con arreglos generales que se muestran incesantemente como impecablemente armados. Los invitados ocasionales son José Luis Hernández (batería), Hugo Bistolfi (teclados), Adrián Barilari (voz), Daniel Sánchez (Stick y bajo), Víctor Sánchez (percusión), Ariel Sánchez (melódica), Ana de Marchi (cello) y Mery (voces). El tenor del disco tira muy claramente hacia lo épico, sostenido mayormente por las fastuosas orquestaciones de teclado. Esta orientación épica resulta eficaz a la hora de resaltar la fuerza expresiva de las melodías y texturas de los temas, ya sea el rockero ‘L’over’, los solemnes ‘Antique Song’ e ‘Íntimo’, el misterioso ‘Relmu Tromen’, y sobre todo, el majestuoso ‘White Mind’, que, en nuestra opinión, constituye el momento más arrebatador del disco.

En todo caso, más allá de estos casos particulares que acabamos de mencionar, queremos recalcar nuevamente que lo que más se destaca en “Fantasía en Concerto” es el sentido de cohesión inteligente que atraviesa y unifica a todas las secciones sucesivas. ‘L’Over’ instaura un gancho frenético que se basa en un electrizante híbrido de JEFF BECK y MIKE OLDFIELD con unas bases de teclados y swing rítmico propios del estándar del CAMEL de los 80’s. ‘Antique Song’ nos remite a las áreas expresivas románticas de THE ENID mientras que ‘Geomelodysong’ nos muestra aires de familia con el manierismo fastuoso de RICK WAKEMAN, ambos temas convincentemente enraizados en senderos de solemne espiritualidad para dar al oyente la impresión de que sus respectivas armazones temáticas están diseñadas para construir un universo paralelo a su alrededor. ‘Relmu Tromen’ nos lleva hacia laderas aún más calmas, es introspección pura que se arroja hacia una niebla desconocida donde algo mágico pero perturbadoramente inasible promete revelarse una vez que la niebla se despegue: los juegos de disonancias que se explayan en el desarrollo temático son suficientemente evocativos. ‘Désir De Liberté’; por su parte, ‘Íntimo’. Ya dijimos que la pieza que más nos impresiona de este disco es ‘White Mind’, y ello se debe a que sintetiza pulcra y convincentemente los aspectos más solemnes del repertorio precedente para reunirlos en un ambicioso esquema melódico donde las vibraciones épicas evocan las masivas imágenes de una epifanía mística. Tras las juguetonas florituras épicas de ‘Terra Hoxe Final’, llega el cierre del álbum: ‘Quién Eres Tú’, una power-ballad orientada hacia el metal melódico, compuesta por el teclista Hugo Bistolfi y el vocalista Adrián Barilari, colegas en bandas como RATA BLANCA y ALIANZA, y de hecho, la canción pertenece al primer álbum del último grupo mencionado. Esta canción tiene la doble función de exponer la voz afirmativa del solitario que halla sentido pleno en la realización de su vida contemplativa y criticar los esquemas de pensamiento discriminatorios. De esta manera, el concepto de “Fantasía En Concerto” culmina con una conmoción emocional poderosa y muy peculiar.  

“Sinkronos” es la tercera obra discográfica de HYACINTUS, publicada en el año 2008. La línea de trabajo aquí plasmada se aparta un poco de los climas preferentemente épicos a los cuales el mencionado segundo disco había dedicado un importante espacio, pero recoge del mismo un gusto por ambientes sonoros modernos dentro del estándar del rock progresivo. Como siempre, “Sinkronos” es un disco conceptual centrado en la misión que recibe un individuo, la misma que solo puede cumplir si deja que la dicha sea su guía: tenemos aquí una estructura narrativa subyacente de manera similar a como operaba el repertorio del disco debut “Elydian”. HYACINTUS usa su arsenal de siempre mientras cuenta con las colaboraciones ocasionales de los bateristas José Luis Hernández y Ed Martínez, el percusionista Víctor Sánchez, Daniel Sánchez alternando roles al bajo y al Stick, y las vocalistas Ada Guitart y Ana Tirigall.

El disco comienza abriendo las puertas de la extroversión con un pegadizo ritmo de rock blueseado, sobre el cual se explayan los guitarreos y las orquestaciones de teclado con un claro acento estilizado: la pieza de apertura específicamente se titula ‘Mission Dadá’ y está diseñada para llamar la atención de manera directa sin apelar a lo pomposo. ‘Hipno Délfico’ torna hacia un aura ensoñadora y evocativa, marcada principalmente por las elegantes bases de piano y guitarra acústica en triangulación con las coloridas texturas de teclado: aquí hallamos un híbrido entre WAKEMAN y el VANGELIS contemporáneo. ‘Ritual Lunar (El Fraude)’ perpetúa la solemnidad estilizada de la pieza precedente y la lleva a una dimensión más marchosa, similar a la faceta más fastuosa de THE ALAN PARSONS PROJECT (77-79). Personalmente, sentimos que la producción de sonido y los arreglos instrumentales debieron focalizarse en crear una sonoridad global más llena para esta ocasión, pero definitivamente no cabe duda de que se trata de una composición bien lograda: el uso de una guitarra acústica a lo bossa nova en la coda es un simpático adorno inesperado. Después siguen dos series de tres temas cada una, ‘Sueño 1’ y ‘Sueño 2’. La primera de estas trilogías comienza con ‘Shakespeare! (Ethical) (Andante)’, un ejercicio de rock sinfónico más sólido en comparación con ‘Ritual Lunar’: la integración de compases étnicos dentro del engranaje elaborado por la sección rítmica resulta magníficamente lograda. ‘Explore (Plan SEA) (Largo)’ tiene una solemnidad conmovedora a pesar de su sobriedad: los evocativos fraseos de piano y las dinámicas cortinas de teclado apelan, nos parece, a una sensación de soledad. ‘Implacable Kronos (Presto)’ se explaya en el dinamismo rockero, instaurando un ambiente de rock duro melódico con varios ornamentos de raigambre orquestal. A medida que nos acercamos al final de los 6 ½ minutos que dura esta pieza, las cosas se ponen gradualmente más pomposas, antes de que llegue una hermosa coda de guitarra clásica dibujada con tonalidades barrocas. Sin duda alguna, ‘Implacable Kronos’ impone un implacable clímax para la idea de ‘Sueño 1’.

La otra serie tripartita, ’Sueño 2’, comienza con un ‘Asoma (SErA) (Allegro)’ que recoge mucho de las cadencias y ambientes ya plasmados en ‘Mission Dadá’ y en ‘Shakespeare’, aunque se reconoce un tenor sinfónico más pronunciado. ‘Heart Place (Lento)’ establece una envoltura pomposa para los retazos melancólicos dibujados por la guitarra clásica y las diversas capas armónicas de teclado. La naturaleza envolvente de la pieza la hace sobresalir dentro del repertorio. También sobresale ‘Mission Recordada (Vivace)’, primeramente por ser la pieza más extensa con sus 10 minutos de duración, pero también por su inteligente armazón de motivos y ambientes sinfónicos. El despliegue de lucidez creativa no tiene ningún altibajo en el largo espacio destinado a esta pieza, la cual oscila fluidamente entre pasajes marcados por una pomposidad atrapante y otros signados por una sobriedad cristalina, aunque, claro está, son los primeros los que ocupan espacios preferentes. La serenidad etérea de los últimos momentos de ‘Mission Recordada’ se condice perfectamente con el talante de ‘VESENEVI (Largo)’, la cósmica cantata de menos de tres minutos con la que concluye el disco. Se trata de un cierre muy efectivo tras el clímax tan señorial que se impuso a lo largo de la secuencia de las dos piezas anteriores, las cuales se erigen como muestras máximas de la inteligencia artística de HYACINTUS dentro del repertorio de “Sinkronos”.

Como balance general, apreciamos en “Sinkronos” las cualidades artísticas que reflejan con suficiente claridad la convicción que tiene HYACINTUS para asentarse en un lugar propio dentro del rock sinfónico para nuestros tiempos. Los temas ‘Hipno Délfico’, ‘Shakespeare! (Ethical)’, ‘Heart Place’ y ‘Mission Recordada’ son nuestros favoritos de “Sinkronos”. En general, la serie de estos tres primeros álbumes de HYACINTUS muestra una solidez solvente e inteligentemente articulada en lo que supone la creación de música progresiva  sinfónica para nuestros tiempos, siendo “Fantasía En Concerto” nuestro preferido del lote.

Muestras de HYACINTUS.-

Elydian: https://hyacintus.bandcamp.com/track/acto-i-elydian

Adiestramiento Y Preparativos: https://hyacintus.bandcamp.com/track/acto-x-training-preparation

L’Over: https://hyacintus.bandcamp.com/track/lover

White Mind: https://hyacintus.bandcamp.com/track/withe-mind

[Esta retrospectiva contiene información originalmente publicada en los siguientes enlaces del blog La Caja De Música: http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/hyacintus_elydian.html + http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/hyacintus_fantasiaenconcerto.html + http://www.dlsi.ua.es/~inesta/LCDM/Discos/hyacintus_sinkronos.html]

La esencia vitalista de SPECIAL PROVIDENCE se mantiene firme

 

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La banda instrumental húngara SPECIAL PROVIDENCE vuelve al ruedo tres años después de su trabajo anterior “Soul Alert” con “Essence Of Change”, un disco que derrocha una musicalidad bastante solvente dentro del área jazz-prog-metalera. La conformación actual del cuarteto está integrada por el teclista Zsolt Kaltenecker, el guitarrista Márton Kertész, el bajista Attila Fehérvári y el baterista Adam Markó: o sea, hay un nuevo integrante a cargo de los instrumentos de teclado, y tal vez sea ésa la razón por la cual este nuevo disco, el cuarto en la trayectoria de SPECIAL PROVIDENCE, tiene ese título. Como se sea, tenemos aquí un muestrario atractivo y efectivo de la propuesta musical que SPECIAL PROVIDENCE expone para la galería internacional del género progresivo de nuestros días: un eclecticismo vigoroso y colorido de prog-metal, jazz-prog y sinfonismo estandarizado. Veamos ahora los detalles de “Essence Of Change”, ¿vale?

 





 

Abre el repertorio del álbum ‘Awaiting The Semicentennial Tidal Wave’, y lo hace brindando 4 ¼ minutos de elegante vigor sonoro, siendo así que los sucesivos solos de guitarra y sintetizador brindan una aguerrida luminosidad y garra mientras la dupla rítmica hace un uso inteligente de grooves sincopados a través del desarrollo temático de la pieza. Sin duda, un inicio muy efectivo. ‘Surprise Me’ sigue a continuación para poner un poco más de sutileza en el ambiente, manejándose más cerca del área del jazz-rock con base funky (un poco a lo RETURN TO FOREVER y a lo TRIBAL TECH) que del prog-metal, aunque también hay espacio para elaborar algunos riffs pesados. La tercera pieza, titulada ‘Kiss From A Glacier’, repite el aura estilística de la pieza precedente y se pone a elaborar una serie más compleja de variaciones temáticas que van y vienen de áreas sinfónicas y jazz-progresivas con solvente fluidez. Esto es propio del estándar de la línea de trabajo retro-progresiva que apreciamos en varias bandas de las dos últimas décadas (KARMACANIC, THE FLOWER KINGS, BRIGHTEYE BRISON). ‘Northern Lights’ se encarga de llevarnos de regreso a las modalidades vibrantes y llamativas de la pieza de apertura, aunque es evidente que la dosis de vigor expresivo es mayor en comparación. Cuando emerge ‘Atlas Of You’, creemos que el espíritu general del álbum ya está netamente expuesto, por lo que solamente nos queda esperar que el resto del material mantenga el gancho melómano… y ciertamente lo hace. ‘Atlas Of You’ nos muestra una mezcla perfecta de TRIBAL TECH y PLANET X, y acto seguido, ‘I.R.P. (Interstellar Robotic Pilgrim)’ nos lleva hacia el sendero del prog-metal estilizado (un poco a lo SCALE THE SUMMIT).

 



 

‘Darkness’ se mete de lleno en las arenas del jazz-rock en base a los bellísimos oleajes de piano sobre el que se basa el desarrollo melódico. Realmente hay una excelencia majestuosa penetrando todas las facetas y esferas de esta pieza que empezamos a extrañar apenas termina, pero todavía nos aguarda ‘Gas Giant’, un tema donde la banda vuelve a explorar las aristas más prog-metaleras de su propuesta musical. La presencia del invitado David Maxim Micic, guitarrista de origen serbio que actualmente cuenta con una interesante trayectoria solista en el campo del jazz-prog-metal, y además, es estudiante en la Berklee College of Music. Todavía queda un tema para completar el repertorio: ‘Testing The Empathy’, originalmente publicado a fines del año 2013 con Zoltan Cséry en el rol de teclista, cuando el grupo estaba en fase de proyectarse al disco sucesor de “Soul Alert)… a la sazón, este disco que tenemos en nuestras manos. Este tema de cierra supone un verdadero broche de oro para “Essence Of Change” por su dinamismo llamativo, claramente centrado en los rasgos esenciales de la banda. Las partes de teclados nos remiten a un peculiar híbrido de JAN HAMMER y RICK WAKEMAN, mientras que el ensamble integral exhibe su esencial musculatura con la soltura de siempre. Todo esto fue lo que encontramos en esta nueva placa fonográfica de SPECIAL PROVIDENCE: se trata de una experiencia agradable y estimulante para el público progresivo actual, es idóneamente sofisticado y porta una frescura innegable en sus esquemas sonoros.

 

Muestras de “Essence Of Change”.-

Surprise Me: https://specialprovidence.bandcamp.com/track/surprise-me

Kiss From A Glacier: https://specialprovidence.bandcamp.com/track/kiss-from-a-glacier
Testing The Empathy [vídeo-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=_Q-ZzpWFEcw

El caleidoscopio post-rockero de KOPF HOCH

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Hoy se da la ocasión de presentar al ensamble instrumental alemán KOPF HOCH y su disco “Good Afternoon, Gentlemen”. El grupo, fundado en el 2011, está conformado por el baterista Andreas Knape, los guitarristas Robert Svhwarz y André Neumann, y el bajista Markus Bauer. Las tres composiciones que forman parte de  “Good Afternoon, Gentlemen” fueron grabadas y producidas entre agosto del 2014 y enero del 2015, siendo en este último mes que se dio la publicación del disco en sí. La banda cultiva un post-rock lo suficientemente ágil como para coquetear liberalmente con el post-metal que se inspira básicamente en los paradigmas de MOGWAI, RUSSIAN CIRCLES e ISIS, sin pasar por alto algunos factores inspirados en el PINK FLOYD añejo (pre-“Meddle”) y el krautrock guitarra-céntrico. Este disco dura alrededor de 40 minutos, siendo más extenso que sus dos trabajos anteriores – “Dein Ändem Leben” y “Camaieu” –, los cuales pueden ser considerados como EPs propiamente dichos.

‘140628’ da inicio al catálogo de “Good Afternoon, Gentlemen” inaugurando su travesía sonora con un extracto de un monólogo de una película, para luego mostrarnos al cuarteto elaborando un compás marcial con actitud relativamente sigilosa. De esta manera, el ambiente se asienta convincentemente para que se instaure el cuerpo central, el cual está marcado sobre un medio tiempo y se deja llevar por los guitarreos en el armado cadencioso de los motivos centrales: a veces sobrios, a veces densos, esos guitarreos siempre portan una magia especial que se apoya en la intensidad psicológica de esa oscuridad nebulosa que late en el interior del ego. ‘Mississippi’ comienza con capas etéreas de las dobles guitarras que parecen retratar un tránsito fluvial; ya cuando se encuentra el grupo íntegro en acción, nos topamos con un motivo central cálido que es manejado con un vigor controlado, un recurso útil para mantener la atmósfera general de la instrumentación bajo un aura ensoñadora. A poco de pasada la barrera de los 5 ½ minutos, el grupo elabora un breve interludio donde saca de sí su filo rockero más árido y se pone a traducir lo ensoñador en un ímpetu espiritual rebosante de luminosidad. Cuando el grupo vuelve a la serenidad anterior, algo ha cambiado: la dupla rítmica porta un vigor especial que le permite aportar recursos de sofisticación a los nuevos motivos, los cuales alternan la introspección absoluta con la expresividad flotante. ‘Kaleidoskop’ cierra el álbum con una actitud de mostrar las vibraciones más extrovertidas del ideario musical del cuarteto: en líneas generales, se trabaja más fehacientemente con agudos en varios desarrollos melódicos, mientras que la labor del baterista se siente más suelta y agresiva. En los momentos cuando se realza las capas de guitarras rasgueadas predominan un espíritu de exaltación emocional y una robustez absorbente; finalmente, hay abiertos coqueteos con el estándar del stoner durante el clímax más pesado. Cuando la languidez cósmica envuelve el pasaje final de ‘Kaleidoskop’ es como si volviéramos al clima general del primer tema del álbum – se cierra así el círculo de ideas musicales por el cual ha transcurrido el disco.

“Good Afternoon, Gentlemen” es un disco ameno de escuchar, generoso en vibraciones rockeras dentro de los estándares de expresividad potente propios de cualquier modalidad extrovertida del discurso rockero. En este caso específico de KOPF HOCH, ha resultado para nosotros una muy agradable sorpresa en nuestras indagaciones sobre las novedades de los escenarios del post-rock y del post-metal; vale la pena seguir la pista a este trío.

Muestra de “Good Afternoon, Gentlemen”.-

Kaleidoskop:  https://kopfhoch.bandcamp.com/track/kaleidoskop

Una mirada a LA GRAN PÉRDIDA DE ENERGÍA

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy es tiempo de presentar a LA GRAN PÉRDIDA DE ENERGÍA, uno de los grupos más notables de la escena post-rockera argentina. Conformado por los guitarristas José Delgado y Salvador Barcellandi, el bajista - Hernán Aguilar y el baterista Lisandro Marquez, este cuarteto con tan peculiar nombre se formó a inicios del año 2007 en Villa La Angostura (en la provincia del Neuquén). En esa época, estos jóvenes inquietos grabaron y publicaron de forma independiente su EP “Volvemos En 10 Años”, y eso fue todo. Más bien… por el contrario, eso no fue todo, pues en el año 2010, los cuatro músicos se reencontraron en esos misteriosos e impredecibles recovecos múltiples que se despliegan en el camino de la vida: repartidos en lugares cercanos (Buenos Aires, La Plata y Palomar), los músicos se dieron fácil maña para coordinar su reunión, volver a la actividad de tocar y componer nuevo material, cosa que se terminó concretando en la grabación de su primer CD de larga duración, el mismo que lleva como título el nombre de la banda. “La Gran Pérdida De Energía” se publicó a inicios del 2012, y es el disco que pasamos a reseñar en esta ocasión.





 

‘El Mes Del Viento’ da inicio al repertorio con un despliegue de etérea musculatura que, al estar articulada dentro de un esquema rítmico lento, genera una aureola de densa languidez, logrando así remecer la mente del oyente desde el punto de partida con una melancolía otoñal. Trabajando en esa misma languidez pero brindándole un poco más de calidez a la manera del anuncio de las primeras luces primaverales en los últimos días de otoño, ‘Balsa’ navega fluida y sostenidamente sobre aguas serenas bajo el signo de los japoneses MONO, notándose también algún aire de familia a EXPLOSIONS IN THE SKY. La excursión no es muy larga – la pieza solo dura poco menos de 4 minutos – pero el paisaje sonoro que proyectaba el grupo quedó bien asentado. Luego sigue ‘DO!’, pieza que nos remite a un evocativo punto intermedio entre el RADIOHEAD del “OK Computer” y el MOGWAI de los primeros discos: la cuidada arquitectura armónica de los guitarreos porta un talante razonablemente ágil por obra y gracia del groove elaborado por la dupla rítmica. Durando poco más de 9 minutos, ‘Bajo El Manzano’ es el segundo tema más extenso del álbum. Su estrategia sonora va por la línea de MONO, siendo así que su vibración melódica tan bien dibujada se beneficia, en ciertas ocasiones puntuales, del empleo de un swing jazz-progresivo: es en esos instantes que el legado de esa leyenda llamada INVISIBLE se nos viene a la cabeza. Luego sigue ‘De Los Que Viven Bajo El Agua’: en su primera sección, sigue explorando esa vitalidad contenida y envolvente que hemos disfrutado en la pieza precedente; en la segunda sección, el grupo decida intensificar las cosas y desarrollar un híbrido de psicodelia progresiva y post-punk, lo cual implica que el cuarteto ejerce una soltura vitalista muy eficaz para renovar la ilación del repertorio.

Durando poco más de un minuto, ‘▲’ es un soundscape de guitarra que abre la puerta al arribo de ‘Asia’. Esta pieza capitaliza el vigor expresivo que había signado a ‘De Los Que Viven Bajo El Agua’ y lo lleva hacia una electrizante exhibición sonora que ostenta muchas huellas propias del paradigma space-rockero: podemos describir esta pieza como un borrador de un tema incompleto de MONO que cayó en manos de la gente del grupo escandinavo CAUSA SUI y le hizo un arreglo completo propio bajo la guía de un integrante de EXPLOSIONS IN THE SKY. Siendo la pieza más extensa del álbum con sus 11 minutos de duración, ‘Diente De León’ también está a cargo de finalizar el repertorio del mismo. Debido al amplio campo de desarrollo musical que el grupo se otorga para la ocasión, el cuarteto se regodea en ahondar en los núcleos temáticos utilizando su nervio expresivo con muy buen criterio. Tenemos una sección inicial sostenida sobre un lento compás de 3/4 donde lo lírico se impone con convincente sutileza, seguida de una segunda sección en la que el grupo se explaya en un atractivo delirio extrovertido, más metido en el estándar de la psicodelia progresiva que el post-rock per se. Dura demasiado poco, pero esta sección determina que la siguiente, retornada a un clima lánguido y meditabundo, ostente una robustez atrapante y vitalista: los juegos armónicos de las guitarras duales portan una sofisticación efectiva, guiando sobriamente a la instrumentación global hacia lo que parece ser el remanso final. Pero no… todavía hay algo más para el cierre: un broche rotundo donde se realiza algunas asperezas mágicas en los guitarreos cuales últimos destellos de luz solar antes del definitivo ocaso. Un muy buen cierre para este estupendo disco que es “La Gran Pérdida De Energía”.



 

Es recomendable anotar el nombre de este disco y el del grupo en cuestión, pues la gente de LA GRAN PÉRDIDA DE ENERGÍA sigue activa, y de hecho, en los últimos meses de 2014 publicó su tercer trabajo bajo el título de “El Otro Continente”, un EP publicado por el sello Fuego Amigo Discos. No hablaremos de él en esta ocasión pero sí aprovecharemos todo lo dicho sobre “La Gran Pérdida De Energía” para recomendar a todo seguidor de las nuevas vanguardias del rock a mantenerse atento a lo que hace esta banda que lo último que hace es sufrir de pérdida de energía.

 

Muestras de “La Gran Pérdida De Energía”.-

De Los Que Viven Bajo El Agua: https://lagranperdidadeenergia.bandcamp.com/track/de-los-que-viven-bajo-el-agua-2
Diente De León: http://lagranperdidadeenergia.bandcamp.com/track/diente-de-le-n
El Mes Del Viento [vídeo-clip]: https://www.youtube.com/watch?v=fXHvsGuNwc8

 

La ofrenda confluyente de MONTIBUS COMMUNITAS y Ø+YN

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En esta ocasión recordamos el momento en que el colectivo peruano MONTIBUS COMMUNITAS y el argentino Ø+YN sumaron esfuerzos en una comunión de vanguardia sonora radical para gestar el ítem fonográfico “Offerings For The Destroyer”. Esta asociación se concretó en algún momento de la segunda mitad del año 2013 con Bryan Buckt [flautas de Pan, tambura, chachas y canto], Matías Zanotto [guitarra acústica, campanas, quena y platillos], Pablo Picco [violín, campanas y platillos] y Gustavo Valerga [sitar, campanas, chacchas y canto]… además de un desconocido espontáneo que aportó también algo de percusiones e invocaciones demoníacas. Lo que tenemos en “Offerings For The Destroyer” es un extenso jam en clave de acid-folk psicodélico titulado ‘Prepare Bhang At Dawn’, el mismo que se elaboró en el contexto de un festival de música experimental que tuvo lugar en Lima ; el lugar fue el Círculo Bar, en el distrito de Barranco, y Luis Alvarado fue el encargado de registrar la susodicha actuación. El concepto que sustenta el jam registrado aquí se expresa en estas palabras: “I salute you, that sown the first seed of Ganja, from which grows my knowledge of you. I've left the world behind and, looking inside myself with red eyes, I live you in the intoxication.” Estas palabras aparecen registradas tanto en la edición de casete (publicada en abril del 2014 por Sky Lantern Records) como la de CD (publicada por Reverb Worship).

Con un drone que se instaura de manera fluida y convincente, las cosas se ponen en marcha con un llamado de flauta y los primeros matices de sitar y tambura, siendo finalmente estos dos últimos instrumentos los que van asumiendo el rol protagónico mientras se arma una primera sección relativamente definida. El violín aparece en el paisaje con la intención de brindar una etérea musculatura amenazante por un buen rato, cosa que hace por vía de una eficaz estrategia minimalista. No importa si empieza a estructurarse algo, pronto se da una labor de descoyuntamiento guiada por las vibraciones aleatorias de las percusiones, lo cual genera una sensación de estar preparándonos para una inminente revelación cósmica que destrozará todas las certezas de nuestros esquemas mentales habituales. Una segunda sección definida consiste en una danza guiada por la flauta de Pan, lo cual simboliza un momento de exaltación mental ante lo que parece ser la celebración del acceso a un conocimiento superior… un trance que necesita también de intervenciones vocales para dar a entender el entusiasmo del momento, un trance que gradualmente aumenta su grado de frenesí rítmico. Al llegar a la frontera del minuto 21, el trance termina para abrir paso a la preparación de una próxima explosión emocional rotunda: los juegos vocales que se reparten emisiones onomatopéyicas y gemidos neuróticos regulan una nueva danza, esta vez de almas poseídas por una luz misteriosa. Poco antes de llegar al minuto 27 ½, el ensamble vuelve a las proyecciones aleatorias para llevarnos a un lugar parecido al del principio de este viaje musical, y de hecho, allí se queda hasta el final. De este modo se cierra el círculo, pero además, cabe señalar que estos últimos minutos están signados por una relajación densa: es como si al regresar al punto de partida el espíritu estuviera cargando con las huellas vivas de las ideas y experiencias absorbidas durante el trayecto.

Con esta ocasional colaboración que supuso “Offerings For The Destroyer” se abrió un camino muy particular dentro de la evolución de la vanguardia sudamericana, algo muy significativo para la trayectoria de MONTIBUS COMMUNITAS y la magia de Ø+YN: esta ofrenda supuso indudablemente un éxtasis místico traducido al arte del ruido.

2^da parte de ‘Prepare Bhang At Dawn’: http://omasin.bandcamp.com/track/offerings-for-the-destroyer-side-b

MACONDO: “El Eterno Retorno”, otra vez

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Hoy volvemos a centrarnos en el primer disco grabado por el grupo prog-psicodélico peruano MACONDO, “El Eterno Retorno”, el cual fue publicado originalmente en su red virtual de Bandcamp (enlace: http://macondo.bandcamp.com/album/el-eterno-retorno) a fines del año 2011. Este mismo disco fue reseñado a inicios del año siguiente en nuestro blog (enlace: http://autopoietican.blogspot.com/2012/02/macondo-ingreso-y-eterno-retorno-la.html), y la razón por la cual lo volvemos a traer a colación aquí es que en tiempos recientes ha recibido su muy esperada edición física. En efecto, el cuarteto conformado por Camilo Uriarte [guitarra y voz], Iván León [bajo y voz], Ricardo Barreto [guitarra] y Alonso Mejía [batería y percusión] publicó en la primera mitad de junio este ítem, por vía del sello Cuaderno Roto. A propósito, en el estado actual del perfil de Facebook del grupo, los integrantes de la banda responden sucesivamente a los apodos de “Adolfo”, “Pepe”, “Ponny” y “Leandro”. 

Transcribimos ahora el cuerpo central de esa reseña del 2012: “Al iniciarse ‘S. W. Bebop’, el carácter filudo de los arpegios de las dobles guitarras nos pone ya en posición de alerta ante el despliegue de garra que se avecina, y en efecto, el cuarteto pone toda la carne en el asador con su ágil manejo de alternancias entre pasajes agresivos y otros más comedidos, articulando inteligentes variantes rítmicas a medida que avanza el sofisticado desarrollo de los motivos: esta electrificación psicodélica establece fuertes líneas de parentesco con el post-metal. El segundo tema, ‘Retorno’, comienza con una calma grisácea, aparentemente lánguida, pero que en realidad oculta una furia que pronto habrá de surgir de forma sólida y clara: el canto ayuda a asentar la susodicha furia. El grupo refuerza su esencia psicodélica añadiendo matices noise al asunto, así como algún talante cercano al post-punk en el pasaje instrumental de cierre. La primera composición de duración ambiciosa del álbum es ‘Realidad / En Las Puertas Del Infierno’, una pieza que dura 12 minutos. Su línea sonora es potente, emparentada frontalmente con las sazones post-metaleras que ya se habían hecho presentes en ‘S. W. Bebop’ y amplificando su explosividad, además de utilizar riffs y matices de inspiración stoner con un pulso firme y musculatura incandescente. ¿Un híbrido de ISIS, GURU GURU y BLACK SABBATH con participaciones invitadas de LEE RANALDO y STEVE HILLAGE? Así parece que podemos describir la estructura formal de lo que se desarrolla en esta pieza. Después de este hiperbólico e intenso incendio sónico, siempre viene bien que ‘Antes De Partir (Memorias De La Batalla)’ aporte un giro hacia climas un poco más ligeros. La pieza se focaliza en una vibración rockera frontal, ágilmente capitalizada por la estructura rítmica sostenida por la dupla Jiménez-León; el canto es aguerrido, completando así un cuadro sonoro de colaterales afinidades post-punk. Los últimos 13 minutos y medio del álbum están ocupados por ‘Crónicas De Un Dulce Naufragio’, pieza que se desarrolla a través de una interesante ilación de variados motivos que transitan entre la psicodelia pesada, la vibración neurótica del KING CRIMSON 73-74 y un furioso talante stoner, además de un lisérgico pasaje de orientación post-rockera que se ubica en el primer tercio como proceso de incubación para lo que seguirá después. El grupo se siente cómodo explayándose en el clímax conclusivo, alargándolo con consistencia hasta llevarlo a una conclusión grisáceamente relajante.” 

Nada ha cambiado hoy respecto a lo que dijimos aquí sobre “El Eterno Retorno” en su momento: nos sigue pareciendo una estupenda carta de presentación de parte de MACONDO, un cuarteto esencial para la actual vigencia de la avanzada rockera peruana dentro del siempre activo underground limeño. Cerramos esta reseña de evocación con un enlace de la pieza que precisamente cierra el álbum:  https://www.youtube.com/watch?v=sTl2Pfi7NeA

OZRIC TENTACLES. un nuevo viaje a los lugares sagrados del space-rock progresivo

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La gente de OZRIC TENTACLES vuelve al ruedo con un nuevo trabajo fonográfico particularmente ambicioso: se trata del álbum doble “Technicians Of The Sacred”. Ed Wynne, la figura perpetua de la banda, ocupa sus roles usuales a la guitarra y el sintetizador, mientras que su esposa Brandi Wynne se hace cargo del bajo. Además, su hijo Silas, quien responde al nombre artístico de Silas Neptune, toca el sintetizador y algo de saz. La dupla de Balázs Szende (a la batería) y Paul Hankin (a las congas, bongós y otros implementos percusivos) aporta un sólido factor humano a los esquemas rítmicos exhibidos a lo largo de los dos volúmenes de “Technicians Of The Sacred”, en los cuales también se hacen notar los recursos cibernéticos. Publicado en mayo pasado por el sello Madfissh (sucursal de Snapper Music), es el primer álbum doble de los OZRIC TENTACLES desde aquel lejano y legendario “Erpland”, que data del año 1990. El grupo se ha tomado un tiempo de cuatro años desde que lanzó sucesivamente los álbumes “The Yumyum Tree” y “Paper Monkeys”. Desde su estudio ubicado en alguna montaña del estado de Colorado, el grupo ha estado revitalizando su enfoque masivamente electrónico del space-rock contemporáneo, pero con el gran incendio del año 2013, el trabajo con sus nuevas composiciones se debió demorar un poco más de lo previsto. Pues bueno, ahora que tenemos a este nuevo trabajo en nuestras manos, notamos un consistentemente reforzado modernismo musical en cuanto al peso de los sintetizadores dentro de los sucesivos enclaves sónicos: repasemos ahora los detalles de ambos volúmenes de “Technicians Of The Sacred” (adelantamos que el segundo es nuestro preferido).

‘The High Pass’ es la pieza a cargo de abrir el primer volumen y lo hace exhibiendo un colorido cautivador e intenso con una fastuosa espectacularidad. Al iniciarse las cosas con esos golpes de iniciales de platillos y esas inmensas capas sintetizadas al estilo del TANGERINE DREAM 79-80, el terreno está sólidamente asentado para que el ensamble se regodee en una magnificencia cósmica donde los teclados se apoderan de casi todo el encuadre integral…. hasta que en la sección final entra en acción la guitarra para ostentar una agilidad filuda, logrando así que el núcleo temático alcance un punto climático inapelable. ‘Butterfly Garden’ porta un vigor parecido al del primer tema pero el aspecto electrónico está aún más reforzado a fin de resaltar los matices orientales de la idea central de la pieza. Las imágenes de incansables aleteos de millares de pequeñas criaturas en un jardín donde las plantas y flores se agitan por causa de la brisa primaveral encuentra en esta maraña de sonidos el equivalente perfecto. Se engarza de inmediato el tercer tema, ‘Far Memory’, el cual le da un refrescante enfoque jazz-rockero al asunto merced al swing sobriamente sofisticado que arma la triada rítmica, aunque los aportes de los sintetizadores y la guitarra siguen siendo fieles al paradigma space-rockero que el grupo ha venido madurando desde inicios de los 90’s. Con la dupla de ‘Changa Masala’ y ‘Zingbong’, la banda vuelve a prodigarse en climas ágiles y texturas electrónicas de inspiración exótica, incluso incorporando algunos casuales pasajes motivados por el dub-reggae. En el caso particular de ‘Zingbong’, notamos una elaboración más exhaustiva del desarrollo temático y un talante un poco más pomposo; esto último ayuda bastante a asentar el terreno para el arribo de ‘Switchback’, la pieza más larga del primer volumen – dura casi 10 ¼ minutos – y también la que lo cierra. Lo que tenemos en ‘Switchback’ es un ejercicio consistente de grooves llamativos y bailables, muy a tono con el paradigma del STEVE HILLAGE de las dos últimas décadas y media (space-rock reconvertido en trance jazz-progresivo). En algunos momentos, el grupo trabaja unas síncopas más reposadas en base a los loops permanentes con el propósito de crear texturas envolventes a modo de variantes estructurales. La pieza dispone en sí misma de una arquitectura temática férrea pero el grupo se da buena mañana para mantener su vitalidad a lo largo del amplio margen de acción que se regala.

El segundo volumen se abre con ‘Epiphlioy’, tratándose de la pieza más extensa de toda esta obra con sus 11 ¾ minutos de duración. Dado que el saz ocupa un rol proficiente dentro del entramado instrumental, eso permite explorar el lado étnico con particular fruición, incluyendo el manejo de compases inusuales. También hay ciertos pasajes un tanto más agresivos en los que la dupla de batería-percusión y los guitarreos se conjugan a la hora de sostener la robustez expresiva del momento. Dicho sea de paso, en esta pieza encontramos uno de los mejores solos de Ed: en general, se instaura como un cénit inapelable del álbum. A continuación sigue ‘The Unusual Village’, el cual sigue explorando a fondo el modelo del krautrock electrónico a la par que abre espacios para algunas proyecciones enérgicas de la guitarra. Los samplers de teclado y guitarra incorporan ornamentos inspirados en el Medio Oriente. Tenemos aquí el matrimonio perfecto entre el TANGERINE DREAM de fines de los 80’s, el STEVE HILLAGE contemporáneo y el paradigma de TREY GUNN. ‘Smiling Potion’ comienza con un groove contenido, dando vueltas a un swing exótico que se deja arropar por masivas capas y adornos de sintetizadores. Más adelante, el swing se intensifica y abre paso a un esquema rítmico donde lo ritual y lo festivo se fusionan con total fluidez, generando así un clímax muy efectivo. ‘Rubbing Shoulders With The Absolute’ se explaya en una mezcla de dub-reggae y trance, lo cual hace que la banda vuelva a apelar a ciertos enfoques que habían sido predominantes en el primer volumen. Durando poco menos de 10 minutos, ‘Zenlike Creatures’ cierra el repertorio global exhibiendo una dinámica ágil en base a una idea central muy sencilla con claros ribetes del Extremo Oriente. Una vez más, tenemos que las bases, secuencias y ornamentos de los sintetizadores ocupan un rol absorbente, siendo así que la dupla rítmica – mostrando por enésima vez su gran ingenio y gran pulso – carga sobre sus espaldas la labor de gestar una calidez integral para el bloque instrumental en pleno. Siendo así que la vitalidad persistente de esta pieza se apoya en un compás inusual con tendencias jazz-fusionescas, la dinámica ágil que mencionamos hace un momento adquiere ribetes de sofisticada estilización. Teniendo en cuenta que su esplendor sónico no es tan ampuloso como el de ‘Epiphlioy’ ni tampoco ostenta una robustez rockera como otros temas precedentes, se puede decir que ‘Zenlike Creatures’ es un broche diseñado para instalar un epílogo con talante contemplativo.

 

Todo esto fue el repertorio de “Technicians Of The Sacred”, un disco diseñado para motivar matices refrescantes dentro de un paradigma compactamente delineado como es el de los OZRIC TENTACLES. Este grupo ya tiene un discurso centrado desde hace tres décadas, por lo que cada nuevo disco tendrá no la misión de abrir vías nuevas insospechadas de expresión sino crear nuevas capas de expansión sonora para dicho discurso. “Technicians Of The Sacred” resulta, por sobre todas las cosas, una obra bien lograda dentro del space-rock progresivo de nuestros tiempos.

Muestras de “Technicians Of The Sacred”.-

The High Pass: https://www.youtube.com/watch?v=TRrM1XvNJIQ

Epiphlioy: https://www.youtube.com/watch?v=Jeuomc_rqu8 

Zenlike Creature: https://www.youtube.com/watch?v=ohQ-ToPpKrI

La segunda travesía progresiva de H7G

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La escena progresiva costarricense se viste de gala con el nuevo disco del cuarteto H7G: el segundo trabajo de la banda se titula “La Nave De Los Locos”, el mismo que fue publicado a fines del primer mes del presente año 2015. Ignacio Duarte [guitarra], Charly Fariseo [teclados y efectos], Mario Duarte [bajo] y Mariano Vidor [batería y Theremín] han logrado gestar una obra amena y estimulante. La estructura musical de este nuevo álbum se distingue en varios detalles de la del álbum debut “Esclavo De La Máquina” (el cual data del año 2012): los desarrollos temáticos tienden a ser menos expansivos, teniendo en cuenta que la pieza menos extensa del primer disco duraba poco menos de 7 ½ minutos mientras que la más extensa del nuevo apenas supera la barrera de los 7 minutos; hay más presencia vocal, siendo instrumentales solamente 2 de las 7 piezas; hay una mayor presencia de recursos de aspereza rockera a lo largo del esquema integral del repertorio. Con todo, nada de esto significa que H7G hayan renunciado a sus ideales de rock complejo con esencia progresiva, solamente que han decidido darle un nuevo giro a sus inquietudes creativas para darle un aire fresco a su aún joven vigencia. De hecho, el encuadre de “La Nave De Los Locos” es conceptual, centrándose en las actitudes y personalidades de personajes dementes ficticios.    

‘Cápsula’ pone a enrumbar esta nave musical con un groove llamativo que no tarda mucho en abrir paso a ornamentos y quiebres rítmicos sofisticados, alternando pasajes de jazz-rock pesado y de space-rock con una pasmosa fluidez. La sección final explota como un volcán lleno de fastuosa furia, gestando sonoridades incandescentes cuya fuerza se beneficia de una ingeniería bien articulada por los cuatro músicos. Ésta es la primera de tres canciones en las que el guitarrista Ignacio asume el rol de vocalista (las otras son la #3 y la #4). Luego sigue ‘Pumalión’ para llevarnos a un ejercicio de psicodelia progresiva moderna, con algunos tintes stoner que emergen para encauzar ingeniosamente los momentos de mayor intensidad expresiva. Es en esta canción donde el baterista Vidor asume por primera vez el rol de vocalista (la otra será la #6). ‘Niña Collage’, la tercera pieza del disco, porta unas vibraciones estilísticamente conectadas con la línea de trabajo plasmada en el disco debut: música progresiva químicamente pura que articula las influencias de la vieja escuela progresiva en sus dimensiones más épicas, la primera generación del prog-metal (DREAM THEATER, FATES WARNING) y su buena cuota de swing jazz-rockero. ‘Bambi Woods’ completa un balance creativo entre el prog-metal y la psicodelia progresiva: hay un interludio en el que la batería arma un esquema rítmico que tiene algo de tribal, el mismo que logra enfatizar el turbio colorido del solo de guitarra (uno de los mejores de todo el repertorio). La sección final ostenta un frenesí inexorablemente feroz. El quinto tema es el que justamente lleva el título del álbum, y al igual que ‘Niña Collage’, porta directamente la herencia de “Esclavo De La Máquina”, con las salvedades de que la presencia de ornamentos cósmicos de los sintetizadores tiene mayor peso en la amalgama grupal y que el nivel de sofisticación musical no es tan desafiante. El rol protagónico que orgullosamente ostenta la primera guitarra sirve como guía perfecta para focalizar el centro temático con buen pulso; por otra parte, también disfrutamos de unas excelentes intervenciones del bajo que crean un colorido especial dentro del groove a la par que conecta el esquema rítmico con la riqueza melódica diseñada para la ocasión.

Ya nos vamos acercando al final del disco cuando emerge ‘Vladis (Di Blassio)’, el cual entra de lleno a la pesadez estilizada propia del DREAM THEATER 89-95, y tal vez, también del paradigma de los alemanes VANDEN PLAS. El groove de la dupla rítmica es simplemente fabuloso; bueno… es verdad que tiene un desempeño formidable a lo largo de todo el disco, pero en esta pieza nos parece que se luce de una forma especial. Los últimos 7 minutos del álbum están ocupados por ‘Marlon Random’, el otro tema instrumental del disco. Dominado por un esquema jazz-rockero con colaterales tintes hard-progresivos que se van armando sobre el camino, el tema comienza con un groove sereno donde la placidez se enseñorea con un nervio asertivo; más adelante, el tema vira hacia un esplendor aguerrido sobre un groove intenso, y es allí donde la garra de la guitarra y los ornamentos cósmicos de los sintetizadores logran hermanarse en un juego de sonoridades contundentes. La coda viene con un efecto de sintetizador que tiene algo de tenebroso, casi recordándonos a los delirios abstractos del TANGERINE DREAM 72-73: posiblemente se trata de un retrato musical del desvariado viaje mental de los lunáticos. En fin, ésta fue la experiencia de “La Nave De Los Locos”, un disco buenísimo con el que H7G siguen completando una más que interesante travesía surcando los mares del mundo progresivo contemporáneo. La verdad que vale la pena subirse a esta nave y dejarse llevar por la imaginación: ¡disco recomendado!

Muestras de “La Nave De Los Locos”.-

Cápsula: http://himno7galaxia.bandcamp.com/track/c-psula

Niña Collage: http://himno7galaxia.bandcamp.com/track/ni-a-collage-2

KENNEDY: un resurgimiento de las cenizas bajo la luz del sol naciente

HOLA, AMIGOS DE AUTOPOIETICAN, LES SALUDA CÉSAR INCA.

Desde Japón llega el trío KENNEDY para poner su grano de arena dentro de la producción progresiva mundial del año 2015. Esta organización progresiva compuesta por Izumi Mutsuhiko [guitarras], Yasuda Takashi [batería] y Wolfram “Wolli” H. Alber [teclados] ha publicado en febrero pasado el disco titulado “Triangle Motion” a través del sello King Records. Este grupo no es nada novato: por el contrario, sus dos primeros discos – y únicos hasta ahora – datan entre los años 1986 y 1988. El grupo se formó en el año 1983 bajo la iniciativa conjunta del guitarrista Izumi Mutsuhiko y el teclista Kenji Konishi, terminando por convertirse en un cuarteto de guitarra-teclado-saxo-batería con la mira puesta en cultivar una mezcla de jazz-rock melódico y rock progresivo. Con la temprana muerte de Konishi en un accidente de tráfico a poco de salir al mercado el segundo álbum de la banda, ésta se desintegró. Lo que tenemos ahora con el KENNEDY del nuevo milenio es un trío de guitarra-teclado-batería motivado a retomar el proyecto y darle un brío nuevo dentro de un paisaje renovado en consonancia con el desarrollo actual de varias áreas del género progresivo.

Ocupando los primeros 4 ½ minutos del álbum, ‘Reddo Sutōn’ pone en marcha con un fulgor rotundo donde la magia del sinfonismo clásico – al modo de un híbrido entre UK y el WAKEMAN del “Criminal Record” – impone una estilización decisiva a una idea musical básicamente inspirada en el prog-metal melódico (al estilo de PLANET X). ‘Burūsu’ vira las cosas hacia el blues-rock en cuanto al armado de la estructura rítmica pero con la pomposidad melódica esencial a la banda: se nos vienen a la mente los modelos de COLOSSEUM II y el dúo JAN HAMMER/NEAL SCHON en una cruza solemne y fastuosa. Aunque la guitarra es el instrumento principal en los solos y en el armado de las mayores bases armónicas, cabe destacar también un alucinante solo de sintetizador que se explaya con vitalista contundencia en algún lugar del medio. Con ‘Afugan Fīrudo’, el grupo decide volver a territorio de PLANET X y LIQUID TENSION EXPERIMENT con una prestancia imponente que se alimenta de temas melódicos de inspiración exótica, mientras que con ‘Kuremurin Dorīmu’ las cosas se encuadran dentro de un sinfonismo de claro talante contemporáneo, semejante al que practican sus compatriotas de PTF y KBB, e indirectamente, con influencias del modelo de UK y de la mejor cosecha de EMERSON, LAKE & PALMER. Los poco más de 6 minutos de esta pieza están perfectamente aprovechados para instaurar y enriquecer crecientemente la atmósfera central. ‘Amerika’ sigue por esta veta sinfónica pero con una mayor cercanía al paradigma Wakemaniano a la par que preserva un punche rockero llamativo (tal vez emparentado con el aspecto más extrovertido del KANSAS clásico). Así, como quien no quiere la cosa, han pasado veintisiete minutos y medio cuando llega ‘To~Uinkuringu Nasa’ para darnos 3 minutos más de placer melómano: su estrategia consiste básicamente en retomar el espíritu de ‘Reddo Sutōn’ y brindarle un gancho aún más imponente.

‘Aruru No Taiyō’ es el tema más extenso del álbum, durando casi 9 ¼ minutos. Centrándose en atmósferas ceremoniosas y épicas en base a una espiritualidad reflexiva, la pieza ostenta la lentitud de su esquema rítmico para que las abundantes orquestaciones de teclado (a medio camino entre la musculatura de un EDDIE JOBSON y las vibraciones ensoñadoras de un VANGELIS) armen el núcleo temático. Cuando surge el solo de guitarra se hacen notar las influencias de STEVE MORSE y JEFF BECK. Por su parte, ‘Toraianguru Mōshon’ vuelve a remontar el vuelo de la lava rockera en proporciones kilométricas bajo el modelo de LIQUID TENSION EXPERIMENT, siendo así que, acto seguido, ‘Supīdo Kingu’ sigue adelante con este renovado frenesí a punta de un esquema rítmico más impetuoso y un aminoramiento del factor sinfónico. Las exhibiciones de gimnasia están empleadas con la usual ostentación de estos casos, pero también sirven para dar un colorido oportuno a los motivos musicales que se ponen sobre el tapete para cada una de estas dos piezas. Mientas nos vamos acercando al final del álbum llegamos a ‘Randoseru Ginga’, una pieza netamente sinfónica que nos remite a los legados de las bandas compatriotas MAHOUJIN y DEJA-VÙ, con algunos toques añadidos de VANGELIS dentro del resultado final. El repertorio se completa con ‘Towairato Nasa’, que igualmente a lo que sucedió en ‘Randoseru Ginga’, tiene al teclado como protagonista: esta vez se trata de un ejercicio de romanticismo con algunos quiebres barrocos en el transcurso de los ornamentos, algo muy a lo WAKEMAN. Suponemos que esta seguidilla de las últimas piezas está diseñada para mostrar a “Wolli” como la figura central del ahora trío.

Como balance general, “Triangle Motion” nos parece un disco que irradia vigor, refinamiento musical y actitud excitante en dosis enormes; por todo ello, nos parece que es el pretexto perfecto para que los que aún no hayan descubierto a KENNEDY lo hagan ya, mientras que los que ya están familiarizados con su obra anterior deben estar preparados para recibir una reestructuración masiva de su propia voz progresiva. Música buena y entretenida, recomendada dentro de cualquier buena discoteca de rock progresivo contemporáneo.

Selección de muestras parciales de “Triangle Motion”: https://www.youtube.com/watch?v=pWDnPQLU2Zw

La recarga sulfúrica de AKINETÓN RETARD

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Buenas noticias sobre el ensamble chileno AKINETÓN RETARD, algo que resulta obvio cuando la noticia implica la publicación de un nuevo trabajo discográfico de su parte: el disco que nos traen en el presente año 2015 se titula “Azufre”. El quinteto chileno conformado por Tanderal Anfurness (Vicente García-Huidobro) a la guitarra, Estratos Akrias (Leonardo Arias) al saxo tenor, Bolshek Tradib (Cristián Bidart) a la batería, Edén Ocsarrak (Edén Carrasco) al saxo alto y soprano, además de efectos computarizados, y Jay Michel Adams (Jaime Concha) al bajo, muestra en este nuevo trabajo fonográfico que conserva intacto su nervio creativo a la hora de explorar renovadores derroteros expresivos para su propuesta jazz-progresiva de vanguardia. Además de esto, el grupo revitaliza su propio legado, el cual se inició con su inolvidable disco homónimo publicado a fines del pasado milenio y cuyo último indicio concreto fue “Cadencia Urmana”, del año 2006. La hibernación del grupo ha sido un poco larga pero también es verdad que los integrantes cuentan con otros proyectos (constantes o efímeros) en sus agendas particulares: Jaime Concha es el nuevo nombre en la alineación de la banda. Las sesiones de grabación para el repertorio de “Azufre” tuvieron lugar a lo largo de tres días de inicios de julio del 2014, y por fin pudo salir al mercado en una coproducción entre la iniciativa de los mismos AKINETÓN RETARD y el sello CHT Müsik. Bueno, repasemos ahora cada uno de los siete temas que lo conforman.

Durando poco menos de 3 ¾ minutos, ‘Jason Torelli’ da inicio al repertorio del disco con una vibración bastante muscular en base a una combinación de pesadez rockera con ribetes psicodélicos y un groove jazz-rockero a medio tiempo. Si podemos imaginar a unos FULANO regulados por la legislación Crimsoniana y con ciertos aires de familia con JAGA-JAZZIST, entonces podemos hacernos una idea de cómo es esta pieza en sí. DJ Spacio aporta algunos efectos de scratches a esta pieza, y lo mismo hará con la pieza homónima más adelante. ‘Come On Lenny!!!’ sigue a continuación para mostrarnos una ambientación sónica un poco más aligerada en cuanto a lo rítmico, mientras que algunos ornamentos de los vientos y la guitarra nos llevan a factores estilísticos heredados del FRANK ZAPPA 76-79 y del KING CRIMSON 73-74. Tenemos aquí un temprano cénit del álbum, un ejercicio de dinamismos musicales tan cautivadores que el oyente de turno debe lamentar que no llegue siquiera a completar cuatro minutos de duración, pero bueno… el álbum sigue adelante con ‘La Vida Rota’. Esta pieza es ya una vieja conocida de quienes seguimos la trayectoria fonográfica de AKINETÓN RETARD. En efecto, por primera vez apareció esta canción en sendas versiones vocal e instrumental en el tercer álbum de la banda “21 Canapés”. Para esta versión de este bolero-jazz, el grupo contó con la presencia invitada de la cantante Carmen Gloria Vilches, así como la del teclista Rodrigo Rojas y la del percusionista Rodrigo Mora. Alejándose del tropicalismo criollo y surcando los mares hacia las costas occidentales de África, la banda elabora una sabia mezcla del estándar del afro-rock-fusión (OSIBISA, WAR) y el WEATHER REPORT pre-Pastorius con ‘Afrobó’, un tema que tiene tanto de exuberante como de neurótico. La magia musical invertida en ‘Afrobó’ porta un gancho innegable e inapelable, simultáneamente creando un clima de electrizante tensión para el enraizamiento de los arreglos rítmicos y el despliegue de los ensamblajes y solos de los metales. Nos parece indudable que aquí tenemos un segundo cénit del álbum… ¡y además, la novedad de ver al baterista Bidart aportar una segunda guitarra al ensamble!

  

Tras la tensión llega la calma, una calma reflexiva y también cálida, la calma que define a la pieza homónima: sin ser totalmente ajeno a los recursos de densidad jazz-rockera con los que el grupo armó las dos primeras piezas del disco, ahora el espíritu es flagrantemente contemplativo, lo cual abre campo para el desarrollo de sucesivos solos de guitarra y saxo donde se prioriza el lirismo. Rojas reaparece como teclista invitado. Si ‘Azufre’ es otra cumbre del álbum que lleva su nombre al igual que la pieza precedente, lo es por razón de una magnificencia opuesta: se trata de un muy inspirado ejercicio de desarrollos temáticos envolventes y cadencias serenas. Nos acercamos al final del álbum cuando emerge ‘Chévere’, una pieza inundada de vibraciones celebratorias. Las cadencias inspiradas en danzas precolombinas armonizan muy bien con los efluvios psicodélicamente poderosos que se triangulan entre la guitarra y los dos saxos, algo que también funciona en ese momento cuando el esquema rítmico empieza a coquetear abiertamente con el modelo del Latin-jazz. También notamos aquí una cierta aura surrealista que posiblemente esté inspirado en el alucinado paradigma inmortal de ZAPPA. El cierre llega con ‘Loop’, el tema más extenso del disco con sus 7 minutos de duración; también es el tema de mayor proyección introvertida, pues establece una ambientación otoñal y nebulosa con esa mezcla de nu-jazz y post-rock que parece expresar la ansiedad crucial de una añoranza persistente (algo así como un TORTOISE contaminado por algunas aristas expresivas de GODSPEED YOU BLACK EMPEROR!).

Ésta fue la experiencia de “Azufre”, un disco que no llega siquiera a los 35 minutos de duración, lo cual puede parecer un poco frustrante para el oyente que se siente motivado para escuchar más… Pero lo más importante es que se trata de un catálogo repleto de vigor e ingenio, y eso es algo que siempre cabe esperar de AKINETÓN RETARD. Como dijimos al inicios de la presente reseña, tenemos buenas noticias referentes a este quinteto chileno y esperamos haber explicado claramente las razones para ello.

Muestras de “Azufre”.-

Afrobó: https://www.youtube.com/watch?v=uiEvqJPp6cU

Azufre:  https://www.youtube.com/watch?v=FBZYxDaDJ8E